Earticle

본 연구는 삼각지붕 가형(家型) 건축을 대상으로, 모더니즘 건축의 수용에서부터 현재까지 그 흐름을 단계별로 나누어 살펴보고, 오늘날 유행처럼 널리 퍼지고 있는 삼각지붕 건축의 특징과 의미를 해명한 것이다. 모더니즘 건축은, 기능주의라는 인류 보편의 공통 디자인을 표방하며 세계로 확산되었다. 모더니즘 건축의 플랫한 평지붕은 근대적 세계관의 건축적 표현이었다. 비서구 문화권에서는 이러한 건축을 외래(外來)의 것으로서 받아들일 수밖에 없었다. 이때 동아시아 각국에서는 철근콘크리트의 축부에 기와지붕을 올리는 소위 “제관양식(帝冠樣式)” 건축이 등장했다. 제관양식은 근대와 전통의 단순한 합체가 아니라, 내셔널리즘이나 국수주의 등의 이데올로기가 반영된 건축이었다. 이후 모더니즘 건축에 대한 이해가 깊어짐에 따라, 지붕 표현은 완만한 경사를 갖는 형태로 약화되었고, 정체성 문제는 전통적 공간과 생활방식을 담아내는 일에 초점이 맞추어졌다. 모더니즘 건축에서 잘려나간 삼각지붕의 복권은 1960년대 로버트 벤투리에 의해 이루어졌다. 그는 모더니즘 건축의 획일성을 비판하면서 집의 “기호(sign)”로서 삼각지붕을 다시 도입했다. 벤투리는 건축 형태가 갖는 의미와 상징성에 주목했고, 삼각지붕은 그의 건축에서 중요한 형태적 어휘로 활용되었다. 삼각지붕은 포스트모더니즘 건축에서 인간이 거주하는 장소의 아이콘이자 집의 원형으로 새롭게 발견되었으며, 이러한 자각을 통해 건축가의 의지를 담은 표현으로 적극 활용되었다. 동시대 삼각지붕 건축은 모더니즘과 전통의 길항(拮抗) 관계에서 비롯되는 이데올로기적 표현이나, 포스트모더니즘 건축에서 나타나는 집의 기호로서의 활용과는 그 내용이 다르다. 삼각지붕은 추상화되어 있으며, 신체 감각을 통한 공간 체험의 새로운 형식으로 활용되는 경향이 강하다. 현대건축에서 나타나는 중요한 특징의 하나로 “가벼움”이 지적된다. 종종 우리 시대를 “가벼움의 시대”라고 표현하기도 한다. 오늘날의 삼각지붕은 이데올로기나 집의 의미, 상징, 역사성 등의 가치와 분리된 상태에서 “데이터베이스 모델” 세계에 매몰되어 있고, 균질하게 데이터베이스화된 여러 디자인 요소 가운데 하나로 소비되고 있다.

This study set out to investigate the flow of triangle roof-based house form architecture by the stage from the acceptance of modernism architecture to the present times and shed light on the characteristics and meanings of house form architecture that was spreading broadly like a fashion. Modernism architecture spread around the world, advocating functionalism as universal human design. The non-Western zones regarded this architecture as something foreign, refusing to accept it. It was around this time that the teikan yōshiki architecture, which puts a tiled roof on top of reinforced concrete buildings in each nation of East Asia. The restoration of triangle roofs happened thanks to postmodernism architecture since the 1960s. Postmodernism architecture criticized the uniform nature of modernism architecture and introduced a triangle roof as a "sign" of houses again. A triangle roof was discovered anew as an icon for places where people resided and an archetype of houses. Contemporary triangle roof architecture has different content from the ideological expressions derived from the contentious relations between modernism and tradition and the utilization of a triangle roof as a sign of houses in postmodernism architecture. Today triangle roofs are buried in the world of "database models," being separated from such values as ideology, meaning of a house, symbolism, sociality, and historicity and consumed as part of various design elements uniformly stored in a database.

우성 김종영(又誠 金鍾瑛, 1915-1982)은 한국 현대추상조각의 문을 연 선각자로 알려져 있다. 그는 조각가이기 전에 전환기 예술현장에서 한국미술이 나아갈 비전을 제시한 지식인이자 교육자였다. 작가는 생전에 조각작품을 비롯해 3,000여 점에 이르는 드로잉과 書畵를 창작했고 자신의 예술관을 서술한 다수의 글을 남겼다. 그동안 김종영의 작품세계는 주로 추상조각가로서의 측면에서 평가된 경향이 있다. 이에 본 논문은 상대적으로 연구가 미진했지만 김종영의 작품세계에 결정적인 영향을 끼친 노장철학을 토대로 그의 대표 조각작품을 재 고찰하였다. 작가는 평소에 “아름다운 것이 무엇인지 나는 알고 있지 못하다. 절대적인 미를 나는 아직 본 적도 없고, 그런 것이 있다고 믿지도 않는다”, “예술은 말로 되는 것이 아니다”라고 언급하는 등 예술의 궁극의 목적이 미가 아니라는 것을 밝히고, 예술가로서 뿐만 아니라 교육자로서 不言之敎의 정신을 실천하였다. 이러한 측면은 그의 예술세계를 노장철학의 관점에서 접근할 수 있는 근거가 될 것이다. 김종영은 유가적 선비의 삶을 살면서도 작품창작에 있어서는 노장미학적 사유를 드러낸 儒道妙合의 작가라고 할 수 있다. 본 논문은 작가의 大隱적 삶과 隱逸 지향적 태도가 예술창작의 실제에서 어떻게 표현되었는지 그의 ‘刻如其人’적인 삶을 통해 고찰하였다. “최대의 예술가는 말이 없다”라는 그의 발언은 김종영의 예술창작론의 핵심이라 할 수 있는데, 이 같은 노장의 言不盡意적 사유가 작가의 重神似的 得意忘象 조각세계로 전개되었다. 이러한 사실을 토대로 그의 대표작 ‘山’시리즈를 重神似的 관점에서 고찰하였다. 김종영이 조각의 수많은 재료 중에 자연물인 돌로 복귀하여 物化의 경지를 추구한 사실에는 노장의 復歸於樸의 사유가 담겨있다. 결론적으로 김종영의 조각 ‘山’은 작가의 心相이 총체화 된 ‘心刻’의 경지를 추구한 것이다. 그는 자연으로부터 체득한 이치를 자신의 온 마음과 정신을 투영해 자연물인 ‘돌’에 조각하였다. 그런 의미에서 ‘山’은 ‘心刻’으로서 산이요, 物化된 ‘心山’으로서 그의 작업의 모든 요체가 함축되었다는 점에서 의미가 있다.

