Earticle

본 연구는 『장자(莊子)』의 ‘심재(心齋)’와 ‘좌망(坐忘)’이라는 도가(道家)의 핵심사유를 철학적 기반으로 하여, 동래학춤이 현대인의 건강에 미치는 긍정적인 영향에 관한 것이다. 동래학춤의 춤사위[날음 사위<‘활갯짓뜀사위(날음새)’․‘좌우활개사위’․‘돌림사위’>, 머뭄 사위<‘일자(一字)사위’․‘외발서기사위’>, 멈춤 사위<‘배김사위’(煎)․‘뒷배김사위’․‘좌우배김사위’․‘모둠뛰기사위’>]들은 자연에서 학(鶴)이 무위자연(無爲自然)하는 모습을 춤으로 형상화한 것인데, 이러한 모습을 표현하는 무수(舞手)는 사사로움을 버리고 사물의 자연스러운 흐름에 따라 ‘심재’와 ‘좌망’, 즉 ‘마음 비우기’와 ‘욕심 버리기’를 하게 됨으로써 만병의 근원인 스트레스로부터 벗어나 자기 수양을 통해 건강을 찾을 수 있다. 이렇듯 ‘심재’와 ‘좌망’이라는 철학적 의미를 담아 풀어 본 동래학춤의 장점은 인위(人爲)적으로 조작하지 않는 무위자연을 추구한다는 점이다. 따라서 건강하게 살아가고자 하는 현대인들의 수양법으로써 더할 나위가 없을 것으로 본다.

This study explores the positive effect of Dongrae Crane Dance upon modern people's health based on the philosophical basis of the core reason of Taoism (道家), Zhuangzi's (莊子) ‘Shimjae (心齋)’ and ‘Jwamang (坐忘)’. Movements of Dongrae Crane Dance such as [naleum‐sawi<‘flapping and jumping movement (Naleumsae)’․‘right‐left flapping movement’․‘Dolim‐sawi’>, meomum‐sawi <‘一’ shape movement․‘one foot standing movement’>, pause movement <‘baegim‐sawi’(煎)․‘back‐baegim‐sawi’’․‘right‐left baegim‐sawi’․‘modum jumping movement’>] are embodied by dancing the shape of crane's (鶴) free willing natural nature (無爲自然). The musu (舞手), which expresses these shapes, by abandoning private things and following the natural flow of things, makes 'Shimjae' and 'Jwamang', that is to say, 'emptying the mind' and ‘discarding the greed', it is possible to find health through self‐discipline, away from the stress, a source of every disease. Likewise, the advantage of Dongrae Crane Dance, which is based on the philosophical meaning of 'Shimjae' and 'Jwamang', is that it pursues a deserted nature that is not artificially (人爲) manipulated. Therefore, it seems to be suitable as a way of self‐discipline of modern people living in unhealthy ways.

조선 후기(약 1700~1850년)의 사회·경제의 변화 양상은 조선의 신분 제도에도 영향을 끼쳐 양반 중심의 신분 질서가 흔들리기 시작했고, 성리학적 삶의 태도나 사유 방식으로는 더 이상 삶의 가치와 의미를 충분히 해소시켜 주지 못했다. 이런 시점에서 신분상 차별과 사회적 제약을 받았던 조선 후기 중서인 화가들에게 있어 다양한 寓話를 통해 현실세태를 풍자･비판하는 『莊子』的 심미는 유효한 문예적 수단으로 활용되었다. 기존의 제도화･규정화된 모든 것을 否定하는 否定의 심미·역설적 논리 정신을 통해 ‘無爲自然’으로 돌아가고자 했던 莊子的 사유를 자기화하여 창의적이고 개성적인 예술세계를 펼친 조선 후기 중서인 화가들은 사대부 문인들의 문화적 영향권에 머물지 않고, 자신의 성정에 의지하여 天機를 발현하는 독자적인 性情論과 더불어 手藝論을 강조하는 화법을 구사하는 등 양반사대부를 능가하는 예술적 성과를 이루었다. 조선 후기 중서인 화가들이 장자적 경향을 보인 이유는, 첫째, 신분제가 흔들리고 중앙정부로부터 민심의 이반이 본격화되면서 인간 삶에 대한 회의와 각성이 일어나고, 성리학 이외의 사상에서 삶의 방향과 의미를 찾으려는 예술적 동향이 모색되었기 때문이다. 둘째, 개성적 화풍과 새로운 기법을 통해 예술창작물로 발현하기에 장자사상이 적절한 예술심미를 제공하였기 때문이라고 본다. 이들은 자질과 능력에 비해 단지 신분이 낮다는 이유로 받았던 편견과 멸시를 회화를 통해 자신의 예술적 자부심을 표출하고, 순응하기 싫은 현실에 대한 울분의식을 거침없이 분출하였다. 李麟祥은 명문가 집안이지만 庶子출신이라는 신분적 배경이나 주변 환경 등에서 겪었던 차별과 갈등 그리고 고뇌를 자연의 아름다움을 통해 생명력 넘치는 회화로 승화시켰는데, 세속과 거리를 두고 自適其適한 초연함이 가득하다. 崔北은 ‘非古非今’의 독자성과 변혁을 끊임없이 추구하였다. 筆勢의 動을 통해 담박한 自然之道의 기괴한 野性美를 역설적으로 표현하였으며, 격식에 구애됨이 없는 자유분방한 천성은 장자적 경향을 보이며 삶의 기행으로 표출되고, 파격적 화풍으로 발현하였다. 金弘道는 天機와 功力을 통해 20대 초반에 이미 궁중화원으로 명성을 날려 가장 한국적인 그림을 그린 천재 화가로 평가받는다. 50대 이후 자연의 순리에 맞춰 隱居之樂으로 逍遙自適코자 하는 이상적 삶을 지향한 화풍을 드러내었다. 여백을 통해 有限相生의 새로운 遊心을 창출하였는데, 無己한 隱者의 내면의 흉중을 표현해 遊樂의 逸氣를 발현하였다. 莊子 사상에 심취했던 趙熙龍은 구도와 기법에 있어서 파격적 개성과 得手應心의 완숙미가 돋보인다. 특히 「梅花書屋圖」에서 흑백의 색채대비를 통해 음양대대의 조화를 이룬 활짝 핀 매화와 米點皴의 변형된 역동적･유희적 필치로써 자유롭게 그려내는 手藝의 기이함이 천지자연과의 조화로써 大巧美를 이루었다. 29세에 타계한 田琦의 「疎林淸江」은 形似의 엄밀함을 배제하고, 갈필을 구사하여 대상물의 핵심을 寫意的이며 簡逸한 화풍으로 묘사하였다. 전반적으로 淡泊한 절제미가 두드러지니 인생무상의 탈속적 고요함과 蕭散簡遠한 쓸쓸함이 화면 가득 느껴진다. 이처럼 이들은 신분으로 인한 차별과 울분을 초월·극복하여 기존의 심미의식을 맹목적으로 따르기보다는 이전의 고정된 틀을 부정하고 비판하면서 끊임없는 자기 변신을 꾀하였다. 그리하여 탈속적 雅趣와 자연본성적 天機를 대담하면서도 개성적 화풍으로 발현하며 절대자유의 逍遙遊 심미를 지향하는 등 신지식인 문화를 선도하였다.

