Earticle

한복(韓服)은 서양에서 들어온 복식을 의미하는 양복(洋服)과 구분되는 단어로 사용되기 시작하여 현재까지 우리 민족의 전통복식을 의미하는 단어로 쓰이고 있다. 한국 전통복식은 본래의 의미 이외에 한복의 형태에 변화를 주어 기능적인 측면을 강 조한 생활한복, 서양복식의 조형적 요소와 혼합된 형태의 퓨전한복 등 다양한 형태와 의미가 추가되면서 지속적으로 변화와 발전을 겪어왔다. 그리고 최근에는 한국 전통복 식이 가진 본래의 의미에 현대인들의 사회‧문화적 배경과 가치관이 반영된 새로운 형 태의 신(新)한복이 등장하였다. 신한복은 정부의 제도적인 변화와 일반인들의 자체적 인 인식 변화를 포함한 수많은 노력에 의해 정의될 수 있었고, 많은 이들에게 긍정적인 이미지로 자리 잡았다. 그러나 한편에서는 전통적인 형태의 한복에서 많은 부분이 변 화한 현대 한복에 대해 부정적인 시선을 갖는 이들이 생겨나기도 하였다. 한편, 인간이 의식을 갖고 의사소통을 시작하면서 ‘기호’는 가장 필수적인 표현 및 전달방법으로 사용되고 있으며, 이에 따라 오늘날 기호학이라는 학문이 유행하고 있다. 우리 주변 모든 것은 기호로 구성되어 있으며, 복식 또한 수많은 기호들의 조합 을 통해 현 세대의 다양한 의사를 전달하고 있다. 이에 따라 조형적, 상징적 측면에서 많은 논란이 되고 있는 현대 한복을 기호학적 접근 방법을 기준으로 적용해 분석해 보 고자 한다. 현대 한복의 조형적 요소 분석에 기호학을 적용시키는 것은 디자인 분석 시 직관과 체험, 선입견 등의 주관적인 기준에 의해 분석의 한계에 부딪히거나 편견과 오 류에 치우칠 수 있다는 우려에 의한 것으로, 이를 의도적으로 검토하고 인공적으로 조 작하는 과정을 통해 기호의 의미작용과 의미의 창출과정을 객관적으로 고찰할 수 있게 해줄 기준이 될 것이라 판단하였기 때문이다. 연구방법은 문헌연구와 사례분석의 방법 으로 실시하였다. 문헌연구를 통해 기호학의 의미와 개념, 한국 전통복식에 표현된 상 징성에 대한 내용을 고찰하였으며, 사례분석을 통해 여자 전통 한복과 현대 한복에 표 현된 기호화 사례를 분석하였다. 한국 전통 한복과 현대 한복에 나타난 기호의 비교분 석은 기호학의 직접적인 기원을 이루고 있는 소쉬르(F.Saussure)의 기호학 이론 개 념을 적용하였다. 본 연구의 목적은 여자 전통 한복과 현대 한복에 표현된 조형 요소에 기호학을 적용하여 비교 분석 함으로서 현대 한복의 조형과 상징 분석 결과를 제시하는 것이다. 이에 따른 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 한국 전통복식의 색상은 음양오행설(陰陽五行說)을 기본으로 한 개념이 다. 한국 전통복식의 문양은 조선시대의 기본 사상인 유교사상을 토대로 한 것이다. 한국 전통복식의 형태는 복식 착용자의 사상, 철학, 인생관, 우주관 등을 복식에 표현한 것이다. 둘째, 여자 전통 한복에 표현된 형태의 기호화 사례에는 단속곳, 허리 치마, 당 코깃 당의, 쓰개용 장옷이 있다. 소재의 기호화 사례에는 십장색문, 도류불수문, 석류 문, 봉황문 등의 무늬가 있다. 색채의 기호화 사례에는 색동 저고리, 원삼이 있다. 셋째, 여자 현대 한복에 표현된 형태의 기호화 사례에는 남녀공용복식 형태 혼 합, 철릭 원피스, 복식 착용 방법과 위치의 다양화 등이 있다. 소재의 기호화 사례에는 신소재 활용디자인, 레이스 활용 디자인, 단청문, 쌍학문 등을 활용한 디자인 등이 있 다. 색채의 기호화 사례에는 색채 대비, 무채색 디자인, 색 강조 디자인, 톤의 통일 디 자인 등이 있다. 넷째, 전통 한복에는 랑그가 강하게 나타나있으며, 현대 한복에는 파롤이 강하 게 나타나 있다. 다섯째, 여자 전통 한복의 형태에 나타난 기표에는 깃, 동정, 고름, 무, 섶, 배 래, 치마 주름 등이 있고, 소재에 나타난 기표에는 재질과 문양이 해당된다. 색채에는 오방색이 해당된다. 여자 현대 한복의 형태에 나타난 기표에는 깃, 동정, 고름, 무, 섶, 배래, 치마 주름 등이 있고, 소재에 나타난 기표에는 재질과 문양이 해당된다. 색채에 는 명도, 채도, 색상의 조화에 따라 표현되는 다양한 색이 해당된다. 여섯째, 여자 전통 한복의 내포적 의미는 기표의 상징적 의미에 해당되고, 여자 현대 한복의 내포적 의미는 현대의 사회‧문화적 배경, 패션의 유행, 전통문화 계승 의지, 복식 착용자 개인의 취향 등이 해당된다.