Kim Chong-Yung(1915-1982) is known as who pioneer Korean modern abstract sculpture. As a sculptor, he was an intellectual educator who presented a vision for the advancement of Korean art in the transitional art scene. He created a number of drawings and calligraphy including sculptures, and left his own art theory. In this paper I tried to examine his sculptures based on the aesthetic thought of Lao Zhuang that had a decisive influence on his works. He usually said, “I don't know what is beautiful. I have never seen absolute beauty, and I do not believe that it is”, “art is not a word.” and also he emphasized that the purpose of art is not a beauty. These aspect will be the basis for approaching his art in terms of aesthetic thought of Lao Zhuang.Kim Chong-Yung pursued a reclusion life oriented in his work based on the spirit of learned from Confucianism. This study contemplated how the artist's attitude of reclusion life was applied to the creation of art through 'The Sculpture as the Exhibition of the personality' aspect. His statement that “The greatest artist has no words” can be said to be the core of Kim Chong-Young's theory of art creation. Based on these facts, his representative sculpture series 'Shan' was considered from the high on spirit perspective. The 'Shan' is based on expressing the his mind. He sculpted the principle he learned from nature with his whole mind. In that sense, 'Shan' is a sculpture of his mind and represents the core of spirit of his art.

인공지능은 최근 예술 분야에서도 많은 영향을 미치고 있으며 미술작품이 경매시장에서 판매되는 등 그 가치를 인정받고 있다. 또한 최근 알파고에서도 사용되었던 인간이 세상을 인식하고 물체를 인지하는 과정을 개념적으로 모방한 시스템인 딥러닝 학습 방식을 사용하게 되면서 인공지능은 재즈 음악을 작곡하고 유명 작가의 문체를 학습하며 렘브란트의 작품을 완성하였고 춘롄(春聯)을 제작하기도 하였다. 이와 같은 인공지능은 서화예술분야에도 그 영향을 미칠 것으로 예상되고 있으며 이에 대한 미학적 평가와 진단을 위해 서화예술만의 독특한 세계관을 규명하고 이와 같은 정신을 인공지능예술이 구현할 수 있을지에 대한 가능성을 검토해보았다. 서화예술이 가진 미의식은 생명의 근원과 이를 통해 만물이 이루어진 생명의 원리를 밝히고자 한 『주역』을 통해 살펴볼 수 있다. 여기에서 밝힌 음과 양이라는 대대적 관계는 만물의 생명 원리가 되는 것과 동시에 예술의 변화와 창조의 원리로서도 그 미학적 가능성을 품고 있다. 그리고 이를 담고 있는 김정희, 포안도, 소매신 등의 서화론을 통해 확인할 수 있다. 이들은 ‘一陰一陽之謂道’에 기반한 우주의 생성 원리를 이해해야 자연의 생동성을 재현할 수 있으며 음과 양이 서로를 이루어주고 서로를 포함하는 변화의 원리를 이해하고 표현할 수 있어야 ‘陰陽不測之謂神’을 갖춘 예술의 창조성을 드러낼 수 있다고 보았다. 한편, 현재까지 딥러닝의 구동 체계는 기본적으로 아래층에서 작은 단위를 인식하고 위로 올라갈수록 높은 단위를 인식해서 정답을 찾는 것이다. 이 과정에서 아래층 신경세포들이 찾은 답은 오답이 많고 시야가 좁기 때문에 미켈란젤로의 「천지창조」를 인식했을 때처럼 왜곡현상이 일어난다. 이처럼 현재의 인공지능기술의 수준에서는 서화예술에서 중요하게 여기는 ‘획’의 중요성을 인식하고 생명력을 불어넣는 형식을 기대하기는 어려울 것으로 보여진다. 또한 서화가의 생명에 대한 사랑은 모방과 논리적 이해에 바탕한 것이 아닌 체험과 영감의 차원이기 때문에 이를 기계에 학습시키기 위한 한계도 존재한다. 궁극적으로 인공지능이 한 작가의 의식을 흉내 내는 수준에까지 이를 수 있게 되어 동양예술에 대한 근본적인 학습이 가능해지더라도 인공지능을 통한 명서화가의 현신에 불과한 것이 아닌지에 대해 판단해야 할 문제의식을 남겨두게 될 것이다.

Artificial intelligence has a lot of influence in the art field, and its value is recognized as the works of art are sold in the auction market. There is the deep learning method which has been recently used in AlphaGo, and it is a system that mimics the process of human’s perceiving the world and recognizing the object. As AI begins to use this deep learning method, artificial intelligence wrote jazz music, completed the work of Rembrandt by learning the styles of famous artists, and produced Chun Lian(春聯). Such artificial intelligence is expected to have an influence in the field of calligraphy and painting. In this study, thus, to evaluate and diagnose such phenomena aesthetically, I investigated the unique worldview of calligraphy and painting and examined the possibility of artificial intelligence in realizing the spirit in the worldview. The aesthetic consciousness of calligraphy and painting can be examined through the Book of the Changes which tries to clarify the origin of life and the principle of life through which all things are made. The correlative relationship of yin and yang is a life principle of all things and embraces the aesthetic possibility as a principle of change and creation of art. That can be confirmed through the theory of calligraphy and painting of Kim Jeong-hui, Bu Yantu(布顔圖), and Shao Meichen(邵梅臣). They said that the vitality of the nature could be reproduced when understanding the creating principle of the universe based on ‘the Way that yin and yang successively move[一陰一陽之謂道]’. In addition, they decided that the artistic creativity, which had ‘the Spirit that they cannot assess yin and yang[陰陽不測之謂神]’, could emerge when they understand and express the principle of change which yin and yang complement and embrace each other. On the other hand, until now, the driving system of deep learning basically finds the correct answer by recognizing the small unit in the lower level and the higher unit as it goes up. In this process, the answers found by the neurons in the lower level are often inaccurate. Therefore, because of its narrow view, it causes distortions like they perceived Michelangelo’s <The Creation of Adam>. As such, at the current level of artificial intelligence technology, it seems to be difficult for AI to recognize the significance of ‘stroke’, which is important in calligraphy and painting, and to expect a form that is full of vitality. In addition, because the calligrapher’s or painter’s love for life is not based on a copy and a logical understanding but a stage of experience and inspiration, there is a limit to make the machine learn it. Ultimately, even if artificial intelligence can reach a level that mimics an artist’s consciousness, so that fundamental learning about East Asian art becomes possible, it still remains a question of judging whether or not it is merely the manifestation of an artist by AI.

최근까지 이루어진 대부분의 이우환(1936 ~ )의 예술에 관한 연구들은 특정한 서양 철학 혹은 서양의 미술사적 관점에서 이루어져 왔다. 이에 본 논문은 특정한 동양사상적 관점에서의 이우환의 예술세계에 대한 연구의 필요성을 자각하고, 그의 예술세계에 대한 이해의 폭을 넓히기 위해서, 노자(老子)의 시점으로 고찰하고자 한다. 이우환은 그의 저서와 인터뷰를 통해서 특정한 동아시아의 사상의 부류를 따른다고 언급하지는 않았으나, 동아시아의 3대 사상, 즉, 유가, 불가, 도가가 어우러진 시각을 담고 있다고 볼 수 있다. 본 연구는 이우환의 작품에서의 ‘여백의 미’에 주목하여, 이와 관련하여 노자의 ‘유’(有)와 ‘무’(無) 개념과의 접점에 중심을 두어 연구를 진행하였다. 본문에서는 노자의 관점으로 이우환의 회화작품을 분석하기 위해서 먼저 이우환의 예술관 형성 과정에 대해 고찰한다. 다음으로 노자의 ‘유’와 ‘무’의 개념과 관련하여 이우환의 예술관과의 접점을 통하여, ‘유’와 ‘무’의 조화를 통해서 ‘무한’(無限)을 추구하는 그의 예술관과의 연관성에 대해서 알아본다. 다음 장에서는 선행된 연구를 토대로 이우환 회화작품의 이해를 시도한다. 우선 이우환의 회화시리즈 <점으로부터, From Dot>와 <선으로부터, From Line>에 대해서 논하고, 다음으로 이우환의 예술의 현대적 측면과 노장예술과의 관련성에 대해서 논한다. 끝으로 이 연구를 통해 이우환의 절제된 예술세계의 여백의 미를 통해 유와 무에 대해 다시 생각해보도록 제안하고, 나아가 이우환의 예술세계에 대한 폭 넓은 이해에 보탬이 되기를 바란다.

