Earticle

이 논문은 삐에르 부르디외가 『구별짓기: 문화와 취향의 사회학』에서 규정한 구별짓기 사유를 김정희 서화론에 적용하여 고찰한 것이다. 삐에르 부르디외는 문화귀족은 원래의 귀족과 마찬가지로 가지고 태어난 탁월성에 의해 남들과 구별되며, 예술적 정통성을 독점하는 사람들이라는 점을 밝히고 있는데, 이런 견해는 김정희의 ‘군자의 예술관’을 분석할 때 적용될 수 있다고 본다. 주자학을 존숭하는 유학자는 대부분 예술 행위 자체가 玩物喪志로 여겨지는 것을 경계하는데, 김정희는 예술이란 유가 格物致知의 학문이고 아울러 군자의 모든 행위는 모두 道를 표현한다는 것을 주장한다. 김정희가 주장하는 것처럼 예술을 유가의 격물치지 공부와 연계하여 이해하면 예술 행위는 더 이상 완물상지가 아니게 된다. 대신 예술 행위에 어떤 의미를 담아서 행하는 것이 올바른 것이고, 아울러 그런 행위가 정당성을 확보하려면 어떤 마음가짐에서 출발해야 하는지를 고민하고 또 그것을 해결할 수 있는 방법론을 모색해야 한다는 것이 요구된다. 김정희는 이와 관련된 내용과 방법론을 단적으로 ‘군자가 행하는 예술’로 귀결짓는데, 그것에는 ‘구별짓기’가 작동하고 있다. ‘군자가 행하는 예술’이란 구체적으로 어떤 내용이 담겨 있는가 하는 질문을 했을 때 김정희는 예술 행위 이전에 毋自欺에 근간한 愼獨과 가슴속에 5천 권의 서책과 오천 자를 담는 것과 관련된 文子香과 書卷氣를 요구한다. 아울러 담아내야 할 이상적인 미의식으로 文質彬彬차원에서 淸高古雅함과 方勁古拙함을 제시한다. 결과적으로는 ‘군자의 예술’은 서예의 법, 시의 품격, 그림의 정수가 묘경에서는 서로 동일하다는 것을 말하고, 아울러 ‘詩中有書’, ‘書中有詩’도 주장한다. 이런 것을 강조하는 것은 서화가 士氣를 표현하는 예술이어야 한다는 것이다. 이에 김정희는 단순 기교의 工拙여부를 따지거나 혹은 形似측면의 ‘依樣의 미’를 표현하는 이른바 ‘畵匠’과 ‘書匠’ 풍의 예술창작을 止揚하고 ‘군자의 예술’ 차원의 인문예술을 志向하는데, 이런 사유에는 구별짓기가 작동하고 있다. 이같은 김정희의 서화론은 ‘군자의 예술’을 통해 군자 예술이 아닌 것과의 구별짓기를 시도한 것인데, 이런 구별짓기에는 서화를 특수한 집단과 계층에서 행해졌을 때 의미가 있다고 규정하는 문제점이 있다. 하지만 때론 유학자들이 玩物喪志로 배척하거나 혹은 末技로 여겨 경시했던 서화의 풍격을 ‘군자의 예술’로서 격상시키면서 철학과 예술의 동일성을 모색하는 ‘學藝一致’ 사유 및 서예의 법, 시의 품격, 그림의 정수에 담긴 동일성을 통해 문인예술을 총체적으로 묘합시킨 예술철학을 전개한 것은 긍정적으로 평가할 수 있다.

This paper was considered by Pierre Bourdieu by applying the distinguishing reasons set out in distinction: sociology of culture and taste  to Kim Jung-hee’s calligraphy and painting theory. Pierre Bourdieu states that cultural nobility, like the original aristocracy, are distinguished by innate excellence and monopolizes artistic legitimacy. This view can be applied when analyzing Kim Jung-hee’s nobleman's view of art. Most neo-confucian scholars are wary of what is considered sap one’s spirit by seeking pleasures, and Kim Jung-hee argues that art is the study phenomena to acquire knowledge of confucian scholars, and that all of nobleman’s actions express truth. As Kim Jung-hee argues, understanding art in connection with the study of neo-confucianism’s study phenomena to acquire knowledge will no longer be sap one’s spirit by seeking pleasures. Instead, it is necessary to think about what it means to do art activities, and to find a way to solve them in order to secure legitimacy. Kim Jung-hee boils down to art performed by nobleman, which contains distinction. As for art performed by nobleman, Kim Jung-hee demands the following, in other words, it requires not to deceive oneself before an act of art, to refrain from being alone, to contain 5,000 books and 5,000 letters in one’s heart, and fragrance of words and bookish charm. It also presents clear, noble, old, elegant and upright, strong, old and humble as ideal aesthetic items to be captured. As a result, the emphasis on noble man’s art is based on the law of calligraphy, the dignity of poetry, and the essence of painting are the same in subtle ways, and Kim Jung-hee further argues that there is a taste of calligraphy in the poem and there is a taste of poetry in the calligraphy. Emphasizing this is that calligraphy and painting should be art that expresses the charm of literati. In response, Kim Jung-hee considers whether the technique is exquisite and inferior or expresses follow a model’s beauty in the be similar in form or apperance dimension. As a result, it aims for humanities art at the nobleman’s art level, which is why distinction works.

당말, 오대 이후로부터 북송까지, 산수화는 그림 매체와 밀접한 관계를 맺으며 발전하였다. 초기 산수화가 그려진 매체의 중심에는 벽과 병풍이 존재하는데, 시대에 따른 이들 매체의 변화는 산수화의 구도와 표현 양식에 변화를 일으킨 원인으로 작용 하였다. 한편, 벽에서 병풍으로 산수화 매체의 전이는 산수화가 설치, 게시되는 공간의 변화를 반영하며 이는 궁극적으로 산수화 제작 목적의 변화를 드러낸다, 즉, 벽과 병풍 이 건축 및 공간과 관계 맺는 방식은 초기 산수화의 전개 논리를 구성하는 주요 요소이 다. 이 부분에 주목함으로써 산수화의 시대적, 지역적 차이와 변화를 실제 산수 형세, 시대 배경, 화가 개인이 처한 상황이나 사상으로 설명해왔던 기존의 해석을 재고하는 근거를 마련할 수 있다. 본 논문은 북송대까지의 산수화가 벽과 병풍을 주요 매체로 하고 있다는 사실에 초점을 맞추어 이 시기까지의 산수화의 제작과 사용상의 특징을 규명함과 동시에 구도 와 양식의 변화 원인을 추적하고자 한다. 북송대까지 화북지역을 중심으로 전개된 산 수화를 ‘초기 화북산수’로 정의하고, 벽과 병풍으로 대변되는 건축적, 공간적 의미의 변 화가 산수화의 전개에 어떻게 작용하고 있는가를 파악하고자 한다. 논문에서는 우선 당말부터 북송까지의 문헌을 중심으로 산수화가들의 작업 내용과 방식을 정리하여 이 로부터 초기 산수화가들이 건축 장엄가로 활동한 사실을 밝혀낸다. 다음으로는 초기 산수화가 제작, 설치, 활용된 양상들을 살펴 산수화가 건축과 밀접하게 연관되는지를 살펴본다. 본 논문은 산수화가 건축 장엄화로 탄생하여 건축과의 관계를 끊임없이 재 설정하며 변화해갔음을 보이고, 산수화의 전개과정을 통해 그 변화의 결과를 이해하는 새로운 관점을 제시한다.