Hanbok (韓服) began to be used as a word that is differentiated from suit (洋服), which means an item of clothing imported from the West and is now being used as a word to indicate Korean traditional clothing until now. In addition to the original meaning, Korean traditional clothing has continuously experienced changes and development by adding various forms and meanings such as daily practical Hanbok, which emphasizes the functional aspect by changing the form of Hanbok, and fusion Hanbok, which is a mixture of formative elements of Western clothing. In recent days, the New Hanbok with different styles, which reflects the social and cultural backgrounds and values of modern people in the original meaning of Korean traditional clothing, has appeared. Thanks to numerous efforts including institutional changes in the government and a transition in their own perception of the ordinary people, the Hanbok of recent days could be defined and has been positioned as a positive image for many people. On the other hand, a tendency that some people to have a negative perception of modern Hanbok, which was different in many aspects from the traditional Hanbok, also emerged. On the other hand, as humans begin to communicate with consciousness each other, the symbols are being employed as the most essential method of expression and communication, and the study of semiotics is thus becoming popular in recent days. Everything surrounding us is composed of symbols, and clothing also conveys various ideas and opinions of the modern generation using a combination of numerous symbols. In this regard, this study intended to analyze the modern Hanbok, which is being debated a lot in terms of the formative and symbolic perspective, based on the semiotic approach. The root cause of applying semiotics in analyzing the formative elements of modern Hanbok stems from the concern about encountering limitations in the analysis due to subjective criteria such as intuition, experience, and prejudice, or being biased to prejudice and errors. In other words, it was because of the judgment that such prejudice and errors can be a standard, which can make people objectively consider the meaning of symbols and the creation process of the meanings through the process of intentionally reviewing and artificially manipulating them. Literature study and case analysis were employed as the research method. This studyd is cussed not only the meaning and concept of semiotics but also the details of symbolism expressed in traditional Korean clothing through literature study and analyzed the symbolized cases expressed in the traditional Hanbok of women and modern Hanbok through case analysis. This study also employed F. Saussure's concept of semiotics theory that isconsidered the direct origin of semiotics for the comparative analysis of symbols in both Korean traditional Hanbok and modern Hanbok. The purpose of this study is to present the results of the formulation and symbol analysis of modern Hanbok by applying semiotics to the formative elements expressed in women's traditional Hanbok and modern Hanbok. The results of the study are as follows. First, the colors of traditional Korean clothing are based on theory of Yingyang-Wuxing. The pattern is based on Confucianism, which was the basic ideology of the Joseon Dynasty. The shape of the costume is an expression of the thoughts, philosophy, life hall, space hall, etc. of the doubles wearer. Second, examples of symbolization expressed in women's traditional han-bok include the wearing of dan-sokgot, waist skirts, and jang-ot. Examples of material symbolization include patterns such as with Ten Longevity Symbols, pomegranate, phoenix. Examples of color symbolization include jeogori and won-sam. Third, examples of form symbolization expressed in women's modern hanbok include a mix of unisex styles, chor-ic dresses, and diversification of the ways costume are worn and their positions. Examples of material symbolization include designs that utilize new materials, designs that utilize lace, and designs that utilize monophonic sentences, bilingual sentences, etc. Examples of color symbolization include color contrast, achromatic design, color emphasis design, and tone unified design. Fourth, langue is strongly present in traditional hanbok. Parole is strongly expressed in modern Hanbok. Fifth, the signifier that appear in the form of women's traditional Hanbok include git, go-reum, dong-jung, mu, sup, skirt wrinkles. The signifier that appears on the material has its material and pattern. The colors correspond to the five cardinal colors. Women The signifier that appear in the form of modern Hanbok include git, go-reum, dong-jung, mu, sup, skirt wrinkles. The signifier that appears on the material has its material and pattern. Colors include various colors expressed by brightness, saturation, and color harmony. Sixth, the signified of women's traditional hanbok corresponds to the symbolic meaning of the seal. The signified of women's modern hanbok includes the modern social and cultural background, fashion trends, the will to pass on traditional culture, and the individual preferences of the costume wearer.

본고는 우리 민족의 예술적 발현의 근원을 풍류정신으로 보고, 이런 점을 조선 후기 풍속화에 나타난 풍류적 미의식에 적용해 분석한 것이다. 구체적으로 자연의 생 명력과 미적 삶의 방식이 포함된 풍류(風流)를 상위 미적 범주로 삼되 신명(神明), 한 (恨), 해학(諧謔)의 상호관계성을 통해 규명하고자 한다. 풍류를 한국적인 미의식의 바탕으로 삼을 때 거론할 수 있는 철학적 근거는 최치원이 ｢난랑비서(鸞郎碑序)｣에서 언급한 유ㆍ불ㆍ도 삼교를 포함하면서 접화군생의 생명사상으로 대변되는 풍류정신이다. 이러한 풍류정신의 맥락으로 볼 때 한국적 미의식은 삼교를 포함한 현묘한 도이다. 아울러 자연합일 사상을 바탕으로 한 각각의 미적 요소들이 개별적․융합적으로 상호 넘나드는 상보적 호환성이란 특징이 있다. 풍류는 본질상 노는 것이지만 그 놀이에는 예술성ㆍ심미성이 담겨 있다. 구체적으로 자연친화적인 한정적ㆍ은일적 풍류와 정감적, 신명적, 해학적 풍류 등에는 미적인 삶의 다양한 풍류적 미의식을 담고 있다. 본고는 풍류적 미의식에 입각한 이런 점이 조선 후기 김홍도와 신윤복의 회화에 어떻게 표 현되었는지를 고찰하고자 한 것이다.

