Earticle

중국의 정원(원림)은 전통적인 주거 형태의 독특한 경관 미학을 표현하며 발전 하였다. 정원 조경은 건축, 식물학 등 과학적이고 전문적인 지식을 필요로 하게 되는 한편 주 향유자인 문인과 화가들도 설계와 건설에 참여하여 그들의 심미 취향을 반영 하게 되면서 고급한 상층문화를 대표하게 되었다. 특히 남송 시대에 이르러서 중국 정 원 건축은 전성기를 누렸을 뿐만 아니라 정원을 소재로 한 계화도 황금기를 맞이하였 다. 정원 조경과 계화는 서로간의 예술적 장르가 다르지만 시각적 아름다움을 추구하 는 이질적 동형성을 지니고 있어 이 둘은 서로 밀접한 관계를 맺으면서 발전하였다. 본 논문은 남송(南宋） 시대의 두 폭의 부채 그림 『만화춘수도（万花春睡 图）』와 『선관농화도（仙倌侬花图）』를 연구 대상으로 하여 정원 조경을 분석하였 다. 문헌 연구와 이미지 분석을 통해 『만화춘수도』와 『선관농화도』속에 표현된 정원의 경관 배치와 전통 조경 기법을 건축물의 배치, 바위와 연못의 배치, 산책로, 식 물과 꽃 등의 조경 요소를 자세히 분석하고 비교하여 계화와 정원 조경 기법 사이의 예 술적 전환을 설명하였다. 이 두 작품은 여성들이 저택에 조성된 정원에서 청한지락 （清闲之乐）과 관물지락（观物之乐）의 삶을 향유하는 것을 표현하고 있어서， 당시 여성들의 일상생활을 깊이 있게 들여다 보고 정원 조경 디자인에 그 일상 활동을 배려 하여 조경 요소를 배치하고 있는 것을 알 수 있다. 화가가 이런 조경 설계자들의 의도를 정확히 알고 정원을 배경으로 한 여성의 일상생활의 한 단면을 『만화춘수도』와 『선관농화도』에 표현하고 있으며 그림 속 조경의 내용과 형식에 섬세하고 세련된 여성 중심적인 영향을 충분히 반영하고 있다. 당시 계화에 나타난 여성의 정원 속 일상활동을 연결하여 연구함으로써 정원의 용도와 조경 기법의 밀접한 관계를 조명하고 남송시대 정원 조경 예술의 발전과 특성의 한 단 면을 규명하였다.

This paper examines garden landscaping in the Southern Song dynasty through the analysis of two fan paintings, “Spring Slumber Among a Myriad of Flowers”and “Blooming Flowers in an Immortal's Pavilion”. Traditional Chinese garden aesthetics, a reflection of sophisticated upper- class culture, evolved through the convergence of scientific and professional knowledge in architecture and botany, as well as the aesthetic preferences of literati and painters who participated in the design and construction process. As a result, these gardens became representative of refined high culture. During the Southern Song period, Chinese garden architecture not only reached its peak but also coincided with the golden age of garden painting. Although garden landscaping and garden painting are distinct artistic genres, they share a heterogeneous isomorphism in their pursuit of visual beauty, developing in close relation to each other. Through literature review and image analysis, this study thoroughly examines and compares the garden layouts and traditional landscaping techniques depicted in “Spring Slumber Among a Myriad of Flowers” and “Blooming Flowers in an Immortal's Pavilion”. The analysis focuses on the arrangement of architectural structures, rocks, and ponds, as well as pathways, plants, and flowers, to explain the artistic transition between garden painting and garden landscaping techniques.Both paintings depict women enjoying the pleasures of leisure (清闲之乐) and observation of nature (观物之乐) within the gardens of their residences. These works offer deep insight into the daily lives of women at the time, revealing that garden design carefully incorporated elements that catered to their everyday activities. The painters, fully aware of the intentions of garden designers, vividly capture a slice of women’s daily life against the backdrop of a garden in “Spring Slumber Among a Myriad of Flowers”and “Blooming Flowers in an Immortal's Pavilion”. These paintings subtly and elegantly reflect the influence of female-centric perspectives on the content and form of the garden landscapes depicted.By connecting the depiction of women's daily activities in the garden with garden painting, this study highlights the close relationship between the purpose of the garden and landscaping techniques. It sheds light on a particular aspect of the development and characteristics of garden art in the Southern Song dynasty.