The social and economic changes of In the late Joseon period (above 1700-1850) affected the identity system of Joseon, and thus began to falter the order of status centered on the yangban. The attitude or way of thinking of life in the study of the seongli has no longer fully resolved the value and meaning of life. At this point in time, for the Middle and Bastard Class painters of the late Joseon Dynasty, who were discriminated against and socially restricted, the On Aesthetic Appreciation of the Chuangtzu was used as a valid literary tool through various fables. Painters of the late Joseon Dynasty who spread a creative and individual art world by making their own on-though of the Chuangtzu, who wanted to return to " letting nature be" through the aesthetic and paradoxical logic of negation of everything existing institutionalized and regulated, did not remain within the cultural influence of the yangban. He has achieved artistic achievements that surpass the yangban by resorting to his own semblance, and by using a style of painting that emphasizes the theory of handling the art of hand, as well as the theory of expressing cheongi. The reason painters in the late Joseon Dynasty showed on tendency of the Chuantzu was because, first, the shaky status system and the full swing of public sentiment from the central government led to meetings and awakenings about human life, and the artistic trend of seeking meaning in ideas other than the study of the seongli was sought. Second, I think it is because the thought of Chuangtzu provided a proper artistic beauty to express it as a creative product through the form of individual paintings and new techniques. They expressed their artistic pride through paintings of the prejudices and disdain they received for their low status compared to their qualities and abilities, and vented their anger at the reality they did not want to obey. Lee In-sang expressed the discrimination, conflict and agony he experienced in his birth background and surroundings as a life-long painting through the beauty of nature. It is full of the joy of living and the joy of living that is contented, seeking pleasure for itself, away from the world in which humans live. Choi Buk constantly pursued creativity and change that was never and is not. The spirit of the brush ironically expressed the tenacity of nature and its grotesque wildness through its movement. And the freewheeling nature of the form showed the ontendency of the Chuantzu and expressed it in the bizarre behavior of life and the unconventional form of painting. Kim Hong-do is regarded as a genius painter who painted the most Korean painting because he already made his name as a palace painter in his early 20s through his efforts with Cheongi. Since his fifties, he has shown a style of painting in which he pursued a life in which he wanted to enjoy himself with the joy of seclusion to the flow of nature. The margins created a new beauty of helping and relying on each other, expressing the spirit of 'yu' by expressing the reclusive person's mind. Cho Hee-ryong, who was fascinated with on thought of the Chuangtzu, stands out for his unconventional personality in structure and technique and the mature beauty of Deugsueungsim. In 「MaehwaSeokdo」in particular, the weirdness of hand technique, which is freely drawn as a dynamic, playful brushstrokes of a wide-open plum flower and a modified dynamic and playful technique of Mijum contrasted with black and white colors, was harmonized with nature. Chen Gi's 「Solimchenggang」, who died at the age of 29, expressed a desolate, restrained beauty through the control of dry brush and large and small, thick and thin, thick and thin, full of a lonesome, concise feeling of life's futility. As such, they overcame discrimination and anger caused by their status to seek constant self-change, denying and criticizing the previous fixed framework rather than blindly following the existing aesthetic consciousness. Thus, the elegant taste was removed and the cheongi of natural nature was expressed in bold yet individual painting form, and the new knowledge culture was led by the promotion of Soyoo aesthetic of absolute freedom.

이글은 검여(劍如) 유희강(柳熙綱)의 기증 특별전, <劍舞, Black Wave>를 기념하여 그의 서예 인생과 그의 작품을 흐르는 동양의 예술 혼(魂)을 논하였다. 유희강은 전근대와 근대, 현대를 이은 한국 서단의 대표적 작가였으며, 서예가로서는 치명적인 재앙이었던 반신불수의 상황에서도 불굴의 정신으로 ‘좌수서예’라는 예술 세계를 개척하여 예술인의 귀감이 되고 있다. 글의 순서는 먼저 유희강의 생애를 간략하게 정리하고, 두 번째로 유희강의 대표작이라고 할 수 있는 <관서악부>를 통해 200년 세월을 관통한 한국 서예의 흥(興)을 논한 후, 끝으로 전근대와 근대, 현대를 잇는 역동의 시대를 살아냈으며, 각각 한국과 중국을 대표하는 전통 서화 예술가로 자리매김한 유희강과 치바이스(斉白石)의 작품 세계를 비교한다. 이로써 현대로 이어진 동양 전통 예술의 혼(魂)과 사의(寫意)를 논한다.

In commemoration of the special exhibition of the donation of Geomyeo, Yu Huikang, this paper discussed his calligraphy life and the Oriental art spirit that flows through his works. Yu Huikang was a representative artist among Korean calligraphers, connection the former and modern times, and he pioneered the art world of "calligraphy with left hand" with an indomitable spirit even in the midst of an hemiplegia situation, a deadly disaster for a calligrapher. The order of the writings was first summarized in the life of Yu Hui-kang, and secondly, the representative work of the Yu Huikang, discussed the <Kwanseoakbu> of calligraphy that passed through 200 years, and finally compared of the works of Yu Huikang and Qi Baishi to discuss the soul and spirit of traditional Oriental art. They are each artists representing Korea and China, and lived in a dynamic era connecting the pre-modern and modern of each country.

盛唐시기에 활동한 張懷瓘은 서예를 형이상학적인 관점에서 체계적으로 논술하 였다. 본 논문은 張懷瓘의 書論에서 우주현상의 규율과 자연의 생명성을 서예 창작 원 리에 적용한 것을 살펴 본 것이다. 張懷瓘은 서예의 형이상학적 발생론을 河圖와 洛書 에 그 근원을 두고 있다. 또한『周易』의 卦象이 자연의 변화 규율과 통한다는 사상에 서 출발하여 문자의 기원은 卦象으로부터 비롯되었다고 보았다. 즉 서예의 발생은 문 자와 관련되어 있음을 말하고 있다. 본 논문은 張懷瓘의 書論을 통해 이러한 卦象ㆍ文字ㆍ書藝의 기원과 연관성에 관한 형이상학적 원리에 대해 논술하였다. 서예는 活物로서 천지대자연의 변화를 예술형식으로 표현한 것이다. 장회관은 觀物取象의 사유를 八卦와 연관 지어 설명하고 있으며, 서예의 선이 우주자연의 도를 체현하는 것임을 卦象의 원리를 통해 밝히고 있다. 즉 획이란 一陰一陽의 이치를 담고 있는 선을 의미하는 것이다. 張懷瓘은 이러한 역의 철학적 원리를 서예의 여러 가지 측 면에서 적용하고 있다. 이처럼 서예에 대한 易理적 차원의 이해는 둥근 모필로 형상화 하는 그 조형적 아름다움 속에 담겨 있는 획의 생명성에 대한 의미를 파악하는 것에서 부터 출발한다. 아울러 서예는 문자를 이용하여 작가의 예술적 감성과 사상을 표현하 는 조형예술로서, 우주의 법칙을 玄妙한 뜻으로 드러내는 고도의 心相예술이다.

