Earticle

이 글은 한국문학이 세계문학으로 자리매김하는 과정이 한국문학장 내부 변화를 촉발하는 조건으로 작동할 수 있음을 살피려는 시도다. 이를 위해 동시대 한국시 번역과 창작을 병행하는 ‘K 번역가-시인’의 존재에 주목하여 그들의 시 쓰기가 한국시의 언어 감각과 언어 인식에 미치는 영향을 검토했다. 특히 김혜순의 『죽음의 자서전』을 독일어로 공역한 박술의 『오토파일럿』을 주요 사례로 삼았다. 이중언어자인 그는 독일시와 철학서를 한국어로 번역하기도 했으나 한국시를 독일어로 옮기는 과정에서 언어 간 구조적 긴장을 특별히 예민하게 경험하며 언어에 대한 보다 심화된 사유에 도달한 것으로 보인다. 이 글은 한국어와 독일어의 문법적 충돌이 그의 시에서 낯선 언어 형식으로 표현되거나 단일한 언어의 체계로 환원되지 않는 ‘제3의 언어 공간’에 대한 상상으로 이어지는 양상을 분석함으로써 그의 시가 기존 한국시의 언어 감각을 뒤흔들고, 언어 자체를 근원적으로 사유하게 하는 장을 만들었음을 논구했다. 이는 한국문학에 새롭게 부여된 ‘세계문학으로서의 한국문학’이라는 위치를 한국문학장 내부 변용의 관점에서 논의할 수 있음을 보여주는 하나의 사례이며, 이러한 변화를 다양한 차원에서 확장해 검토할 필요가 있음을 시사한다.

This study attempts to demonstrate that the globalisation of Korean literature can operate not merely at the level of introducing such literature to overseas readers, but also as a condition that triggers change from within the Korean literary field itself. With particular attention to the figure of the translator-poet, who moves between the translation and writing of contemporary Korean poetry, how such poets intervene in the linguistic sensibility and consciousness of Korean poetry is examined. To this end, the primary case examined here is Autopilot , a poetry collection by Sool Park, who is a poet and translator who co-translated Hyesoon Kim’s Autobiography of Death into German. As a bilingual writer, Park has also translated German poetry and philosophical texts into Korean. However, the process of translating Korean poetry into German seems to have made him especially keenly aware of the structural tensions between languages and deepened his reflection on language itself. By analysing how the grammatical collision between Korean and German in his poetry is expressed through unfamiliar linguistic forms or leads to an imagining of a ‘third linguistic space’ that cannot be reduced to the order of any single language, this study argues that poetic writing after the translation of Korean poetry offers one example of how poetry can be led to think language anew. This, in turn, provides a case through which the changing position of Korean literature as world literature may be discussed from the perspective of internal transformation within the Korean literary field, while also suggesting the need to extend and examine such changes across a range of dimensions.

본고는 봉순이의 시를 대상으로 초기 탈북시가 ‘목적론적 성격’에서 ‘실존적 서정 미학’으로 이행하는 과정을 고찰했다. 이는 서사 중심의 탈북문학 논의에서 벗어나 시적 언어를 매개로 분절된 주체의 외상이 회복·통합되는 양상을 살피기 위함이다. 봉순이는 구글 지도 등의 현대적 매체나 일상의 사물을 활용하여 상실된 고향의 기억을 현재적 감각으로 재편하며, 물리적 단절이 주는 고통을 주체적인 애도의 과정으로 승화시킨다. 요컨대, 남한 정착 과정에서 경계인으로서 겪는 소외와 부채감을 타자와의 정서적 연대로 치환하고, 자신의 상처를 사실 그대로 직시하는 실존적 수용을 통해 파편화된 자아를 유기적으로 통합해 나간다. 이러한 미학적 성취는 탈북 서사가 정치적 재현의 차원에서 인간 실존의 본질을 탐구하는 현대 서정시의 본류로서 그 지평을 확장하고 있음을 보여준다. 한마디로, 봉순이의 시는 고통의 기록에 머물던 탈북 서사를 자아의 심연을 응시하고 존엄을 회복하는 존재론적 귀환의 장으로 변모시켰다는 점에서 문학적 위상을 점유한다.