본 논문은 한국연구재단의「남북문화 동질성회복을 위한 북한서예문화 현황 고 찰」에 대한 대과제(大課題) 중에서 세 번째 소주제인「북한의 백두산3대장군서체와 한글서체 분류체계 고찰」이다. 앞의 과제에서 밝힌 바와 같이 본 연구는 지금까지 남한에서 거의 이루어지지 않은 내용이다. 이에 따라 우선 북한의 서예문화 현실을 있는 그대로 객관적으로 파악 하는 것을 1차적인 목표로 연구를 진행한다. 지금 입장에서 이러한 방법이 북한을 이 해하는 지름길로 판단했기 때문이다. 북한의 서예는 주체사상을 근간으로 1980년대에 ‘주체서예’라는 개념이 등장하 고 이것이 북한의 주류서체로 자리 잡게 된다. 주체서예가 자리를 잡게 되는 과정에는 백두산3대장군 서체의 태동 등 형성과정과, 백두산3대장군 서체가 북한의 서체분류체 계에 어떠한 영향관계 속에서 정립되었는지를 살펴보았다. 일부 내용에 대해서는 남한 의 한글서체 분류체계와 간접적으로 비교하면서 진행하였다. 연구결과 ‘백두산3대장군’이라는 명칭은 1980년 사회주의가 고립되고 주체사상 과 수령제를 공고히 하는 과정에서 등장되었고, 2001년도에는 ‘백두산3대장군 명필체’ 로 김일성의 <태양서체>, 김정일의 <백두산서체>, 김정숙의 <해발서체>가 공식적으로 명명된다. 그리고 주체서예 형성에 있어서 백두산3대장군의 서체가 북한 서체분류체계 형성에 중심이 되어 체계화된 것이 확인된다. 즉 서예에 대한 기본개념 및 서체분류체 계가 김일성의 <태양서체> 개념 그대로 수용되어 정립된 것이다. 이는 남한의 서예개 념과 상당이 이질화된 것으로, 대표적으로 남한에서 인정하고 있지 않는 분야(그린글 씨체)를 북한은 서예개념에 포함하여 이를 이론·체계화하여 활성화하고 있다. 이러한 제반 문제가 향후 남북한 서예분야 동질성 회복차원에서 남북한이 같이 풀어야 할 숙 제라고 본다. 연구진행에 있어서 관련된 북한자료가 극히 제한되어 있는 관계로 일부내용은 언론자료를 통해 실상을 간접적으로 확인하였고, 북한의 원자료를 가능하면 그대로 인 용, 내용이 왜곡되지 않도록 하여 논문의 객관성과 신뢰성을 최대한 확보하고자 하였 다. 본 소주제(小主題)에 대한 과제 수행 후, 계속하여 다른 소주제를 선정·연구, 북 한 서예문화 전체 현황을 정리해 나가고자 한다.

This paper is the third sub-topic of the Korean Research Foundation's review of the status of North Korean calligraphy culture for the restoration of homogeneity of inter-Korean culture,「A Study on Baekdusan Three Generals’ calligraphy typeface(書體) and the Hangul calligraphy typeface Classification System of North Korea」. The first paper had been「A review of the early status of the differentiation of calligraphy culture in the modern period」and the second,「A Study on North Korea's Calligraphy Origin and Juche Calligraphy(主體書藝) Growth and Establishment Process」. As stated in the previous task, this study has hardly been conducted in South Korea so far. Accordingly, the primary goal of the study is to objectively grasp the reality of calligraphy culture in North Korea as it is. This is because, from the current standpoint, this method was judged as a shortcut to understanding North Korea. Based on the Juche ideology, the concept of 'Juche calligraphy' emerged in the 1980s, and this became the mainstream typeface in North Korea. In the process of establishing Juche calligraphy, we examined the formation process, such as the birth of the Baekdusan Three Generals’s calligraphy, and how did the Baekdusan Three Generals’ calligraph play a role in the formation process of the North Korean typeface classification system. Some of the contents were conducted by comparing indirectly with South Korea's Korean typeface classification system. As a result of the study, the name of 'Baekdusan Three Generals' emerged in the process of isolation of socialism in 1980 and solidifying the Juche ideology and the leader system. In 2001, Kim Il-sung's "Sun Calligraphy", Kim Jong-il's "Baekdu Mountain Calligraphy", and Kim Jung-sook's "Haebal Calligraphy" were officially named as the "Baekdusan Three Generals’s Master calligraph". In the formation of Juche Calligraphy, it is confirmed that the typeface of the Baekdusan Three Generals was systematized as the center of the formation of the North Korean calligraphy system. In other words, the basic concept of calligraphy and the typeface classification system were established by accepting Kim Il-sung's "Sun Calligraphy" concept as it is. This is a significant difference from the concept of calligraphy in South Korea, and North Korea is theorized and systematized to revitalize a field (green calligraphy) that is not recognized in South Korea. All of these problems are considered to be homework that the two Koreas should solve together in order to restore homogeneity in the calligraphy field in the future. Due to the extremely limited North Korean data related to the research process, some contents were indirectly confirmed through media data, and the original North Korean data was cited as much as possible to ensure the objectivity and reliability of the paper as possible.