The purpose of this paper is to view the spirit of Pungnyu (having fun with grace)as the source of the artistic expression of Koreans and analyze the aesthetic consciousness of Pungnyu shown in genre paintings in the late Joseon Dynasty. Specifically, while taking Pungnyu, which includes the vitality of nature and the aesthetic way of life, as a high-level aesthetic category, I have attempted to clarify it through the interrelationships of exhilaration, deep sorrow, and humor. The philosophical basis that we can mention when taking Pungnyu as the basis of Korean aesthetic consciousness is the spirit of Pungnyu mentioned by Choi Chi-won in "Nanrangbiseo," which includes three religions of Confucianism, Buddhism, and Taoism and is represented by the idea of life that is edified while contacting all things. In the context of this spirit of Pungnyu, Korean aesthetic consciousness is a profound way and the philosophy of natural union, and therefore, each aesthetic element has the characteristic of mutually crossing each other individually and convergence, and there is complementary compatibility. Pungnyu is inherently playing, but it pursues artistry and aesthetics, and contains nature-friendly, limited, and secluded Pungnyu and Pungnyu-like various esthetic senses of aesthetic life such as emotional, exhilarating, and humorous Pungnyu. In this paper, I have attempted to examine how these elements based on the esthetic sense of Pungnyu were expressed in the paintings of Kim Hong-do and Shin Yun-bok in the late Joseon Dynasty.

본 연구는 전민족적 항일운동인 3.1운동 이후 일본은 무단정치에 대한 노선을 변경하고 문화정치를 표방한 많은 회유정책 중 1922년에 창설한 조선미술전람회와 조선의 자연, 풍속, 풍물 등 조선의 미적 정조(情調)로 간주되는 향토적인 색채를 의미하는 조선향토색의 의미가 어떻게 해석되고 있는지 그 비평적 관점을 살펴본 것이다. 조선미술전람회는 많은 신진작가들이 등용하게 되고, 그들의 작품 세계를 넓힐 수 있는 기회를 가지게 된 것은 긍정적인 평가를 받지만, 반면 부정적 비판도 받고 있다. 그것은 조선향토색은 국가의 색채라기보다는 일제시기를 말해주는 일제강점기에 나타난 향토적 표현을 말하기 때문이다. 이와 같은 두 가지 의미는 일제 탄압 속에서 그나마 활발한 활동이 전개될 수 있는 제도적 장치와 독자적인 색채를 이루었다는 미술사적 의의와 회유정책에 동참했다는 비판적 평가를 받는다는 비평의 모순을 갖기도 한다. 이에 연구자는 조선미술전람회의 작품을 통해 조선향토색의 비평적 관점을 객관적 시각으로 분석하였다.

본 연구는 전민족적 항일운동인 3.1운동 이후 일본은 무단정치에 대한 노선을 변경하고 문화정치를 표방한 많은 회유정책 중 1922년에 창설한 조선미술전람회와 조선의 자연, 풍속, 풍물 등 조선의 미적 정조(情調)로 간주되는 향토적인 색채를 의미하는 조선향토색의 의미가 어떻게 해석되고 있는지 그 비평적 관점을 살펴본 것이다. 조선미술전람회는 많은 신진작가들이 등용하게 되고, 그들의 작품 세계를 넓힐 수 있는 기회를 가지게 된 것은 긍정적인 평가를 받지만, 반면 부정적 비판도 받고 있다. 그것은 조선향토색은 국가의 색채라기보다는 일제시기를 말해주는 일제강점기에 나타난 향토적 표현을 말하기 때문이다. 이와 같은 두 가지 의미는 일제 탄압 속에서 그나마 활발한 활동이 전개될 수 있는 제도적 장치와 독자적인 색채를 이루었다는 미술사적 의의와 회유정책에 동참했다는 비판적 평가를 받는다는 비평의 모순을 갖기도 한다. 이에 연구자는 조선미술전람회의 작품을 통해 조선향토색의 비평적 관점을 객관적 시각으로 분석하였다.