Most theses on U-fan Lee(1936 ~ )’s art had been conducted from the perspectives of a particular Western philosophy until 2017. For this reason, it needs to approach U-fan Lee’s art from detailed perspectives of Eastern thoughts. Therefore, this thesis considers and uses the perspective of Daoist. Through his interview and writing, Lee did not mention that he is following to a specific Eastern thought. However, it can be said that U-fan Lee has a mixed perspective of Confucianism, Buddhism and Daoism. In this line, the paper examines U-fan Lee’s art from the perspective of Daoist focusing on ‘Being’(有) and ’Not-being’(無). In order to analyze U-fan Lee’s artworks from the perspective of Daoist, firstly, it is illustrated how Lee’s artistic thoughts has been formed. In relation to the concept of ‘Being and not-being’ from Laozi, the research discovers the contact points with Lee’s artistic thoughts. Then it is investigated the relationship between Lee’s thoughts, which pursues ‘the infinite’ through the relationship of ‘Being and not-being’. In the next chapter, the research interprets Lee’s paintings based on the preceding research. Then the thesis evaluates Lee's art in the present age with Daoist’s art. Finally, the thesis suggests to reconsider the meanings of ‘Being and non-being’ and hopes to contribute to the broad understanding of Lee's art world.

연구는 인류 예술의 미적 가치에 대한 철학적 사유를 ‘전통의 재창조’라는 의미적 기능에 관해 주목하고 예술의 근원과 가치를 탐색한다. 이에 한국춤의 상징형식을 보다 일반적이고도 보편적 가치에 주목함으로서 한국적 미의 특수성을 정의적 개념으로 축소하고 있다. 미로 통용되는 한국예술의 미의 개념에 대해 재현과 창조라는 하부구조의 형식들을 나열함으로써 한국적 미의 특수한 개념을 체계화할 수 있었다. 이러한 개념화의 상징 이미지는 한국적 미의 재인식의 태도를 확장할 수 있고, 글로벌과 로컬의 개념만큼 한국예술과 한국춤의 관계를 다양화 할 수 있다는 시각이다.

The study focuses on the philosophical reasoning for the aesthetic value of human art in terms of the semantic function of 'recreation of tradition' and explores the origin and values of art. Therefore, by focusing on the more general and universal values of the symbolic form of Korean dance, the specificity of Korean beauty is reduced to the concept of definition. By arranging the forms of the infrastructure of representation and creation of the beauty concept of Korean art, which is commonly used as a maze, the specific concept of Korean beauty could be organized. This symbolic image of conceptualization can extend the attitude of re-recognition of Korean beauty and diversify the relationship between Korean art and Korean dance as the concept of global and local.

한글서예 궁체는 어떠한 한 사람이나 한 계층의 집단에 의해 일시에 갑자기 형성된 것이 아니다. 훈민정음이 반포된 이후 원추형의 모필 붓으로 실용의 문자로 사용되면서 이미 궁체로의 조짐은 보이기 시작하여 많은 사람의 손을 거치면서 궁체의 정형화된 법도가 생기게 되었다. 이 과정에 왕실 구성원의 역할은 매우 중요하였다. 그들이 직접 쓴 글씨에 이미 궁체의 모습이 나타났으며, 서사상궁들을 훈련시킬 수 있는 환경을 제공하여 철저한 학습을 할 수 있게 하였다. 이 과정에 정형화된 궁체가 정착할 수 있게 되었다. 그럼에도 불구하고 궁체를 ‘女官들이 학습하던 글씨’, 혹은 ‘궁녀들이 배우던 글씨’라고 정의하는 것은 한국의 고유한 문화전통으로서의 지위를 의식하지 못하고 한글서예사를 통시적으로 보지 못한데서 기인한다. 또한 이러한 현상은 일제의 식민사관적 사유를 무비판적으로 받아들여 誤用하였기 때문이다. 이러한 모든 원인은 한글서예에 관한 연구가 아직 충분히 이루어지지 않았기 때문이기도 하다. 본 논문은 궁체에 관한 편협적이고 단편적인 시각에서 정의 내려진 개념을 불식시키고 올바른 개념의 정의를 내리고자 좀 더 통시적 시각에서 접근하였다. 역사적 변천 · 철학적 근거 · 미학적 관점을 바탕으로 궁체의 풍격을 논하고 개념정의를 도출하려고 시도하였다.

The Hangeul calligraphy, Gungche was not suddenly formed by any one person or a group of certain class. After Hunminjeongeum was proclaimed, the writing style of Hangeul began to appear as a practical writing style with an Eastern conical brush, and the signs of the change to Gungche, resulting in standard pattern through the hands of a lot of people. The role of members of the royal family is very important in this process. Their own handwriting already showed the figure of Gungche, and they provided an environment for training the court lady as scribe, so that they could learn it thoroughly. A standard patter of Gungche was settled in this process.Nevertheless, the definition of Gungche as the writing style that administratrix had learned or the writing style that the court ladies had learned, was from the fact that they were not aware of Korea's unique cultural tradition and did not see the history of Korean calligraphy. In addition, this is because it was uncritically taken for Japanese colonialism.All this is partly due to the lack of sufficient research on Hangeul calligraphy. This paper was approached from a more common perspective to dispel the concept defined from the narrow and fragmentary view of Gungche and to define the correct concept. Based on historical vicissitudes, philosophical grounds, and aesthetic perspectives, I discussed the characters of Gungche and tried to draw up a correct conceptual definition.

논문은 연구자가 1차로 겸재가 하양(경북 경산)현감 시절과 청하(경북 포항)현감 시절에 제작한 영남지역 작품에 관한 연구의 후속 연구로서, 겸재가 청하현감 시절(1733-1735)에 경상북도와 강원도 등 관동지역을 유람하면서 그린 『관동명승첩(關東名勝帖)』의 그림을 분석하고 그의 업적과 그림에 나타난 특징을 고찰한 것이다. 겸재의 금강산 그림과 진경산수화는 한국회화사에서 실로 대단한 업적이다. 그런데 겸재의 또 하나 화적(畵積)인 지방 관직 시의 그에 대한 회화 연구는 제대로 이루어지지 않고 있다. 이에 본 연구는 『관동명승첩』의 작품들이 실재적 외경을 다루면서 실존하는 인물을 점경인물로 묘사하는 등 실경을 통해 진경화로 시도한 점 등에 착안하여, 즉 이러한 일들이 바로 겸재가 진경산수화를 창출하게 된 회화사적 의의라고 보았다.