본 연구는 현대 미용 산업에서 새치염색에만 국한되어 있는 모발 천연염색의 다 양한 색상을 표현하고 실무에서의 실용가능성을 연구하였다. 연구 방법으로는 버진 헤어를 탈색 후 실험용 헤어피스로 만들고 오배자, 코치 닐, 락, 자초, 꼭두서니, 울금, 멀베리의 천연염료를 무매염 외에 매염제 5가지 (초산 구리, 구연산, 명반, 수산화나트륨, 황산 제 1철)을 첨가하여 동시매염으로 염색하였 다. 그 후 염색한 헤어피스를 색차계와 분광측색계로 분석하여 색 추출의 데이터 결과 이다. 오배자는 철매염제를 뺀 나머지 매염제들로 소프트톤의 주황빛을 띈 노란색을 보였고 서로 간에 색상은 육안으로 큰 차이가 없었다. 코치닐은 동물성 천연염료로 전 반적으로 붉은색으로 염색되었다. 락은 총체적으로 딥톤, 다크톤의 붉은색으로 염색되 었다. 자초는 다색성 천연염료이기 때문에 시각적으로 매염제에 따라 각각의 다양한 색상을 보여주었다. 꼭두서니의 경우 전반적으로 선명한 색조인 노랑, 주황의 웜톤의 색상으로 염색되었다. 하지만 구리매염제를 사용해서 염색한 헤어피스의 HV/C 값은 7.2Y 4.5/3.2이고, 철매염제에서는 8.9Y 3.2/3.1로 염색되었다. 울금으로 얻어진 색은 아주 밝고 약간의 주황빛을 띈 선명한 노란색을 보였다. 멀베리는 모든 헤어피스 가 다크톤과 덜톤의 초록색과 연두색으로 염색되었다. 본 연구는 천연염료에 다양한 매염제를 활용함으로써 천연염모제의 다양한 색상 의 헤어컬러링을 위한 기초자료로 활용할 수 있다.

This study investigated the expression of various colors in natural hair dyeing, which is currently limited to covering gray hair in the modern beauty industry, and examined its practical applicability in the field. For the study, virgin hair was bleached and made into experimental hairpieces. These hairpieces were dyed using natural dyes from gallnut, cochineal, lac, lithospermum root, madder, turmeric, and mulberry. In addition to dyeing without mordants, five mordants (copper acetate, citric acid, alum, sodium hydroxide, and ferrous sulfate) were used in simultaneous mordanting. The dyed hairpieces were then analyzed using a colorimeter and a spectrophotometer to obtain data on the extracted colors. Gallnut showed a soft-tone yellow with an orange tint with all mordants except for the iron mordant, and there was no significant difference in color between the different mordants as observed by the naked eye. Cochineal, an animal-based natural dye, resulted in an overall red color. Lac dyed the hairpieces in deep and dark tones of red. Lithospermum root, being a polychromatic natural dye, exhibited various colors visually depending on the mordant used. Madder, on the other hand, dyed the hairpieces in warm tones of yellow and orange, generally showing bright hues. However, the HV/C values of the hairpieces dyed with the copper mordant were 7.2Y 4.5/3.2, while those dyed with the iron mordant were 8.9Y 3.2/3.1. The color obtained from turmeric was a very bright, vivid yellow with a slight orange tint. Mulberry dyed all hairpieces in dark and dull tones of green and light green. This study can be used as a foundational resource for achieving diverse hair coloring with natural dyes by utilizing various mordants.

『구운몽(九雲夢)』은 영조(英祖, 재위 1724-1776)가 읽고 몇 차례 언급했을 정도로 조선후기에 계층을 막론하고 큰 인기를 끌었던 소설이다. 이러한 광범위한 인 기 덕분에 이를 도해(圖解)한 구운몽도(九雲夢圖) 역시 많이 그려졌다. 특히 19세기부 터 20세기 전반에 걸쳐서 민화(民畵)로 다양하게 제작되었다. 이 글은 현재 전해지는 다수의 구운몽도 가운데 높은 회화적 완성도를 지니고 있는 경기대학교소성박물관 소 장의 《구운몽도(九雲夢圖)》8폭 병풍에 대하여 검토한다. 경기대학교소성박물관에 소장되어있는 《구운몽도》의 경우 구운몽도의 다양한 버전 가운데 한 가지 사례로 언급되긴 했지만 자세한 분석은 이루어진바 없다. 본 논문 은 경기대학교소성박물관 소장 《구운몽도》의 전체적인 구성 및 화풍, 그리고 조형적 특징을 상세히 분석하고 이를 통해 《구운몽도》의 회화사적 의의를 파악하고자 한다. 이 작품은 19세기 후반과 20세기 전반에 걸쳐 다양하게 그려진 구운몽도의 한 갈래 양상을 보여주는 작품이다. 소설의 주요한 내용을 선정하여 8폭에 걸쳐 그림으로 그렸다. 궁정화풍에 기초하면서도 단순화와 과장이라는 방법이 적용된 20세기 전반의 독특한 《구운몽도》의 한 사례로 평가할 수 있다. 이 논문에서는 최초로 이 작품의 구 성과 내용, 화풍과 조형적 특징을 집중적으로 분석했다. 이를 통하여 추정연대를 보다 좁혀볼 수 있었고, 소설과 다른 병풍의 표장 순서 또한 파악해볼 수 있었다. 따라서 본 연구는 추후 《구운몽도》연구의 기준으로 삼을 수 있는 하나의 실증적 예시이다.