Painting media inevitably affect the painter’s decision on their use of composition and style in paintings because media are related to the ways and spaces in which paintings are installed and appreciated. From the late Tang to the Northern Song Dynasty of China, the early landscape painting had also been developed in a close relationship with painting media. Walls being at the center of those media, changes in recognition and use of them as a painting medium influenced the formation of the early landscape painting styles. Focusing on the medium, this paper attempts to clarify that the Chinese landscape paintings had been developed while constantly adjusting the relations with architecture and spaces in their early stages. First, the paper summarizes the works of landscape painters that are recorded in literature up to the Northern Song to show that early landscape painters mostly began their careers as mural painters – architectural decorators. Then, the paper investigates the ways in which early Chinese landscape paintings were produced, installed, and utilized in conjunction with interior and exterior walls. Finally, this paper shows how screens could become the main medium for landscape painting replacing walls while comparing the walls and screens in terms of their function and structure.

본 연구는 한(恨)의 학문적인 해석의 기초적인 개념과 정의를 검토한 후, 한을 승화하는 한국적 의지가 예술에 반영되는 구조를 읽어낸다. 곧 한의 구조적 이해는 한 국예술의 긍정의 이미지, 신바람, 신명 등 다양한 미적 원리를 풀어내는 인간 본연의 철학적 탐구이기도 하다. 이에 한국인과 한의 정서가 밀접한 관계에 직면하듯, 예술로 승화해내는 의식과 삶의 태도는 한국예술의 고유적 성향을 대변하고 있었다. 곧 한국 예술에서 보편화된 한의 승화적 의미를 춤의 미학적 키워드인 ‘해학’과 ‘신명’ 등 보다 구조적인 의미론의 접근이라는 데에 연구의 의의를 둔다.

This study examines basic concepts and definitions based on the academic interpretation of ‘Han(恨)’, and then reads the structure in which the Korean will to sublimate ‘Han’ is reflected in art. In other words, the structural understanding of ‘Han’ is a human philosophical inquiry that unravels various aesthetic principles such as the positive image of Korean art, excitement, and deity. Thus, just as Koreans and Korean sentiments face a close relationship, the consciousness and attitude of life sublimated into art represented the intrinsic tendency of Korean art. It is significant that the sublimation meaning of Han, which has become very common in Korean art, is approached by more structural semantics such as humor and deity, which are the aesthetic keywords of dance.

도상(圖像)이란 조형예술에 나타난 상징적 요소로 도상을 통하여 관람자는 작품에 드러나는 여러 요소들과 관념, 배경 등을 통찰하고 작품의 내재적, 심미적 의미를 파악할 수 있다. 따라서 회화에 나타난 도상을 읽어내는 작업은 작품에서 표현된 의미를 폭넓게 분석하고, 작품의 올바른 의미를 읽어낼 수 있다는 점에서 의미를 가진다. 본고는 이러한 이해를 근거로 장욱진 회화에 반복적으로 나타난 도상을 도가(道家)의 허정(虛靜)의 개념에 근거하여 고찰하고자 한다. 장욱진 회화에 반복적으로 재현되는 도가적 도상으로는 와유(臥遊)하는 모습, 도인의 형상 등이 있으며, 작품 속에 표현되는 인물들은 기거(箕踞)의 자세를 취하고 있거나 누워 있는 침와(寢臥)의 모습으로 나타난다. 이들의 공통적인 특징은 외부의 속박과 간섭에서 벗어난 자유로운 정신으로부터 표현되는 모습이며 노자(老子)와 장자(莊子)에 나타난 ‘허정(虛靜)’의 상태이다. 도가에서 말하는 허정의 상태는 어떠한 제한이나 간섭에서 벗어난 자유롭고 평정을 유지하는 관조의 상태이다. 즉, 장욱진 회화에 반복적으로 나타나는 와유, 기거, 침와의 모습은 허정과 상통하는 모티프(Motiv)라고 볼 수 있다. 심신을 자유로운 상태로 풀어 놓는 와유, 기거, 침와의 모습은 시간과 장소에 구애 받지 않고, 예법 또는 법도에서 벗어난 몸가짐으로 정신을 무한의 세계로 확장할 수 있게 해준다. 이는 얽매임을 제거하고 마음의 고요함을 지키고 있는 그대로의 자유로운 상태라는 점에서 도가의 허정과 상관성을 갖는다. 예술 창작의 과정은 자유로운 상상과 연상을 통해 심미와 창작이 이루어지며 작가가 현실을 초월하여 자유로운 심미경계에 도달할 때, 비로소 자신의 창작 능력을 발휘할 수 있다. 본고에서는 허정의 철학적, 미학적 논의를 고찰하고, 허정의 개념이 장욱진 회화에서 어떻게 형상화되었는지 확인하였다. 이와 같이 철학적 고찰을 통해 회화를 바라보는 관점은 의미와 표현들이 다양하게 해석될 수 있는 가능성을 제공할 수 있다.

Icon is a symbolic element in formative art, and through Icon, viewers can gain insights into various elements, ideas, and backgrounds in the work and grasp its intrinsic and aesthetic meaning. Thus, reading the icon in a painting is significant in that viewers can analyze the meaning expressed in the work broadly and identify its correct meaning. With this understanding, this paper intends to examine the icons appearing repeatedly in Chang Ucchin’s paintings based on Taoist’s concept of Xu-Jing. Taoist icons repeatedly reproduced in Chang Ucchin’s paintings include wòyóu (lying wandering) and the figure of ascetic, and the characters expressed in the work are taking the position of jījù (sitting down with legs wide apart) or qǐnwò (lying down comfortably). What they have in common are the expression of a free spirit from external restriction and interference and are the state of “Xu-Jing” in “Laozi” and “Zhuangzi.” The state of Xu-Jing in Taoism is a state of meditative contemplation and composure that is free from any restrictions or interference. In other words, wòyóu, jījù, and qǐnwò that appear repeatedly in Chang Ucchin’s paintings are seen as a motif that is in common with Xu-Jing. Jījù and qǐnwò, which release the mind and body to a free state, enable the expansion of the mind into an infinite world with a body free from manners or statutes, regardless of constraints in time and place. This is correlated with Taoist’s Xu-Jing in that it is a free state as it is, which removes the restraint and keeps the tranquility of the mind. In artistic creation, aesthetics and creation are achieved through free imagination and association, and an artist can demonstrate his or her creativity by reaching a free aesthetic boundary beyond reality. This paper reviewed the philosophical and aesthetic discussions of Xu-Jing and confirmed how the concept of Xu-Jing was embodied in Chang Ucchin’s paintings. Likewise, examining a painting through philosophical contemplation can provide the possibility of interpreting meanings and expressions in various ways.