본 연구는 일제강점기 ‘조선 향토색’을 둘러싼 논의를 중심으로 식민 담론의 양 가성과 이에 반응하는 지배주체와 피지배주체 사이의 인식 차이를 분석함으로써 한국 예술에 있어 ‘향토성’이 갖는 의의를 고찰하는데 목적이 있다. 연구자가 주목하는 것은 개별 작가의 중첩된 민족의식이나 작품의 의도가 아니라 조선색 혹은 향토색으로 대변 되던 1930년대와 40년대의 ‘향토’ 논의가 당대는 물론이고 그 이후의 비평가와 예술가 들에게 역담론의 가능성을 열어놓고 있다는 사실에 있다. 1934년 조선미술전람회 입선작인 이인성의 <가을 어느 날>은 식민 담론의 양가 성과 이에 반응하는 피지배주체의 미미크리(colonial mimicry)를 읽어낼 수 있는 대 표적인 사례이다. 제국주의의 양가적 요구로 인한 미미크리는 혼종성을 띠는 부분적 존재를 만들어 내고, 이것은 ‘닮음인 동시에 위협’이 된다. 즉 식민 담론의 양가성과 미 미크리는 잠재적으로 피지배주체로 하여금 식민 담론을 극복하고자 하는 실천적인 저 항의 가능성이 되는 것이다. 요컨대 식민 통치의 관점에서 볼 때 향토색은 식민 지배를 정당화하기 위해 부 각한 근대화의 흔적이 보이지 않는 조선의 표상이라 할 수 있다. 그러나 다른 한편, ‘향 토’를 둘러싼 담론의 창출과 작품을 통해 드러낸 다양한 향토의 창안은 당시 지식인들 이 일본 제국주의와 조국의 중첩된 경계 안에서 그들의 근대적 정체성을 구성해 나가 는 과정으로서의 면모를 드러낸다. 해방 후 한국 미술계가 일본의 영향을 벗어내고 탈 식민화를 위해 민속적 소재와 더불어 향토성을 또다시 부흥시킨 점은 이를 뒷받침한 다. 즉 ‘한국성’을 둘러싼 ‘향토’ 논쟁과 다양한 ‘향토’의 창안은 일제강점기 한국예술에 있어 정체성의 새로운 징후들을 창출하기 위한 실천적 장이 되었으며, 해방 이후에도 새로운 정치적, 사회적 상황과 조응하며 근현대 미술에서 지속적으로 재생산, 확장되 는 경향을 보인다.

This study examines the significance of “Return to the earth” in Korean art by analyzing the ambivalence of colonial discourse and the contrasting perceptions between the ruling and subjugated subjects, with a focus on discussions surrounding ‘Joseon local color’ during the Japanese colonial period. Rather than examining individual artists' intentions, it highlights how discussions of “Return to the earth” through Joseon color in the 1930s and 1940s served as a counter-discourse. Lee In-seong’s One Autumn Day (1934) is highlighted as an example of colonial mimicry, where the colonized adopted imperial influences in ways that were both imitative and subversive. From the perspective of colonial rule, local color was constructed as a symbol of Joseon devoid of any traces of modernization, thus serving to justify colonial domination. However, the creation of discourse around “Return to the earth” and the diverse expressions in artistic works reveal the processes through which intellectuals in colonial Joseon navigated the overlapping boundaries between Japan and Korea to construct a modern identity. This is further evidenced by the post-liberation efforts in the Korean art world to discard Japanese influence and revive the notion of “Return to the earth” alongside folk elements in the pursuit of decolonization. In other words, the discourse on “Return to the earth” surrounding ‘Koreanness’ served as a creative arena for developing new signs of identity in Korean art during the Japanese colonial period, continuing to evolve and expand in response to new political and social contexts even after liberation.

일본은 에도시대에 근대화를 이루기 위한 모든 선행조건이 거의 결정되었고, 근 대에는 동아시아에서 선두를 달리는 선진국·강대국이 되었다. 에도시대의 시대적 특징 은 천하보청과 산킨고타이제도, 실학과 박물학의 발달, 도시와 상업 발달, 신분제도 붕 괴, 서양화풍 유입, 교토중심 문화적 영향력 축소, 그리고 근대성 등을 들 수 있다. 본 연구의 목적은 근세기 에도시대의 시대적 배경과 근대성을 바탕으로 미술이 근대화를 일으키는 데 주요도구로 활용된 그 당시 회화인 난핀하(南蘋派)·우키요에·에 도양풍화의 흐름과 특성을 고찰해봄으로써 일본의 근대화 태동과 근대성을 확인해보 고, 일본문화와 역사를 국제적인 안목에서 이해하는 폭을 넓혀보고자 함이다. 18∼19세기 동아시아의 삼국은 청대·조선후기·에도시대였다. 이 시대는 서민문 화의 융성이라는 공통적인 근대성문화 현상을 보여주고 있다. 특히 나가사키항을 통해 들어온 중국과 네덜란드의 선진문물은 에도회화에 많은 영향을 주었다. 그중에서 사실 화풍 화조화인 ʻ난핀하(南蘋派)ʼ는 ʻ에도양풍화ʼ가 원활히 전개되게 하는 가교(架橋)역할 을 했고, ʻ우키에(浮絵)와 요지경화ʼ는 투시원근법이 적용된 초기풍경목판화인데 ʻ우키요 에ʼ 동판풍경화로 발전하였고, 에도양풍화는 실학과 박물학의 발달로 도보(圖譜)제작과 같은 실용목적으로 회화성보다는 기술적 성격에서 출발한 정밀한 사실주의 화풍이었다. 에도 문화를 대표하는 풍속화인 우키요에는 판매 목적을 위한 대량생산·화풍개 발·첨단 출판물·최신 정보매체 등의 근대성을 띤 시대적 유행의 역동적 변화물이었다.

