Earticle

본 논문은 한국연구재단의「남북문화 동질성회복을 위한 북한서예문화 현황 고찰」대주제(大主題)에 대한 네 번째 소주제(小主題)인「남북한 학교 서예교육현황 비교 고찰」이다. 그동안 북한의 학교 서예교육에 대한 연구는 거의 없었다. 이에 따른 남북한 비 교연구도 전무하다. 연구는 재단으로부터 부여된 과제에 충실하고자 논자의 주관적 의 견을 최대한 자제하고, 우선 북한 학교 서예교육에 대한 객관적 현황을 파악, 남한과 비교하여 그 의미를 도출하고자 하였다. 이것이 현재 입장에서 시급한 선결과제이고, 북한의 실상을 알 수 있는 최적의 방법이며, 앞으로 북한에 대한 지속적 연구의 원천자 료로써도 그 학술적 가치가 크다고 보았다. 남북한 학교 서예교육과정 현황을 비교한 내용을 요약하면 다음과 같다. 첫째, 북한의 학교 서예교육은 정규교육과정(필수과목)과 비정규과정(소조활동) 으로 나누어지고, 취학 전 유치원에서 재능개발을 위한 교육열풍이 상당하다. 남한은 정규교육과정에서 선택과목이고 서예교육의 열기는 북한에 크게 못 미친다. 둘째, 서예교재에 있어, 북한은 2012년 김정은시대 학제개편시기를 분기점으로 이전보다 교재내용이 훨씬 충실해졌다. 교재내용은 당과 수령에 초점이 맞추어졌으며, 글씨체도 청봉체위주로 획일적이다. 남한은 전통서예·전각과 현대적 미감을 반영하여 다양하고 내실 있게 구성되어 있으나 그에 상응한 학교에서의 서예교육의 수요는 크게 미흡하다. 셋째, 서예개념에 대해 북한은 붓글씨체와 도안체로 범주화되어있다. 붓글씨체 만을 말하는 남한과는 다른 것으로, 이때부터 남북한 서예교육 이질화가 본격적으로 시작되고 있는 것이 확인된다. 넷째, 서예교육에 대한 지도자와 사회적 관심에 있어, 북한은 김정일을 중심으 로 국가·학교·학부형이 삼박자가 되어 일사불란하게 진행되고 있다. 서예교육 인프라· 시스템도 탄탄히 구축되어 있다. 이는 남한과는 크게 상반된 현실이다. 다섯째, 한문 및 한자서예교육에 있어, 북한은 한자교육은 고급중학교(고등학 교)부터 필수과정이고 한자서예교육과정은 별도로 없다. 공모전에는 한자서예의 명맥 은 유지하고 있다. 남한은 한문교육이 중학교부터 선택과목으로, 한자서예교육은 일부 미술교재에 포함되어 있을 뿐 명목화 되어 있는 현실이다. 이와 같이 남북한 학교서예교육과정에 있어 이질화의 정도가 심화되어 있고, 교 육체계·열기도 서로 상반되어 있는 현실이 분명하게 확인된다. 향후 남북한 문화동질성 회복사업 추진에 있어서 동 연구내용이 중요한 요소로 활용될 것으로 기대된다.

This paper is “A comparative study of calligraphy education in the inter- Korean school curriculum”, the fourth sub-topic of the main-topic of the "A review of the status of North Korean calligraphy culture for the restoration of homogeneity of inter-Korean culture" by the Korea Research Foundation. Until now, there has been little research on calligraphy education in schools in North Korea. Accordingly, there are no comparative studies between the two Koreas. In order to be faithful to the tasks assigned by the foundation, the study tried to restrain the subjective opinions of the thesis as much as possible, and first of all, to grasp the objective status of calligraphy education in North Korean schools and to derive its meaning by comparing it with South Korea. This is an urgent prerequisite for the current position, the optimal way to know the reality of North Korea, and it is of great academic value as a source of continuous research on North Korea in the future. A summary of the comparison of the current status of the calligraphy curriculum in schools between the two Koreas is as follows. First, calligraphy education in schools in North Korea is divided into regular curriculum(mandatory subject) and non-regular curriculum( small-scale activities), and there is a considerable enthusiasm for education for talent development in pre-school kindergartens. South Korea is an elective in the regular curriculum, and the enthusiasm for calligraphy education is far less than that of North Korea. Second, in terms of calligraphy textbooks, North Korea has become much more faithful to the contents of the textbook than before, with the period of school reorganization during the Kim Jong-un era as a turning point. The contents of the textbook are focused on the party and the leader, and the font is uniform mainly on the Cheongbong font-type. South Korea is composed in various and substantial ways by reflecting traditional calligraphy and art galleries and modern aesthetics, but the demand for calligraphy education in corresponding schools is very insufficient. Third, regarding the concept of calligraphy, North Korea is categorized into calligraphy and design. It is different from South Korea, which only speaks calligraphy writing, and it is confirmed that the heterogeneity of calligraphy education between the two Koreas has begun in earnest from this time on. Fourth, in terms of leadership and social interest in calligraphy education, North Korea is proceeding in order with the state, school, and father- in-law as three beats centering on Kim Jong-il. The infrastructure and system for calligraphy education are also firmly established. This is a reality that is largely contrary to that of South Korea. Fifth, in terms of Chinese and Chinese character calligraphy education, in North Korea, Chinese character education is a mandatory course from advanced middle schools (high schools), and there is no separate Chinese character calligraphy curriculum. In the contest, the name of Chinese character calligraphy is maintained. In South Korea, Chinese character education is an elective course from middle school, and Chinese character calligraphy education is only included in some art textbooks and is a nominal reality. As such, it is clearly confirmed that the degree of heterogeneity in the school calligraphy curriculum of the two Koreas is intensifying, and the educational system and enthusiasm are contradictory to each other. It is expected that the contents of this study will be used as an important factor in the promotion of projects to restore cultural homogeneity between the two Koreas in the future.

한(漢)화상은 서한 말기에 기원하여 동한 중기에 전성기를 맞았으며, 동한 말기 에 이르러 점차 쇠퇴의 길을 걸었다. 한화상석은 내용이 매우 풍부하여 사회생활의 각 측면을 포괄한다. 이 중 ‘주방도(庖廚圖)’는 독특한 형식으로, 주로 요리, 도살, 채소 손질, 물 긷기 등의 장면을 담고 있어 한대(漢代)의 조리 활동을 생동감 있게 재현하 며, 당시 사회의 경제적 번영, 문화 교류, 사상적 관념을 반영한다. ‘주방도’는 일상생 활 장면을 예술적으로 가공하여 한대의 미적 기준에 부합하게 표현하였으며, 그 조형 과 구도는 실용성과 장식성이 결합된 예술적 양식을 보여준다. 본 연구는 한화상석 ‘주 방도’의 이미지 시각적 서사를 탐구하고, ‘주방도’에 나타난 도상 언어, 도식, 스타일 등 주요 요소가 시각적 서사 효과에 미치는 영향을 심층적으로 분석하고자 한다. 이를 위 해 ‘주방도’의 역사적 배경과 문화적 가치를 바탕으로 고고학적 도상을 연구 자료로 삼 고, 기호학, 도상학, 민속학 등 다학문적 방법과 이론을 결합하여 ‘주방도’에 내재된 문 화적 현상 및 그 생성과 쇠퇴의 사회적 원인을 고찰한다. 연구 결과, 한화상석 ‘주방도’ 는 단순히 당시 음식 문화의 발전과 후장(厚葬) 풍습을 반영하는 데 그치지 않고, 도상 적 서사를 통해 한대 예술의 도식적 관념과 한화(漢畫) 특유의 미적 가치를 드러낸다. 그러나 사회경제적 변화, 생사 신앙의 전환, 외래 문화의 유입, 예술 자체의 발전 등의 다양한 요인으로 인해 점차 쇠퇴하였다. 한화상석 ‘주방도’의 흥망성쇠는 중국 전통 문 화의 다원적 포용성을 반영한 생명관을 구현하며, 중요한 예술적 가치와 역사적 가치 를 지니고 있다.