This study examines the transition of North Korean defector poetry from its early “teleological character” to an “existential lyrical aesthetic,” focusing on the works of Bong-soon. Departing from previous narrative-centered discourses on defector literature, this paper explores how the trauma of a fragmented subject is restored and integrated through the medium of poetic language. Bong-soon reconstructs memories of a lost homeland into a contemporary sensibility by utilizing modern media such as Google Maps and everyday objects, thereby sublimating the pain of physical disconnection into a process of subjective mourning. In particular, the poet replaces the alienation and guilt experienced as a “liminal subject” during the settlement process in South Korea with emotional solidarity with others. Through an existential acceptance that confronts trauma directly, she organically integrates her fragmented self. Such aesthetic achievements demonstrate that North Korean defector narratives are expanding their horizons beyond political representation, establishing themselves within the mainstream of modern lyric poetry that probes the essence of human existence. Ultimately, Bong-soon’s poetry secures its literary status by transforming the defector narrative?once confined to a record of suffering?into a site of ontological return, where the subject gazes into the depths of the self and restores inherent dignity.

본고는 조예은 소설에 반복적으로 출현하는 물의 이미지를 단순한 배경이나 장르적 장식이 아니라 공포를 조직하는 핵심적 형식으로 파악하고, 그 미학적 작동 양상을 리미널리티의 관점에서 고찰하고자 하였다. 이를 위해 장편소설 『만조를 기다리며』와 『입속 지느러미』, 단편소설 「습지의 사랑」을 대상으로 삼아 물의 이미지가 경계를 어떻게 구성하고 흔들며 마침내 그 안정성을 약화하는지를 살펴보았다. 그 결과, 작품별로 물이 독특한 성질을 지니고 있음을 알 수 있었다. 그 내용을 간략히 정리하면 다음과 같다. 먼저 『만조를 기다리며』에서 바다는 조수의 리듬을 통해 과거와 현재, 삶과 죽음의 경계를 불안정하게 만들며, 공포를 ‘되돌아오는 것’의 감각으로 조직한다. 다음으로 『입속 지느러미』에서는 수조의 물이 가시성과 비가시성의 경계 위에서 지각의 완결을 유예하고, 냄새·습기·허밍과 같은 감각적 징후를 앞세움으로써 인물을 정동적으로 포섭한다. 끝으로 「습지의 사랑」에서는 하천과 범람의 이미지가 존재의 귀속 불가능성과 관계의 과잉 접속을 드러내며, 사랑과 공포가 분리되지 않는 상태를 형상화한다. 이처럼 조예은 소설에서 물은 고정된 상징에 머무르지 않고 작품마다 서로 다른 방식으로 변주되는 한편 일관되게 리미널한 상태를 생성하는 매개로 기능하고 있음을 확인할 수 있었다. 이상과 같이 본고는 조예은 소설에서 물의 이미지가 지닌 고유한 장소성과 미학적 기능을 해명하는 동시에, 그의 호러 서사가 경계의 불안정성과 불확정성을 중심으로 전개되고 있음을 밝히고자 하였다.

This study examines the recurring imagery of water in Cho Ye-eun’s fiction, not as a mere background element or generic ornament, but as a central formal device through which horror is organised. Drawing on the concept of liminality, how water imagery constructs, destabilises, and ultimately undermines the stability of boundaries within the narrative is explored. The discussion focuses on the novels Waiting for the Tide (Manjo-reul Gidari-myeo) and Fins in the Mouth (Ipsok Jineureomi), as well as the short story ‘Love in the Marsh’ (Seupji-ui Sarang). In Cho Ye-eun’s fiction, water does not function as a fixed symbol; rather, water operates as a medium that consistently generates liminal states while being differently configured in each work. In Waiting for the Tide, through the cyclical rhythm of tide thereby shaping horror as a sensation of return. In Fins in the Mouth, the water in the tank suspends perceptual closure at the threshold between visibility and invisibility. Sensory cues such as smell, humidity, and humming precede cognition and gradually draw the subject into an affective field. In ‘Love in the Marsh’, the imagery of the stream and flooding reveals both the impossibility of ontological belonging and the excess of relational attachment, thereby articulating a liminal condition in which love and horror are inseparable. Accordingly the study argues that water imagery in Cho Ye-eun’s fiction possesses a distinctive spatiality and aesthetic function. More significantly, her horror narratives are shown to be structured not primarily around the sudden intrusion of external threats, but around the instability and indeterminacy of boundaries themselves. In this respect, water emerges as a key medium through which horror is both formalised and experienced.