본 연구는 차크라(chakra) 색채명상(色彩冥想)을 통한 자기실현에 관하여 자 기치유 작업의 시간을 가졌다. 질적 연구방법인 내러티브탐구를 사용하여 자기실현을 하는 심리적 과정과 의미를 탐구하는 데 목적을 두었다. 자기실현에 대한 경험은 차크 라 색채명상과 색채 작업으로 진행되었으며 2020년 12월부터 3개월간 연구자의 치료 실에서 진행하였다. 자신의 내면과 소통하며 정서를 자각하고 자기통찰과 자기실현을 경험하고자 차크라 색채명상과 색채를 통한 미술치료 작업을 하였다. 차크라 색채명상 을 통해 나의 몸과 정서를 만나는 과정 속에서 현재에 대한 수용과 미래에 대한 창조적 삶의 의미를 확인하게 되었다. 차크라 색채명상에 대한 직관적인 체험을 통하여 자기 실현에 한 걸음 다가갔으며 온전한 자기(Self)가 되고자하는 자기실현(自己實現)의 가 능성을 확인할 수 있는 성장의 시간이었다.

This study took time to self-healing work on Self-actualization through chakra color meditation. The purpose was to explore the psychological processes and meanings of Self-actualization using narrative inquiry, a qualitative research method. The experience of Self-actualization was carried out through Chakra color meditation and color work, and it was conducted in the researcher's treatment room for three months from December 2020. In order to communicate with one's inner self, be aware of emotions, and experience Self-actualization and Self-actualization, I worked on art therapy through chakra color meditation and color. Chakra color meditation confirmed the acceptance of the present and the meaning of creative life for the future in the process of meeting my body and emotions. Through the intuitive experience of Chakra color meditation, I took a step closer to Self-actualization and was a time of growth to confirm the possibility of Self-actualization to become a full self.

본 논문은 한국 서예교육 프로그램의 현황을 분석하고, 정책방향을 제안하는 데 그 목적이 있다. 먼저 조사 대상은 서예교육 프로그램을 운영 및 지원하는 기관 및 단체로 선정 하였고, 조사 대상의 시간적 범위는 2018년 1월 1일부터 2021년 2월 28일까지로 한 정하였다. 조사대상은 정부와 국·공립 박물관 및 미술관, 아르코, 아르떼, 문화재단, 광역 시·도 문화원 연합회 또는 17개 행정구역 소재의 시도문화원, 비엔날레와 협회 등 총 468곳을 선정하였다. 조사대상의 표집방법은 비확률표집방법 중, 연구목적에 따 른 편의표본추출법 (Convenience Sampling Method)을 이용하였으며, 조사기간 은 2021년 1월 10일부터 2월 28일에 걸쳐 조사를 실시하였다. 조사대상 및 범위는 총 468곳이었으나, 불성실하거나 신뢰성이 없다고 판단되는 기관 279곳을 제외하여 총 189곳이 분석에 사용되었다. 정부는 기관 및 단체의 프로그램 운영을 지원하고 있으며, 박물관은 최근 16곳 에서 서예교육 프로그램을 운영하였고, 수강대상과 교육내용이 다양하다는 점이 큰 장 점이다. 아르떼는 ‘꿈다락 토요문화학교’라는 지원사업을 진행 중에 있으며, 이를 통해 8개의 기관 및 단체가 아동·청소년을 위한 서예교육 프로그램을 운영하였다. 문화재단 과 시도문화원은 많은 수가 프로그램을 운영하고 있는 게 장점이며, 대부분이 쓰기위 주의 수업이라는 게 큰 한계이다. 협회로는 한국서예협회가 뉴질랜드 한국교육원에서 현지인을 대상으로 하는 한글 서예반을 운영하여, 한글 서예 보급과 세계화를 선도하 고 있다. 서예 교육프로그램 정책방향은 총 3가지로 제안하였다. 프로그램 개발에 있어서 내용적 차별성 파악, 프로그램의 환류절차 도입, 학습자 입장에서의 프로그램 개발 및 지속가능성 보장이다. 프로그램 개발에 있어서 차별성을 가지기 위해 성과축적이 필요 하고, 수업내용에 대한 환류절차가 구축되어야 하며, 미래를 위해 서예교육 프로그램 개발방법과 절차, 형식 또한 달라져야한다. 이렇게 된다면 서예교육 프로그램의 질적 담보와 지속가능성이 보장될 것이다.

This paper aims to analyze the current status of Korean calligraphy education programs and propose policy directions. First of all, the subjects of the survey were selected as institutions and organizations that operate and support calligraphy education programs, and the time range of the survey was limited from January 1, 2018 to February 28, 2021. A total of 468 places were selected for investigation, including the government, national and public museums and art galleries, Arco, Arte, Cultural Foundation, Metropolitan City and Provincial Cultural Center, and Biennales and Associations in 17 administrative districts. Among the non-probability table collection methods, the Convenience Sampling Method for research purposes was used, and the survey period was conducted from January 10 to February 28, 2021. A total of 468 subjects and scope of the survey were surveyed, but a total of 189 were used in the analysis, excluding 279 institutions deemed insincere or unreliable. The government supports the operation of programs by institutions and organizations, and the museum has recently operated calligraphy education programs in 16 places, and its great advantage is that it has various subjects and contents of education. Arte is in the process of a support project called "Dream Saturday Culture School," which has led eight institutions and organizations to run calligraphy education programs for children and teenagers. The advantage of the Cultural Foundation and the City Cultural Center is that a large number of programs are running, and most of them are writing-oriented classes. As an association, the Korean Calligraphy Association runs a Hangul Calligraphy class for locals at the Korean Education Center in New Zealand, leading the distribution of Hangul calligraphy and globalization. A total of three policy directions for calligraphy education programs were proposed. Identification of content differentiation in program development, introduction of program reflux procedures, program development from a learner's perspective and sustainability guarantee. Performance accumulation is needed to be differentiated in program development, reflux procedures for class content should be established, and calligraphy education program development methods, procedures and formats should also be changed for the future. This would ensure the quality and sustainability of the calligraphy education programme.