Zhang Huai Guan, who was active in flourishing Tang dynasty, systematically wrote calligraphy from a metaphysical point of view. According to Zhang’s theory the law of universe which governs the cosmic phenomena is the same as the principle of calligraphy which expresses liveness of the nature by visualization of the letter. Zhang’s theory also says that the fundamental sprit of the calligraphy is realization of Dao (道). In the thesis, this principle and fundamental spirit of Calligraphy have been discussed. Zhang’s view on metaphysical development of calligraphy is based on Hetu (河图, map of river) and Luoshu (洛书, Luoshu, turtle book which is the source of the number of yin and yang five elements) Starting from that images of trigrams (卦象) in I-Ching (周易) is linked to the law of the change of nature, origin of the letter is directly related to the image of things in I-Ching and or origin of calligraphy is closely related to the origin of the letter. In this thesis, metaphysical study on relationship in origins between image of things, letter and calligraphy has been discussed on the basis of Zhang’s theory. Calligraphy as a living thing is to express the change of Mother Nature. Zhang Huai Guan explains thought of 观物取象(imitating the perceptual image of concrete things in nature and social life, and establishing symbolic meanings) in relation to eight trigrams (八卦), and reveals that lines in calligraphy is to realize the law of universe through the principle of Image of Things (卦象). In other words, a stroke of brush-writing implies a line that connotes the law of one-yin and one-yang (一阴一阳). Zhang Huai Guan has applied the philosophical principle of I-Ching (周 易) to various aspects of calligraphy. Like this, the philosophical understanding of calligraphy begins with grasping the meaning of stroke’s liveness underlying its figurative beauty visualized by movement of round brush-writing. Calligraphy is a figurative art expressing artistic sensibility of a calligrapher through letters and is also deep-rooted emotional art revealing the laws of the universe in profound manner.

원시적 신앙의 대상은 인간을 둘러싸고 있는 모든 신령스러운 것들이었다. 원시 적 종교의례는 복식을 통하여 신과의 대화를 시도했다. 원시적 신앙에서 사용하였던 복식들은 사회적 발전에 따라, 윤리적· 도덕적 가치를 가지는 예제에서도 중요한 부분 을 차지하게 되었다. 원시적 종교 의례에서 사용하였던 모든 복식들이 그대로 제도적 으로 발전해 나아갈 수는 없었다. 이에 복식 중에서 취사선택하는 제도화의 기준점이 정해질 수밖에 없었을 상황을 주목한다. 이 논문이 초점을 맞추고 있는 부분은 원시적 종교의례에서 사용되었던 복식들 중에서, 예제화나 제도화로 전개 발전해 나아갔던 복식에서, 天의 기준점에 의거하여 정례화가 가능했을 것으로 보는 관점이다. 이를 연구하기 위하여, 복식과 관련한 문헌 들은 주로 유가계열의 경전을 중심으로 연구하였고, 고증을 위하여서는 고고학적 발견 사항들과 상호 검증작업을 하며 논의를 풀어가고자 하였다. 복식은 제2의 몸이다. 몸은 자신을 드러내며, 제2의 몸인 복식은 사상이나 생각 을 더 잘 표현할 수 있는 도구적 기능을 갖고 있다. 고대 복식에서 필요했던 것은 天의 상징성을 갖고 있는 기호 코드화 되어진 복식이다. 복식은 天을 대신하여 다스리는 군 왕의 절대성을 외형으로 표현해 낼 수 있는 물질문화의 그릇이었고, 天은 복식의 문질 문화에 담고자 하였던 정신문화의 아이콘이었다.

This research study has meaning which there were relative with the customs and the Tiān. Among the primitive customs's symbols come from the Tiān. As the human mind changed on the thought for the Tiān, in order to take the rightness as the governor, it is symbolized the customs's identity more from the Tiān. It is possible that we can trace it through the confucian scriptures. It's remarkable that the customs's symbol motif means peaceful like the Tiān. The symbol of the customs would be affected to the people by the order of the heaven. It's nature that the human could accept it in same thing since it's considered the origin from the order of the Tiān from the primitive times. The primitive symbolized image on customs was from the heaven, earth, animals, plants, rocks , etc. it's not divided by separate from the Tiān. We have to focus on the reality when it was formalized customs culture, it was controlled by the with the Tiān's symbolized cord.

프란시스 알리스(Francis Alÿs, 1959- )와 송동(宋冬, 1966- )은 ‘걷기’와 ‘쓰기’라는 일상적 행위를 무한 반복함으로서 무의미한 행위 실천이라는 결과를 만들어가는 작품을 진행한다. 본고에서는 이들의 대표적인 작품을 중심으로 그들의 비생산적이고 비능률적인 하지 않음이 가지는 시적이면서도 사회적인 의미를 읽어보고자 한다. 이를 위해 2장에서는 프란시스 알리스(Francis Alÿs, 1959- )의 시적 행위로서의 걷기에 대한 작품을 다룬다. 예를 들어 ‘때로는 무엇인가 만드는 것이 아무것도 아닌 일이 된다’는 멕시코시티의 거리에서 거대한 얼음 덩어리가 작은 얼음조각이 되어 흔적만 남길 때까지 밀고 다니는 작품이다. 그의 이러한 작업들은 인간 노고의 무상함과 정치적 사고의 가능성을 확장시키는 행위와 연결된다. 3장에서는 1990년대 중국현대미술 속 문자 쓰기라는 행위 실천과 송동(宋冬, 1966- )의 물로 기록하는 일기나 시간과 같은 작품 속 쓰기라는 행위가 가진 동양 철학 속 무위(無爲)적 태도를 탐구한다. 4장에서는 두 작가가 작품에서 무의미한 행위 실천을 위해 사용한 대표적인 소재인 물이나 페인트가 가지는 의미와 쉽게 사라져버리는 인간의 노동이 갖는 의미가 무엇인지 살펴본다. 나아가 사색과 수신(修身)으로서의 반복적 과정인 두 작가의 걷기와 쓰기를 통해 세계가 안고 있는 복잡한 정치, 사회적 문제를 되새기고 그 의미에 더 가깝게 접근할 수 있도록 사람들의 시선을 변화시킨 행위 과정을 언급한다.

一位生活在墨西哥城的比利时艺术家弗朗西斯·埃利斯(Francis Alÿs，1959- )和生活在北京的宋冬(Song Dong, 1966- ), 通过无限重复‘步行’和‘写作’的日常活动来完成创造无意义行为的工作。在这篇文章中，试图阅读他们的非生产性和低效率的诗意和社会政治的意义。 第二章，弗朗西斯·阿尔斯将步行描述为一种诗意的行为，例如，推着一个巨大的冰块穿过墨西哥城的大街, 最初冰块的重量让他觉得很吃力, 不過随着时间的推移巨大的冰块变成人一块若隐若现的水渍. 他的艺术通过充满诗意, 进行发问政治、社會的主题, 并引起了人的努力和劳动的, 与可以扩大政治思想可能性的行爲有關。在第三章, 探讨了在20世纪90年代中国當代艺术中以文字写作来作爲實現行为艺术家，而进行说明在宋冬以水作爲紀錄的日記和時間的作品中写作行为的無爲态度。 第四章，将研究水和油漆的重要性，这是两位艺术家在作品中用来练习无意义行为的典型材料，以及容易丢失的人类劳动的意义。此外，通过他们的行走和写作，认识到重复的思索和修身过程, 我再次意识到世界上复杂的政治和社会问题, 爲了更接近其含义, 笔者想谈论改变人们凝视的行动过程。

본 고에서는 한국 서예의 국가지정문화재 지정현황을 살펴보고, 그 역사적·학술적·예술적 가치 등 지정 가치 기준을 검토하였다. 현재까지 80여건의 서예 유물이 국가지정 문화재로 등재되었지만, 동산문화재 국가지정문화재가 총 2,508건 인것에 비해 서예 분야 국가지정문화재는 3.46%에 불과하다. 더불어 서예의 문화재 분류상의 위치 또한 미미하다.「문화재보호법 시행령」에 따르면 ‘서예’라는 분류 자체도 존재하지 않고, 「문화재보호법 시행규칙」에서도 ‘서예’는 ‘서간류’라는 대분류의 하위에 두었을 뿐이다. 이는 서예의 예술성보다 문자성과 기록성에 치중하였기 때문이다. 이미 지정된 80여건의 서예 문화재 지정 사유를 살펴보면 역사적 · 학술적 가치 기준에 중점을 두었음을 알수 있다. 예술적 가치가 높이 평가되어 지정된 사유는 몇 개에 불과하며, 그렇다할 예술적 가치 분석 방법 및 가치 기준 없기 때문에 당시 문화재위원의 임의적인 기술이 이루어진 것으로 분석된다. 본 고는 현 한국 서예 문화재 지정 현황을 조사 ·분석하고, 문화재학에서 제안되고 있는 서예 문화재 지정기준 및 가치평가를 살펴보았다. 더불어, 지금까지 이루어진 서예문화재 지정에 있어서 역사적·학술적·예술적 가치 기준의 문제점을 파악하였다. 이에 한국 서예의 문화재적 가치 특히, 예술적 가치 분석 방법 모색에 대한 간단한 요지를 설명하였다.