Guunmong is a novel that became very popular in the late Joseon Dynasty, with King Yeongjo(英祖, reigned, 1724-1776) reading and mentioning it several times. Due to this widespread popularity, many Guunmongdo, which was created as an image, were also painted. In particular, it was produced in various folk paintings throughout the 19th and 20th centuries. This article examines in detail the composition, content, and style of the eight-folder screen of Guunmongdo, which is currently owned by the Museum of Soseong, Gyeonggi University, which has a high degree of painting completion among a number of existing Guunmongdo. In the case of Guunmongdo, which is in the collection of Gyeonggi National University's Soseong Museum, it was mentioned as one of the various versions of Guunmongdo, but no detailed analysis has been made. This paper analyzes what Guunmongdo, the director of the Gyeonggi National University Soseong Museum, drew, what the overall composition was, what kind of painting style was used, and what formative characteristics it had. This work is a work that shows a branch of Guunmongdo drawn in various ways throughout the late 19th and 20th centuries. The main contents of the novel were selected over eight volumes and can be evaluated as an example of a unique Guunmongdo in the first half of the 20th century, in which the method of simplification and exaggeration was applied based on the court style. For the first time in this paper, the composition and content of this work, painting style, and formative characteristics were intensively analyzed. This is one empirical example that can be used as a standard for other Guunmongdo studies in the future.

본 논문은 장자의 무위자연(無爲自然) 개념을 현대 건축공간에 적용하여 인간의 심리적 안정과 정신적 해방을 도모하는 건축적 접근을 탐구하였다. 자본주의와 기술의 발달로 현대인은 물질적 풍요를 누리게 되었으나, 그와 동시에 개성과 자아의 상실, 고 독과 불안감, 소외감 등의 사회적·심리적 문제가 대두되고 있다. 이러한 상황에서 인간 은 본능적으로 이상적인 유토피아를 추구하게 되며, 이는 건축공간에도 반영되어 이상 향을 표현하는 수단으로 작용한다. 장자의 무위자연(無爲自然) 개념은 인위적 작위나 목적을 배제하고 자연의 흐름 을 따르는 것을 의미한다. 이는 현대 건축공간에서 최소한의 인위적 개입으로 허실상 생(虛實相生)의 여백을 구현함으로써 무한한 가능성을 가진 생동감 있는 공간을 창출 하는 데 중요한 역할을 한다. 논문에서는 크리스토(Christo)와 잔 클로드(Jeanne-C laude)의 'Big Air Package', 제임스 터렐(James Turrell)의 'Gathered Sky ', 올라퍼 엘리아슨(Olafur Eliasson)의 'Contact'와 같은 현대 건축 사례들을 분 석하여, 장자의 무위자연(無爲自然)의 철학적 개념이 어떻게 현대 건축공간에 적용되 고 구현되는지를 고찰하였다. 결론적으로, 장자의 철학적 사유는 현대 건축공간에서 인간의 본질적 삶을 실현 하는 데 중요한 역할을 할 수 있으며, 이는 현대인의 삶에 실용적 대안을 제시할 수 있 는 중요한 건축적 접근법으로 작용할 수 있음을 알 수 있었다.

This study explores an architectural approach that applies Zhuangzi's concept of Wu-Wei Zi-Ran to contemporary architectural spaces, aiming to promote psychological stability and spiritual liberation. While the development of capitalism and technology has provided modern individuals with material abundance, it has also given rise to social and psychological issues such as the loss of individuality and identity, loneliness, anxiety, and alienation. In response to these challenges, humans instinctively seek an ideal utopia, a pursuit that is often reflected in architectural spaces as a means of expressing this ideal. Zhuangzi's concept of Wu-Wei Zi-Ran involves the exclusion of artificial actions and purposes, instead following the natural flow. This concept plays a crucial role in creating dynamic spaces with infinite potential by incorporating minimal human intervention and embodying the principle of Xu-Shi Xiang Sheng, the interplay of void and substance. The study analyzes contemporary architectural examples such as Christo and Jeanne-Claude's Big Air Package, James Turrell's Gathered Sky, and Olafur Eliasson's Contact to examine how Zhuangzi's philosophical concept of Wu-Wei Zi-Ran is applied and realized in modern architectural spaces. In conclusion, Zhuangzi's philosophical thought can significantly contribute to the realization of essential human life within contemporary architectural spaces, offering practical alternatives for modern living and serving as a vital architectural approach.