The present paper is a follow-up research on Gyeomjae’s works of North and South Gyeongsang Provinces which he had made while he had been in office as a governor of Hayang(currently, Gyeongsan, North Gyeongsang Province) and of Cheongha(currently, Pohang, North Gyeongsang Province), of which the researcher had researched first. The purpose of this paper was to analyze his collected paintings Gwandong-Myeongseungcheop (which he had painted after traveling through North Gyeongsang Province and the Gwandong areas in Gangwon Province while he had been in office as a governor of Cheongha) and examine his achievements and the characteristics of the works. It can be said that his paintings, Mt. Geumgang and Real Landscape paintings are truly amazing achievements in the history of Korean paintings. However, the studies on his paintings while he had been in office in the provinces have not been researched properly yet, which could be his another achievements. Therefore, the present paper has examined the artistic meanings of his real landscape paintings which Gyeomjae had created, observing the fact that he had tried real landscapes paintings through actual landscapes while dealing with the actual landscapes and portraying the real people as staffage in his works in Gwandong-Myeongseungcheop.

현대 과학 기술과의 급속한 발전으로 인류 사회는 개방화, 글로벌화 시대로 접어들었다. 그래서 현재는 다원화가 더욱 중요해지고 있다. 미국과 캐나다 등 이민국에서 시작한 다원적 교육은 세계 각국에서도 중요시되며 그 관심도 역시 나날이 많아지고 있다. 이 논문은 에서는 시대정신을 기반으로 다원적 시점을 가지고 한․중 양국의 교육 현황에 대해 기초적으로 비교 분석한다. 그 내용은 양국의 음악을 연구 방향을 기초로 하고, 전자음악 교육을 착안점으로 삼아 양국의 문화권을 넘어선 음악 교육의 특징을 알아보고자 한다. 전자음악은 시대성적인 요구가 강한 음악이며 아주 중요한 형식이기도 한다. 양국 전자음악 교육에 대한 비교 연구를 바탕으로 개방적인 문화 태도와 의식을 기르고 시야를 확장시켜 자국 문화에 대한 올바른 이해도를 향상시키고자 한다, 논문에서 다원 문화 교육의 정의와 필요성 시작으로 한․중 양국 전자음악에 관한 선행연구를 정리하고, 양국의 음악 교육과목과 교재를 비교 결과 전자 음악 교육 분야에 있어 다원적 교육 요소는 매우 중요하다고 본다. 본문은 총 네 부분으로 나누어져 있으며 2장은 주로 전자음악의 정의 및 필요성을 살펴본 후 한․중 양국의 다문화 음악에 관한 선행연구를 정리 및 귀납하였다. 3장은 한국 음악 교육의 기준과 그 과목을 분석하여 한국 전자음악 교육 현황을 살펴봤다. 4장은 중국 음악 교육의 교과목 및 교재를 분석하여 그 현황을 살펴봤다. 5장은 2장과 3장의 비교 연구 결과를 바탕으로 한-중 양국 전자 음악에 대해 비교 분석하였다.

With the rapid development of modern science and information technology, the world has entered the era of full openness and internationalization, which makes multiculturalism more and more important. Multicultural education, which began in countries that have most of immigrants such as the United States and Canada, has got lots of attention nowadays around the world; people are giving more thoughts and discussions to multicultural education. Therefore, based on the spirit of the times, this paper starts from the perspective of multiculturalism to compare and analyze the current education status in Korea and China, which are closely related with each other in geography and history. On top of that, by having the electronic music education as the starting point and using the music of both countries as a direction of research, this paper transcends the cultural circles of the two countries to understand the respective characteristics of music education between Korea and China. Electronic music is not only a contemporary music subject, but also an important form of music. Through the comparative study of electronic music between the two countries, it will cultivate an open cultural attitude and awareness, and broaden our horizons to help us improve and understand our culture. Starting from the definition and necessity of multicultural education, this paper sorts out the preliminary research of Korean and Chinese electronic music, compares and analyzes the current music education curriculum and music textbooks in Korea and China, and draws the conclusion that it is important and necessary to take the multicultural elements into consideration in the music research field. This paper is divided into four parts: Chapter one - Electronic music. This chapter mainly expounds the definition and necessity of "electronic music” and summarizes the research on multicultural music in Korea and China. Chapter two - Korean music education. This chapter explores the current state of electronic music in Korea through the analysis of music education standards and music courses in Korea. Chapter three - Chinese music education. This chapter explores the status quo of Chinese electronic music education through the analysis of Chinese music education curriculum standards and music textbooks. Chapter four - Comparative analysis of Korean and Chinese electronic music education. This chapter provides an analysis of Korean and Chinses electronic music based on the comparison of the previous chapters and the results of the research.

본 논문은 2015년 학교문화예술교육 서예․한국화 문화예술교육 프로그램을 초등학교에 적용함에 있어서 개인적인 창의성과 인성역량을 확인함에 있다. 우선 문화예술교육은 과거에 일상적으로 전개되어왔던 삶의 양식에서 떨어져 나와 별개로 취급되고 있는 예술교육이나 예술작품 활동이 다시 일상의 삶과 어우러지는 경향을 지닌다. 사회 환경에 따른 변화는 과거 소수의 엘리트를 위한 예술교육을 넘어 만인을 위한 문화예술교육이라는 새로운 서예교육의 구현을 필요로 하고 있다고 본다. 다음으로는 교육프로그램의 개발 사례이다. 사례의 내용은 2015년도 서예․한국화 시범사업 프로그램이 중심이다. ‘필톡’ 프로그램은 2015년 5월 1일부터 12월 31일까지 인재양성과 교육훈련을 거쳐 9월부터 12월까지 16주간에 걸쳐 초등학교 3․4학년을 대상으로 실시하였다. 연간 총 시수는 1,440시간이고 강사 21명을 선발하여 25개 초등학교에 배치하였다. 위와 같이 개발한 프로그램을 교육현장에 적용하고 그 결과를 확인하고자 설문조사를 실시하였다. 그 결과는 다음과 같다. 수업의 시설이나 준비 등에 대해서는 의미 있는 만족도를 얻었다. 교재 필요성의 경우 4학년 집단이 3학년 집단보다 높고, 차이 검증 결과로 통계적으로 유의미한 차이를 보였다 즉, 3학년학생보다 4학년 학생은 교재의 필요성 대한 평가는 높은 것으로 확인되었다. 3학년과 4학년 비교연구 결과 중 4학년의 만족도가 전체적으로 높다. 그 이유는 강사의 지식전달능력과 수업의 준비도가 성실할 뿐만 아니라 학생의 참여도를 반증하는 부분이다. 그러므로 향후 이러한 프로그램이 있으면 재참여 할 것이라는 답변도 얻을 수 있었던 것으로 본다. 아울러 4학년 군 498명을 대상으로 프로그램의 가치가 학생들에게 어떻게 투영되었는지에 대한 기초 설문조사를 실시한 적이 있다. 여기서 ‘나의 생각을 표현할 수 있다’, ‘누구나 참여하고 즐길 수 있는 놀이’, ‘아름다운 글과 그림, 건강한 생각을 만들어 낼 수 있도록 도와준다.’라는 세 개의 문항이 93.8%를 차지한다. 따라서 2015년 학교문화예술교육 시범사업으로 실시한 서예․한국화 문화예술교육 프로그램을 초등학교 적용한 결과, 참여하는 학생으로 하여금 건강한 사고를 함양하고 적극적 참여에 따른 감성고취와 일상적인 심미교육이 개인에게 직접적으로 투영되고 있음을 설문결과를 통해 명확하게 확인시켜준다.