All prerequisites to achieve modernization were set during the Edo Period and Japan became an advanced country and a powerful nation for leading East Asia in modern days. Periodicals characteristics of the Edo Period include Tokugawa public works, sankin kotai system, development of realism and natural history, development of cities and commerce, collapse of a caste system, introduction of Western painting style, reduction of Kyoto-focused cultural influence, and modernity. This study aims to identify the beginning of modernization and modernity in japan and to expand understanding of Japanese culture and history from a global perspective by studying Nanpinha (南蘋派), Ukiyo-e, and Western style painting of the Edo period which were used as the main tool for art to cause modernization based on time setting and modernity of the Edo period. The three countries of East Asia in the 18th and 19th centuries were the Qing Period, the late Joseon Period, and the Edo Period. These periods show a common modern phenomenon called enrichment of popular culture. Advanced culture (先進文物) of China and Netherlands came through the Nagasaki port had a significant influence on the Edo paintings. ʻNanpinha (南蘋派)ʼ, flower and bird paintings of a realistic style, played a role of a bridge (架橋) for spreading the ʻWestern style paintings of the Edo Periodʼ. ʻUkiyo-e (浮(き)絵) and 요지경화ʼ are early landscape woodprint paintings with pespective and they were developed into copperplate landscape paintings. Western paintings of the Edo Period are the detailed realism style paintings that began from a technical point rather than pictoriality with a pratical purpose such as making an illustrate book at national level with development of realism and natural history. Ukiyo-e, the genre painting that represents the Edo culture, was a dynamic transition of the periodic trend with modernity such as mass production for seeling, development of painting style, advanced publication, and latest information media.

본 논문은 ‘세계화’(globalization)와 ‘탈영토화’(deterritorialization)의 개 념 중심으로 본 ‘한국현대미술의 정체성’에 관한 담론을 통하여 한국현대미술의 방향성 을 알고자 하는 것을 목적으로 한다. 한국사회는 1990년대부터 세계화와 다문화의 급 류를 탄 이후 고유의 문화, 민족, 영토에 대한 개념의 경계가 빠르게 허물어지고 있으 며, 인터넷과 매스 커뮤니케이션(mass communication)의 급진적인 발달로 매 시 각 세계 각국의 소식과 문화를 접하는 것이 보편적인 시대를 맞고 있다. 이러한 가운데 ‘한국현대미술’의 정체성에 대한 규정을 하고자 하는 것은 쉽지 않은 문제일 것이나 정 체성에 대한 물음을 가지는 것은 존재의 근원에 대한 사유를 하는 것으로 존재하는 것 의 본능적인 물음이라고 할 수 있다. 그러므로 ‘한국현대미술’이 존재한다고 한다면, 그 정체성에 대한 물음을 가지는 것은 존재의 핵심 사안이며 필수적인 것이다. 이 논문은 ‘한국현대미술’의 ‘정체성’을 명확하게 규정하는 것에 목적을 두지 않 는다. 그 대신에 그 ‘정체성’에 대한 존재론적 담론과 현재의 ‘한국현대미술’을 대표하고 있는 미술가들인 이우환, 김수자, 서도호의 사상과 작품 활동의 사례들을 통하여, 그들 이 예술가로서의 ‘정체성’을 어떻게 형성하고 그것을 발판으로 한 예술작업을 어떻게 하고 있는지, 그 현상들을 고찰하여 한국현대미술의 중요한 측면을 알고자한다. 본문 에서는 첫째, ‘한국미술’의 정체성 담론이 어떻게 시작되었으며, 어떻게 한국의 현대미 술의 정체성에 관한 담론으로 이어지게 되었는지 알아본다. 또한 현재의 ‘한국현대미술’ 의 정체성에 관한 담론을 위하여 ‘세계화’와 ‘탈영토화’의 두 가지 개념을 알아보고, 현 재 미술계의 상황에 투영하여 분석한다. 본문의 마지막 절에서는 앞선 연구들을 토대 로 한국현대미술을 이끌고 있는 이우환, 김수자, 서도호의 사례를 통하여 한국현대미 술의 추동력의 방향성을 알아본다.

This paper aims to understand the direction of ‘Korean contemporary art’ through the discourse on ‘the identity of Korean contemporary art’ based on the concepts of ‘globalization’ and ‘deterritorialization’. Since the 1990s, the boundaries of the concepts of Korean culture, ethnicity and territory have been rapidly disintegrating, due to ‘globalization’ and ‘multiculturalism’. With the radical development of the Internet and mass communication, Korean society is facing the era of instant universal access to news and culture from all over the world. In this situation, it is not easy to define the identity of Korean contemporary art, but questioning the identity is instinctive and essential. If ‘Korean contemporary art’ exists, it is essential to have a question about its identity. This paper does not focus on defining the identity of ‘Korean contemporary art’. Instead, through looking at the existential discourse on ‘identity’ in the thoughts and artistic activities of the artists U-fan Lee, Soo-ja Kim and Do-ho Seo, the paper contemplates how they form their identity as artists, and how they are working on their art works based on it. Through this, ultimately, this study discovers an important direction of Korean contemporary art. First, the paper explores how discourses on the identity of ‘Korean art’ began, and how it led to the discourse on the identity of Korean contemporary art. In addition, the two concepts ‘globalization’ and ‘deterritorialization’ are explored in order to discuss the identity of ‘Korean contemporary art’, and this is used to analyse the current situation of the Korean art world. The final section of the paper examines the cases of U-fan Lee, Soo-ja Kim and Do-ho Seo based on the previous analysis, in order to comprehend the impetus behind the current direction of Korean contemporary art.