Han stone carvings originated in the late Western Han period, reached their peak during the mid Eastern Han period, and gradually declined by the end of the Eastern Han. The content of Han stone carvings is extensive, encompassing various aspects of social life. Among these, the "Kitchen Scenes" (庖廚圖) represent a distinctive form, primarily depicting activities such as cooking, slaughtering, chopping vegetables, and fetching water. These scenes vividly recreate the culinary practices of the Han Dynasty, reflecting the economic prosperity, cultural exchanges, and ideological concepts prevalent in Han society. The "Kitchen Scenes" creatively transform everyday life scenarios through artistic processing to align with the aesthetic standards of the Han period. Their form and composition embody an artistic style that integrates practicality with ornamentation, demonstrating a harmonious blend of functional and decorative elements. This paper aims to explore the visual narrative of the "Kitchen Scenes" by conducting an in-depth analysis of key elements such as graphic language, schematic structures, and stylistic features, and examining how these factors influence the effectiveness of visual storytelling in these carvings. Starting from the historical background and cultural significance of the "Kitchen Scenes," this study employs archaeological imagery as the foundational research material. It integrates multidisciplinary approaches and theories, including semiotics, iconography, and folklore studies, to analyze the cultural phenomena depicted in the "Kitchen Scenes" and to investigate the social factors contributing to their emergence and decline. The research reveals that the "Kitchen Scenes" in Han stone carvings not only reflect the rise of dietary culture and elaborate burial customs of the time but also illustrate the artistic schematic concepts and the unique aesthetic values inherent in Han paintings through graphic storytelling. The decline of the "Kitchen Scenes" was ultimately influenced by several factors, including socioeconomic changes, shifts in beliefs about life and death, the impact of foreign cultures, and the evolution of artistic practices themselves. The rise and fall of the "Kitchen Scenes" embody the diverse and inclusive life values of traditional Chinese culture, underscoring their significant artistic and historical value.

申櫶은 조선조 후기에 활약한 무신이자, 선비이며 서화가이다. 그는 영무 외에 틈틈이 經學과 詩道를 익히고, 금석문과 서예를 연마했다. 추사와 초의 등 知音관계적 교유를 바탕으로 확립된 그의 예술세계는 文武가 겸전되어 세인들은 그를 儒將이라 불 렀다. 文士로서의 신헌의 심미적 의취는 부단한 학문적 사유 활동으로 다져진 꿋꿋한 기개의 선비정신과 맑고 담박한 서권기적 기풍의 미학 정신으로 전개된다. 그는 유가 의 정체성을 철저히 추구하고 지향하는 선비임을 자처하며 반드시 배운 후에 경세할 것을 강조했다. 이로 말미암아 그가 체험하고 구현했던 서화는 『集片帖』등 書帖의 형식과 여러 종류의 懸板書, 그리고 『金石源流彙集』등의 금석문을 저작ㆍ생산하는 방식이었다. 또한 담박하고 고상한 그의 서예미적 의취는 篆隷가 혼융된 작품 <澹泊寧 靜>에서 최상을 이룬다. 조형상의 질박한 필선과 颯爽한 운필상에서 느껴지는 평담미 와 문자향의 심미적 의취는 이를 잘 말해주고 있다. 武士로서의 그의 심미적 의취는 志於道정신을 추구했던 서풍의 豪放함에 있다 하겠다. 文武를 겸비한 儒將으로서 그가 창작한 시ㆍ서ㆍ화는 단순한 餘技的차원을 넘어 문인질서를 구축하고 유지하는 상징으로까지 기능하였다. 그는 적거지에서도 학 문과 예술을 연찬하고, 정계에 복귀한 후에는 일변된 작품을 통해서 憂國과 愛民의 의 식을 표출하였다. 이러한 그의 풍모는 그가 유배 이후 삼도수군통제사로 임명되어 <팔 사품도>를 제작하면서 적극적으로 고양되었다. 또 <總務堂> 현판서에서도 적에 맞서 싸워야 할 武臣으로서의 포부와 기상이 구현되고 있다. 결국 신헌에 의해 추구된 모든 서풍은 동아시아 전통미학의 理想境이라 할 수 있는 ‘遊’의 추구로 모아진다. 遊의 정신적 추구는 심령의 자유로운 활동을 통해 주체 자아의 정신 능력을 최대한 풀어헤쳐야 가능할 수 있는바, 놀랍게도 그의 <老樂堂> 현 판서에 申櫶的遊藝의 경계가 표출되고 있다. 우리는 그의 <老樂堂> 현판서에서 맑고 호방한 심령세계와 숙련된 필묵 운용의 자유로운 기량을 통해 날아갈 듯 경쾌하면서도 장중한 武士的風格이 구현되고 있음을 읽을 수 있다. 한마디로 개괄하면, 文武兼全에 서 체현된 신헌 서예의 심미적 의취와 풍모는 19세기 조선조 서예미학사에서 그만이 가지는 특징이요 자랑이라 하겠다.

Shin Heon was a military officer, scholar, and calligrapher active in the late Joseon Dynasty. In addition to training himself in martial arts, he studied classics and poetry and practiced epigraphy and calligraphy in his spare time. His artistic world, established through his close relationship with scholars such as Chusa and Cho-ui, was literary and martial, so people called him a Confucian general. As a literatus, Shin Heon's aesthetic taste leads to a spirit of scholarship with a firm backbone and a clear and plain aesthetic spirit with textual energy created through ceaseless academic thinking activities. He considered himself a scholar who thoroughly pursued and aimed for the identity of Confucianism and emphasized that one must learn before governing the world. As a result, he experienced and embodied calligraphy and painting in various forms, such as the calligraphy album like Jippyeoncheop(集片帖), diverse types of calligraphy written on hanging boards, and epigraphs like Geumseokwonryuhwijip(金石源流彙集). In addition, his simple and noble calligraphic aesthetic flavor is at its best in the work <Dambaknyeongjeong(澹泊寧靜)> that combines the Seal script and the Clerical script. The plain beauty and the fragrance of letters felt through the simple strokes and vigorous brushwork show his aesthetic inclination well. As a military officer, his aesthetic taste lies in the magnanimousness of his calligraphic style that pursued the spirit of the Way. As a Confucian general with literary and martial arts skills, the poetry, calligraphy, and paintings he created went beyond the level of mere spare skills but also served as symbols for establishing and maintaining the literati order. Even in exile, he continued to study and study art, and after returning to politics, he expressed his sense of patriotism and love for the people through his changed works. After his exile, he was appointed the naval commander of the three provinces and produced <Palsapumdo>, which proves this aspect of his character. In addition, his writing on the hanging board of <Chongmudang(總務堂)> shows his ambition and spirit as a military officer who must fight against the enemy. The calligraphic styles Shin Heon pursued culminated in the pursuit of entertainment, the ideal of East Asian traditional aesthetics. The pursuit of entertainment can only be possible when an artist fully exhibits the mental ability of the subject's ego through the free activity of the mind. Surprisingly, he presented the boundary of his entertainment in art through <Norakdang(老樂堂)> hanging board. We can see the light and lively yet majestic and solemn martial spirit through the pure and unrestrained spiritual world and the free skill of accomplished brush and ink use. In a word, the aesthetic flavor and appearance of Shin Heon's calligraphy embodied in the combination of literature and martial arts are unique characteristics and strengths in the history of calligraphy aesthetics of the Joseon Dynasty in the 19th century.