본 논문은 『현대 추상 수묵화의 구성언어 실현 연구』라는 주제로 수묵화의 추상 표현을 중심으로 수묵화에 대한 현대적인 맥락(脈絡)에서 추상회화의 구성언어 실현 가능성을 규명(糾明)하는 것이 근본 목적이다. 본론 부분은 동·서양의 선행작가들을 통하여 그려지는 추상형식의 구성언어로 인하여 나타나는 추상미의 표현을 열거(列擧)함으로써 그 추상예술 표현의 특징을 찾 아볼 것이다. 그리고 현대 추상 수묵화형식의 구성언어로 추상미 표현방법을 분석하였 다. 그래서 현대 추상 수묵화의 구성언어 실현 가능성을 탐색(探索)할 수 있었다. 연구의 성과는 현대 추상 수묵화 구성언어의 실현 가능한 개연성(蓋然性)을 가 지고 심미(審美)의 예술성 가치가 있는 추상작품을 창작하게 됨을 알게 되었다. 그러 므로 추상 수묵화 구성언어가 실현된 심미적 추상 미학의 세계가 작품에서 표현됨을 파악할 수 있었다. 따라서 현대 추상 수묵화의 구성언어 실현은 첫째, 필묵과 기법(技 法)으로 실현의 가능성을 엿볼 수 있다. 둘째, 의미와 정감(情感)으로 실현 가능성이 도출되었다. 셋째, 주제와 입의(立意)에서 실현 가능해진다. 넷째, 기하원소와 구조(構 造)로 실현 가능성이 나타난다. 결과적으로 수묵화의 작품 화면에서 현 시대적 흐름에 맞는 추상형식 구성언어 의 실현 가능성은 향후(向後) 추상화 창작 활동을 하는 데에 큰 도움이 되고 작품에서 현대 추상 수묵화의 구성언어에 대한 독특한 화풍(畫風)을 찾고자 하는 때에 본고(本 稿)는 촉매(觸媒) 역할을 할 것으로 본다.

The primary purpose of this study is to investigate the possibility of realizing the configurational language of abstract black ink paintings in a modern context for black ink painting centering on its abstract expression under the theme of “A Study of the Realization of the Configurational Language of Modern Abstract Black Ink Painting.” The main text will find the characteristics of the abstract art expressions by listing the expressions of abstract beauty displayed by composition language, which is an abstract form portrayed by preceding artists of the East and West. Moreover, it analyzed the method for expressing abstract beauty with the composition language in the form of contemporary abstract ink painting. Furthermore, the ability to realize the configurational language of modern abstract black ink paintings was explored. As a result, it was found that abstract works of aesthetic and artistic value were created with the possibility of realizing the configurational language of modern abstract black ink paintings. Accordingly, aesthetic abstract beauty with configurational language of abstract black ink paintings was shown in the works of art. Therefore, the configurational language of modern abstract black ink paintings can be realized (1) with pen and ink and the technique, (2) based on the meaning and feelings, (3) from the theme and the conveyance of meaning, and (4) through elements and structure. In conclusion, the possibility of realizing an abstract composition on the scene of ink-and-wash painting in line with the current trend significantly benefits the creation of abstract paintings in the future. It would also act as a catalyst in finding unique styles in the composition of modern abstract ink-and-wash painting.

朴齊家는 북학파 문인 중에서 누구보다도 당시 청대에서 유행했던 백화소설뿐 만 아니라, 王士禎의 神韻說, 袁枚의 性靈說, 翁方綱의 肌理說등 청대 시론에도 민 감하게 반응했던 인물이다. 본고는 박제가의 청대 시문학 수용과 비평을 간단히 살펴 본 논문이다. 그는 청대 시문학에 대한 무분별한 수용이라는 비판과 함께 당시 자신을 살펴주 리라고 생각했던 正祖로부터 자신의 문장에 대한 自訟文을 올리라는 명을 받고, 맛 [味]을 예로 들면서 변치 않는 맛의 중요성을 주장했을 정도로 자신의 세계관이 확고 했던 인물이다. 그는 시·서·화를 겸비했던 당시 청대 李調元·潘庭筠·彭元瑞·洪亮吉·紀 昀·羅聘·翁方綱등과 교유하면서 전통적 華夷觀에서 벗어나 夷狄의 것이라도 그들의 선진 문명은 수용해야 한다는 입장을 견지했다. 그리하여 그는 기윤의 소설집을 읊 은 ｢灤陽消夏錄｣첫 수에서 ‘三達尊’이란 말로 그의 세 가지 높은 면을 칭송했다. 羅騁 의 墨竹에는 형상을 그리고서도 내면의 정신을 함께 그렸음을 제화시로 읊었으며, <鬼 趣圖>에 대해서는 形似에 구애받지 않는 자유로운 神似的화풍을 높이 칭송했다. 당시 청대 시단에는 왕사정의 신운설과 원매의 성령설 그리고 옹방강의 기리설 등 다양한 시론이 성행했다. 이것들은 모두 조선의 시문학에 많은 영향을 끼쳤다. 그는 동심설을 주장한 명대 公安派의 ‘獨抒性靈, 不拘格套’에 깊이 공감했으며, 袁宏道의｢徐 文長傳｣은 박제가의 문예 형성에 지대한 영향을 주었다. 그의 ｢燕京雜絶｣에는 徐渭의 풍격을 칭송하면서 시·서·화가 뛰어난 그를 전범으로 삼는 언사가 있다. 또한 왕사정의 ｢歲暮懷人六十首｣를 본받아｢戱倣王漁洋歲暮懷人六十首｣를 창작했는데, 왕사정의 시구 야말로 천하에 심오한 경지에 이르렀다고 했다. 박제가는 성령설을 주장한 원매의 문 학관과 매우 가까웠는데, 특히 詩情의 진실성을 주장하는 것에서는 많은 공통점이 있 었다. 기리설을 주장한 옹방강은 실사구시를 제창한 실증학풍의 문인이기도 하다. 이전 시문학에 대한 비평은 주로 문집의 序跋文을 통해서 이루어졌지만, 청대 다양한 시문학을 받아들인 박제가는 자신의 자주적․자득적 시문학 세계를 통해, 논 인․논서․논화시 형식으로 비평의식을 드러냈다. 본고는 그 일단을 규명한 데에 있으 며, 박제가 연구에 있어서 이 부분은 앞으로도 지속적인 논의가 필요하다 하겠다.