본 논문은 ‘몸’의 개념을 중심으로 장자(莊子, B.C.369~B.C.289) 철학을 바 탕으로 한국 현대 설치미술에 대한 해석을 제시하는 것을 목표로 한다. 본 논문은 설치 미술 중에서 몸과 장소의 관계가 중심이 되는 장소 특정적 미술(site-specific art)을 대상으로 하여 예술철학적 고찰을 진행한다. 이를 위한 사례로 한국 출신의 국제적 미 술가인 이우환(1936~ ), 김수자(1957~ ), 서도호(1962~ )의 작품을 살펴보고자 한다. 몸은 동·서양을 막론하고 고대로부터 현재까지 사상·철학사와 예술사에서 논의 되어 온 중심 주제들 중 하나이다. 몸의 개념은 시대와 문화권에 따라서 그 접근 방법 이 달라왔고, 예술은 그러한 시대와 사상·철학사의 상황을 반영해 왔다. 몸과 관련하여 장소 특정적 미술의 가장 큰 특징을 말하자면, 작품창작에 있어서 예술가의 몸이 인지 하는 3차원 공간이 작업의 기반이 되고, 이에 따라 그 공간과 3차원의 예술작품을 인 지하는 관람자 몸의 체험이 중요하다는 점이다. 그러므로 본 논문은 장소 특정적 미술 을 분석하기 위하여 ‘몸’을 핵심어로 삼는다. 본 논문은 장자의 ‘일원적 몸’에 관한 사유를 바탕으로 한국 현대 설치미술을 고 찰한다. 장자의 몸철학을 통한 한국 출신 미술가들의 장소 특정적 미술 작품 고찰은 현 대의 문화융합적 예술 현상을 이해하기 위한 연구 방편 중 하나로 중요한 가치가 있을 것이다. 이 논문은 동시대의 한국 예술계가 급진적으로 세계화되어가고 있으며 한국의 설치미술이 다양한 문화·사상과 융합되어가고 있는 상황에 주목하면서, 기존의 서양미 학을 중심으로 한 연구방법론에서 탈피하고자 한다. 나아가 현대미술에 대한 다양한 연구시각의 일환으로 동양철학의 필요성을 강조하고, 이러한 연장선에서 한국의 현대 설치미술을 장자의 시각으로 규명하려 한다.

This paper aims to study on Korean contemporary installation art based on the philosophy of Zhuangzi(莊子, B.C.369~B.C.289), focusing on the concept of 'body'. This thesis proceeds with a philosophical examination of art, targeting site-specific art in which the relationship between the body and the place is central. As examples of site-specific art, I contemplate the artworks of Lee Ufan (1936~ ), Kim Sooja (1957~ ), and Suh Doho (1962~ ), who are international artists from Korea. The body is one of the central themes that have been discussed in the history of thoughts, philosophies and the arts from ancient times to the present, regardless of the East or the West. The concept of the body has been approached differently depending on the era and the culture, and art has reflected the situation of this. To speak of the characteristic of site-specific art in relation to the body, the three-dimensional space perceived by the body of the artist becomes the basis of the work in the creation of the work. Accordingly, the experience of the viewer’s body, who perceives the space and the three-dimensional art work, is very important. Therefore this thesis uses ‘body’ as a key word to analyze site-specific art. This paper examines Korean contemporary installation art based on Zhuangzi's thoughts on ‘the unitary body'. This consideration of site-specific art works by Korean artists through Zhuangzi's body philosophy may have a important value as one of the research methods to understand the contemporary art phenomenon of cultural convergence. This thesis seeks to break away from the existing research methodology centered on Western aesthetics. Also it pays attention to the situation in which the contemporary Korean art world is rapidly globalizing and Korean installation art is merging with various cultures and ideologies. Furthermore, as a part of various research perspectives on contemporary art, the necessity of the East Asian philosophy is emphasized, and in this context, Korean contemporary installation art is to be investigated from the perspective of Zhuangzi.