The "contemporary calligraphy" discussed in this article is based on the "contemporaneity" of artistic language rather than its temporal context. Among the various contemporary calligraphy styles, the emergence of "action calligraphy" marks a significant transformation in the field of contemporary calligraphy. It not only challenges the traditional framework of calligraphy, enriching and diversifying the calligraphic language, but also stimulates artists to break free from conventional symbolic orders. In action calligraphy, creators transcend the limitations of traditional calligraphy through the primal force of their bodies, unconsciously crossing artistic boundaries with their bodily movements. This approach redefines the essence of calligraphy and offers artists a novel perspective for creation. As an innovative extension of artistic language, action calligraphy opens up vast possibilities for artists' creations. Calligraphy is no longer confined to a two-dimensional space but acts within the art field in the form of "performance art." Behind the "actions" lies the artists' strong desire for bodily expression, with the "actions" serving as carriers of rich life experiences. The calligraphic works become visual manifestations of these actions. This method of creation, which transcends the boundaries between body and spirit, spreads rapidly in the art world with its vitality, becoming a new language pursued by artists. Based on a systematic analysis of the manifestations and spiritual intentions of "action" in contemporary calligraphy, this article summarizes the expansive value of "action" in the linguistic realm of calligraphy, exploring its creative pathways and the existential significance of performative expression. The first question that needs to be addressed in the study of "action" in calligraphy art is: What is the significance of "action" in the contemporary context, and how is "action" realized within the calligraphy domain? Starting from the application of "action" in calligraphy, this article delves into the importance of action elements in contemporary calligraphy, their developmental trajectory, and the connections between abstract expressionism and mass media. It investigates the compositional rules and practical significance of action language in calligraphy art creation.

本文所讨论的“当代书法”是基于艺术语言的“当代性”而非时间上的当代，在众多具有 当代性特质的书法中，“行动书法”的出现标志着当代书法领域的一场重大变革。它不仅挑战 了书法的传统框架，使书法语言变得更加丰富多元，还激发了艺术家们突破常规的象征秩 序。在行动书法中，创作者们通过身体的原始动力突破了传统书法的限制，以肢体动作“无 意识”地跨越艺术界限。这种做法不仅对书法的本质进行了重新定义，也赋予了艺术家全新 的创作视角。 作为艺术语言的一种创新拓展，行动书法为艺术家的创作提供了广阔的可能性。书 法不再局限于二维空间，而是以“行为艺术”的形式在艺术领域中发挥作用。“行为”背后反映 了艺术家对身体表达的强烈渴望，而在这一过程中，“行动”成为承载丰富生命经验的载体， 书法作品则成为这些行动的视觉化表现。这种超越身体与精神界限的创作方式，以其充满 生命力的特性，在艺术界中迅速蔓延，成为艺术家追求的新语言。 本文基于对当代书法中“行动”的表现及其精神意志的系统分析，总结了“行动”在书法 领域语言中的扩展价值，探讨了其创作路径和行为表达的存在意义。关于“行动”在书法艺术 表现中的研究首先需要界定的问题是：在当代语境中“行动”的意义何在，以及“行动”如何在 书法场域中得以实现。本文以“行动”在书法中的应用为起点，对当代书法中“行动”元素的重 要性及其发展脉络中与抽象表现和大众传媒之间的联系进行深入分析，探究行动语言在书 法艺术创作中的构成法则和实际意义。

본 연구는 석도(石濤, 1642~1707) 『화어록(畵語錄)』에 드러난 ‘무법(無法)’을 탐구하는 것을 목적으로 한다. ‘일획’이 『화어록』의 핵심 개념인 만큼 『화어록 관한 선 행연구는 ‘일획’에 치중되어 있다. 하지만 『화어록』 안에서 ‘무법’과 ‘일획’의 관계를 살 펴보았을 때, ‘무법’은 ‘일획’이 난 곳이며, ‘일획’이 항상 포함되어 있는 곳이고, ‘일획’이 지향하는 곳이라는 점에서 ‘무법’ 역시 『화어록』에서 중요한 범주라고 할 수 있다. 석도 가 말한 ‘무법’의 의미를 탐구하는 데 있어서 『화어록』 안에서 ‘무법’이 직접적으로 언급 된 곳을 살펴보면, ‘무법’은 첫째, ｢일획장｣의 ‘태박불산’, 즉 ‘일획’이 세워지고 지향하 는 곳으로서의 ‘순수한 상태’로서, 그 어떤 것으로도 될 수 있는 무한한 가능성의 잠재 상태이다. 둘째, ｢변화장｣의 ‘지인무법’, 즉 ‘그 어떤 것에도 구애받지 않아 천지의 법을 이루는 경지’이며, 어떠한 법에도 구애(拘礙)받지 않는 경지를 뜻한다. 그러므로 ‘무법’ 은 어떤 것에도 구애받지 않는 경지에서 무한한 가능성으로 무한한 법을 만들어낼 수 있으며, ‘창신’과 ‘파격’이라는 결과를 낳게 된다. 그리고 그 파격은 예술가 창작 과정의 ‘법을 깨뜨림’과, 작품 감상자의 ‘마음속 격식이 깨짐’으로 나누어 볼 수 있다.

The purpose of this study is to explore the 'WuFa(無法)' revealed in <HuaYuLu(畵語錄)> of ShiTao (1642-1707). Prior research on the <HuaYuLu> is focused on 'YiHua(一畫)' as 'YiHua' is the core concept of the <HuaYuLu>. However, when looking at the relationship between 'WuFa' and 'YiHua' in <HuaYuLu>, 'WuFa' can be said to be an important category in the <HuaYuLu> in that 'WuFa' is a place where 'YiHua' was born, it is always included and aimed. In exploring the meaning of 'WuFa' mentioned by ShiTao, 'WuFa' is first, 'TaiPuBuSan (太樸不散)' as 'a pure state' as a place where 'YiHua' is established and directed, and it is a potential state of infinite possibility that can be anything. Second, 'ZhiRenWuFa(至人無法)' is the state of achieving the law of heaven and earth regardless of anything, and it means a state that is not bound by any law. In other words, 'WuFa' can create an infinite law with infinite possibilities in a state that is not bound by anything, resulting in 'Innovation[創新]' and 'Break rules[破格]'. And the 'Break rules' can be divided into "breaking the law" of the artist's creation process and "breaking formality in the mind" of the viewer of the art works.