본 연구는 대학의 혁신 허브 진화 흐름에 맞춰 인문학 전공자를 위한 기술 창업 모델을 제시하는 데 목적이 있다. 창업사례 분석을 통해 인문학 IP가 IT 기술과 결합해 고부가가치 콘텐츠로 전환되는 프로세스를 고찰하고, 문학이 ‘플레이 가능한 서사’로 변모할 때의 미학적 변화와 교육적 효과를 논증하였다. 연구 성과는 네 가지로 요약된다. 첫째, 교육공학적 설계 기반의 다학제적 협업 모델을 통해 예술과 논리를 결합하고 비즈니스 모델의 시장 적합성을 확보하였다. 둘째, OSMU 전략으로 동화 IP를 다변화하여 서사 세계관 확장과 산업적 자생력을 증명하였다. 셋째, 에듀테인먼트 플랫폼 실용화로 놀이 중심의 비대면 독서 상용화 모델을 구축하였다. 넷째, 시장성 있는 제품 개발로 학생 역량 강화와 산학협력을 아우르는 교육-산업의 선순환 구조를 형성하였다. 본 연구는 순수문학의 진정성과 매체 다변화를 결합한 지속 가능한 모델을 제시했다는 점에서 의의가 있으며, 향후 융합교육 및 창업의 창의적 방법론으로 활용되길 기대한다.

This study presents a robust technology-based startup model tailored for humanities majors, which aligns with the contemporary paradigm shift where universities evolve into dynamic hubs of innovation. A comprehensive and detailed case analysis of a faculty-led startup is employed to meticulously examine the sophisticated process by which humanities-based original Intellectual Property (IP) is transformed into high-value-added convergence content through integration with cutting-edge IT technology. This study further demonstrates the profound aesthetic shifts and enhanced educational outcomes that occur when traditional literary texts are reimagined as interactive and ‘playable narratives’. The contributions of this study are categorised into four key areas. First, a multidisciplinary collaboration model based on educational technology design was established to effectively synthesise artistic sensibility with logical thinking, further ensuring the market suitability of the business model through close cooperation between faculty and students. Furthermore, the study demonstrates the expansion of narrative universes and industrial self-sufficiency by diversifying fairy tale IP into various formats, such as animations, games, and Korean language educational content via a strategic One Source Multi-Use strategy. Additionally, the viability of a commercialisation model is proved by implementing an edutainment platform that fosters a play-oriented, non-face-to-face reading environment utilising IT media. This process facilitates a virtuous cycle between education and industry, thereby enhancing students’ practical competencies through the development of marketable products while expanding the university’s industryacademic cooperation networks. In conclusion, this study is significant in that it presents a sustainable industrial model that maintains the authenticity of pure literature while embracing media diversification. This study is expected to serve as a cornerstone and a creative