본고의 목적은 근세기(18～19세기) 동아시아 삼국의 문인화가 법고창신(法古創 新)정신을 바탕으로 한 특색 있는 동아시아 미적 문화유산임을 확인하고, 삼국의 문인 화를 문화적 동질성을 지닌 맥락에서 고찰해보는 데 있다. 근세기 동아시아 삼국은 청 대(중국), 조선 후기(한국), 에도시대(일본)이다. 이 시기는 서민문화의 흥성이라는 근 대성문화 현상과 초기 서양화법 도입으로 변화가 시작되는 시기였다. 17세기 청나라 초기에 시작된 정통파 화풍은 동아시아 삼국 회화교류에서 상당한 비중을 차지하였는 데 18세기에 조선과 에도에 전래되어 19세기에는 많은 화가가 배출되었다. 이런 과정 에서 근세기(18〜19세기)에는 각국의 회화 경향이 일정 정도 차이가 나타난다. 본고는 이런 점에 착안하여 근세기(18〜19세기) 동아시아 삼국 문인화를 비교하고자 한다. 중국문인화의 영향을 받은 한국과 일본의 문인화는 중국의 문인화를 실제 작품 보다 화보류(畵譜類)에 많이 의존하였으며, 방작(倣作)도 많았으나 각기 독자적으로 변화를 모색하여 고유한 표현방식과 특성을 나타낸다. 그리고 문인화의 명칭은 ‘남종화’, ‘남종문인화’, ‘남화’라고 하였는데 중국의 문인화에 근원을 둔 별칭들이라 할 수 있다. 한국의 문인화는 조선 후기에 겸재(謙齋) 정선(鄭敾, 1676~1759)과 현재(玄 齋) 심사정(沈師正, 1707~1769) 등에 의해 우리의 풍토미와 고유의 심미관이 토착 화된 독창적인 한국적 남종화로 확립되었고, 일본의 문인화는 18세기 중엽 이후 이케 노 타이가(池野大雅, 1723～1776)와 요사 부손(與謝蕪村, 1716～1783) 등에 의해 일본 전통기법에 남종화의 표현기법을 더하여 재해석된 독자적인 일본풍 남화로 확립 되었다. 이상과 같이 한중일 삼국에서 근세기(18〜19세기) 유행한 문인화풍은 공통점 이 있지만 각각 다른 특징을 보였음을 확인 할 수 있다.

The purpose of this paper is to confirm that the literary and artistic paintings of the three East Asian countries in the 18th and 19th centuries are unique aesthetic cultural heritage based on the spirit of Beopgo Changshin(法古創新), and to examine the literary and artistic paintings of the three countries in the context of cultural homogeneity. The three countries of East Asia in the modern centuries included the Qing period, the late Joseon period, and the Edo period. This period was a period when changes began with modernity cultural phenomenon of people’s culture and the early introduction of the Western painting method. The orthodox painting style, which began in the early Qing Dynasty in the 17th century, accounted for a significant portion of the East Asian Three Kingdoms painting exchange, which was introduced to Joseon and Edo in the 18th century, and many painters were produced in the 19th century. In this process, there is a certain difference in the trends of painting in each country in the recent century (18-19th century). Focusing on this point, this paper attempts to compare the literary paintings of the East Asian Three Kingdoms in the recent century (18-19th century). The literary painting of Korea and Japan that influenced from the literary painting of China relied more heavily on pictorials than actual literary painting works of China. There were many imitative works, but each independently seeks change to express its own way of expression and characteristics. The literary painting was known as the ‘southern school painting,’ ‘southern school literary painting,’ and ‘southern painting( Namhwa).’ These names were rooted in the literary painting of China. The original Korean southern school painting was established by Gyeomjae Jeong Seon(鄭敾, 1676~1759) and Hyunjae Sim Sajeong(沈師 正, 1707~1769) in the late Joseon period with climatic beauty and a unique aesthetic view of Korea. The literary painting of Japan was developed into a reinterpreted, independent Japanese southern painting by Ikeno Taiga(池野大雅, 1723~1776) and Yosa Buson(與謝蕪村, 1716~1783) after the mid-18th century with the traditional technique of Japan and expressive method of the Namjong painting. As described above, it can be seen that the literary painting style that was popular in the recent century (18th-19th century) in the three countries of Korea, China, and Japan showed different characteristics, although they had something in common.

본 연구는 국내·외 업사이클링 패션 및 아동 패션브랜드 사례조사를 통해 분석 한 아동복의 업사이클링 소재와 디자인 특성을 바탕으로 폐한복과 폐의류(데님)를 활 용한 업사이클링 아동복 디자인을 개발하는 것이 목적이다. 이를 위해 본 논문은 이론 적 배경, 업사이클링 브랜드 사례조사, 디자인 전개, 그리고 결론 및 향후 연구 방향의 순서로 구성되었다. 구체적인 연구방법은 문헌연구와 실물제작을 병행하였다. 문헌연 구는 업사이클링 패션디자인 관련 선행연구 논문과 학술지, 단행본, 잡지 및 인터넷 기 사 등 대중매체를 통하여 자료를 수집 및 정리하였다. 실물제작을 위한 디자인 사례조 사는 아동복 브랜드 공식 홈페이지와 윤리적 패션 앱(App), 대중매체에서 업사이클링 아동복이 사회적으로 이슈가 된 국내·외 브랜드를 중심으로 조사하였다. 업사이클링 아동복 브랜드의 선정기준은 기업의 지속가능성 실천 범주인 친환경 소재사용, 윤리적 공정생산 및 공정임금, 자원의 재활용 업사이클링, 슬로우패션 지향, 지역사회 환원에 부합하는 브랜드를 기준으로 선정하였다. 이 결과 국내 아동복 5개의 브랜드와 국외 아동복 12개의 브랜드, 총 17개의 국내·외 아동복 브랜드를 사례로 선정하여 분석하였 다. 실물제작은 업사이클링 아동복 패션디자인 사례를 바탕으로 도출된 디자인 특성을 적용하여 폐한복과 폐의류를 주재료로 하고 색동을 포인트로 하여 업사이클링 아동복 을 디자인하고 실물 제작하였다. 작품은 초등학교 저학년 남·여 아동을 대상으로, 아동 복 상·하의 세트 총 4벌(여아 원피스 2종, 남아 상·하의 1종, 남녀공용 아동복 오버롤 1종)의 업사이클링 아동복을 제작하였다. 폐한복과 폐의류의 수집은 착용하지 않는 개 인 소장품 혹은 기증받은 것을 사용하며, 원단, 단추, 의류 부자재 등을 최대한 활용하 고, 아동복의 특성상 내구성과 활동성을 고려하여 디자인하였다. 이 결과 폐한복과 폐 의류, 색동을 사용하여 아동복에 적절하면서도 창의적인 디자인 전개가 가능하였으며, 더 나아가 아동에게 환경문제에 대한 교육적 가치 및 한복과 전통 오방색에 대한 긍정 적 경험을 제공해 줄 수 있었다. 또한 환경보호와 지속가능한 패션산업의 발전에 일조 하며, 전통과 현대가 어우러진 독창적인 아동복 디자인을 개발함으로써 아동복 패션시 장에 문화적, 산업적 가치를 제공하는데 의의가 있다.