본 연구는 예술 행위에서 나타나는 심리적 특성을 ‘벽(癖)’과 ‘치(癡)’ 개념을 통해 탐구하고, 이를 바탕으로 예술적 표현을 새롭게 해석하는 것을 목적으로 한다. 예술 가의 심리적 충동과 자기보존 욕구가 어떻게 예술 표현에 반영되는지를 분석하며, 이 러한 개념들이 예술가의 독창성 및 주체성 형성에 중요한 역할을 한다고 본다. ‘벽’은 개인의 내면적 습관이나 집착을 의미하며, 예술 창작 과정에서 특정 형식이나 주제에 대한 지속적인 탐구로 드러난다. 반면 ‘치’는 광기나 비정상적 정신 상태를 상징하며, 예술적 맥락에서는 파격적이고 초월적인 표현으로 나타난다. 본 연구는 ‘벽’을 통해 독창성과 주체성을, ‘치’를 통해 초월성과 비판적 저항 정 신을 고찰하며, 이 두 요소의 상호작용이 예술적 성과에 어떻게 기여하는지 분석하고 자 한다. 또한 이중섭의 고뇌와 불안, 김환기의 내면적 갈등과 예술적 몰입, 백남준의 혁신적 예술을 사례로 들어, 이러한 개념들이 어떻게 예술적 표현으로 구현되는지 검 토한다. 이를 통해 예술가의 내면 심리와 그 표현 방식 간의 관계를 심층적으로 이해하 고자 한다. 결론적으로, 예술가들이 ‘벽’과 ‘치’ 라는 두 심리적 요소를 활용하여 독창적이고 파격적인 예술 표현을 창조함으로써, 예술 심리에 대한 이해를 확장할 수 있을 것으로 기대한다.

This study seeks to delve into the psychological dimensions of artistic expression by examining the concepts of ‘byeok (癖)’ and ‘chi (癡)’. Through these lenses, the research aims to reinterpret artistic creation, focusing on how psychological impulses and the drive for self-preservation shape the artist’s originality and sense of identity. ‘Byeok (癖)’ represents an individual’s internal habits or obsessions, manifesting as a persistent exploration of certain forms or themes throughout the creative process. In contrast, ‘chi (癡)’ symbolizes madness or a departure from normative mental states, often giving rise to bold and transcendental artistic expressions. The study explores how ‘byeok (癖)’ fosters originality and individuality, while ‘chi (癡)’ embodies transcendence and critical defiance. It analyzes the interaction between these elements and their collective contribution to artistic innovation. By investigating the struggles and emotional turmoil of Lee Jung-seop, the inner conflicts and intense focus of Kim Whanki, and the groundbreaking creativity of Nam June Paik, the study offers insights into how these psychological concepts are manifested in their work. In doing so, it aims to illuminate the connection between the artist’s inner psyche and their external modes of expression. Ultimately, this research seeks to broaden our understanding of artistic psychology by illustrating how the interplay between ‘byeok (癖)’ and ‘chi (癡)’ fuels the creation of unique and avant-garde works of art.

이 논문은 장자의 미학적 개념이 메타버스와 같은 현대 디지털 환경에서 어떻게 적용될 수 있는지를 심층적으로 탐구한다. 메타버스는 가상 현실(VR)과 증강 현실 (AR) 기술을 통해 사용자에게 물리적 현실을 초월한 몰입형 경험을 제공하는 디지털 시공간으로, 이는 새로운 형태의 사회적 상호작용과 존재의 방식을 가능하게 한다. 본 연구는 이러한 메타버스 환경에서 장자의 미학적 사유, 특히 자연과의 조화, 무위자연 (無爲自然), 상상력, 그리고 현실과 꿈의 경계를 허무는 철학적 사고가 어떻게 재해석 될 수 있는지 고찰한다. 장자의 무위자연 개념은 메타버스 내에서 사용자가 인위적 제 한 없이 자연스럽게 경험을 탐색하고 자기 자신을 발견하는 과정과 밀접하게 연결된 다. 메타버스는 물리적 세계의 제약에서 벗어나, 사용자가 자유롭게 탐험할 수 있는 공 간을 제공하며, 이는 장자가 추구한 자연스러운 존재의 흐름과 일맥상통한다. 장자의 철학에서 강조되는 상상력은 메타버스에서 사용자가 새로운 디지털 세계를 창조하고 몰입하는 데 필수적인 요소로 작용하며, 이를 통해 사용자들은 기존의 물리적 현실을 넘어서는 초현실적 경험을 할 수 있다. 본 연구는 또한 장자가 제시한 상대성의 개념과 메타버스 내에서의 자아의 유동성을 연결하여 논의한다. 메타버스는 사용자가 다양한 정체성을 실험하고 표현할 수 있는 환경을 제공하며, 이는 고정된 자아를 넘어서 변화 무쌍한 자아를 탐색하는 장자의 철학적 접근과 유사하다. 사용자는 메타버스 내에서 아바타를 통해 자신을 다각도로 표현하고, 현실에서 얻기 어려운 새로운 형태의 사회 적 관계를 형성한다. 이는 장자가 이야기한 유동적 자아의 개념을 디지털 시대에 맞게 재해석할 수 있는 중요한 근거를 제공한다. 본 연구는 장자의 미학적 관점이 메타버스 내에서의 사용자 경험을 이해하는 데 중요한 이론적 틀을 제공함을 제시하며, 이를 통 해 메타버스가 현대 사회에서 인간의 존재와 경험을 어떻게 재구성하는지를 분석한다. 이러한 철학적 접근은 메타버스 시대에서의 인간 경험과 존재의 본질을 철학적으로 재 조명하고, 디지털 시대에서 인간과 기술의 상호작용을 새롭게 이해하는 데 기여할 수 있다. 특히, 메타버스 내에서의 몰입 경험과 초현실적 경험은 장자의 “호접지몽”과 같 은 철학적 사유와 맞닿아 있으며, 이는 사용자가 현실과 꿈의 경계를 허물며 새로운 존 재 방식을 탐색할 수 있게 한다. 결과적으로, 본 논문은 장자의 미학과 메타버스의 결 합이 디지털 시대의 미학적 사유를 확장하는 데 중요한 기여를 할 수 있음을 강조하며, 미래 메타버스 환경에서의 철학적 논의의 기반을 제공한다.

This paper delves deeply into how Zhuangzi's aesthetic concepts can be applied to modern digital environments, such as the metaverse. The metaverse, through virtual reality (VR) and augmented reality (AR) technologies, offers users immersive experiences that transcend physical reality, creating new forms of social interaction and modes of existence. This study explores how Zhuangzi's aesthetic philosophy, particularly his thoughts on harmony with nature, "Wu Wei" (non-action), imagination, and the dissolution of the boundary between reality and dreams, can be reinterpreted in this context. Zhuangzi's concept of "Wu Wei" is closely linked to the user's ability to naturally explore and discover themselves within the metaverse, without artificial constraints. The metaverse, free from the limitations of the physical world, provides a space for users to explore freely, aligning with Zhuangzi's ideal of a natural flow of existence. Imagination, as emphasized in Zhuangzi's philosophy, plays a crucial role in the metaverse, where users can create new digital worlds and fully immerse themselves in these experiences, transcending the physical reality. Furthermore, this study connects Zhuangzi’s concept of relativity with the fluidity of identity within the metaverse. The metaverse offers an environment where users can experiment with and express various identities, echoing Zhuangzi's philosophical approach of exploring the fluid and ever-changing self. Through avatars, users can express themselves in multifaceted ways, forming new kinds of social relationships that are difficult to achieve in physical reality. This provides an important basis for reinterpreting Zhuangzi's concept of the fluid self in the context of the digital age. This study presents Zhuangzi's aesthetic perspective as a vital theoretical framework for understanding user experiences within the metaverse and analyzing how human existence and experience are restructured in modern society. Such philosophical approaches shed new light on human experience and existence in the metaverse era, contributing to a deeper understanding of the interaction between humans and technology in the digital age. Specifically, the immersive and hyperreal experiences in the metaverse resonate with Zhuangzi's philosophical reflections, such as the "Dream of the Butterfly," allowing users to explore new ways of existence by dissolving the boundary between reality and dreams. Consequently, this paper emphasizes that the fusion of Zhuangzi's aesthetics with the metaverse can significantly expand aesthetic thinking in the digital age, laying the foundation for future philosophical discussions in metaverse environments.