본 논문의 목적은 현대 즉흥춤에 나타난 소매틱(Somatic)의 원류와 현재를 탐 구하고, 이것이 자오(自娛) 사상과의 합의점을 이룰 수 있는지 분석하여 소매틱 즉흥 춤에 즐거움 요소를 확립하는 데 있다. 소매틱은 무용수들의 신체에 대한 자각을 높여 ‘보여지는’ 신체(body)에서 ‘살아있는’ 몸(Soma)으로의 관점 전환에 기여했다. Body 에서 Soma로의 관점 전환은 무용 작품을 단순히 추상예술로서의 특징을 넘어선 인간 중심의 표현예술로 거듭나게 하였다. 그러나, 무용의 공연 예술로서의 본질은 여전히 ‘보여지는 몸’을 구상하지 않을 수 없고, 공연자 및 관람자의 즐거움에 대한 담론을 의 식하지 않을 수 없다. 소매틱 즉흥춤이 현재 당면한 문제는 소매틱 관점에 따른 일자적 몸 자각에 대 한 과몰입이 예술가의 감성 표현이나 즐거움에 대한 문제 의식을 가리고 있다는 점이 다. 무용에 유입된 소매틱이 일자적 몸에 대한 자각 뿐만 아니라 감성에 대한 부분까지 비중있게 다루지 않는다면 또다시 이분화된 신체(Body)로 회귀하게 되는 결과를 낳게 될 수 있다. 본 연구에서는 무용이 춤의 본질로 돌아가기 위해 소매틱에 과몰입되지 않으면 서 예술적 즐거움을 확보할 수 있는 방안으로 중국 회화의 예술관인 자오(自娛) 사상 을 제안하고자 한다. 자오 사상을 통해 예술가 내면으로부터 스스로 즐거움을 추구하 고자 하는 순수한 의지와 자유로운 정감 표출에 대해 고찰해 보고자 한다. 특히, 자오 를 바탕으로 한 예찬의 ‘불구형사(不求形似)’는 소매틱 즉흥춤과 접점을 이룰 뿐만 아 니라, 심미적 자유인 ‘흉중일기(胸中逸氣)’는 소매틱 즉흥춤이 당면한 즐거움의 시론에 있어 예술적, 심미적, 정서적 균형을 찾는 데 도움을 줄 수 있을 것으로 보인다.

The purpose of this study is to explore the origins and current state of Somatics in contemporary improvisational dance and to examine its potential alignment with the philosophy of Ziao(自娛). Somatics has enhanced dancers' bodily awareness, shifting the perspective from the "visible" body to the "living" body(Soma). This transformation from Body to Soma has elevated dance from a purely abstract art form to a human- centered expressive art. However, as a performing art, dance inherently involves the "visible body," raising questions about the enjoyment experienced by both performers and audiences. The current challenge facing Somatic improvisational dance is that excessive focus on bodily awareness, as promoted by the Somatic approach, can overshadow artistic expression and the enjoyment of the performer. If the integration of Somatics into dance fails to adequately address both bodily awareness and emotional expression, it risks reverting to a dichotomized understanding of the body. This study proposes the philosophy of Ziao(自娛), a concept rooted in Chinese painting theory, as a means of ensuring artistic enjoyment without excessive immersion in Somatics. By exploring the pure intention of pursuing enjoyment and freely expressing emotions from within the artist, this research aims to find a balance between the artistic, aesthetic, and emotional elements in Somatic improvisational dance. Ziao(自娛) not only resonates with Somatic improvisational dance but also offers a solution to the issue of enjoyment that this dance form currently faces.