The purpose of this study is to develop an upcycling children's clothing design using discarded Hanbok and clothes based on the design characteristics of children's clothing analyzed through a case study of upcycling children's fashion brands. The research method was both literature review and real production. Literature review collected and organized data through prior research articles related to upcycling fashion design and journals, books, and Internet. The design case study focused on the official website of children's clothing brands, fashion Apps, and brands where upcycling children's clothing has become a social issue in the mass media. The upcycling children's clothing brands were selected based on the use of eco-friendly materials, ethical production, fair trade, recycling or upcycling of resources, slow fashion, and local return. As a result, a total of 17 children's clothing brands were selected and analyzed as examples. By applying the design characteristics derived from the case study, upcycling children's clothing was designed and produced with the discarded Hanbok and waste clothes. The work was conducted for boys and girls in the elementary school, and 2 dresses for girls, 1 set up for boy, 1 overall for genderless style. As a result, it was possible to develop an appropriate and creative design for children's clothes by using waste Hanbok and clothes, and it is considered worthy which was able to provide children with educational values on environmental issues and positive experiences in Hanbok. It is also meaningful to contribute to environmental problems and the development of the sustainable fashion industry and to provide unique cultural and industrial values by developing original children's clothing designs that combine tradition and modernity.

본 연구는 2022년 진행된 ‘한국 전통 수묵화 화풍별 제작 테이터’ 인공지능(AI) 학습용 데이터 구축사업과 2023년 진행된 ‘한국 전통 수묵 채색화 제작 데이터’ 인공지 능(AI) 학습용 데이터 구축사업, 2024년 진행된 ‘한국 전통 민화 분야 구축’을 중심으 로 한국화 AI의 등장과 현황을 파악하고 미래를 전망하는 것을 목적으로 한다. 그림에 관한 인공지능 학습의 경우 화풍 또는 화목에 따른 특유의 기법, 스타일, 색채 등이 밀 접하게 연관되어야 한다. 혁신적 기술이 회화의 새로운 창의적 도구가 된 것처럼 새로 운 예술의 시작점이며 인간만의 고유한 예술적 가치와 역할을 재발견할 수 있는 공생 의 기회이기도 하다. 이미지 생성 AI는 선천적 재능이나 전문적인 예술교육 없이도 누 구나 창작에 참여할 수 있게 하며, 텍스트 입력만으로 자신의 생각을 이미지로 구현할 수 있게 되었다. 이를 ‘예술의 민주화(democratization)’라고 한다. 앞으로 저작권 문제를 해결해 나가고, 인공지능 데이터를 통한 상품개발, 교육 개발이 이루어진다면 한국화를 알리고 전 세계인이 함께 즐기는 문화를 만들 수 있다고 생각된다. 또한 그동 안의 성과를 정리함으로써 한국화 AI가 창조적 문화예술로 자리매김할 수 있는지 가능 성을 알아보는데 이 연구의 의의가 있다.

This study aims to understand the emergence and current status of Korean painting AI and forecast its future, focusing on the "AI learning data construction project for Korean traditional ink painting styles" (2022), the "AI learning data construction project for Korean traditional ink and color painting" (2023), and the "Korean traditional Minhwa (folk painting) field construction" (2024). For AI learning related to paintings, the unique techniques, styles, and colors associated with specific painting styles or subjects must be closely integrated. Just as innovative technology has become a new creative tool for painting, this marks the beginning of a new art form and a symbiotic opportunity to rediscover humanity's unique artistic value and role. Image-generating AI allows anyone to participate in creation without innate talent or specialized art education, enabling them to realize their thoughts as images simply by inputting text. This is referred to as the "democratization of art." It is believed that by resolving copyright issues and developing products and educational materials through AI data, we can promote Korean painting and create a culture that people worldwide can enjoy together. Furthermore, this research is significant in that it consolidates past achievements to explore the potential for Korean painting AI to establish itself as a creative cultural art.