Bak Jega(朴齊家) was sensitive to Vernacular Sintic novels(白話小說) that were popular in Qing Dynasty at the time, as well as “The theory of divinity”( 神韻說) of Wang Shizhen(王士禎), “The theory of spirituality”(性靈 說) of Yuan Mei(袁枚), and “The theory of texture”(肌理說) of Weng Fanggang(翁方綱) than any other Bukhak school(北學派) members. This paper is a brief review of Park Jega's acceptance and criticism of Qing Dynasty poetry. In addition to criticism of indiscriminate acceptance of poetry of Qing Dynasty, he was ordered by King Jeongjo, who thought he would look after him at the time, to post a self-written text(自訟文) on his own, and insisted on establishing his worldview, citing everlasting taste as an example. He exchanged with Li Diaoyuan(李調元)·Pan Tingyun(潘庭 筠)·Peng Yuanrui(彭元瑞)·Hong Liangji(洪亮吉)·Ji Yun(紀昀)·Luo Pin(羅 聘)·Weng Fanggang(翁方綱) of Qing Dynasty, which were talented in poetry, writing and painting, he sticked to the stance to move away from traditional Sinocentrism and accept their advanced civilization even if they were from the barbarians. Thus, he praised three high sides of Ji Yun in the first few words of "Nanyang Soharok"(灤陽消夏錄), which he recited his novel. In "Mukjuk"(墨竹) of Luo Pin he recited in painting poetry that he painted the figure and the inner spirit together while with “The Ghost Amusement Scroll”(鬼趣圖) he praised the godlike style adhere to likeness. At that time, a variety of poetics were prevalent in the Qing Dynasty period, including theory of texture of Wang Shizhen, theory of spirituality of Yuan Mei and theory of texture of Weng Fanggang. All of these influenced the poetry literature of Joseon a lot. He was deeply sympathized with the "the soliloquial spirit"(獨抒性靈) and "unrestrainedness"(不拘格套) of Gonganpa(公安派) in the Ming Dynasty which claimed innocence of childhood theory, and "Seomunjangjeon"(徐文長傳) by Yuan Hongdao(袁宏道) greatly influenced the formation of literature of Bak Jega. In his "Yeongyeong Japjeol"(燕京雜絶) there is a saying that praises the customs of Xu Wei(徐渭) and exemplifies him who has excellent poetry, poetry, and painting. Following Wang's "Sixty songs for a man at the end of the year"(歲暮懷人六十首), he created "Six Ships"(戱倣王漁洋歲暮 懷人六十首), saying that phrase of Wang reached the profoundness of the world. Bak Jega was very close to the literary view of Yuan Mei, who claimed the theory of the sprituality, especially in insisting on the truthfulness of poetic sentiments. Weng Fanggang, who argued for the theory of the texture, is also an positivistic style writer who proposed to be practical and realistic. Although criticism of the previous poetry was mainly based on the foreword( 序跋文), Bak Jega, who embraced various poems of the Qing Dynasty, expressed his critical consciousness through his independent and self-contained poetry world, in the form of a thesis, and a non-poetry. This paper identifies the case, and this part of the research needs to be continuously discussed in the future.

駱坡李慶胤(1545-1611)은 종실 출신으로 조선 중기를 대표하는 전형적인 문 인화가이다. 그는 조선 중기 화단에 절파화풍이 정착하는 데 지대한 역할을 했으며, 현 재 전하고 있는 그의 화첩들은 모두 일관되게 고른 필치와 높은 畫格을 보인다. 이경윤 회화의 심미의식은 타고난 아름다운 재질과 뛰어나고 기이한 솜씨가 바 탕이 되어 隱逸적 삶과 灑落적 삶을 담아냈으며, 剛健과 雅潔의 미학적 경계가 기저를 이루고 있다. 이경윤 회화는 당시 문인들이 그 시대를 살아가는 데 있어 요구되고 추구하는 바에 대한 적극적인 성찰이자 실천적 태도로 해석할 수도 있는데, 이러한 사실은 이경 윤이 화면 속 인물을 통해 자신의 이상 세계를 반영하려는 자기투영의식이 적극적으로 반영된 결과라고 할 수 있다. 요컨대 이경윤의 회화 세계와 심미의식은 당시 시대 상황 에 부합하고 문인들이 지향하는 심미의식을 적극적으로 실천했다는 점에서 의의를 찾 을 수 있다.

Lee Gyeong-yun(李慶胤, 1545-1611) is a typical literary artist from the mid-Joseon Period. He played a very important role in introducing the Zhe School style to mid-Joseon artistic society, and current collection of his paintings showed consistently selected strokes and high scores. Given that those who were related to Lee Gyeong-yun had something in common with Seong Hon, the ideological impact of Seong Hon cannot be ruled out in the background of Lee Gyeong-yun's. The academic characteristics of Seong Hon are in the school spirit and the open academic climate, and it is believed that the academic orientation of the school was behind Lee Gyeong-yun’s creative activities. The aesthetic consciousness of Lee Gyeong-yoon's painting is based on his natural talent, outstanding and eccentric workmanship to capture the spiritual life. The figures in Lee Gyeong-yun's paintings can be interpreted not only as "retirement" and "going into government service" but also as an active and practical attitude toward what literary man are demanding and pursuing in living the era, which can be said to be the result of Lee's active sense of self-expression to reflect his ideal world through his on-screen character. In short, Lee Gyeong-yun's sense of painting and beauty can be found to be meaningful in that it was in line with the situation of the time and actively implemented the aesthetic consciousness that literary man were aiming for.

본 연구는 남종화의 용묵적 전위성에 대하여 조명하였다. 남종수묵화는 수많은 색채를 배제하고 먹과 바탕의 餘白이라는 단순한 조건으로 무한한 상징과 사유적 깊이 를 寫意的경지로 표현한다. 기존의 색채관을 과감하게 깨버리는 수묵의 색채관은 그 자체로 전위적인 미학적 논제이다. 南宗禪과 남종수묵화의 사상적 전위성은 상호성을 띈다. 남종선의 돈오는 직관 적이고도 단박에 깨닫는 방식으로 당·송대이래 수많은 문인들의 정신에 지대한 영향을 미쳤다. 선종사상은 모든 형식적인 것을 배격하고, 정신적 이상에 도달함을 추구함으 로써 수묵화의 발전에 중추적인 촉매 역할을 하였다. 이는 곧 用心적 작용이 用墨의 변 화를 불러온 것이며 정신의 해방이 인위적 회화형식으로부터의 해방으로 이어진 것이 다. 남종수묵화의 전위적 표현방식을 가능하게 한 재료는 油煙墨이다. 유연묵의 재 료가 되는 극도로 미세한 油煙煤의 탄소(C) 미립자는 그 전시대에 주로 사용되던 송연 묵보다 훨씬 더 우수한 번짐과 발묵의 효과를 가져왔다. 그리고 그 번짐의 극대화를 위 해 바탕재를 熟紙가 아닌 生紙를 사용함으로써 풍부한 선염의 수묵적 표현이 가능하게 되었다. 이러한 재료의 기술적 혁신은 먹의 농담 변화와 발묵의 자유로움을 가능하게 하였다. 이처럼 재료의 기술적 혁신과 남종선의 사상적 혁신이 맞물려 구습을 뒤엎는 전위적이고 새로운 창신지향의 남종수묵화가 태동된 것이다. 특히 유연묵의 특성인 發墨과 渲染은 맑고 평담한 산수의 정경을 표현하기에 용 이하였다. 평담사상과 남종산수화는 물욕과 속기를 배제하고 자유롭고 주체적인 삶을 지향하려는 문인들의 反俗정신과 견자정신을 나타낸다는 점에서 그 전위성을 찾을 수 있다. 또한 남종화의 또 다른 화풍인 逸品畵는 먹과 화선지의 즉흥적인 찰나 간의 만 남이 표현된다. 이는 연기법의 禪적 직관의 표현방식이라 할 수 있다. 기운생동하는 일 품화에는 자유자재한 일필휘지의 속도감과 기세와 용묵적 추상성이 생생하게 남아있 다. 일품화는 노·장사상의 逸철학과 남종선의 돈오사상이 반영되어 나타난 회화의 일 대 혁명이다. 즉 남종화의 본래성은 전위정신에 있으며 남종화의 용묵적 변환은 그 전 위정신의 표현을 더욱 자유롭고 용이하게 만들었다.