본 연구는 한국 BL 장르 웹소설 중 가이드버스(Guideverse)의 장르적 전형을 밝히는 한편, 가이드버스 서사에서 나타나는 인물 간 신체 예속의 구조가 로맨스라는 정서적 결합으로 전이되는 서사적 기제를 밝히는 데 목적을 둔다. BL(Boy’s Love)은 여성 향유층을 중심으로 발전한 남성 동성애 서사 콘텐츠를 포괄하는 개념이다. 웹 기반 플랫폼의 확장과 함께 BL 장르는 비약적인 성장을 거듭하며 다양한 하위장르를 생산해 왔다. 그러나 기존의 BL 장르 연구가 주로 오메가버스(Omegaverse)에 편중되어 있어 여타 하위장르에 대한 논의가 절실한 시점이다. 본고가 주목한 가이드버스는 초월적 신체를 지녔으나 신체·자아 파멸(폭주)의 위험에 노출되어있는 ‘에스퍼(Esper)’와 그를 치유할 수 있는 유일한 존재인 ‘가이드(Guide)’ 사이의 비대칭적인 공생 관계를 전제로 한다. 본 연구는 생명정치, 예외상태, 주인과 노예의 변증법, 헤테로토피아 등 다양한 이론적 틀을 활용하여 가이드버스의 서사적 기제를 분석하였으며, samk 작가의 『눈부신 숨』과 급한 작가의 『블러드 포커(Blood Poker)』를 통해 그 구체적인 양상을 고찰하였다. 특히 두 텍스트에 나타난 인물 간의 관계 양상을 분석함으로써, 국가 시스템의 통제 아래 놓인 에스퍼의 신체가 가이드라는 존재에 의해 어떻게 재정의되는지 추적하였다. 그 결과, 가이드버스 서사는 ‘가이딩’이라는 서사적 장치를 통해 발생하는 에스퍼와 가이드 간의 신체적 예속 관계를 로맨틱한 구원으로 치환하며, 두 인물이 서로에게 대체 불가능한 존재가 됨으로써 로맨스 서사를 형성하고 있음을 확인하였다. 이는 가이드버스 장르가 단순한 판타지 서사를 넘어, 타인과의 불가피한 접촉을 통해 고립된 개인이 치유되고 완성되는 현대적 구원 서사의 일종임을 시사한다고 할 수 있다. 본 연구는 BL 장르 내부의 하위장르를 세분화하고 학술적으로 접근하여 가이드버스의 장르 문법을 체계적으로 정리함으로써 BL 웹소설 연구의 지평을 넓혔다는 점에서 의의를 지닌다. 이는 급변하는 웹소설 시장 내에서 특정 장르가 고유한 서사 문법을 형성해 나가는 과정을 학술적으로 포착했다는 점에서 유의미한 시도라 할 수 있다. 나아가 본 연구가 향후 대중문학 내 다양한 모티프의 서사적 기제, 장르 문법 등을 탐구하는 후속 연구들에 학술적 토대를 제공할 수 있으리라 기대한다.

This study identifies the genre archetypes of the ‘Guideverse’ within Korean BL(Boy’s Love) web novels. The narrative mechanisms through which the structure of physical subordination between characters is sublimated into an emotional romantic bond is clarified. BL is a comprehensive concept encompassing male-to-male romantic narratives primarily enjoyed by female participants. Along with the expansion of web-based platforms, the BL genre has achieved exponential growth and produced diverse subgenres. However, as existing scholarship predominantly concentrates on the ‘Omegaverse’, an urgent need exists for academic discourse regarding other subgenres like the ‘Guideverse’. The Guideverse is premised on an asymmetrical symbiotic relationship between the ‘Esper’?who possesses a transcendent physique but remains exposed to the risk of physical and psychological self-destruction?and the ‘Guide’, the only existence capable of healing them. This study utilises various theoretical frameworks, such as biopolitics, state of exception, master-slave dialectic, and heterotopia, to analyse the narrative mechanisms of the Guideverse. Specifically, these aspects are examined through samk’s Dazzling Breath and Geuphan’s Blood Poker . Analysis of the relational dynamics in these texts tracks how the body of the Esper, situated under the control of state systems, is redefined and reclaimed by the presence of the Guide. The Guideverse narrative replaces the physical subordination occurring through the narrative device of ‘guiding’ with romantic salvation, thereby establishing a romance where both characters become irreplaceable to one another. This suggests that the Guideverse transcends a mere fantasy narrative, further serving as a modern narrative of salvation where isolated individuals find healing and completion through inevitable contact with the ‘Other’. Ultimately, this study expands the horizons of BL research by systematically categorising the subgenres and genre conventions of the Guideverse. The study represents a meaningful attempt to capture how specific genres develop unique conventions within the rapidly evolving web novel market. Furthermore, these findings may provide a solid academic foundation for future research on narrative mechanisms and genre motifs in popular literature.