This paper confirms personal creativity and personality ability in applying the 2015 School Culture and Arts Education Calligraphy and Koreanization Culture and Arts Education Program to elementary schools.For one thing, culture and arts education tends to blend back into everyday life and art education or art work activities that are treated separately from the lifestyle that has been developed in the past. I believe that changes in social environment require the implementation of a new calligraphy education called culture and art education for all, beyond art education for a small number of elites in the past.The next example is the development of education programs. The content of the case will be centered on the 2015 pilot project for calligraphy and Korean painting. The 'Philto' program was conducted for the 3.4th graders of elementary schools for 16 weeks from September to December, 2015 after training and nurturing human resources. The total annual time limit is 1,440 hours and 21 instructors were selected and placed in 25 elementary schools.The above developed programs were applied to the educational site and the survey was conducted to check the results. The results are as follows. A meaningful satisfaction level was obtained for the facilities and preparation of the class. For the need for teaching materials, the fourth-grade group was higher than the third-grade group, and the results of the verification of differences showed statistically significant differences, i.e. the fourth-grade student was found to have a higher assessment of the need for teaching materials.Out of the comparative study results of the third and fourth graders, the satisfaction level of the fourth graders is high overall. The reason is that the teacher's knowledge transfer ability and preparation of the class are not only sincere, but also the part that disproves the student's participation. Therefore, we believe that we could have received a response that we would re-engage if we had such a program in the future. It also conducted a basic survey of 498 fourth-grade soldiers on how the value of the program was projected to students. Here, 93.8 percent of the three questions, 'I can express my thoughts,' 'Play that anyone can participate in and enjoy,' and 'Help to create beautiful writing and painting and healthy thinking.'Therefore, as a result of the application of the Calligraphy and Koreanized Culture and Arts Education Program in 2015 as a pilot project of the school culture and arts education, the survey results clearly confirm that students participating in the program develop healthy thinking, and that emotional and daily aesthetic education through active participation is directly reflected in the individual.

동양예술에서 詩, 書, 畵는 ‘우연성’과 관련해 ‘偶然欲書’, ‘偶然欲畵‘, ‘偶然欲詩’를 말하는데, 그것은 詩書畵 창작에서 모두 최고의 경지 혹은 자신이 그동안 표현하고자 한 것이 즉흥적으로 표현되었음을 의미한다. 아울러 得意作을 얻었음도 의미한다. 동양예술은 우주자연의 活潑潑한 생명성 및 인간 자연본성의 진정성과 능동성을 존중한다. 서예에 적용하여 제한적으로 말한다면, 우연적 순간의 감흥과 격정에 의해 촉발된 ‘偶然欲書’는 작가의 眞我性과 天機가 작동하는 자유로운 심령을 표현해준다. 이런 ‘偶然欲書’의 ‘우연성’을 높이 평가하는 것은 동양예술이 지향하는 인위적 차원에서 법을 따르면서 자신의 예술적 재능과 감성을 제대로 표현하지 못하는 것보다는 의도하지 않은 상태에서 표현된 무위자연성과 감흥, 興趣에 담긴 創新的 眞我性을 높이 평가하기 때문이다. ‘無爲’는 예술차원에서 접근하면, 운용한 기교가 ‘自然而然’한 것, 어떤 목적의식을 가지고 인위조작을 한 흔적이 없는 것을 의미한다. ‘무위’를 근간으로 하는 ‘偶然欲書’ 정신은 인위적 차원의 ‘經意’, ‘著意’, ‘刻意’ 등이 아닌 ‘무위’ 정신에 근거한 ‘隨意’, ‘無意’를 비롯하여 ‘無法’을 강조하는 것에서부터 출발한다. 기법적 측면에서는 때론 ‘信手’, ‘信筆’ 등을 통해 말하기도 한다. 이런 ‘偶然欲書’ 정신의 결과는 ‘心手雙應’과 ‘神融筆暢’의 경지가 펼쳐진다는 점에서 ‘偶然欲書’의 예술창작은 때론 美醜不分의 심미의식, 혹은 顛,狂,怪의 양상으로 나타나기도 한다. 즉 ‘偶然欲書’ 정신을 강조하고 긍정하는 사유에는 노장미학의 道法自然 정신과 無爲自然性을 중시하는 사유가 담겨 있다.

In the context of oriental art, with respect to “contingency,” it means “I want to write by accident.” It means that the highest state of calligraphy creation or what he has tried to express has been improvised. It also means 'proud works'. Oriental art respects the vitality of the cosmic nature and the authenticity and activeness of human nature. In the limited application of calligraphy, “Occasional desire,” triggered by the inspiration and emotion of accidental moments, expresses the true nature of the artist. To value this 'causality' of 'Occasional desire' is not to follow the law at the artificial level of oriental art and to express the artist's artistic talents and emotions in an unintentional way. It is because they value the true personal nature of creating new things inspiration and knowledge. 'Inaction', when approached from the art level, means that the techniques used are 'naturally such', and there is no trace of artificial manipulation with a certain sense of purpose. 'Occasional desire' is not an artificial 'to go through the will' or 'to attach the will'. It starts with the spirit of emphasizing that there is no fixed law, including that which is based on the spirit of nothing, and that which has no meaning. In terms of technique, sometimes it is spoken by “putting it in hand” or “putting it in a brush”. The result of this “Occasional desire” is that “the mind and the hand are united. In other words, the reason for emphasizing and affirming 'Occasional desire' contains the spirit of 'do emulates naturalness' in Tao and the idea of ​​'accepting to nature without doing artificial things'.

‘淡’은 철학 ‧ 문학 ‧ 서예 ‧ 회화 등 중국 문화 거의 모든 분야에 영향을 미치는 중요한 심미개념이다. 淡은 중립의 가치로서, 양극단에 서거나 지나치게 드러남을 경계하고 자연스러운 조화를 지향함으로써 中庸적 인격의 바탕이 된다. 예술의 최고 경지는 平淡으로, 예술가는 工의 노련미를 넘어서 淡에 도달하고자 한다. 그러나 淡은 工 ‧ 熟의 자기 수련과정이 필요하다. 오랜 수련을 거친 후에 획득하는 정련된 아름다움의 경지를 의미한다. 미학 영역에서 淡의 의미는 자연의 미, 즉 가공되지 않은 천연의 미를 가리킨다. 인간의 加工이 더해질 수밖에 없는 예술작품에서 淡의 미적 경지에 도달하기란 쉽지 않다. 이는 오랜 수련을 거쳐 마지막에 도달하는 고도의 정련된 아름다움을 획득하는 경지를 의미한다. 따라서 淡의 미학은 고도로 절제된 감정과 표현, 즉 의도적인 절제를 통해서만이 도달할 수 있는 최후의 경지라 할 수 있다. 고도의 심미범주인 淡은 茶道美學에서는 閑淡의 隱逸적 삶을 의미하거나, 淸淡의 根本味로 상징된다. 茶의 다양한 성품 가운데 하나인 淡은 일상적이고 평이함 속에서 자연만물의 도를 얻을 수 있는 무한한 뜻을 지니고 있다. 이러한 淡의 속성 덕분에 茶人들은 인공미에서 얻을 수 없는 맛과 향을 느끼고 속세의 무게에서 벗어난 심적 자유를 누린다. 그것은 道의 맛이라 할 수 있다.