본 연구는 국내·외 업사이클링 패션 및 아동 패션브랜드 사례조사를 통해 분석 한 아동복의 업사이클링 소재와 디자인 특성을 바탕으로 폐한복과 폐의류(데님)를 활 용한 업사이클링 아동복 디자인을 개발하는 것이 목적이다. 이를 위해 본 논문은 이론 적 배경, 업사이클링 브랜드 사례조사, 디자인 전개, 그리고 결론 및 향후 연구 방향의 순서로 구성되었다. 구체적인 연구방법은 문헌연구와 실물제작을 병행하였다. 문헌연 구는 업사이클링 패션디자인 관련 선행연구 논문과 학술지, 단행본, 잡지 및 인터넷 기 사 등 대중매체를 통하여 자료를 수집 및 정리하였다. 실물제작을 위한 디자인 사례조 사는 아동복 브랜드 공식 홈페이지와 윤리적 패션 앱(App), 대중매체에서 업사이클링 아동복이 사회적으로 이슈가 된 국내·외 브랜드를 중심으로 조사하였다. 업사이클링 아동복 브랜드의 선정기준은 기업의 지속가능성 실천 범주인 친환경 소재사용, 윤리적 공정생산 및 공정임금, 자원의 재활용 업사이클링, 슬로우패션 지향, 지역사회 환원에 부합하는 브랜드를 기준으로 선정하였다. 이 결과 국내 아동복 5개의 브랜드와 국외 아동복 12개의 브랜드, 총 17개의 국내·외 아동복 브랜드를 사례로 선정하여 분석하였 다. 실물제작은 업사이클링 아동복 패션디자인 사례를 바탕으로 도출된 디자인 특성을 적용하여 폐한복과 폐의류를 주재료로 하고 색동을 포인트로 하여 업사이클링 아동복 을 디자인하고 실물 제작하였다. 작품은 초등학교 저학년 남·여 아동을 대상으로, 아동 복 상·하의 세트 총 4벌(여아 원피스 2종, 남아 상·하의 1종, 남녀공용 아동복 오버롤 1종)의 업사이클링 아동복을 제작하였다. 폐한복과 폐의류의 수집은 착용하지 않는 개 인 소장품 혹은 기증받은 것을 사용하며, 원단, 단추, 의류 부자재 등을 최대한 활용하 고, 아동복의 특성상 내구성과 활동성을 고려하여 디자인하였다. 이 결과 폐한복과 폐 의류, 색동을 사용하여 아동복에 적절하면서도 창의적인 디자인 전개가 가능하였으며, 더 나아가 아동에게 환경문제에 대한 교육적 가치 및 한복과 전통 오방색에 대한 긍정 적 경험을 제공해 줄 수 있었다. 또한 환경보호와 지속가능한 패션산업의 발전에 일조 하며, 전통과 현대가 어우러진 독창적인 아동복 디자인을 개발함으로써 아동복 패션시 장에 문화적, 산업적 가치를 제공하는데 의의가 있다.

The purpose of this study is to develop an upcycling children's clothing design using discarded Hanbok and clothes based on the design characteristics of children's clothing analyzed through a case study of upcycling children's fashion brands. The research method was both literature review and real production. Literature review collected and organized data through prior research articles related to upcycling fashion design and journals, books, and Internet. The design case study focused on the official website of children's clothing brands, fashion Apps, and brands where upcycling children's clothing has become a social issue in the mass media. The upcycling children's clothing brands were selected based on the use of eco-friendly materials, ethical production, fair trade, recycling or upcycling of resources, slow fashion, and local return. As a result, a total of 17 children's clothing brands were selected and analyzed as examples. By applying the design characteristics derived from the case study, upcycling children's clothing was designed and produced with the discarded Hanbok and waste clothes. The work was conducted for boys and girls in the elementary school, and 2 dresses for girls, 1 set up for boy, 1 overall for genderless style. As a result, it was possible to develop an appropriate and creative design for children's clothes by using waste Hanbok and clothes, and it is considered worthy which was able to provide children with educational values on environmental issues and positive experiences in Hanbok. It is also meaningful to contribute to environmental problems and the development of the sustainable fashion industry and to provide unique cultural and industrial values by developing original children's clothing designs that combine tradition and modernity.

한국과 중국의 서화 교류는 남북조 시대로 거슬러 올라간다. 조선시대에는 수백 년간 중국과의 문화 교류 관계를 유지했다. 이 시기 조선의 사절단은 빈번히 중국을 방 문하면서 한․중 문인들이 서로 교류할 수 있는 계기가 되었다. 예찬은 원말명초 강남 지역의 대표적인 문인화가였으며 그의 회화 관념은 그가 살아온 시대의 정신과 자신의 선택에 영향을 받았다. 그는 서예와 회화의 융합을 강조하였는데, 서예의 서사성과 서 정성을 회화에 융합하여 시서화 일체를 이루었다. 당시 성행했던 삼교합일의 사상의 영향으로 많은 문사들이 유불도 사상을 모두 겸비하여 자유로운 시적 감정을 옹호하고 자연에 가까운 은일풍격을 추구하였다. 이것은 수묵화의 발전에 크게 기여하였는데, 중국 수묵화에 막대한 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 동양화에 대한 인식까지도 미묘하게 변화시켰다. 조선에도 예찬의 사상은 널리 전파되어 수많은 한국 예술가들이 그의 작 품을 연구하고 방작하였다. 특히 한국과 중국의 미술 교류는 예찬의 사상, 철학, 미학 에 영향을 받은 복잡하고 흥미로운 주제이다. 또한 조선 말기의 대표적인 문인화가인 허련은 『소치화품』에서 사군자도, 산수화, 제주도 실경 회화 등 다양한 풍격의 작품 을 남겼으며, 필묵 언어부터 화면을 구성하는 장법 구성에 이르기까지 개자원화보의 구도와 중국 문인화풍의 영향을 받은 것으로 보인다. 한국회화사에서 육법론, 삼원법 등의 이론이 끼친 영향도 상당하다. 이에 본 논문은 한중미술교류의 역사와 현황을 분 석․비교하여, 한중미술교류의 의의와 가치에 대해 깊이 이해하고자 하였다. 특히 예찬의 철학과 미학이 한중미술교류와 발전에 미친 영향에 대해 연구하였고, 문인화나 서화의 미술 교류의 단계적 특성을 정리하였다. 한중미술교류를 통해 한국과 중국의 문화교류와 우호관계가 증진되기를 기대한다.