This study is to examine the avant-garde of ink use in Chinese painting of the Southern School (hereafter, Southern School painting). Rejecting use of diverse colors, Southern School ink-and-wash painting expresses infinite symbols and depth of thoughts in the speculative realm simply with ink and blank spaces in background. A view of colors in ink-and-wash painting which drastically smashes the conventional view is an avant-garde aesthetic thesis per se. Philosophical avant-garde of Southern Zen Buddhism and Southern School ink-and-wash painting is interconnected. Sudden enlightenment in Southern Zen Buddhism refers to intuitive and instant realization, which heavily affected spirits of the literary during Tang and Song Dynasty period. Zen thoughts disapproved everything formal and sought reaching to psychological ideal, acting as the critical catalyst for development of ink-and-wash painting. This means that use of mind brought about change of ink use and; psychological liberation led to that from artificial painting form. It is oil pitch soot ink that enabled the avant-garde expression mode of Southern School ink-and-wash painting. This oil pitch soot ink is made of extremely fine carbon particle, which produces superior smears; in order to maximize the smears, unprocessed paper was used, not alum-coated one, as a base. This technological innovation of materials facilitated variations in light and shade of ink and freedom of ink effect and in line with ideological innovation of Southern Zen Buddhism, it brought about Southern School ink-and-wash painting in a free and new form which overturned old-fashioned practices. Ink effect and ombre dyeing, features of oil pitch soot ink, were particularly appropriate to express clear, pyeongdam (平淡, calm and refreshing) landscape. It eased expressions of Southern School landscape even further which was based on the idea of pyeongdam. This notion of pyeongdam and Southern School landscape have the avant-garde in that they represent unworldliness of the literary who rejected earthly desires and secular affairs and pursued free and independent life. In addition, Yipin painting (逸品畵, painting style for expression of spirituality), another style of Southern School painting, expresses an impromptu and momentary encounter of ink and rice paper. It can be referred to as an expression mode of Zen intuition in the theory of causality. Yipin painting imbued with cheerfulness and vividness clearly demonstrates speed and vigor of unrestricted, dashing stroke and abstractness of ink use. Yipin painting is a revolution in paintings to which the idea of ease (逸) in the thought of Laotzu and the idea of sudden enlightenment in Southern Zen Buddhism are reflected. In other words, the authenticity of Southern School painting lies in the avant-garde spirit and transformation of ink use in Southern School painting further liberated and facilitated expressions of that avant-garde spirit.

과학기술의 매체가 끊임없이 발전하고, 현대생활 리듬이 지속적으로 빨라지면 서, 과거 문자를 위주로 하던 정보 전달 형식은 현대인의 빠른 생활 방식을 만족시킬 수 없게 되었고, 사람들은 점차 ‘도상을 보는 시대’로 나아갔다. 문자에 비해 도상(图 像)은 메시지를 직관적으로 전달하고, 정보를 얻는 속도를 빠르게 하며, 그 취한 내용 또한 더욱 풍성하다. 평면 설계에서의 문자 도형화 응용에 대해 분석을 진행하는 것은 평면 설계에서 의 문자 도형화를 잘 발휘하기 위한 새로운 중요성의 전달함이며, 앞을 내다보는 자세 로 시대의 요구와 발전에 순응함이다. 또한 사람들의 심미의식이 높아짐에 따라, 어떻 게 하면 글자체의 열독성(阅读性)을 유지함과 동시에 단번에 독자들의 공감을 불러일 으키고 의식인지에서의 찬동을 이끌어냄으로써 설계 목적을 달성할 수 있을 것인가? 감정은 사람의 의사결정에 영향을 미치는 중요한 요소 중 하나로, 글자체 설계에 감정 표현을 녹여내는 것도 도형화의 중요한 일환이라고 생각한다. 어떻게 하면 감정을 잘 전달할 수 있으며, ‘시각언어’를 잘 설명할 수 있을까? 정 보 전달의 유효성과 지속성을 효과적으로 강화하여, 평면 설계 작품과 관객의 거리를 좁히고, 독자들에게 감동을 주는 동시에 디자인 작품을 더욱 돋보이게 하는 고퀄리티 작품은 사람으로 하여금 잊지 않게 한다. 이 모두는 설계자들이 작품을 창조할 때 해결 해야 할 숙제이다. 이글은 이하 4가지 방면의 내용으로 논지를 전개한다. 첫째, 문자와 도형 그리 고 도형화 폰트디자인의 진행개념과 이론을 논술한다. 두 번째, 도형화 폰트디자인의 원칙과 사용의 디자인방법 논술한다. 세 번째, 감정이입이 폰트디자인에 미치는 영향 과 어떻게 하면 감정을 이용하여 폰트디자인을 응용할 수 있는지 전달의 의미와 전파 목적을 논하고자 한다. 넷째, 감정표현에 기반한 도형폰트디자인의 미래를 전망하고, 최종적으로 연구의 결론에 도달한다.

With the continuous development of scientific and technological media and the continuous acceleration of the pace of modern life, the form of information transmission dominated by words in the past has gradually been unable to meet the fast-paced lifestyle of modern people, and people have gradually entered the "era of looking at pictures ".Compared with text, the information transmitted by the image is more intuitive, the speed of obtaining information is faster, and the content is more abundant. The application of text graphics in graphic design is studied and analyzed in order to give full play to the new importance of text graphics in graphic design, and to meet the requirements of the times with a more forward-looking attitude. Comply with the development of the times.In addition, with the improvement of people's aesthetic consciousness, how to make font design resonate with the audience at the same time as keeping its reading, so that it can achieve the purpose of design. Emotion, as one of the important factors affecting human decision- making, is also an important part of graphic font design. How to better convey emotion, better say this "visual language ", so that the effectiveness and persistence of information transmission has been effectively strengthened, so that the distance between graphic design works and the audience is narrowed. At the same time, the design works more classic unforgettable, these are designers in the creation of works to solve the problem. This paper will mainly discuss the following four aspects: first, the conceptual theory of text, graphics and graphical font design; second, the principles and methods of graphic font design; third, the influence of different emotional injection on font design and how to use emotion in font design to achieve better communication purpose; fourth, the future development of graphic font design based on emotional performance is prospected.