Three main purposes of this article are as follows. First, it is to investigate the current status of Korean calligraphic work registered as the state-designated heritage. Secondly, it explores how the value of a work of calligraphy has been evaluated as the state-designated cultural heritage in terms of the historical · scholarly · artistic value. Lastly, it suggests the necessity of establishing its artistic value. The status of calligraphy amongst other categories of the state-designated heritage was not relatively high. Besides, the value of calligraphic work was focused on its communicative and informative role rather than its artistry one. Examining 87 calligraphy heritages, only a few were evaluated as highly artistic works. The reason for the disregard of calligraphy’s artistry value could be caused by that its standard value system has not been set up yet. Upon the problems, this article suggests creating its standard aesthetic value offering the benefits to the traditional calligraphy works to be found and registered as the state-designated cultural heritage.

본 논문은 국립국악원을 제외한 무용단체와 대학 연구소를 중심으로, 연향악 계열의 한국 궁중 춤이 현대에 어떻게 전개되고 있는지 그 양상을 살펴보고, 그 개선 방향에 대해 생각해보았다. 먼저 궁중 잔치 재현, 궁중 춤의 계승과 창조, 궁중 춤의 보급, 그리고 연구와 공연의 융합 지향 등 네 부분으로 나누어 살펴보았다. 현대 한국 궁중 춤의 큰 특징 중 하나는, 궁중 춤 종목을 단순히 나열해 공연하는 형태에서, 궁중 잔치를 통한 궁중 춤 공연으로 발전했다는 점이다. 이로써 무용계뿐만 아니라 인접 학문까지 동반 성장할 수 있는 계기를 마련하였다. 궁중 춤의 춤사위는 우아하다는 평가도 있지만, 상당수의 관객에게는 너무 지루하다는 인상을 준다. 동시대의 관객과 공감할 수 없다면 그 예술품은 생명력이 길 수 없다. 그러므로 궁중 춤의 계승과 창조는 관객과의 공감을 최우선적으로 고려해야 할 것이다. 이러한 이유로 여러 무용단에서는 다양한 연출을 통해 이 문제를 극복하고자 하였다. 그러나 필자는 상황에 따라 창사를 개사하거나 국악풍의 가요로 바꾸는 등, 보다 과감한 변신이 필요하다고 본다. 이것이 바로 온고지신과 법고창신의 정신일 것이다. 국립국악원에서 복원한 궁중 춤들이 원형 그 자체의 춤은 아니기 때문에 여러 무용단체들은 최대한 원형에 다가가고자 노력하였다. 특히 대학 연구소에서는 원형 복원을 위해 문학·음악·무용 전문가들이 협업하였고, 그 성과를 무대에 올리고 단행본으로 간행하기도 하였다. 이렇듯 여러 무용 단체와 대학 연구소들이 연구 성과를 공연에 반영하고자 한 것도, 일종의 ‘궁중 춤의 비판정본(비판궁중춤)’을 만들려는 시도라 할 수 있다. 이러한 시도가 체계적으로 기록될 때, 보다 효율적으로 원형에 최대한 가까운 비판궁중춤을 만들 수 있을 것이다. 아직 우리 궁중 춤의 복원과 재현이 완벽한 단계에 이르렀다고는 볼 수 없다. 그러나 그럼에도 불구하고 이제는 복원과 재현을 넘어 새로운 창작을 위한 연구의 단계로 넘어갈 시기가 되었다고 본다. 전통은 전통대로 보존하려고 노력하고 동시에 현대인과 함께 공감할 수 있는 새로운 궁중 춤을 만들어가야 한다고 생각한다. 완전한 것은 없다. 필요하고 할 수 있다면 함께 진행해야 할 것이다.

Focusing on dance groups and university research institutes except the National Gugak Center, this paper looked at the aspects of how the Korean court dance in the line of Yeonhyangak is developing in modern times, and further thought about the direction of its improvement. First, we looked at it in four parts: reenactment of court feasts, succession and creation of court dances, the spread of court dances, and the direction of convergence between research and performances. One of the great features of contemporary Korean court dance is that it has evolved from simply listing and performing court dance events to performing court dance performances through court feasts. As a result, not only the dance industry but also the adjacent disciplines were able to grow together. Some say the court dance moves are elegant, but many of the audience think they are too boring. In order to overcome this, various attempts are being made to empathize with the audience in stage arrangement, lyrics of court dance, Dance movement and so on. The court dance, which was restored with all its heart and soul at the National Gugak Center, unfortunately, is not a dance of the original itself. Therefore, various dance groups and research institutes have actively studied court dance, reflected their achievements in the performance, and published new books. Although we can not yet say that the restoration and reenactment of our court dance has reached the perfect stage, I think it is now time to move beyond the restoration and reenactment to the stage of research for new creation. There is nothing perfect. You will need to do it if you need it and if you can.

위인전의 표지디자인은 해당 인물의 아이덴티티가 시각화되어 인물에 대한 주요 업적 및 특징을 간접적으로 이해할 수 있는 중요한 요소이다. 위인전 표지디자인의 구성 형태 중 다양한 요소와 함께 인물의 초상화가 있는 경우 아동에게는 책에 대한 흥미를 유발하고, 인물이 생존 했던 시기의 복식, 문화등을 직간접적으로 접하고 인식하게 된다. 이러한 관점에서 아동용 위인전의 표지디자인은 친밀성과 창의적 구성을 바탕으로 하며, 인물의 복식은 정확한 고증에 의해 표현되어야 한다. 이에 본 연구의 목적은 다산 정약용 아동용 위인전의 표지디자인에 나타난 복식의 비교, 분석 및 고증을 바탕으로 한 복식의 형태 및 색상 제안을 하고자 한다. 이에 정약용 생존시기(18세기중반～19세기초기)를 중심으로 문헌, 유물, 초상화와 풍속화에 나타난 복식을 고찰 후 2015년 1월부터 2019년 4월까지 인터넷서점 교보문고, 알라딘, 반디앤루니스에서 판매하고 있는 아동용 정약용 위인전 336권 중 총 32권의 표지디자인에 가장 많이 나타난 복식인 단령과 도포를 중심으로 분석하였다. 고찰 결과 다산 정약용의 아동용 위인전 표지디자인에 나타난 복식 제안은 다음과 같다. 표지 디자인에 나타난 단령(團領)의 색상은 상복은 청색과 녹색, 시복은 홍색계열등으로 나타났다. 이에 문헌과 초상화에 근거하여 상복은 흑색 또는 검은 녹색으로, 시복은 옅은 분홍, 앵삼은 앵무새색(연두색)으로 제안하였다. 도포(道袍)의 색상은 표지디자인의 도포와 문헌 및 풍속화에 나타난 색상과 같다. 표지디자인에 나타난 단령(團領)의 형태는 1점을 제외하고 조선 초기 깃 형태이며, 소매는 통소매와 붕어소매로 나타났다. 이에 문헌과 유물에 근거하여 깃 깊이는 17～20cm내외이므로 초상화의 형태를 바탕으로 하여, 앞 목점 하단보다 내려온 지점을 깃 깊이로 하며, 소매는 광수에 두리소매로 제안한다. 도포(道袍)의 깃 형태는 칼깃과 동그래 깃으로 추정되며, 소매는 단령과 같은 통소매와 붕어소매이고, 여밈의 깊이는 옆선에 이르는 깊은 여밈 또는 몸 중심선에 가까운 위치이다. 이에 도포의 깃은 동그래깃 또는 칼깃을 보다 정확히 표현하고, 소매는 광수에 두리소매로 하며, 여밈은 옆선과 몸판의 중심선 즉 고대 끝 지점에서 내려온 부분에 위치되도록 제안한다. 이를 바탕으로 아동용 위인전 표지디자인에 나타난 인물의 복식은 고증을 바탕으로 한 정확한 정보전달이 이루어질 수 있는 발판이 되고자 한다.