The exchange of calligraphy and painting between Korea and China began during the Southern and Northern Dynasties and continued until the Joseon Dynasty for hundreds of years. During the Joseon Dynasty, Joseon's delegations frequently visited China, which made Korean and Chinese literati interact with each other. Ni Zan was a representative literati painter in the Jiangnan region during the late Yuan and early Ming Dynasties, and the spirit of the times he lived in influenced his 　 thoughts on painting. He emphasized the fusion of calligraphy and painting and combined the narrative and lyricism of calligraphy with painting to create a unified form of poetry, calligraphy, and painting. Under the influence of the idea of the union of the three religions prevalent at the time, many literati embraced Confucianism, Buddhism, and Taoism, advocated free poetic emotions, and pursued a hermitage style close to nature. It contributed to the development of ink painting, which subtly changed the perception of Oriental painting. Ni Zan's ideas spread through Joseon, and many Korean artists studied and reproduced his works. In particular, the exchange of art between Korea and China is a complex subject influenced by the ideology, philosophy, and aesthetics of Ni Zan. In addition, Heo Ryeon, a representative literati painter of the late Joseon Dynasty, left behind works of various styles, such as the Four Gracious Plants, Landscape Painting, and Jeju Island Scenery Painting in his Sochihwapum. His works seem to be influenced by the composition of Gaejawonhwabo and the style of Chinese literati painting, from the brushwork language to the composition of the frame. The influence of theories such as the Six Laws and the Law of Three Perspectives on the history of Korean painting is also significant. In this regard, I investigated the history and current status of art exchange between Korea and China. I also sought to deeply understand the significance and value of the art exchange between Korea and China. In particular, I discussed the influence of the aesthetics and philosophy of Ni Zan on the exchange and development of art between Korea and China. I also investigated the characteristics of the art exchange between literati painting and calligraphy. I hope the art exchange between Korea and China will help promote cultural exchange and friendly relations between Korea and China.

동양 추상표현주의 회화의 대표적인 인물로 평가되는 조무극(趙無極, 1921-2013)은 중․서양 문화를 융합하여 자신만의 새로운 예술 양식을 창조하였다. 본 연구는 중국 현대회화의 선구적 역할을 한 조무극이 중국 현대회화에 미친 영향을 분석하고 고찰한 것이다. 조무극의 회화 양식은 창작 과정에서 전통 회화 양식 에서 벗어나 획기적인 변화와 발전이 있었다. 그의 작품 변천의 요인과 배경에는 회화 양식 형성의 원인을 발견할 수 있는데, 가장 큰 요인은 중서 문화 및 사상의 상호 영향 이다. 초기 작품은 전통 회화 양식을 적용하였으나, 이후 프랑스 모더니즘을 수용하면 서 조무극만의 독창적인 작품 양식을 형성하게 된 것이다. 바로 그의 추상회화 작품에 는 기호 언어에 속하는 선의 움직임과 형식미, 파격적 화면과 의경미(意境美), 그리고 동양예술의 미학적인 요소를 융합하여 표현하고 있다. 조무극의 회화 양식은 프랑스 유학 기간에 서양 현대미술의 영향을 받으면서, 초기에는 중국 전통 회화 양식에서 구체적 기호화로 변화하게 되었고, 이후 기호화에 서 광초(狂草)로, 마침내 그만의 독창적인 추상표현주의 양식을 형성한 것이다. 조무극의 회화가 중국 현대회화에 미친 영향을 정리하면, 첫째, 중국 20세기에 중국과 서양 문화를 융합한 회화 양식이 유행하게 되었고, 둘째, 조무극이 해당 기간에 진행한 탈정치화의 ‘85강연’을 통해 1980년대 중국의 아방가르드 미술로 일컫는 85신 조미술운동이 전개되었으며, 셋째, 중국 현대 예술 창작에 참고가 되는 양식을 제공한 것이다. 이상과 같이 본 연구는 조무극의 예술이 미술계에 미친 영향을 요약하고, 그의 예술적 성취가 중국 현대회화 발전에 미친 영향을 고찰하였다.

As a leading figure in Eastern abstract expressionist painting, Zao Wou-Ki (1921-2013) fused Eastern and Western cultures to create his own unique art style. This study aims to analyze and investigate the influence of Zao Wu-Ki, who played a pioneering role in Chinese modern painting. In the course of his creation, Zao Wu-Ki 's painting style has changed and developed significantly from traditional painting style. In the factors and background of the change of his works, we can find the causes of the formation of the painting style, the biggest factor is the mutual influence of Chinese and Western culture and thought. Although his early works adopted the traditional painting style, he later adopted French modernism and formed Zhao Muji 's original work style. His abstract painting combines the movement of lines and the beauty of form belonging to the symbolic language, the revolutionary image and the beauty of meaning, and the aesthetic elements of Oriental art. During his study abroad in France, Zao Wu-Ki 's painting style was influenced by Western modern art, and initially changed from traditional Chinese painting style to concrete symbolism, then from symbolism to wild grass, and finally formed his own original form of abstract expressionism. To summarize the influence of Zao Wu-Ki 's paintings on Chinese modern painting, first, the painting style of the fusion of Chinese and Western cultures became popular in China in the 20th century; second, the 85th Century art movement, which is called China' s avant-garde art, was developed in 1980 through the "85 Lecture" of depoliticalisation by Zao Wu-Ki during that period; and third, it provided a form that can be used as a reference for the creation of Chinese modern art. As above, this study summarizes the influence of Zao Wu-Ki's art on the art world, and examines the influence of his artistic achievements on the development of modern Chinese painting.

본고는 근세기 한국 풍속화에 나타난 놀이도구가 있는 놀이문화 양상을 신분 계층별로 분류하여 분석해 본 것이다. 특히 조선 후기 중인 출신 화가였던 金弘道 (1745-?)와 申潤福(1758-?), 구한말 개항기에 활동했던 金俊根(1853년 전후～?) 등 의 작품을 통해 전통 놀이의 전승과 변화, 놀이 성격에 초점을 맞추어 고찰하였다. 조선조에 신분계급과 성별에 따라 구분되던 놀이문화는 시대적 상황과 시대정신 이 반영되어 전승 발전하거나 변화한다. 근세기(18～19세기) 놀이문화 양상의 특징은 화가의 주체 의식에 따라 서민의 놀이상을 실상 위주로 그린 서민층 풍속화가 활성화 되고, 사대부의 고상한 놀이문화 이외에 유흥문화 실상을 해학적․비판적으로 그린 양 반층 풍속화가 제각기 존재했다. 특히 구한말 화가 김준근은 주로 서민층 풍속을 주제 로 다양한 놀이상을 서구인의 요구에 부응하는 실상 위주 수출용 그림을 많이 그렸다. 근세기 이후 전통놀이문화에 대한 인식도 새로워지고, 오늘날까지 전승되어 지 속적으로 변화 발전해 온 것도 있고 부분적으로 남아있거나 사라진 것도 있다. 이런 점 을 Ⅱ장에서는 당시 풍속화에 나타난 양반 계층 놀이문화의 양상을 놀이문화의 성격에 따라 尙武적, 隱逸적, 神仙적, 賭博적, 競爭적, 敎育적 놀이문화로 분류하였고, Ⅲ장에 서는 서민 계층 놀이문화의 양상을 놀이문화의 성격에 따라 남성 戰鬪적, 여성 競爭적, 娛樂적, 諧謔적 놀이문화로 분류하여 비교하고 현재적 의미를 살펴보았다.