서양에서 촬영기술이 탄생한 이후 패션촬영을 포함해 다양한 분야에 활용되고 있다. 청나라 말기에 촬영 기술과 장비가 국내에 속속 들어왔고, 중국 패션촬영이 발전 하면서 이후 중국 패션촬영이 발전할 수 있는 토대가 마련됐다. 이 글은 중국 초기 패 션촬영기반에 연구한다. 당시 패션산업의 발전이 불투명한 시기였기 때문에 이 시기에 는 의상과 복식에 관한 영상을 '의상촬영'이라고 정의하는 것이 더 정확하다. 초기에는 패션 사진작가들은 대부분 당시 화가들을 전업시켰고, 작품에는 전통적인 중국 회화 풍격이 반영됐다. 이 글은 당시의 패션촬영 유형을 분석하여 집회사진형의 객관적 패 션촬영, 인물사진형의 준복장촬영 등 두 가지이며, 작품 표현은 인물의 이미지를 세밀 하게 기록하는 데 중점을 두고 있다. 또한 당시의 촬영기술과 설비는 주로 서양에서 도 입되었다. 사진 애호자와 전문 사진작가의 행렬이 커지면서 촬영 기술이 향상되었고, 패션촬영의 스타일은 사실적인 스타일, 자연적인 스타일에서 점차 예술적인 스타일로 이행되어, 후속 발전을 효과적으로 모색하였다.

After its generation in western countries, photography was applied to clothing photography and many other fields. At end of Qing Dynasty in China, the technology and facilities for photography was imported into China and began to develop. This laid sound foundation for development of Chinese clothing photography. This article starts with the development foundation of earlier clothing photography in China, concluding absence of a clear vision on fashion industry of the time. In this sense, clothing photography is a more accurate description to photographs for clothes and costumes of the time. Most clothing photographers of the time used to be painters, reflecting styles of Chinese drawing of the time. This article includes analysis on clothing photograph analysis of, i.e.: costumes for group pictures of assemblies and figure images. The point of works is to make detailed records on figures. Secondly, equipment and technologies for photography were imported from western countries. With enlargement of photographers as amateurs and professionals, technologies began to improve and the styles began to diversify from naturalism into artistic. All these have contributed to development of clothing photographs.

인공지능시대, 조각의 본체론의 범주는 현재 발생한 조각체계에 기반된 다국적 매개 창작 형태를 정의하고 다원적인 창작매개체 매개가 전통조각에 대한 표현의 특징 을 부단한 충격과 돌파를 진행하고 있다. 본문은 디지털 교상 매개, 3D 인쇄 기술, 당 대 예술 사유 등 방식을 조각본체론에 대해 새로운 정의를 통해 미래 조각의 새로운 가 능성을 탐구하고, 결국 조각본체론의 범주를 확장하여 조각 예술을 새로운 시대 배경 아래 연혁을 개척하며 더욱 광범위한 경로를 넓혔다.

In the era of artificial intelligence, the ontological category of sculpture cannot define the current forms of related cross-media creation based on the sculpture system. More and more diverse creative media are constantly impacting and breaking through the characteristics of traditional sculpture. This article uses digital interactive media, 3D printing technology, contemporary art thinking and other methods to re-define the ontology of sculpture and explore the new possibilities for the appearance of sculpture in the future, and finally expand the scope of sculpture ontology, which is the background of sculpture art creation in the new era. The following evolution opens up a broader path.

춘추시대 공자가 주례 문화에 의거해 유학을 창립한 이후 몇 백년 동안 유학자 들의 인식은 융합을 거쳐 자신의 발전에 적합한 길을 모색했다. 이러한 인식은 중국 문 화사의 정통사상으로 자리 잡게 되었고 오늘날에 이르고 있다. 그 발전 궤적에 공자, 맹자, 순자 등 유교를 대표하는 인물들이 등장한다. 그중에서도 荀子가 제사문화 해석 에 가장 큰 영향을 미쳤는데, 그 내용은 주로 周制五礼중 ‘吉礼’에 대한 해석이었다. 이후 순자는 礼之叁本에 의거하여 중국의 전통 제사인 主神의 구분을 수정하여, 이전 의 天神, 地祇, 人鬼를 천지, 선조, 성현에게 제사지내는 叁祭의 礼로 바꾸었다. 묘제 문화에서는 천지, 선조, 귀신제사의 세 가지 유형이 나타난다. 새로운 제사의 범위는 종전의 3분의 1 수준이지만 내용과 배경은 크게 다르다. 이것은 천지제사를 하나로 통 합하고, 선조제사를 따로 나누어 종묘제사를 귀신으로 만들었다. 제사문화의 주도적 위치를 점하고 있는 인본사상의 신격화 또한 묘제문화에 대한 새로운 욕구이자 최초의 자연숭배부터 선조숭배까지 역사의 진화 과정에서 제사의 범위가 넓어진 것이다. 이러 한 변화는 역사문화 발전의 개연성에서 기인하는 것이 아니라 무문화의 영향과 종교의 以神设教진화의 필연적인 산물이다. 따라서 묘제문화에 대한 연구는 인간이 필요로 하는 목적의 제사 내용 변화와 제사문화의 근원 및 발전사를 보는 것이 가장 직관적인 방식이다. 이에 본고는 중국 울현 춘묘벽화 내용을 연구 근거로 유가의 礼叁本에서 유 래한 祭天地, 祭袓先, 祭圣贤의 叁祭之礼를 중국 제사 대상의 变川으로 구분하여 설명 하였다.

In the spring and Autumn period, Confucius founded Confucianism according to the Zhou Li culture. In the following hundreds of years, Confucian scholars' cognition of Confucius Confucianism experienced differences and integration, and finally they found the way that suitable for the development of Chinese culture, which became the orthodox thought in the history, and it influenced up to now. During the development, Confucius, Mencius, Xunzi and other Confucian representatives appeared. Xunzi, a famous scholar, has the most influence on the interpretation of the sacrificial culture. Its content is mainly analysis the interpretation of "auspicious rites" which is on the top of the "five rites of Zhou system". Since then , Xunzi revised the division of traditional Chinese sacrificial gods according to the origin of rites. The former three sacrifices were changed into three sacrifices rites, Sacrifice to heaven and earth,ancestor and ghosts and gods. Although the new scope of sacrifice is the same as before , there are great differences in content and background. The integration of heaven and earth sacrifice, the separate division of ancestor sacrifice, the change of temple sacrifice into ghost God, reflects that the human-oriented thought gradually occupies the dominant position of the sacrificial culture. It is a new demand of people for temple sacrifice culture that deification of the first saint ancestor. Also it is the expansion of the scope of sacrifice from the initial natural worship to the worship of ancestors. This change is not accidental . it changed because of the inevitable product of the influence of witch culture, and the evolution of religion "to set up religion by God".Therefore,the most intuitive way is to view the origin and development history of sacrificial culture in terms of the change of sacrifice content for the purpose of human thought and human needs. This paper takes the temple wall of Yu county town as the research basis, to analysis the origin of the evolution of the objects of sacrifice in China by dividing the three rites of "sacrificing heaven and earth, sacrificing the ancestor and sacrificing the sages" from the evolution of the Confucian "three rites".