淡 is an important aesthetic concept in almost every field of Chinese culture, including philosophy, literature, calligraphy, painting, etc. '淡' is the value of neutrality and is based on character by being wary of being on the extremes and aiming for natural harmony.The highest point of art is 淡, and the artist wants to reach '淡' beyond the expert ease of 工. However, 淡 needs a self-discipline process. In the realm of aesthetics, the meaning of 淡 refers to the beauty of nature, ie the beauty of raw nature. It is never easy to reach the aesthetic point of 淡 in a work of art that is bound to add to human work. This refers to the situation in which a person obtains beauty through training for a long time. Thus, 淡's aesthetics is the last straw that can only be reached through highly restrained emotions and expressions.In this high-level aesthetic character, 淡 means a life in seclusion by 閑淡, or is symbolized basic taste by 淸淡. One of the diverse characteristics of 茶, '淡' has the limitless meaning of gaining the virtue of Heaven in its everyday and casual nature. Thanks to this '淡' attribute, the pubs feel the taste and aroma that you can't from artificial beauty and enjoy the freedom of mind that is free from the weight of the world. It can be said to be the taste of Tao.

Based on the historical background of Dunhuang frescoes and European religious paintings from the 11th to 14th centuries AD, I explore and illustrate the similarities and differences in the formal language of religious classical art products from two different cultural backgrounds. Aesthetic standards, observation and analysis of classics and detailed analysis. The greatest common ground between Dunhuang frescoes and European religious paintings lies in the passion of painters and their dedication to creation. For strict religious belief, the image of God and decorative patterns are controlled by strict religious teachings, which is why religious paintings often become more classics and spread widely. Culture is a melting pot, its origin and convergence, exchange and separation, there will always be cultural consistency and differences in both East and West. It is also reflected in the elements of the two major religions. The historical period chosen in this article is the eve of the curtain-up of the Middle Ages in Europe. At this time, humanistic thought is in its infancy. At the same time, the Dunhuang area was also in a period of economic stability. The Xixia dynasty and the Northern Song Dynasty of China were divided into royal powers. Although they were foreign dynasties, the Xixia dynasty did not exclude Han culture. With the invasion of the Mongolian army in Europe, cultural and economic exchanges between Xixia and the Western Regions have also become closer. Therefore, at the cultural level, the Dunhuang area has also been developed and absorbed smoothly. This article is divided into five chapters. The first chapter explains the historical background of the two. The second chapter puts forward the similarities and differences between Dunhuang frescoes and European religious paintings, the third chapter compares the similarities and differences between the decorative elements and the arrangement of the painting forms through the aesthetics of modern aesthetics, and finally the fourth chapter proposes the above-mentioned comparative analysis The influence and value of modern art teaching are summarized in Chapter 5. I hope that through this article, readers can see the rigor of religious painting and the transformation of art to humanism in this particular period of humanism, and get inspired.

本人以公元11-14世纪敦煌壁画与欧洲宗教绘画的历史背景为前提，从浅到深，探讨并举例说明了两种不同文化背景下宗教古典艺术产物的形式语言的异同，以现代美学的基本审美标准，观察分析经典之作并作了详细的分析。 敦煌壁画与欧洲宗教绘画的最大共同点在于画师的热忱与他们对于创作专注的精神。对于严格的宗教信仰来说，神的形象与装饰纹样都是被严密的宗教教义所管制，这也就是为什么宗教的绘画往往会更多地成为经典，广泛流传。文化是一个大熔炉，起源与汇聚，交流与分斥，无论是东方还是西方总会有文化的一致性与差异性。在两大宗教的元素中也多有体现。 本文所选的历史时期正是欧洲中世纪的谢幕前夕，此时人文主义思想处于萌芽初期的。在同一时刻，敦煌地区也处于了经济的稳定时期，西夏王朝与中国北宋并列割据王权，虽为外朝，但西夏王朝并不排斥汉文化。伴随着蒙古军队的入侵欧洲，西夏与西域的文化与经济交流也更加密切。所以在文化层面上敦煌地区也得到了平稳发展与吸收。本文共分为五个章节。第一个章节交代了两者所处的历史背景。第二章提出敦煌壁画与欧洲宗教绘画的异同性，第三章通过现代美学的审美，对两者的装饰元素与绘画形式排列结构秩序的异同表现进行对比，最后第四章提出上述对比分析对现代艺术教学的影响与价值，并在第五章进行总结。希望通过本文，读者能在这个特定的人文主义萌芽时期，看到宗教绘画的严谨与艺术向人文主义的转变，并得到启发。

중국의 사회 구조는 점차 전통적인 농업 사회에서 현대의 도시 생활로 전환되는 과정을 거친 후 대중들에게 사회 경제와 정치의 발전으로 인한 물질적 발전뿐만 아니 라 더 많게는 이데올로기의 전환을 일으켰다. 이 과정에서 현대 예술도 이에 상응하는 변화를 일으켰고, 현대 예술의 가장 중요한 일부인 유화에도 다소 나타났다. 위에서 언 급한 여러 가지 원인의 작용 하에 현대의 유화 예술은 “새로운 구도”를 형성하는 동시 에 심미(審美) 가치 성향의 전환을 완성하였다. 즉 심미(審美) 습관도 점차 옛 것을 그 리워하던 향토 유화에서 현재 성행하는 도시 유화로 전환되었고, 물론 심미(審美) 가 치의 전환도 다른 변화들이 동반하였다. 본문은 옛 것을 그리워하는 향토 유화이든 도 시 유화이든 이 두 가지 서로 다른 “가치 시스템”은 현대 중국 유화의 심미(審美) 정취 가 보다 지역 특색을 지닐 수 있도록 하고, 그 가운데 내포하고 있는 인문 가치의 영향 이야말로 현대 예술가들이 주목해야 할 것임을 강조하려 하였다. 사실 다원화 사회와 문화 변혁 속에서 현대의 예술 형태는 여전히 융합과 변화의 단계에 처해있고, 중국 본 토화를 대표할 수 있는 현대 예술 형태도 없다. 본문은 향토 소재에서 착수하여 현대의 중국 사실주의 유화의 현황에 대한 분석 과 연구를 진행하였다. 중국 특색이 있는 경제와 정치적 구도 하에 다원화의 예술 맥락 은 중국의 사실주의 유화가 서양의 현대주의와 현대 예술의 흐름에 편성하지 않고, 오 히려 사실주의의 길에 전념하여 예술가와 감상자의 회화 언어 면에서의 공통성에 주목 하였다. 뿐만 아니라 본문은 영향력이 있는 일부 화가들을 사례로 들어 이들의 작품에 대한 분석을 통해 다음과 같은 내용을 증명하였다. 옛 것을 그리워하는 향토 감정이든 도시 생활 감정을 표현하는 사실주의 유화이든 모두 훌륭한 전망을 지니고 있고, 중국 사회주의 정신 문명을 추진하는 부분에서 매우 중요한 역할을 일으키고 있다. 연구 방 법 면에서 본문은 열거법, 분석법, 문헌 연구법 및 전체 귀납법을 활용하였고, 분석을 통해 다음과 같은 도출하였다. 중국 현대의 사실주의 유화는 현재 다원화의 예술적 맥 락 속에서 시대적 양분에 대해 적극적으로 수용하여 심미(審美) 가치의 전환 과정에서 그 속의 인문 가치를 부각시킨다. 청년 예술가 시각에서 볼 때 중국 특색이 있는 인문 가치는 모든 예술가들에게 명확한 연구와 발전 방향을 제시하고 현대 유화 예술의 발 전을 촉진한다.