This paper analyzes the depictions of the folk recreation culture with toys and games shown in 18th and 19th century Korean genre paintings by categorizing them into different social classes. In particular, this paper examines the works of Kim Hong-do (1745-?) and Shin Yun-bok (1758-?), who were typical jung-in (middle-class) painters in the late Joseon Dynasty, and Kim Jun-geun (circa 1853-?) and others, who was a commercial painter for export during the port opening period with a focus on the characteristics of transmission, change, and playfulness the traditional games and toys. The folk recreation culture, which had been distinguished by social class and gender during the Joseon Dynasty, was passed down, developed, or changed by reflecting the situations and spirit of the times. The folk recreation culture of the early modern period (18th-19th centuries) is characterized by the emergence of genre paintings focused on the actual recreational activities of the common people, reflecting the consciousness of the artists, as well as genre paintings on the nobility’s refined leisure activities, which humorously and critically depicted their reality of the entertainment culture of the nobility. Especially Kim Jun-geun, a painter of the end of the Joseon Dynasty, produced many realistic, export- oriented paintings featuring various forms of common people's recreational activities, catering to the demands of Western audiences. After the Late Joseon Dynasty, people began to have a renewed perception of the traditional folk recreation culture; some of it has been passed down to this day and has continuously changed and developed, while others have partially remained or disappeared. Through genre painting at the time, in Chapter II of this paper, we looked into the aspects of the play culture of the nobility depicted in genre paintings according to the nature of the activities, by categorizing them into the martial, reclusive, Taoist hermit-like, gambling, competitive, or educational. In Chapter III, the aspects of the play culture of the common people were classified into male militant, female competitive, recreational, and humorous play cultures according to the nature of play culture, and their contemporary significance was explored.

본 연구는 茶書에 나타난 문인 차문화의 道家的隱逸지향을 고찰하여, 비움과 멈춤을 통한 내면 성찰이라는 관점에서 다도의 현대적 의의를 탐구하였다. 구체적으로 『道德經』제25장, 제48장 등을 중심으로 노자의 ‘道法自然’과 ‘爲道日損’ 사상을 분석 하고, 이를 다서에 나타난 문인들의 차문화 인식과 연계하여 그 사상적 연관성을 고찰 하였다. 연구 결과, ‘도법자연’ 사상은 차의 본질과 茶事에 대한 인식 형성에 영향을 미쳤다. 문인들은 차를 자연의 맑은 본성과 인간의 어진 본성의 조화를 상징하는 ‘靈苗’로 인식하였으며, 다사를 道의 원리를 체득하는 수양의 과정으로 실천하였다. ‘위도일손’ 사상은 閑淡한 은일적 차문화 형성에 주요한 영향을 미쳤다. 문인들은 도가적 은일 지 향의 차문화를 통해 세속적 욕망을 줄이고, 자연과의 조화 속에서 정신적 평정과 자유 를 추구하였음을 확인하였다. 이러한 도가적 은일 지향 차문화의 현대적 의의는 다음과 같다. 첫째, 차는 단순 한 소비재적 가치를 초월하여 인간과 자연의 상호작용을 매개하는 철학적·심미적 탐구 의 대상으로 인식되어야 한다. 둘째, 형식적 겉치레를 지양하고, 심신 회복을 지향하는 소박한 차문화의 본질적 가치를 회복해야 한다. 셋째, 다도는 일상의 분주함 속 비움과 쉼을 통한 觀照의 기회를 제공한다. 본 연구는 이러한 분석을 통해 다도가 현대인의 정 서적 안정과 내면적 치유에 기여할 수 있음을 논증하고자 하였다.

This study examines the Taoist reclusive tendencies manifested in literati tea culture as documented in classical tea literature(茶書), aiming to elucidate the contemporary significance of the Way of Tea from the perspective of inner contemplation through emptiness and cessation. Specifically, the research analyzes Laozi's concepts of ‘following the way of nature’(道法自然) and ‘reducing daily for the Way’ (爲道日損) primarily from Chapters 25 and 48 of the Dao De Jing(道德經), examining their philosophical connections with literati perspectives on tea culture as documented in tea literature. The findings reveal that the concept of ‘following the way of nature’ significantly influenced the understanding of tea's essence and tea ceremonies. The literati perceived tea as a ‘spiritual sprout’(靈苗) symbolizing the harmony between nature's pure essence and humanity's innate virtue, practicing tea ceremonies as a means of cultivating and embodying the principles of the Way(道). The concept of ‘reducing daily for the Way’ substantially shaped the development of an unadorned, reclusive tea culture. Through this Taoist-influenced approach to tea culture, the literati sought to reduce worldly desires and pursue spiritual tranquility and freedom in harmony with nature. The modern significance of this literati tea culture is threefold: First, tea should be recognized as an object of philosophical and aesthetic inquiry mediating human-nature interaction, transcending its mere value as a consumer commodity. Second, there is a need to recover the essential value of modest tea culture that emphasizes mental and physical restoration while avoiding formal ostentation. Third, the Way of Tea provides opportunities for contemplative observation through emptiness and rest amid daily busyness. Through these analyses, this study demonstrates how the Way of Tea can contribute to emotional stability and inner healing for contemporary individuals.

‘빛’을 떠올리며 누군가는 물리적 특성을 누군가는 성스러움을 또 누군가는 자연 의 생명력을 느낀다. 이러한 빛은 고대부터 동서고금을 막론하고 신비한 대상으로 여 겨졌기에 전 인류사에서 빛에 대한 철학적, 종교적 속성은 많은 부분 유사성을 보인다. 하지만 각각의 문명이 다르듯, 빛을 바라보는 저마다의 관점들이 존재한다. 또한, 한편 으로 현대 과학은 많은 연구를 통해 물리적 속성의 빛을 파악한 것처럼 보이지만, 인류 가 시작되기 이전부터 존재한 빛은 한 측면만으로 해석되기에는 무리가 있다. 그렇기 에 여전히 빛은 풍부한 상상이 가능한 미적 대상이기도 하여 동·서양 할 것 없이 현대 의 많은 화가에게 조형적 요소로 표현되고 있다. 그러나 동양미학의 연구에서 빛을 중심으로 한 미학적 고찰은 비교적 드물다. 따라서 본 논문은 동양철학에서 빛이라는 대상을 주목하고 빛이 가지는 다양한 미학적 의미를 살펴보고자 하였다. 그 하나로 장자의 ‘허실생백(虛室生白)’이라는 명제와 그 속에 담긴 빛의 미학적 측면을 고찰하였다. 허실생백은 ‘빛’이라는 이미지가 연상될 뿐만 아니라 동양미학의 기원이 되는 장 자사상과 ‘허(虛)’의 사유체계가 내포되어 있다. 따라서 허실생백에서의 빛의 함의를 살펴보기 위해 먼저 고전미학의 주요 짝 개념인 허실(虛實)의 사상적 토대가 되는 도 가의 유무(有無) 개념을 분석하였고, ‘무(無)’와 연계되는 ‘허(虛)’의 미학적 관점과 전 개에는 ‘허정(虛靜)’의 심미상태가 요구됨을 확인하였다. 이를 바탕으로 장자의 허실생 백에서 현상적인 ‘빛’이 연상되는 백(白)과 이러한 백이자 빛이 존재하기 위한 조건으 로 허정을 ‘심재(心齋)’와 ‘좌망(坐忘)’이라는 특수한 심경을 통해 분석하였다. 이어서 빛이 언급되는 장자의 다른 고사들에서도 허에 대한 사유와 빛의 관계를 고찰하였고, 허의 미학적 확장과 맞물려 있는 선(禪)사상과 그 속에 언급된 빛을 ‘허’와 연계된 빛의 외연으로써 함께 살펴보았다. 본 논문은 동양철학에서 내포하는 빛에 대한 사유를 살펴봄으로써 빛이 가지는 철학적 함의를 넓히고자 하였다. 이러한 과정은 동양철학 연구에서 거의 주목하지 않 았던 빛을 고찰하는 것으로 동양미학을 접근하는 새로운 관점을 시도했다는 것에 그 의의를 둘 수 있겠다.