전각(篆刻) 연구 분야에서 진인(秦印)은 빼 놓을 수 없는 학습 패러다임이다. 진인 스타일은 전국 말기 고새(古玺)와 서한 초기 한인(漢印) 스타일의 전환 단계에 있다. 그 내적인 가치와 외적인 미학도 같은 과도 과정에 있다. 예스럽고 소박한 느낌 과 자유의 아름다움을 섞어 있다. 진나라 부상에서 6국 통일, 진나라 소멸까지 다른 왕 조의 흥망 성쇠에 비해 진나라는 오랫동안 번영하지 못했다. 일련의 개혁, 전투, 융합, 분화 끝에 진나라 문화는 평화롭고 번영했던 시대나 혼란스럽고 쇠퇴하는 시대와는 달 리 강한 포용성을 가진 고대 문명을 형성했다. 진인은 진나라 문화의 중요한 구성 요소 이다. 진인은 당시 사회 의식 형태, 문화 이념, 윤리 도덕, 종교 신앙, 인간 특징을 통 합한 문화의 본질이라고 할 수가 있다. 독특한 역사적 시대 문명의 축도로서 진인 계격 패러다임의 대규모 적용은 전국 시대 말기 이후의 문화 사상의 교차를 반영할 뿐만 아 니라 서한 왕조 이전의 문화 사상이 부상의 싹트기를 나타낸다. 이런 문화 각인은 중국 고전 문명 통합에 대체 불가의 중요한 의의를 가진다. 진인 계격 패러다임은 형식 창조 와 구성, 형태로 신을 쓰고 구조 디자인, 심미 경험 등 다양한 측면의 전국 말기 문명 각인을 석어 있다. 진인의 문화적 의미와 풍부한 예술적 특성을 심화시켜 중국 서예, 회화, 전각 분야에서 독특한 위치를 차지한다. 세월이 흐름에 따라 활력이 넘치며 오늘 날 역사가, 문자 학자, 심지어 대중들에게도 큰 매력이 있다. 진인의 아름다움은 모든 면에 드러나 있다. 진은의 조형은 간단하고 자유롭고 유연하며 창의적이며 선이 굵은 편이다. 진인의 아름다움은 진나라 뛰어난 심미 수준 과 미학적 이념을 충분히 보여주었다. 진인은 중화민족 진한 왕조 시대 중원 문화의 뛰 어난 대표라고 할 수가 있다. 진인 계격 패러다임의 등장과 홍보는 진인 자체에 담겨 있는 풍부한 문화적 요소와 심오한 사상 내포를 구현하였다. 이 때문에 역사, 문화, 민 속에서 진인에 대한 연구를 더 중요하게 만들었다. 중국 문화는 오랜 역사를 가지고 있다. 전각 문화의 진화 과정을 살펴본 결과 진 인 계격 예술 미학에 대한 탐구가 본질적으로 두 가지 측면으로 구현되어 있음을 알 수 가 있다. 하나는 미시적 관점에서 진인의 창조 미학을 탐구하는 것이다. 이른바 미시적 관점은 진인 예술이 당시 심미 주류, 창의 능력, 이데올로기 사이의 관계를 연구하는 것이다. 다른 하나는 거시적 관점에서 진인 계격이 국가, 민족 아름다움에 대한 표현을 각오하는 것이다. 이른바 거시적 관점은 진인 예술에 반영된 진나라의 번영, 민족의 부 강, 문화의 발전을 연구하는 것이다.

In the field of seal cutting research, Qin Yin is a learning paradigm that can't be missed. The style of Qin Yin lies in the transition stage between the ancient seal at the end of Warring States Period and the style of Han Yin at the beginning of Western Han Dynasty. Its internal value and external aesthetics are also in the same transition process, which is a mixture of simplicity and freedom. Compared with the rise and fall of other dynasties, the Qin Dynasty is not prosperous for a long time from the rise of the Great Qin Dynasty, the Six Kingdoms of Wu Tong to the demise of the Qin State. After a series of evolution of reform, war, integration and differentiation, the Qin culture has formed a strong and inclusive ancient civilization which is different from the prosperous times of peace or the decline in troubled times. Qin Yin is an important component of Qin culture. It can be said that Qin Yin is the cultural essence which integrates social ideology, cultural idea, ethics, religious belief and human nature at that time. As the epitome of civilization in a unique historical period, the extensive application of Qin-Indian paradigm not only reflects the convergence of cultural thoughts since the end of Warring States Period, but also represents the bud of the rise of cultural thoughts before the Western Han Dynasty, which is of irreplaceable significance to the integration of classical civilization in China. The paradigm of Qin India's boundary pattern needs to be created in form and written in form. At the same time, it is also mixed with the civilization imprint from the end of Warring States Period, such as structural design and aesthetic experience, which deepens the cultural connotation and rich artistic characteristics of Qin India. It is unique in the field of calligraphy, painting and seal cutting in China. After time baptism, it has a vigorous vitality, and has great appeal to historians, philologists and even ordinary people today. The beauty of Qin Yin lies in skin, bone and flesh. Qin Yin is simple in shape, free and smart, ingenious in conception, and extensive in lines. The beauty of skin appearance fully demonstrates the superb aesthetic level and concept of Qin Dynasty. It can be said that Qin Yin is an outstanding representative of Central Plains culture in Qin and Han Dynasties. The appearance and popularization of the paradigm of the boundary between Qin and India embodies the rich cultural elements and profound ideological connotations contained in Qin and India, which makes the study of Qin and India more valuable in history, culture and folk customs. Chinese culture has a long history. After reviewing the evolution process of seal cutting culture, it is not difficult to see that the exploration of artistic aesthetics of Qin Yin boundary is essentially reflected in two aspects: First, explore the creation aesthetics of Qin Yin from a micro perspective. The so-called micro angle is to study the relationship between Qin Yin art and aesthetic mainstream, creative ability and ideology at that time. Second, from a macro perspective, I understand the performance of Qin-Indian boundary to the great beauty of the country and nation. The so-called macro perspective is to study the prosperity of Qin State, the prosperity of the nation and the advanced culture embodied in Qin Yin art at that time.