Biographies, the important book building the foundation for the basic understanding and pride on the history of Korea, are the model and the indication for further direction for all generations including children and teenagers through the teaching from scholars in the past. A biography enables to indirectly understand the major achievement and features of a relevant person in that biography through the cover design like other books because the identity of that person is visually expressed on that cover. Furthermore, the readers can meet the clothing culture of the relevant times as well as enhance their understanding on the character through the portrait of that character on the cover of the biography if any. In particular, such portraits arouse children’s interest on the bibliographies and make them remember the relevant characters for a long time through the cover design. Accordingly, the cover design of a bibliography for children needs to be accurately studied and reflect affinity and creativity. To this end, this paper selected Dasan Jeong Yak-yong(茶山 丁若鏞. 1762(38th year of King Yeongjo’s reign) to 1836(2nd year of King Heonjong’s reign) among great men who can be the foundation for a variety of thoughts of children by making lots of magnificent achievements in a wide range of fields through investigation, development and endeavor and whose portrait exists in order to investigate whether the a bibliography for children is accurately researched as focusing on the clothing in the cover design. Total 32 bibliographies on Jeong Yak-yong were selected, which were sold in online bookstores, Gyobo Book Center, Aladdin and Bandi & Lunis from Jan. 2015 to Apr. 2019. With those bibliographies, this paper investigated whether the Danryeong and Dopo on the cover designs of those bibliographies was accurately expressed through the thorough research and made the proposal on the basis of the research results. Moreover, the results of this paper will be the basis for making the clothing of a character on the cover design of the relevant bibliography expressed on the basis of the accurate research.

近園 金瑢俊(1904-1967)은 일제강점기 “彩畵를 찌꺼기 술이라면 墨畵는 막걸리요, 사군자는 약주요, 書는 소주 아니 될 수 없을 것이다”라고 하면서 우리의 전통문화를 사랑하고 진한 소주를 항시 가까이 한 사람이다. 근원의 미술론은 1930년 중반을 전후로 커다란 변화를 가져왔다. 1930년대 중반 이후 문화계에서 일어난 전통 성찰의 움직임으로 인해 서양의 표현주의와 접맥된 동양주의 미술론은 ‘조선적인 것’을 모색하고 전통과 고전을 탐색하려는 시도로 전환된다. 이 무렵 이후로 근원은 서화고동취미를 한껏 뽐내며 서양화―유화에서 동양화―수묵화로 전향하고, 세속에 타협하지 않는 문인들의 고고한 지조, 去俗과 脫俗의 정신과 그러한 정신을 온전히 담아내야 하는 서예를 그림에 부활시켰다. 근원이 추구했던 ‘조선의 정신’은 일제강점기 빛이 바랬던 조선미술의 회복과 관련되어 있다. 일제의 이데올로기 공작은 정체성론과 조선미술쇠퇴론을 근대화단에 뿌리내리게 함으로써 민족의식의 말살을 통한 일본색을 화단에 정착시키면서 「조선미전」에서 채색화의 유행을 선도해 나갔다. 이에 당시 화단에서는 사군자와 서예를 시대성을 상실한 구태의연한 가치로써 치부하는 반대론적 입장과 사군자의 몰락은 동양화의 몰락이라는 옹호론적 입장이 대립하고 있었지만, 채색화가 유행하던 식민지 조선화단에서는 사군자와 서예는 봉건시대의 유물정도로만 치부되고 있었다. 그런 가운데서도 근원은 서예와 사군자는 정신을 표현하는 예술의 극치라고 규정하고, 수묵의 직관적 정신성에 초점을 맞추었다. 왜색탈피를 위한 선결과제는 조선미술의 정체성의 확립이라는 전제아래, 수묵의 전통 속에서 방법론을 모색했다. 근원의 이러한 노력은 이후 해방공간에서 식민지 화풍에 대한 논란 속에서 서예와 문인화의 가치를 재인식하고 전통에 대한 새로운 해석을 통해 새로운 미술을 찾으려는 방법론으로 연결된다. 일제에 국권을 빼앗기고 식민지로 전락했다 하더라도 민족정신은 면면히 이어졌다. 민족문화의 계승과 새로운 시대 상황에 대응한 그 방면 새 세대의 배출 및 전통의 재창조라는 명제도 그 중의 하나였다. 본고는 그러한 운동의 선봉에 섰던 근원의 직관적 서예인식을 통해, 한국근대서예의 위상을 재고해 봄으로써 침체에 빠진 현대한국서예의 발전방향을 모색해 보는 계기가 되었으면 하는 의도에서 쓴 논문이다.

Geunwon Kim Yongjun said, “If a colored picture is lees liquor, India ink painting is makgeolli, and calligraphy is soju.” As he said, he loved our traditional culture and had always drunken the strong soju. His art theory brought about great changes around the mid-1930s. His orientalism art theory was brought into contact with Western expressionism due to the movement of traditional reflection in the field of culture since the mid-1930s and turned into an attempt to seek for ‘something Korean' and explore traditions and classics. Since then, Geunwon has fully exhibited an antique taste of calligraphy and painting, and he turned from Western paintings(oil paintings) to East Asian paintings(India ink paintings). In addition, he applied the calligraphy that contained the detached fidelity and the unworldly spirits of the literary who did not compromise with the world to the painting. The spirit of Joseon he pursued is related to the restoration of the faded Joseon art during Japanese occupation. The ideology maneuvering of Japanese imperialism led the trend of coloring in Joseon Art Exhibition while establishing the Japanese color through the eradication of national consciousness in the field of art by rooting the theory of identity and the decline of Joseon art. There has been a confrontation between the oppositional position that treated painting of four gracious plants and calligraphy as the obsolete values that lost the age, and the advocate's position that the decline of the painting of four gracious plants is the decline of oriental paintings. However, in the field of art of colonial Joseon, where colored pictures were in vogue, the painting of four gracious plants and calligraphy were regarded as artifacts of the feudal age. In the meantime, Geunwon defined calligraphy and the painting of four gracious plants as the extreme of art expressing the spirit and focused on the intuitive mentality of Indian ink. Under the premise that the identity of Joseon art should be established to escape from Japanese color, he sought for the methodology from the tradition of Indian ink. His effort led to a methodology to re-recognize the value of calligraphy and literary painting and to find new art through new understanding of traditional art in the controversy about the colonial style of painting after the liberation. Even though Joseon had been deprived national sovereignty and became a colony of Japan, the national spirit has been succeeded. One of them was to create a new generation that could inherit the national culture and respond to the situation of the new era and to recreate tradition. The purpose of this study is to seek the developmental direction of modern Korean calligraphy which is in recession by rethinking the status of Korean modern calligraphy through Geunwon’s intuitive recognition of calligraphy.