본 연구는 『한강집(寒岡集)』제9권의 「잡저(雜著)」심의제조법(深衣製造 法)에 나타난 정구(鄭逑, 1543년∼1620년)의 심의제도 연구를 목적으로 한다. 정구 는 주자의 심의제도대로 심의를 제작했을 때 심의의 형태를 통해 드러내고자 하는 유 교의 철학적 상징성을 제대로 구현하지 못하는 이론적인 오류와 착용 시 실용성과 심 미성이 떨어지는 실질적인 구성 방법을 개선하고자 하였다. 이에 정구는 역대 유학자 들의 심의설을 정리하고 직접 심의를 지어 입으면서 심의제도에 관한 이론적, 실질적 연구를 병행하였다. 그 결과 심의 형태 자체가 직령(直領) 교임(交衽)이면서 방형(方 形)의 곡겁(曲袷)을 유지할 수 있는 안정적인 구조의 구성 방법을 탐색하였고 결국 상 의(上衣)와 하상(下裳)에 연결되는 긴 섶을 부착한 심의를 고안하기에 이른다. 이러한 특징의 정구의 심의제도가 조선시대 심의의 변천사에서 차지하는 위상은 다음과 같다. 첫째, 정구의 심의는 당대에 절대 준칙으로 여겨졌던 주자의 심의에 최초의 변 형을 가한 것으로 주자학에 대한 무조건적인 맹종을 피하고 새로운 해석을 시도하였다 는 것에 조선 유학사적으로 큰 의의가 있다. 둘째, 조선시대 대부분의 예서와 복식 관련 저서가 경문 해석을 위주로 한 이론 중심의 연구였던 것과 달리 정구는 심의 실물을 제작하는 실질적 연구를 병행하였다. 그 결과 직령심의의 상의와 하상에 연결되는 긴 섶을 부착하여 몸을 깊숙하게 감싸며 신체를 전체적으로 가려주고, 형태 자체가 직령교임인 안정적인 구조의 심의제도를 제 시하였기에 이는 복식 구성학적으로 의미가 깊다. 셋째, 섶을 임으로 해석한 정구의 견해는 이후의 여러 학자들에게 영향을 주었 다. 그 결과 조선의 심의가 직령심의와 방령심의로 양대 산맥을 이루며 계승 발전되는 데 중요한 단초(端初)를 제공하였기에 정구의 심의는 한국 복식사에서 그 가치가 매우 높다. 정구의 심의제도는 지금까지 심의에 관한 선행 연구들에서 하나의 사례로 언급 되었을 뿐 전문적인 연구가 진행되지 않았는데 정구의 심의제도의 특징과 그의 심의제 도가 조선시대 심의의 변천사에서 차지하는 위상에 대해 종합적으로 고찰한 것에 본 연구의 의의가 있다.

The purpose of this research is to examine Jeong-gu's (鄭逑, 1543– 1620) Sim-ui institution as detailed in the "Jabjeo" Sim-ui production in Book 9 of Hangangjip (寒岡集). Jeong-gu, while following Zhu Xi's Sim-ui institution, aimed to address theoretical inaccuracies that failed to properly convey Confucian philosophical symbolism and to improve the impractical and unaesthetic construction methods. To achieve this, Jeong-gu consolidated previous scholars' Sim-ui studies, crafted and wore Sim-ui himself, and conducted both theoretical and practical research on the Sim-ui institution. Consequently, Jeong-gu explored methods to construct a stable structure that maintained the Goggeob (曲袷) while overlapping the Jikryeong (直領) collar, ultimately devising a Sim-ui with an extended Seop attached to the top and skirt. The significance of Jeong-gu's Sim-ui institution for the evolution of Sim-ui in the Joseon Dynasty is as follows. First, Jeong-gu's Sim-ui holds substantial importance in the history of Joseon scholarship. It was the first to modify Zhu Xi's Sim-ui, which was then considered an absolute standard, thereby avoiding blind adherence to Neo-Confucianism and promoting new interpretations. Second, unlike most Joseon Dynasty texts on Sim-ui, which focused solely on theoretical aspects, Jeong-gu engaged in practical research on the actual production of Sim-ui. This practical approach led to the creation of a Jikryeong Sim-ui with an extended Seop that covered the entire body, resulting in a stable Sim-ui institution with an overlapping Jikryeong collar, noteworthy for its dress composition. Third, Jeong-gu's interpretation of Seop as Im influenced numerous subsequent scholars. His contributions are highly valuable for the historical development of the costume, as they marked a pivotal step in the evolution of Joseon's Sim-ui into the two main forms: Jikryeong Sim-ui and Bangryeong Sim-ui. Jeong-gu's Sim-ui institution has been referenced in previous studies but has not been professionally examined in depth. This study's significance lies in its comprehensive analysis of the characteristics of Jeong-gu's Sim-ui institution and its role in the evolution of Sim-ui during the Joseon Dynasty.