After the transition of China's social structure from traditional agricultural society to modern urban life, what is given to all living beings is not only the material optimization brought about by the progress of social economy and politics, but also the change of ideology. In this process, contemporary art has made corresponding changes to respond. The oil painting, as the most important part of contemporary art, will certainly be reflected. Under the above-mentioned multiple reasons, the contemporary oil painting art has formed a "new pattern", and also completed the transformation of aesthetic value orientation, that is, the aesthetic habit has gradually changed from nostalgic folk oil painting to the popular urban oil painting. Of course, the transformation of aesthetic value will also be associated with other changes. This paper emphasizes that whether it is nostalgic folk oil painting or urban oil painting, these two different "value systems" will make the aesthetic taste of contemporary Chinese oil painting much richer in regional characteristics, and the influence of human value contained is what our contemporary artists should focus on. In fact, under the diversified changes in the society and culture, the contemporary art form is still in the stage of integration and change, and there is no contemporary art form that can represent the localization of China. This paper analyzes and explores the current situation of realistic oil paintings in contemporary China from the perspective of nostalgic local themes. Under the economic and political pattern with Chinese characteristics, it is the diversified artistic context that makes Chinese realistic oil painting not follow the trend of western modernism and contemporary art, but concentrate on the path of realism, and pay attention to the commonality of artists and viewers in painting language. At the same time, some influential painters are also listed in the paper. Through the analysis of the works, it is proved that the realism oil painting which expresses nostalgic local emotion or urban life emotion still has a prosperous future and plays an important role in promoting the socialist spiritual culture of China. In terms of research methods, the methods of exemplification, analytical approach, literature research and overall induction are adopted in the paper. After the analysis, the following conclusions can be drawn: in today's diversified artistic context, Chinese contemporary realistic oil painting will actively absorb the nutrients of the times, so as to make the humanistic value stand out in the process of aesthetic value transformation. From the perspective of young artists, the humanistic value with Chinese characteristics will provide all artists with a clear research and development direction, thus promoting the development of contemporary oil painting art.

동경(銅鏡)과 와당(瓦當)은 모두 오랜 역사를 지니고 있는 것으로, 동경에 문자 가 새겨진 경명(鏡銘)문자와 와당에 새겨진 와당(瓦當)문자가 나타난 시기는 서한(西 漢) 초기로 거슬러 올라간다. 동경과 와당에 문자가 새겨진 것은 동경과 와당에 더 많 은 문화적 속성을 부여한다. 즉, 동경과 와당에 새겨진 문자와 문식(紋飾) 등의 특성을 통해 한나라의 사회ㆍ문화ㆍ경제ㆍ정치상황 등을 살필 수도 있다. 한나라 경명(鏡銘) 문자와 와당(瓦當)문자는 시기뿐만 아니라 형제(形制), 문식(紋飾), 내용, 그에 함의된 문화, 전독(轉讀) 방법 등에 있어서 많은 유사점을 지니고 있다. 한나라 때 가장 많이 사용된 서체인 전서(篆書)와 예서(隸書)는 모두 동경(銅 鏡)과 와당(瓦當)에서도 출현하고 있다. 동경과 와당의 서체에 나타난 결구(結構) 변 화는 비교적 다양하고 교묘한 형상이 두드러진다. 따라서 한나라 경명(鏡銘)문자와 와 당(瓦當)문자의 비교를 통해 문자의 예술적 특성을 파악하는 것은 한나라 서예와 전각 의 발전과정을 이해하는 데 기초적 역할을 할 것이다. 아울러 경명문자와 와당문자의 이해는 오늘날 “인장 밖에서 인장을 구한다”는 ‘인외구인(印外求印)’의 체득에 일조할 수 있으며, 서예와 전각의 창작을 확장하는 데에도 의미가 있다.

Bronze mirrors and earthen tiles have a long history, and the appearance of mirror inscription and writing earthen tiles can be traced back to the early Western Han Dynasty. The appearance of the bronze mirror and the tile of the Han Dynasty has endowed the bronze mirror and the tile with more cultural attributes. From the characters and ornamentation on the bronze mirror and the tile, we can see the social, cultural, economic and political situation of the Han Dynasty. There are many similarities between the mirror inscription and the writing tile of Han Dynasty in terms of time, shape, ornamentation, writing content, cultural connotation and method of transliteration. They are two products closely related to the same period of Han Dynasty. There must be a mutual influence and reference between them. As the two most important applied calligraphy styles in the Han Dynasty, seal script and official script are both reflected in bronze mirrors and eaves tiles, with various shapes and ingenious designs. Through the comparison between the two, combing the artistic features and configuration features of mirror inscription and tile inscription in Han Dynasty has a positive effect on understanding the development of calligraphy and seal cutting in Han Dynasty, and has far-reaching significance on enriching and expanding the learning and reference of contemporary calligraphy seal cutting "seeking for seal outside seal".