이 글은 황윤의 다큐멘터리 영화 <수라>(2023)를 중심으로, 새만금 개발과 신공항 건설을 둘러싼 생태적·사회적 갈등 속에서 갯벌을 살아 있는 세계로 구성하는 영화적 실천을 살펴본다. 먼저 이 글은 갯벌의 상실을 목격한 자에게 무엇이 요청되는가를 고찰한다. <수라>는 바닷물을 기다리다 집단폐사한 조개들의 마음과 도요새 군무의 경이로운 아름다움 등을 이야기함으로써, 갯벌 생명들의 고유한 삶과 그 소멸의 무게를 깊이 있게 전달한다. 갯벌에서의 목격은 ‘아름다움을 본 죄’라는 정동을 촉발하며, 그 정동은 인간 너머 존재들의 삶의 방식에 주의를 기울이고 그에 응답해야 한다는 요구, 곧 갯벌의 증인-되기로 이어진다. 다음으로, 이 글은 영화 속 새만금시민생태조사단의 아카이브 실천을 호명, 기록, 전승이라는 세 가지 축으로 정리하여 검토한다. 정부의 환경영향평가서가 갯벌의 생명들을 삭제함으로써 매립을 정당화했다면, 시민들의 장기적인 조사 관찰 기록은 이에 반박하는 대항-아카이브로 기능한다. 영화 속 갯벌이라는 호명은 생명 어셈블리지를 지속시키는 수행적 행위이며, 갯벌을 살피는 실천은 세대 간 전승을 통해 이어진다. 마지막으로, 이 전승의 흐름이 <수라>에서 영화적 형식으로 확장되는 방식을 분석한다. 교차편집과 사운드디자인, 종별 생태에 대한 관심을 통해 영화는 인간예외주의적 위계를 교란하고, 이로써 갯벌이라는 영토는 다양한 존재들이 함께 구성하는 세계 만들기의 장으로 포착된다. <수라>는 갯벌을 이미 사라진 것으로 간주하는 지배적 인식에 균열을 내며, 인간과 비인간의 관계를 재배치하고, 관객을 다종적 세계에 연루시키는 수행적 실천이라 할 수 있다.

This article examines the cinematic practice of constituting tidal flats as a multispecies world, focusing on Sura (2023) directed by Hwang Yun, in the context of the ecological and social conflicts surrounding the Saemangeum land reclamation and the construction of a new airport. It first explores what is demanded of those who witness loss amid extinction. The film’s storytelling and the evocation of beauty convey the weight of singular lives and their loss, which cannot be quantified, transforming the affect of the “guilt of having witnessed beauty” into a driving force for ethical response-ability. Next, the article analyses the archival practices of the Saemangeum Citizen Ecological Survey Group by organizing them into three interrelated axes: naming, recording, and transmission. While governmental environmental impact assessments construct a narrative of “no conservation value” by erasing living beings, the citizens’ long-term documentation serves as a counter-archive that challenges this erasure. In this context, naming is a performative act that sustains assemblages of life, with these practices transmitted across generations. Finally, the article examines how this process of transmission is extended into cinematic form in Sura . Through cross-cutting, sound design, and observational attention to species-specific ecologies, the film disrupts anthropocentric hierarchies. It renders the tidal flats as a site of world-making, where diverse beings compose their worlds together. By unsettling the dominant perception of the tidal flats as already lost, Sura reconfigures human-nonhuman relations and functions as a performative practice that draws spectators into a multispecies world, cultivating response-ability in its audiences.

이 글은 한국문학사 내에서 예술과 현실의 충돌을 가장 첨예하게 드러낸 1930년대 기교주의 논쟁과, 그 논쟁을 종합했던 김기림의 모더니즘이 구체적 전범으로 제시한 이상의 작품 세계를 살펴본다. 김기진의 대중화론을 거부했던 임화는 프롤레타리아의 예술 정신을 강조하며, 역사성을 상실한 채 기교만을 중시하는 당대의 작품들이 시의 내용과 사상을 방기하고 있다고 비판한 바 있다. 한편 박용철은 표현과 생각의 격차 사이에서 시가 탄생한다고 말하며, 시인은 양쪽의 불가능한 합치를 이루어내는 자이자 평범한 언어를 파괴하고 새로운 형(形)을 발명해내는 사람이라고 주장했다. 김기림은 낡은 주관적 감상주의에 빠진 로맨티시즘 시와 편내용주의에 휩싸인 경향시 모두를 부정하며 임화와 박용철의 논의를 통합하려 했다. 김기림이 모더니즘 초극의 사례로서 언급한 이상의 문학은 근대 일본을 모방한 식민지 조선의 무대 위에서 시작될 수밖에 없었다. 필명과 흉내 등으로 점철된 그 ‘모조 근대’의 모더니즘은 당대 일본 제국의 언어를 재전유하였고, 위독한 스스로의 삶을 형상화함으로써 개인의 실존적 삶과 당대의 사회적 불안을 동시에 그려내었다.