본 연구는 김용준(金瑢俊, 1904∼1967)의 미술론을 차이위안페이(蔡元培, 1868∼1940)의 미육(美育)사상과 비교 분석하는데 목적이 있다. 김용준과 차이위안 페이는 각자의 나라에서 격변의 근대를 맞이했으며 교육자로서 활약했던 인물이다. 이 들은 밀려오는 서양 사조를 흡수하고 자국의 전통과 융합하여 새로운 시대의 도약을 꾀했다. 또한 예술의 본질을 파악하고 있었고, 궁극적인 지향점으로 인간의 성장과 자 아실현, 참된 인간성의 회복, 사회 변혁을 이뤄 나가는 데 있다고 보았다. 김용준과 차이위안페이는 미와 도덕의 관계를 중시했으며, 과학만능주의에 대한 비판적 입장을 견지했다는 점에서 유사성이 있다. 또한 종교와 미술에 관한 관심을 두 었던 것도 일치한다. 그러나 김용준은 차이위안페이와 다른 견해를 피력했다. 차이위 안페이는 미육이 종교를 대신할 수 있다고 주장했지만, 김용준은 종교와 예술은 각자 고유한 영역과 가치가 있다고 보았다. 그는 예술이 종교를 대체할 수는 없으며 두 영역 은 각자의 고유한 특성과 역할을 가지고 있다고 생각했다. 이들은 예술을 단순한 미적 대상이 아닌 인간과 사회에 실질적인 영향을 미치는 중요한 영역으로 인식했으며 이러한 관점에서 그들의 사상은 예술과 삶, 윤리의 관계 에 대한 깊이 있는 통찰을 제공한다고 할 수 있겠다. 한국의 김용준과 중국의 차이위안페이를 비교·분석하는 것은 동아시아 근대 미 술론의 특성을 이해하고, 사회적 역할을 고찰하며, 한·중 간 문화교류와 상호 이해 증 진, 더욱 풍부한 예술교육 연구와 실천의 기반을 마련할 수 있을 것으로 생각한다.

This study aims to compare and analyze Kim Yong-jun's art theory with Tsai Yuan-pei's aesthetics and philosophy. Kim Yong-jun and Tsai Yuan-pei were figures who faced the turbulent modern times in their respective countries and were active as educators. They absorbed the incoming Western trends and merged them with their own traditions to seek a leap forward in a new era. They also understood the essence of art and believed that its ultimate goal was to achieve human growth, self-realization, restoration of true humanity, and social transformation. Kim Yong-jun and Tsai Yuan-pei had similarities in that they valued the relationship between beauty and morality and maintained a critical stance toward scientific supremacy. They also shared an interest in religion and art. However, Kim Yong-jun expressed a different view from Tsai Yuan-pei. Tsai Yuan-pei argued that aesthetics and philosophy could replace religion, but Kim Yong-jun believed that religion and art each had their own unique domains and values. He believed that art could not replace religion and that the two domains had their own unique characteristics and roles. They recognized art as an important area that has a real impact on humans and society, not just as a simple aesthetic object, and from this perspective, their thoughts can be said to provide deep insight into the relationship between art, life, and ethics. I believe that comparing and analyzing Korea's Kim Yong-jun and China's Tsai Yuanpei can help us understand the characteristics of East Asian modern art theory, examine their social roles, and contribute to cultural exchange and mutual understanding between Korea and China. I also believe that this can serve as a foundation for richer art education research and practice.

본 연구는 지역생활권 문화예술의 원형적 형태에 주목하고 지역적인 미래가치를 발견하기 위한 융합무용교육의 실천 사안을 논의하였다. 그 과정과 결과는 다음과 같 다. 첫째, 지역생활권 문화예술교육에서 ‘지역’이라는 개념은 공간 또는 지리적 위치의 의미가 아닌 학습자 주변의 ‘지역생활권역, 인프라’가 되어야 하는 필요성을 강조하였 다. 둘째, 지역생활권 문화예술 교육에서 저조한 실행 또는 관심 밖에 있는 무용교육의 인식을 제고하기 위하여 한계점에 따른 보완과 주요과제에 대한 방안을 제시하였다. 무용교육의 가치 특성을 분석하여 학습자가 향후 지역의 주체와 미래 지역생활권 마케 터로 성장하는데 필요한 기조적 학습임을 피력하였다. 셋째, 실제 지역생활권 융합 무 용교육 프로그램을 개발하기 위하여 해당 지역 전문가와 접촉하여 설계함으로써 학습 내용의 타당성과 신뢰성을 확보하고자 하였다. 이러한 협업은 지역 전문가의 활동역량 과 활동기반을 강화하며 전문가로서 인정받아 지역적 신뢰기반 형성과 활동기회를 확 장하게 될 것이다. 넷째, 연구 말미에는 지역생활권과 무용교육의 융합에 있어서 더욱 보완되어야 할 개발 및 발전 과제를 추가적으로 제시하였다. 성장기 지역 아동에게 지 역생활권 문화예술의 원형을 신체적 움직임과 정서적 표현의 무용으로 전달받는 것은 단순한 체험 활동 이상의 미래 인재양성을 위한 환경구축이다. 그러므로 본 연구는 지 역생활권 융합 무용교육 실천에 관해 구체적으로 논의함으로써 현장에서 즉시 적용할 수 도록 시의적 방안을 제시하였으며 이를 기반으로 지역생활권역의 미래인재가 육성 되기를 바란다. 지역과 관련된 문화적 요소들을 창의적 발전의 대상으로 적용시킬 수 있는 주체적 미래 인재로 성정하기를 기대해 본다.