2003년 중국의 평론가 겸 큐레이터 가오밍루(高名潞)와 리시엔팅(栗宪庭)은 각 각 《극다주의(极多主义)》와 《염주와 필치(念珠与笔触)》라는 전시를 기획하여 1990년대 초반 중국에서 등장한 새로운 경향의 추상예술을 “극다주의”와 “극번(极繁) 주의”라 명명했다. 이들이 지적한 극다·극번주의 예술의 특징은 매일 같은 일을 반복 하는 작업 과정을 거치고, 단조롭지만 번거로운 창작의 단계를 수공을 들여 지속적으 로 되풀이하여 작품을 완성한다는 점이다. 이들은 반재현, 반표현의 추상예술 작품을 작가의 정신적 활동의 투사물 또는 기록물로 간주했고 극다·극번주의 예술가들이 창 작 과정 중 경험한 정신 활동은 동양철학의 전통을 바탕으로 한 명상 또는 수행의 결과 물과 유사한 것으로 설명되었다. 본고는 미국의 심리학자 미하이 칙센트미하이 (Mihaly Csíkszentmihalyi)의 ‘플로(flow, 몰입)’ 개념과 유불도 삼교의 정신 함 양을 논할 때 흔히 거론되는 ‘수양(修)’의 개념을 바탕으로 극다·극번주의 예술가가 시각화한 정신활동을 분석하였다. 어떤 활동에 완전히 몰입하여 최상의 즐거움을 느끼 는 상태인 플로와, 차분하게 몸과 마음을 계속해서 다스리는 수양의 정신은 그 경험의 조건과 특징에 있어 유사한 점이 많다. 같은 유형의 동작 또는 행위를 반복하면서 작품 을 창작하는 극다·극번주의 예술가들이 가시화한 정신활동은 주객체의 구분이 없어지 고 자기 목적적 활동에 완전히 몰입하는 플로 또는 수양 정신의 체험으로, 이들은 주체 를 둘러싼 다양한 대립적 요소들의 조화를 만들어나가는 일을 작품 창작으로 승화시켰 다. 이들이 반복적인 손동작과 이에 수반되는 신체의 규칙적 리듬을 시각화하는 과정 에서 주체와 객체, 정신과 육체의 이항 대립 관계는 조화의 관계로 전환된다. 반복적 행위를 작품 제작의 주요 기법으로 삼은 극다·극번주의 예술가들에게 수양은 수단이 면서 동시에 목적이고 수양함 그 자체가 이들의 예술이다. 예술작품의 창작을 일상적 노동의 과정으로 재해석하고, 재료 본연의 물질성과 시간에 따른 자연스러운 변화를 그대로 드러낸 극다·극번주의 예술의 지향점은 주체가 타자·객체·대상와 조화롭게 하 나가 되어 노니는(游) 정신적 자유의 체험, 만물은 항시 변화하며 모든 객체들 사이에 는 항상 차이와 어긋남이 있다는 세상 이치의 깨달음에 있다.

In 2003, two exhibitions were held in Beijing, both of them presented new style of Chinese abstract art that has emerged in the beginning of 1990s. One is curated by Gao Minglu, titled “Chinese Maximalism,” the other one is curated by Li Xianting, titled “Prayer Beads and Brush Strokes.” They pointed out simple but repetitive course of creation is the key characteristic of this new abstract art since these artists do the same things over and over like a repetitive prayer. They regard their art works as a record of certain routine of art making procedure that embodies their spiritual training, and this training was understood as meditations or contemplative practices in the context of Eastern Asian philosophy and religion. In this paper, I examined psychologist Mihaly Csíkszentmihályi’s concept of “Flow” and the concept of cultivation(修), one of the essential matters in the discourse of Confucianism, Daoism and Buddhism’s self-cultivation. The flow state has been described as the “optimal experience” in that one gets to a level of high gratification from the experience. Flow has many similarities to cultivation as flow refers to “the holistic experience that people feel when they act with total involvement,” cultivation in Chinese means repetitive process of controlling one’s mind. What Chinese Maximalism artists have been visualizing is the experience of flow or self-cultivation that dissolves the subject- object relationship into a reality that transcends both of them. These artists understand the creation of an artwork as equivalent to the work of practical labour and handicraft, showed their art work’s continually changing materiality in order to achieve spiritual freedom. The experience of spiritual freedom is an experience of incompatibilities and inconsistencies in aspects of our lives, is a realization of everything is always changing and nothing remains the same.

The article "Jin Yingxian's Calligraphy Thoughts and His Efforts on Chinese Calligraphy Exchanges" mainly discusses the life and calligraphy thoughts of Jin Yingxian, a representative figure in modern Korean calligraphy field, and his Chinese calligraphy exchange activities. From the examination of Jin Yingxian's calligraphy background and calligraphy learning process, we can find out his thoughts and art world. In order to explore the thoughts and philosophy contained in his calligraphy works, we need to fully understand his opinions of calligraphy. Because practice comes from thought. Through the analysis of the characteristics of his works and the influence of his works on the times, his position and status in the history of calligraphy are determined. Finally, through the exhibition and seminar on exchanges between Mr. Jin and Chinese calligraphy, this paper discusses the contribution and significance of him to the exchange of Chinese and Korean calligraphy. The purpose of this paper is to show the footprints left by Jin Yingxian in the history of modern Korean calligraphy field and to reassess Jin Yingxian through the study of his calligraphy. I also analyzes Mr. Jin Yingxian's influence on the promotion of calligraphy exchange between China and South Korea.

《金膺显书学思想及其对中国书法交流刍议》一文主要论述了韩国近现代书坛的代 表人物金膺显的生平及其书学思想及其对中国书法交流活动的分析，从金膺显先生的学书 背景和学书历程的考察中，可以探察到金膺显的思想和艺术世界。通过对金膺显艺术精神 上深厚的感性笔法论和人品论。结合他所处的时代背景。探索其作品中所蕴含的思想和哲 学，需要充分理解他的书法观。因为实践出自思想。通过对其作品特征以及其作品对时代 所产生影响的分析，定位他在书法史上的地位和位置。最后，通过对金先生与中国书法交 流展览与研讨会，来探讨金膺显先生对中韩书法交流的贡献与意义。本篇论文将依照上述 体系，通过对金膺显书法世界的研究，展示其在韩国现代书法史上所留下的足迹，以及通 过对其作品世界的深入探究，对金膺显进行再次评价，这就是本篇论文的写作目的。并对 金膺显先生对推动中韩书法交流的影响作出分析。

Both Painting Art and Fashion Design belong to the category of art. Painting Art is pure art, pays attention to spiritual sensation, and fashion art is practical art, which is influenced by objective factors, including individual differences, timeliness, fit, purpose and other factors. experience and convey the beauty of the human body through wearing behavior. The integration of Painting Art and Fashion Design, the hidden in purdah easel painting to the front of the curtain, through the T-stage way, in a fashion form that is more acceptable to the public to display and spread. The art of painting not only provides a high degree of artistic aesthetic inspiration material for fashion design, gives fashion new artistic vitality, but also brings high added value for fashion. At the same time, with the help of the wide spread characteristics of fashion, the art of painting has achieved a higher degree of recognition and recognition in popular culture, and may examine itself from a different perspective of fashion design in constant combination. in order to open up a unique way to cross the border between "fashion" and "art".

绘画艺术与时装设计均属艺术学范畴，绘画艺术为纯艺术，注重精神感官性，时装 艺术为实用艺术，被客观因素，包括个体差异、时间性、场合性、目的性等因素左右，通 过穿着行为体验和传达人体之美。绘画艺术与时装设计融合，将幽藏于深闺的架上绘画抬 到幕前，通过T型台的方式，以一种大众较易接受的时尚形态展示和传播。绘画艺术为时装 设计提供具有高度艺术美感的灵感素材，赋予了时装新的艺术生命力，也为时装带来了高 附加值。与此同时，绘画艺术也借助时装流行的广泛传播性特征在大众文化中取得更高的 认同和辨识度，并可能在不断的结合中，通过不同于常规的时装设计视角来审视自身，从 而开拓出一条跨界于“时尚”和“艺术”的独特的道路来。