This paper examines the ‘Technicism’(Gigyo-juui) debates of the 1930s, which most sharply exposed the conflict between art and reality in Korean literary history, together with the literary world of Yi Sang, which Kim Ki-rim’s modernism posited as a concrete paradigm synthesizing these debates. Lim Hwa, who rejected Kim Kijin’s theory of popularization, emphasized the artistic spirit of the proletariat and criticized contemporary works for privileging technique while neglecting the content and thought of poetry, thereby forfeiting historical consciousness. Meanwhile, Park Yong-chul argued that poetry emerges from the gap between expression and thought, defining the poet as one who effects an impossible convergence between the two while dismantling ordinary language and inventing new forms. Kim Ki-rim sought to integrate the positions of Lim Hwa and Park Yong-chul by rejecting both romanticist poetry, mired in outdated subjective sentimentalism, and tendency literature, preoccupied with content-driven ideology. The literature of Yi Sang, which Kim Ki-rim cited as an example of the overcoming of modernism, inevitably began on the stage of colonial Korea, which imitated modern Japan. This modernism of ‘imitation modernity,’ marked by pseudonyms and mimicry, reappropriated the language of the Japanese Empire and, through the figuration of the artist’s own precarious mode of existence, simultaneously articulated individual existential life and the social anxieties of the time.

이 글은 1990년~2000년대 초에 이르는 시기 한국시에 나타난 주요한 변화의 한 양상이 자연의 탈자연화에 있었음을 구명하는 것을 목적으로 한다. 자연의 탈자연화는 자연/문화의 이분법에 기초해 형성된 자연에 대한 본질주의적 표상에서 벗어나 ①자연 자체가 혼종적 성격을 띠게 된 현상에 대한 기술과 ②역사적 표상으로서 자연을 해석하는 방법론이라는 의미 모두를 가리킨다. 본 논문은 1990년대 시의 자연 표상이 어떤 역사적·담론적·인식론적 조건 속에서 형성되고 문학적으로 변용되며 변화했는지 살펴봄으로써 1990년대 시의 생태주의적 함의를 폭넓게 조명하고 그 문학사적 의미를 조명하고자 한다. 1990년대라는 특수한 역사적·문학사적 맥락에서 당대 생태시에서 자연은 자연/문화 이분법을 강화하며 낭만화·여성화된 표상으로 구축된 측면이 있다. 이때 이러한 자연/문화 이분법이 탈자연화되는 데는 크게 포스트모더니즘과 여성주의의 유입과 발달이라는 지성사적 맥락이 영향을 끼쳤다. 우선 1990년대 시단에서 포스트모더니즘의 주요 쟁점은 ‘주체의 해체’와 ‘자연의 소멸’에 있었는데, 오규원의 날이미지 시는 주체의 소멸이라는 명제를 미적으로 전유하며 자연의 즉물성과 인간의 행위성 간의 관계를 둘러싼 역설을 보여주었으며, 하재봉, 이원 등의 시는 자연과 문화의 이분법을 문제화하거나 자연의 소멸에 대한 문학적 응전의 방식을 보여주었다. 여성주의와 관련해서 당대 김승희, 김정란, 김혜순 등의 여성 시인들은 여성성에 대한 본질주의적 가정을 탈자연화하면서 여성성을 재의미화하고자 했다. 특히 김혜순에게서 젠더화된 자연/문화 이분법에 대한 문제의식은 자연의 내재성에 대한 사유로 이어지는 한편 주객 이분법에 기반한 근대적 인식론의 구도를 해체하는 탈서정적 형식을 고안하는 시도로 이어졌다. 이처럼 1990년대는 자연에 대한 시적 상상력과 사유가 논쟁적으로 펼쳐지는 장이었으며, 2000년대 시의 변화를 예고하는 문학사적 분기점이었다.