조선 후기는 다양한 사상과 문화가 조화를 이루며 우리 땅에 대한 각성이 이루어졌고, 이러한 시대정신은 예술적 자각을 거쳐 실사구시의 심미의식으로 표출되었다. 단원 김홍도(1745-1806)는 문사의식을 표출하는 詩意圖와 당대의 삶을 표현한 풍속화에서 최고의 역량을 발휘했지만 그의 審美意識은 산수화에서 가장 빛나고 있다. 그는 實在하는 實景을 사실적으로 표현한〈금강산도〉에서 실학적 심미의식을 형상화했다. 그동안 단원회화에 대한 다양한 연구가 부단하게 이루어져 왔다. 그러나 산수화로 뛰어난 업적을 남긴 그의 회화 중에서 實景을 사실적으로 표현한〈금강산도〉의 실경을 미학으로 연구한 경우는 미미하다. 이에 본고는 사실적 재현이 창출되고 있는 단원의〈금강산도〉를 통해 實境美學에 대한 논의로 이어가고자 한다. 작가의 철학과 심미의식을 표현하는 그림이란 보이는 형상보다 형상 안에 내재되어 있는 의미가 더욱 중요하기에, 본고는 단원의〈금강산도〉를 통해 그의 산수미학을 탐구하고자 한다. 실학적 심미의식으로 창출된 단원의〈금강산도〉에는 實存을 중시하는 실학과 유불도의 산수미학이 내재되어있다. 단원은 임천지심(林泉之心), 요산요수(樂山樂水)의 즐거움과 와이유지(臥以遊之), 소요유(逍遙遊)의 자유로움을〈금강산도〉에 반영하였고, 승경낙도(勝景樂道)와 기행사경(紀行寫景)의 시대흐름을 흉중구학(胸中丘壑)의〈금강산도〉로 형상화했다. 실재하는 금수강산의 아름다움을 사실적으로 구현한 단원의〈금강산도〉는 유불도의 전통적 산수미학과 실사구시의 아름다움이 조화를 이루는 법고창신(法古創新)의 實境山水圖이다.

In the late Joseon dynasty, various ideas and cultures were harmonized, and people awakened a significance of the scenery of their land, and this kind of spirit of the times was expressed as aesthetic consciousness of seeking the truth from the fact through artistic awareness. Danwon Kim Hongdo (1745-1806) showed the best ability in the poetry painting that expresses the literati consciousness and the custom painting that expresses the life of the times, but he expressed his aesthetic consciousness the best through landscape painting. He embodied aesthetic consciousness of practical learning in <Geumgangsando>, which he realistically expressed real existing scenery. In the meantime, various studies on Danwon’s paintings have been done steadily. However, despite his outstanding achievements in landscape painting, it is seldom aesthetically studied the real scenery of <Geumgangsando>, which was described realistically. In this paper, I will go on to discuss about the aesthetics of real scenery through <Geumgangsando>, which creates realistic reappearance. Since an artist’s philosophy and aesthetic consciousness are expressed on a painting, the intrinsic meaning of a form is more important than the visible form. Therefore, in this paper, I will examine his aesthetics of landscape through <Geumgangsando>. In Danwon’s <Geumgangsando> created by his aesthetic consciousness of practical learning, practical learning of emphasizing existence and landscape aesthetics that integrates Confucianism, Buddhism and Taoism are inherent. Danwon reflected the joy of Imcheonjisim(林泉之心, a mind towards landscape) and Yosanyosu(樂山樂水, a mind enjoying landscape) and the liberty of Waiyuji(臥以遊之, enjoying a scenery lying down) and Soyoyu(逍遙遊, free and easy wandering) in Geumgangsando, and he embodied the trend of the times of Seunggyeongnakdo(勝景樂道, enjoying the Way seeing a beautiful scenery) and Gihaengsagyeong(紀行寫景, painting a scenery while traveling) as Geumgangsando of the landscape in his mind. In Danwon’s <Geumgangsando>, the beauty of a real existing landscape was realistically described, and the traditional landscape aesthetics of Confucianism, Buddhism and Taoism and the beauty of seeking the truth from the fact harmonize. Thus, it could be said the landscape painting embodying the real scenery of emulating the old and creating the new.

한국미술사에서 고·근·현대와 당대를 역사적 맥락으로 고찰하고 연구해가야 한다는 것은 기초적이고 당연한 역사관이다. 그러나 한국의 현실에서는 실물을 대할 수 있는 상설전 중심의 미술사적 미술관이 존재하지 않아 많은 한계가 노정되고 있다. 현재상태에서 미술사 연구자들의 연구성과도 중요하지만 실물을 중심으로 한 미술관의 필요성은 미술사외에도 국가의 정체성 확립과 여러 파급효과에도 핵심적인 사안이다. 이 논문에서는 미술사적 한계와 국립근대미술관 설립에 대한 당위성을 기술하였으며, 외국의 선진사례를 통해 보다 대안을 제시하는 ‘현장학문’을 시도하였다. 2장에서는 특히 한국근대미술사의 현실적인 문제점을 네 가지로 요약하고, 국가적 차원의 정체성확립, 글로벌 진출을 위한 핵심적인 교두보로서 역할 등을 중심으로 국책성격 근대미술관의 필요성을 언급하였다. 3장에서 유럽과 미국, 일본 등지의 주요 사례를 공공미술관, 근대로 제한하여 연구하였다. 외국의 사례에서는 대부분의 선진 국가들이 고대와 근대, 현대의 영역을 다양한 형태로 나누고 있으며, 전문성을 확보하고 있음을 파악할 수 있었다. 4장에서는 본 논문의 핵심 주제인 한국근대미술관 설립을 위한 대안을 집중적으로 기술하면서 사례로 다소 비교대상이 될 수 있는 일본의 사례와 중국의 전략 등을 살펴보았다. 이로서 우리나라와의 비교 및 대안을 모색하였으며, 역사성있는 상설전을 핵심으로 하는 국립근대미술관을 우선으로 하여 국립한국미술관 등의 대안을 제시하였다.