Thinking about ‘light’, somebody feels its physical properties while another one gets the emotion of vitality of nature. Across the age and in all countries of the world, light has been seen as a mysterious object since the ancient time, so that the philosophical and religious attributes of light show much in common through the whole history of human being. Each civilization has its own uniqueness, however, the viewpoints of light differ between such civilizations. On the other hand, in addition, the modern science seems to have understood light as a physical attribute through a number of studies. However, it is hard to translate light only in an aspect as light has been in presence since the time when there was not an existence of human being, which means that light is still the aesthetic object deriving abundant imagination, so that it is expressed as a formative element by numerous artists across the world including both the East and the West. In the study field of the East Asian aesthetics, however, aesthetic thoughts focusing on light are relatively rare. This study is, therefore, aimed at looking into various kinds of aesthetic meaning of light from the East Asian philosophies paying attention to the object of light. As a part of such purpose, this study inquired into Zhuāng Zǐ's proposition of ‘XuShiShēngBái (虛室生白)’ and the aesthetic aspect of 'light' contained in such proposition. Out of XuShiShēngBái is not only analogized the image of ‘light’ but also connoted the thinking structure of ‘Xu (虛)’ that is the origin of the East Asian aesthetics. In order to look into the implication of ‘light’, therefore, this study first analyzed Taoist school's concept of YǒuWú (有無) that is the philosophical foundation for the main pair-concept in the classic aesthetics, XuShi (虛實). The view of Xu requiring ‘Wú (無)’ and especially the issue of XuJìngs (虛靜) are thought to have largely influenced the growth of aesthetics in the following generations in relation with the attitude for art creation. Based on this thought, this study analyzed Bái (白) out of XuShiShēngBái from which phenomenal ‘light’ is associated, and found the specific minds of XīnZhāi (心齋) and ZuòWàng (坐忘) required as the condition for presence of such ‘light’. Then, seeing another events about Zhuāng Zǐ where thoughts of Xu and light appear, it is also found that such Xu has been the developing process of literature in association with the influence of the idea of Zen (禪) in going for the growth of aesthetic theories and aesthetics. Furthermore, this study went to Xu viewed by Zen (禪), which is the issue of ‘vacating’ and the meaning of light. This study tried to extend the philosophical implication of light by looking into the thoughts of light contained in the East Asian philosophies, so that it is thought that this study is meaningful that it tried to approach the East Asian aesthetics in a new viewpoint through the thought of light that has been little paid attention in the study field of the East Asian philosophy.

본 연구는 일제강점기 ‘조선 향토색’을 둘러싼 논의를 중심으로 식민 담론의 양 가성과 이에 반응하는 지배주체와 피지배주체 사이의 인식 차이를 분석함으로써 한국 예술에 있어 ‘향토성’이 갖는 의의를 고찰하는데 목적이 있다. 연구자가 주목하는 것은 개별 작가의 중첩된 민족의식이나 작품의 의도가 아니라 조선색 혹은 향토색으로 대변 되던 1930년대와 40년대의 ‘향토’ 논의가 당대는 물론이고 그 이후의 비평가와 예술가 들에게 역담론의 가능성을 열어놓고 있다는 사실에 있다. 1934년 조선미술전람회 입선작인 이인성의 <가을 어느 날>은 식민 담론의 양가 성과 이에 반응하는 피지배주체의 미미크리(colonial mimicry)를 읽어낼 수 있는 대 표적인 사례이다. 제국주의의 양가적 요구로 인한 미미크리는 혼종성을 띠는 부분적 존재를 만들어 내고, 이것은 ‘닮음인 동시에 위협’이 된다. 즉 식민 담론의 양가성과 미 미크리는 잠재적으로 피지배주체로 하여금 식민 담론을 극복하고자 하는 실천적인 저 항의 가능성이 되는 것이다. 요컨대 식민 통치의 관점에서 볼 때 향토색은 식민 지배를 정당화하기 위해 부 각한 근대화의 흔적이 보이지 않는 조선의 표상이라 할 수 있다. 그러나 다른 한편, ‘향 토’를 둘러싼 담론의 창출과 작품을 통해 드러낸 다양한 향토의 창안은 당시 지식인들 이 일본 제국주의와 조국의 중첩된 경계 안에서 그들의 근대적 정체성을 구성해 나가 는 과정으로서의 면모를 드러낸다. 해방 후 한국 미술계가 일본의 영향을 벗어내고 탈 식민화를 위해 민속적 소재와 더불어 향토성을 또다시 부흥시킨 점은 이를 뒷받침한 다. 즉 ‘한국성’을 둘러싼 ‘향토’ 논쟁과 다양한 ‘향토’의 창안은 일제강점기 한국예술에 있어 정체성의 새로운 징후들을 창출하기 위한 실천적 장이 되었으며, 해방 이후에도 새로운 정치적, 사회적 상황과 조응하며 근현대 미술에서 지속적으로 재생산, 확장되 는 경향을 보인다.

This study examines the significance of “Return to the earth” in Korean art by analyzing the ambivalence of colonial discourse and the contrasting perceptions between the ruling and subjugated subjects, with a focus on discussions surrounding ‘Joseon local color’ during the Japanese colonial period. Rather than examining individual artists' intentions, it highlights how discussions of “Return to the earth” through Joseon color in the 1930s and 1940s served as a counter-discourse. Lee In-seong’s One Autumn Day (1934) is highlighted as an example of colonial mimicry, where the colonized adopted imperial influences in ways that were both imitative and subversive. From the perspective of colonial rule, local color was constructed as a symbol of Joseon devoid of any traces of modernization, thus serving to justify colonial domination. However, the creation of discourse around “Return to the earth” and the diverse expressions in artistic works reveal the processes through which intellectuals in colonial Joseon navigated the overlapping boundaries between Japan and Korea to construct a modern identity. This is further evidenced by the post-liberation efforts in the Korean art world to discard Japanese influence and revive the notion of “Return to the earth” alongside folk elements in the pursuit of decolonization. In other words, the discourse on “Return to the earth” surrounding ‘Koreanness’ served as a creative arena for developing new signs of identity in Korean art during the Japanese colonial period, continuing to evolve and expand in response to new political and social contexts even after liberation.

The principles of screen printing plate-making determine its reliance on image elements. Whether through traditional hand-drawn plate-making or the modern digital approach, both methods of screen printing exhibit their respective advantages and disadvantages in today's art environment. Traditional plate-making highlights the painterly quality and artistic style of film images but suffers from significant wear and tear. In contrast, with the intervention of digital technology, plate-making allows for a more diverse, complex, and inclusive use of image elements, though it can easily become rigid and overly focused on technology. Both approaches face opportunities and challenges. However, the unique ways in which image elements are expressed and valued during the screen printing process continue to be recognized and loved by many artists and viewers. In the context of contemporary art, screen printing can explore and expand the use of image elements in a more multidimensional manner, based on the characteristics and trends of the times, showcasing its unique charm.

丝网版画的制版原理决定了其对图像元素的依赖，无论是传统的手绘制版还是在现 代技术介入下的数码制版，丝网版画的两种制版方式都在当下的艺术环境中展示了各自的 优势与不足。传统制版的底片图像更彰显绘画性和艺术风格但损耗严重，数码技术介入下 的制版方式对图像元素的运用更加多元复杂也更具广泛性和包容性，但易刻板而科技感过 重，二者都面临一些机遇和挑战。但丝网版画制版过程中对图像元素独特的表现方式和价 值仍然受到许多艺术家和观者的认同和钟爱。在当代艺术的语境中，丝网版画可以基于时 代的特征与趋势在制版过程中更多维的挖掘图像元素的运用与拓展方式，展示其独特魅力。