This paper aims to investigate the change of the representation of nature in Korean poetry and discourse from the 1990s to the early 2000s through the concept of “denaturalization.” Denaturalization of nature refers both to (1) a descriptive term for the phenomenon in which nature itself loses its nature and comes to embody a hybrid character, and (2) a methodological approach for interpreting nature as a historical representation, moving away from essentialist representation grounded in the nature/culture binary. By examining how representations of nature in the 1990s were formed under specific historical, discursive and epistemological conditions and how they were transformed literarily, this study seeks to illuminate the ecological implications of 1990s poetry and its literary-historical significance. Within the specific historical and literary context of the 1990s, nature is constructed as a romanticized and feminized representation in ecopoetry, thereby reinforcing the nature/culture binary. The denaturalization of this nature/culture binary was significantly caused by postmodernism and feminism. In the 1990s poetic field, the main issues of postmodernism were the “deconstruction of the subject” and the “obliteration of nature.” Oh Kyu-won’s “raw image poems” aesthetically appropriate the disappearance of the subject and reveal the paradox surrounding the relationship between the materiality of nature and human agency, while the poems of Ha Jae-bong and Lee Won problematize the nature/culture binary or show literary responses to the obliteration of nature. In relation to feminism, poets such as Kim Seung-hee, Kim Jeong-ran, and Kim Hye-soon attempted to re-signify femininity by denaturalizing essentialist assumptions about femininity. In particular, in Kim Hye-soon, a critical awareness of the gendered nature/culture binary leads to a reflection on the immanence of nature, and to attempts to invent an anti-lyrical poetic forms that deconstruct the modern epistemological framework based on the subject/object dichotomy. In this sense, the 1990s served as a contested site where poetic imagination and thought on nature unfolded, marking a literary-historical turning point that anticipated the transformations of poetry in the 2000s.

이 글은 <춘향전>을 수용한 7종 8작품의 웹툰과 웹소설을 대상으로 하여 웹콘텐츠에 나타난 <춘향전>의 수용 양상과 재서사화의 특징을 고찰한다. 먼저 7종 8작품에 나타난 <춘향전>의 양상을 신분이라는 서사적 요소를 중심으로 살피고, 다음으로 비서사적 요소로서 독자 댓글이 원작 관련 지식을 공유하는 양상을 살핀다. 이를 통해 분석 대상 웹콘텐츠에서 남녀 주인공의 신분 차이는 <춘향전>과 유사하게 유지되었고, 남녀 주인공의 로맨스 성취라는 결말을 위해 해결되어야 하는 장애물로서의 성격이 강조되었으며 지속적인 관심의 대상으로서 변주되고 있음을 알 수 있었다. 비서사적 요소 차원에서는 세책본의 낙서와 웹콘텐츠 독자 댓글의 유형과 내용을 비교하여 종이책과 웹콘텐츠라는 작품의 물리적 형태 변화와 무관하게 세책본 낙서와 독자 댓글이 작품에 대한 독자반응으로서 기능을 담당하고 있음을 확인할 수 있었다.

This paper examines the reception patterns and the characteristics of renarrativization of <Chunhyangjeon> in seven types of eight webtoons and web novels that adopted <Chunhyangjeon>. First, it looks at the aspects of <Chunhyangjeon> in the seven types of eight works, focusing on social status as a narrative element, and next, it examines the way readers’ comments, as a non-narrative element, share knowledge related to the original work. Through this, it was found that in the analyzed web content, the social status differences between the male and female protagonists were maintained similarly to <Chunhyangjeon>, emphasizing their role as obstacles that need to be overcome to achieve the romance of the protagonists and being varied as subjects of continuous interest. At the level of non-narrative elements, by comparing the types and contents of scribbles in borrowed books and readers’ comments in web content, it could be confirmed that both the scribbles in small books and readers’ comments function as responses to the work, regardless of the change in the physical form of the work between print and web content.