在韩国美术史上，将古代，近代，现代和当代在历史背景下审视和研究，就是最基本和自然的历史观。然而，韩国的现实存在诸多局限，因为没有可以看到实际作品的以永久性展览为中心的专注于美术史的美术博物馆。在现在的状态下, 美术史研究人员的研究成果也很重要。然而除了美术史之外，以实际东西为中心的美术馆必要性是建立国家身份及其扩散效应也是关键问题。在此文描述了美术史的局限性, 以及为了建立韩国国立近代美术馆的必要性，并通过国外先进事例, 试图了‘现场学问’来更提出替代方案。 第二章, 從四個方面總結了韓國現代藝術史的真正問題，提到了包括国家級的近代美术馆的必要性。以确立國家級的整体性和全球進步的關鍵的作用爲中心。第三章，论者主要關注歐洲，美國和日本的重大事例，並將範圍限制在公共藝術博物館。就在國外而言，大多數先進國家以各種形式分为古代，近代和現代地區，並可以理解它他们已经获得了专业知识。 第四章, 尤其是作为本文的核心主题，着重叙述了建立韩国近代美术馆的替代方案。作为一个代表性的例子，研究了日本的情况和中国的战略，而可以相互比较。最后寻找了与韩国的比较和另一种选择。首先考虑包括其历史特色的永久性展览的国立近代美术馆, 并提供了国立韩国美术馆作为替代。

조선후기에는 사상적으로 점차 탈유가적 경향을 띠면서 개인이 가치의 중심에 서고, 지금 여기에 실재하는 것이 ‘眞’이라고 생각하게 되었다. 따라서 당시 지식인들은 주변의 소소한 일상 사물에 대해 관심을 가지고 거기에서 아름다움과 의미를 찾고자 하였으며, 세상의 평판에 개의치 않고 자신이 좋아하는 일이나 사물에 몰두하는 것을 가치 있다고 여기게 된다. 자기수양에 걸림돌로 치부되었던 사물에 대한 ‘癖’은 내재된 가치, 眞을 찾는 전문가적 행위로 변모한다. 癖은 ‘나’라고 하는 자의식의 발로이다. 개개의 ‘나’를 역사와 예술의 주체자로 세우고자하는 열망은 문화적 동류의식을 형성하고, 이로써 癖은 더욱 강화된다. 이런 癖의 현상은 조선후기 茶문화에도 나타나 당시 지식인들은 茶에 탐닉하는 것은 물론이며, 나아가 전문가적 자세로 茶에 관한 학문적 접근을 시도하여 전문적 다서가 등장하게 된다. 또한 그들은 茶詩와 편지를 통해 茶생활을 공유했다. 조선후기 지식인들의 ‘茶癖’ 덕분에 당시 차문화의 중흥기를 맞을 수 있었으며, 그들이 남긴 문헌은 차문화사 연구에 소중한 자료가 된다.

In the late Joseon Dynasty, individuals gradually became the center of values as they tended to be de-Confucian, and it was thought that it was the 'truth(眞)' that existed here now. Therefore, intellectuals at the time were interested in the small everyday objects around them, and wanted to find beauty and value there, and they found it worthwhile to devote themselves to things or things they liked regardless of the world's reputation. The 'obsession(癖)' of an object that has been regarded as an obstacle to self-discipline turns into an expert's act or professional spirit of seeking an intrinsic value, a 'truth.' 'obsession' is an expression of self-conscious as I am. The desire to make an individual 'I' as an agent of history and art forms a cultural kind consciousness and 'obsession' is reinforced by it. This phenomenon has also appeared in the tea(茶) culture, in which intellectuals at the time not only indulged in tea, but also sought an academic approach to tea in a professional manner, and so on. They also shared their lives through letters and poetry about tea(茶詩). In the latter part of Joseon Dynasty, the revival of tea culture was possible thanks to the obsession with tea(茶癖) of intellectuals and the literature they left behind is valuable materials for the study of the tea culture history.

With economy improve, the constant advancement of national level, enhance national ecological consciousness, this is accelerating urbanization gradually buried in the cave dwellings in the form is known for its unique ecological advantage of regain fame, more and more experts and scholars to cave in the study.Interregional the cave today, not only in its birthplace and in loess plateau regions by prairie, even in the form of the body in the same in all parts of the country such as mushrooms to the fore.The pit will be to a kiln with its dwellings -- one of the variant form in the south of the basement for comparative analysis, in order to obtain the ecological food and, at the same time, folk houses, south of Yangtze River will be combining a modern ecological technology, for the basement to turn into a comfortable healthy living space exploration provides ideas.

伴随着经济水平的不断提高，科技能力的不断进步，国民生态意识的不断增强，本在不断加速的城市化进程中逐渐被湮没的窑洞民居形式以其独具的生态优势重获盛名，越来越多的专家学者对窑洞进行了深入研究。现今，窑洞不仅在其发祥地黄土高原区掀起了燎原之势，甚至跨区域以其变体形式在全国各地如雨后春笋涌现。本文欲将地坑窑与其在江南的变体形式之一——民居地下室进行对比分析，以期从中获取生态养分，同时结合现代生态技术，为将江南民居地下室转变为舒适健康的居住空间的探索提供思路。

艺术是一种宏观的认知方式,它随着当下的伦理 、 经济 、 科技 、历史与神话一直向前走。我们正处在一个不确定的时刻,流动变化的全球化进程正对个体思想进行着俞演俞烈的摧毁与重构。这也对艺术家提出了要重新从个体性的角度去重新考虑艺术问题。全球化始于文艺复兴。当时的人们设想了一个以欧洲为中心,以男性为主体的意识形态世界。而后的工业革命和殖民化进程中树立了一种以西方文化为依据的全球文化。这种文化在以种族中心为背景的潮流中不断强化中心价值。并逐步形成完整的社会制度，价值观，语言体系。而在当下的时代，这一文化格局不可避免的对地域差异性带来负面影响，价值观逐步趋同，抹平。当下所谓的全球化本体价值依旧是以文化中心国为存在的西方价值。自浪漫主义以后，艺术的先行者们一直在"非叙事"、"非模仿"、"自主性"的旗帜下寻找艺术的本质，恰如一层层地剥洋葱皮，以为外层是表面的，内里才是本质。但这样的主体价值虽然抹杀了地域带给文化的丰富性，却无疑大大改善了区域之间的沟通，促生着更加多元化的意识。大众文化打通了所有边界，使之成为交流的村落和政治经济权力的阶级体现。大众亦可以通过消费反抗消费。这种由广泛大众参与文化建设的形势—即个体和公共主体的交互影响，是已经到来的后工业时代的文化特点。艺术发展到这里，艺术品正在成为奢饰品与炫耀资本，成为高回报硬通货与洗钱途径，在所谓“普遍价值”下，迅速膨胀了整个市场，导致视觉艺术体系都已沦为以市场为中心。这意味着巨大的利益使得艺术家追求文化以及社会价值的功能变得困难。商业艺术有其存在价值，但其本体是可耻的，它出售的是艺术的圣光，而投机和圣光是不可兼容的，所以资本一直试图躲藏在艺术行动背后。波普艺术作为世界多种文化的汇聚点之一，是一种以消融边界为载体的开放精神，本文从近期大卫霍克尼的一幅拍卖作品说起，浅析波普艺术市场化的进程及其基本脉络，探讨艺术作品价格的几个主要成因以及个体因素对市场的影响，并对成因背后的基本要素和历史原因进行总结归纳和评析。

Art is a macrocognItIve cognitive mode, with its current ethics, economics, technology, history and mythology.We are at an uncertain moment, and the process of changing the flow of globalization is carried on by Yu Yu-lIeh's destruction and reconstruction.This is also a matter for artists to re-establIsh artistic issues.Globalization dates from the Renaissance.At that time, the people thought of an ideological world based on Europe as the main theme of the world.Then the Industrial Revolution and colonialism established a global culture based on Western culture.This culture constantly contemplates the central value of the central trend in the race.And gradually forming a complete social system, values and language systems.In the present era, this cultural pattern inevitably brings negative effects on regional heterogeneity, and values gradually Interface.The so-called globalization value of the so-called globalization is still the value of Western culture.Since romanticism, the vanguard of art has always been " non-archItectural " and " non-ImpaIred " and " independence ".However, although the value of the community has not been brought to a cultural level, it has greatly improved the communication between the region and the region, and it is undoubtedly a great improvement on the scope of communication between the region and the community.The mass culture has penetrated all the boundaries, making it a class of communication villages and political and economic power.The public can also resist consumption by means of consumption.This is the cultural characteristic of the post-IndustrIalIst era, namely, the interaction between individuals and public entities.Art has developed here, and art is becoming a luxury and display of capital, and it becomes a high reward for the high return of hard currency and money laundering.This means that great interests make artists pursue culture and social values.The commercial art has its value, but it is shameful that it is the sacred light of art, and speculation and holy light are incompatible, so capital has been spent trying to hide behind art.As one of the convergence points of the world's many cultures, the author analyzes the main factors of the art market, and discusses the main factors and the influence of the basic factors and the influence of the factors on the basis of the basic factors and the reasons for the analysis of the factors behind the market, and the basic factors and historical causes of the factors behind the factors and historical causes.