This study focused on the original form of culture and arts in the local living area and discussed practical issues necessary for convergence with dance education to discover regional future values. The main progress for the discussion and the conclusions are made accordingly. First, it was emphasized that the concept of 'region' in culture and arts education in the local living area should be 'local living area, infrastructure' around learners, not the meaning of space or geographic location. Second, in order to raise awareness of dance education that is outside of the poor implementation or interest in culture and arts education in the local living area, supplementation and major tasks according to limitations were presented. Third, in order to develop a dance education program for convergence of local living areas, it was intended to secure the validity and reliability of the learning contents by designing in contact with local experts. Fourth, at the end of the study, additional development and development tasks to be further supplemented in the convergence of local living areas and dance education were presented. Receiving the prototype of culture and arts in the local living area through physical movement and emotional expression to local children in the growing period is the establishment of an environment for fostering future talents beyond simple experience activities. Therefore, this study suggested a timely plan to immediately apply it in the field by discussing the practice of convergence dance education in the local living area.

본 논문은 퇴계 이황의 서예 비평과 그의 해서체楷書體에 주목하여, ‘퇴필退筆’ 이라는 필명으로도 알려진 퇴계 글씨의 예술성을 논하고자 한다. 퇴계는 평생 약 2,000수의 시가를 창작하였으며, 학문 못지않은 예술적 성취를 이루었으나, 일반적으로 그의 인품과 학식이 더욱 강조되어 퇴계의 서예는 흔히 수양 의 한 방편이나 여기餘技로 여겨지는 경향이 있다. 그러나 윤리적인 면이 강조되었다 고 해서 예술성이 부족한 것은 아니다. 퇴계 글씨에 공명하는 성질은 분명 예술이 지닌 특징 중 하나이며, 학문 혹은 인품과 떨어질 수 없는 인문학적 특성과 함께 서예의 정 체성을 가진다. 퇴계는 신분과 지위를 막론하고 대상의 특징을 명확하게 서술하며, 오로지 신도 비명에 적합한 강건한[健] 글씨만을 기준으로 인물을 선정하는 비평을 선보였다. 우위 를 정하거나 비난하지 않는 퇴계의 차별 없는 비평은 다양한 예술적 표현이 발전할 수 있는 환경을 조성했음을 시사한다. 퇴계의 해서체는 선비정신에 알맞은 서체로 쓰였으 며, 짜임새 있는 결구와 힘찬 필선으로 나타난다. ‘만물은 각기 하나의 태극’으로서, 각 각의 글씨는 그에 따른 성정性情과 관계한다. 자칫 규범 예술로 경직되기 쉬운 퇴필은 자신만의 정신성을 담은 창의적인 표현으로 설명되어 어떤 서체든 자신의 성정을 따른 다는 균형 있는 서예인식을 심어 주었다. 유학자의 예술성에 주목한 연구는 더 이상 도학과의 우열을 논하는 것이 아니라, 문화 주체에 따라 한국 서예사의 변천을 거듭한 문인 서예의 중요성을 강조한다. 이러한 연구는 퇴계 예술의 위상을 재정립하는 데 기여할 것으로 기대된다.

This paper aims to explore the artistry in T’oegye Yi Hwang’s calligraphy, known as T’oepil, with a particular focus on his calligraphy criticism and use of regular script calligraphy (haesŏ 楷書). Despite Yi Hwang’s prominent reputation as a Neo-Confucian scholar in Chosǒn, his achievements as an artist have often been overshadowed, even though art was integral to his life as a devoted Confucian. While he composed and handwrote nearly 2,000 poems, his calligraphy is frequently viewed merely as a means of self-cultivation, subordinate to his scholarly pursuits. However, ethical writings are not inherently devoid of artistic value. As evidenced by the history of Korean calligraphy, the Chosǒn literati placed a high value on the art and craft of calligraphy, and Yi Hwang was no exception. This paper contends that Yi Hwang’s calligraphy and criticism not only reflect his moral character but also encapsulates the core of his Neo-Confucian philosophy. Central to Yi’s calligraphy criticism is the concept of robustness (jian 健), which is considered particularly suitable for epitaphs. Yi emphasized an unbiased and impartial approach to subjects, fostering an environment where diverse artistic expressions could flourish, each true to the nature of its subject. Yi’s regular script is marked by a well-structured composition and vigorous brushstrokes, reflecting his personal character and moral philosophy. In line with his assertion that “all things each have their own Taiji,” each piece of Yi’s calligraphy is a creative expression connected to its inherent nature and disposition. Thus, his calligraphic works transcend a rigid portrayal of moral principles, offering a balanced view of calligraphy that aligns with one’s nature, regardless of script style. By focusing on the artistic dimension in Yi’s calligraphy, this study demonstrates that literati calligraphy evolved not as a mere supplement to moral philosophy but as an independent and complementary art.