“사물을 빌어 감정을 표현하는”비흥관(比興觀)은 중국 전통 회화의 중요한 미학 사상이고, 화가들이 삶 속에서 쌓은 감정을 은유와 상징의 표현 수법을 사용하여 꽃, 풀, 물고기, 벌레, 새, 짐승 등 소재의 예술 언어 형식을 통해 묘사하고 표현하며, 자기 내면의 감정과 포부, 희망, 취향 등을 나타낸다. 이와 같은 전통적인 표현 방식은 중국의 전통적인 문인들의 겸손한 본성을 나타냈고, 이는 사물과 마음이 통일을 이룬 결과물이며 “감정을 직접 토로하는” 직접적 표현 방식과는 전혀 다르게 간접적이고 완곡하게 자신의 감정을 표현한다. 팔대산인은 중국 미술 역사상 중요한 대표적 인물이다. 그는 비참하고 불우한 일생을 보냈고 “고독”이란 단어와 한평생을 함께 하여 그의 회화 작품을 분석함에 있어 필수 키워드가 되었다. 팔대산인의 가장 대표적인 수법은 다양한 의인과 비흥의 수법으로 자기의 인생 경험을 은유하였고 생활에 대한 본인의 깨달음과 인생의 감정 경험 등 내용들을 표현한데 있다. 그의 회화 양식은 단순하지만 정취가 빠지지 않아 늘 보는 이들이 직접 겪은 것과 같은 느낌을 받아 공감을 일으킨다. 그의 작품에서 추상적이고 괴이한 물상과 풍자로 가득한 그림에 쓴 시이든, 물상이 내포하고 있는 실제 내용이든 모두 팔대산인의 한없는 고독감을 작품을 통해 반영한 것이다. 본문은 총 3부분으로 나뉜다. 첫 번째 부분은 비흥의 기원과 발전이고, 두 번째 부분은 비흥이 어떻게 최초의 시의 활용에서 회화의 활용으로 발전하였는 지를 설명하였으며, 세 번째 부분은 팔대산인의 작품에 대한 체계적인 분석 및 물상과 그림에 쓴 시를 통해 팔대산인의 작품 비흥관이 나타낸 고독감을 자세하게 분석하였다. 하여 본문을 통해 보는 이들이 또 다른 시각에서 위대한 예술가 팔대산인에 대해 이해할 수 있기를 기대한다.

“托物言志”的比兴观，是中国传统绘画中重要美学思想，是画家在生活中积累的情感以隐喻、象征的表现手法，通过花、草、鱼、虫、鸟、兽等题材的艺术语言形式描绘与表达，寄托自身内心深处的感情、抱负、志向、意趣等。这种传统的表达方式诠释了中国传统文人内敛的本性，是物与心相统一的产物，它与“直抒胸臆”的直接表达方式完全不同，间接婉转的表达自身的情感。 八大山人是中国美术史上重要的代表性人物，其一生悲惨坎坷，“孤独”一词伴随了其一生，成为分析其绘画作品不可避免的关键词。八大最具代表性的即是善用各种拟人比兴的手法来隐喻自身人生经历，表达他对于生活的感悟及人生情感体验等内涵。他的绘画风格单纯缺不失意趣，常常让欣赏者感同身受，产生共鸣。在其作品中，无论是其作品中抽象怪诞的物象，内含无尽讽刺的题画诗，还是物象暗喻的真实内涵，都是八大自身无尽的孤独情感在作品中的映射。 本文共分三部分，第一部分阐述比兴的溯源及发展，第二部分说明比兴如何由最初的诗歌运用转到绘画运用，第三部分通过八大山人的作品进行系统分析，通过物象，题画诗详细分析八大山人作品比兴观所体现出的孤独感。希望通过本文，能够使欣赏者从另一个角度出发，更加了解八大这位伟大的艺术家。

"Symbolization" in people's hearts has occupied a very important position, human and symbols like species in the food chain, inseparable, people's lives in all aspects of the symbol has a direct or indirect relationship, symbols can be spread, exchange, at the same time is a symbol, is a symbol of the identification of works of art, This logo is also imprinted on the artist and becomes a synounford of the artist himself. The rapid development of diversified society has made us enter the era of information image flood, a large number of image information by people violently "suck", has become a part of people's lives can not be lacking. As China's social environment changes, people's understanding of works of art is also increasing, contemporary art works are also around people's interest to create, trying to adapt to people's "love." Through the unique characteristics of symbols, we grasp people's psychology, make the symbolic information of image language more metaphorical, and can reflect the artist's thinking and exploration of society. At the same time, diversified society makes the works of art more integrated into the environment of consumer society, cultural works of art are consumed like fast food. In the development of the new century, Chinese contemporary art has also received the world's attention and love, especially with a certain symbol of the works have attracted people's attention. In China's contemporary art, symbolic works have more "advantages", whether it is the artist's own creation of symbols, or the symbol of the symbol in the picture, are in contemporary art, "jubilant", is respected by people. At the same time, socialization also affects the development of contemporary art invisibly, and the invisible "means" behind the development of art are hidden. Contemporary art works also need this way to promote the development of symbolic works, symbolic works become a unique phenomenon in contemporary art.

“符号化”在人们的心中已经占据了相当重要的地位，人类与符号如同食物链中的物种，不可分离，人们生活的方方面面都与符号有着直接或间接的关系，符号可以进行传播、交流，同时是一种象征，是识别艺术作品的一种标志，这种标志也烙印在艺术家身上，成为艺术家自身代名词。多元化社会飞速发展使我们进入信息图像泛滥的时代，大量图片化信息被人们猛烈“吸食”，成为了人们生活中缺少不了的一部分。由于中国社会环境发生着变化，人们对艺术作品的认识也在不断提高，当代艺术作品也围绕着人们产生的兴趣来创作，企图适应人们的“喜爱”。通过符号的独有特性紧紧抓住人们的心理，使图像语言的符号化信息更加充满隐喻性，更能体现出艺术家对于社会的思考与探索。同时多元化社会使艺术作品更加融入消费社会的环境中，文化艺术作品被人们如同快餐式消费着。在新世纪发展时，中国当代艺术也受到世界的关注与喜爱，特别是带有一定符号性的作品备受人们的关注。在我国当代艺术中，符号化作品更加有“优势”，无论是艺术家自己创造的符号，还是画面中符号所体现的象征寓意，都在当代艺术中“欢腾”，被人们所推崇。同时，社会化也在无形中影响着当代艺术的发展，艺术发展的背后隐藏着看不见的“手段”。当代艺术作品也同样需要这种方式以此推动符号化作品的发展，符号化作品成为当代艺术中一种特有的现象。