Earticle

이 논문은 지역 소재 대학의 문예창작학과가 지역문학 혹은 지역사회와 어떤 관계를 형성하고 있는지 살피고, 다채로운 협업의 가능성을 짚어봄으로써 인구 감소 및 젊은층의 인구 유출에 따른 지역과 지역 대학의 위기를 극복하는 방편으로 학제와 지역의 상생 방법을 모색하기 위해 쓰여졌다. 젊은층 사이에서 대체로 지역, 곧 ‘로컬’은 생태적 관점에서 윤리적 성격을 띠지만, 구직활동 등 사회적 측면에서는 극복되어야 할 요소로 받아들여지고 있다. 지역문학 역시 글로벌화가 가져온 탈장소성으로 인해 그 잠재성이 사라진 가운데, 오직 정책적 측면에서 지역 균형 발전의 기계적 안배 대상으로 위치할 뿐 새로운 가능성을 생산하지 못하고 있다. 이러한 여건으로 인해, 지역 소재 대학 문예창작학과라 하더라도 그것이 학제로 존재하는 한 미학적 과정의 현재성을 주요하게 다룰 수밖에 없다는 점에서 지역문학과 적극적인 보조를 맞추기는 힘든 형편이다. 하지만 지역 소재 문예창작학과의 경우 상대적으로 지자체와 유기적 관계를 구축하기 쉬운 측면도 있다. 지역 문학관 등 지역 인프라를 학제에 이용하는 방법과 지자체 문화 관련 행사와의 결합, 그리고 지역으로 이전한 공공기관과의 협업을 통해 새로운 활력을 만들어갈 수도 있다. 요컨대, 문학을 중심으로 학교와 기관, 지역 시설의 네트워크 체제를 구축함으로써 최소한 문학 창작 인력의 양산과 지역 문화 발전을 도모할 수 있는 기반을 조성할 수 있을 것이다. 이러한 과정은 학습자(학생)의 창작 의욕 고취와 더불어 공동체 소속감을 부여함으로써 지역의 내적 자산을 강화하는 한편, 학습자의 향후 진로를 설계할 수 있는 기반을 형성할 수 있을 것이다.

This paper examines how departments of creative writing at regional universities are forming a relationship with the local literature society or local community, and investigates the possible ways of collaborations to solve the crisis that regional universities are facing due to population decline in provincial areas and the outflow of young people and promoting win-win partnership between the academic system and the regions. Among young people, provincial regions or ‘Local’ generally has ethical implications from an ecological point of view, but ‘Local’ is regarded as a barrier to be overcome in social activities such as seeking employment. Regional literature, too, has lost its potential due to placelessness brought about by globalization, and is unable to create new possibilities even though there is a government policy that aims to promote balanced regional development. Due to these circumstances, it is difficult for the department of creative writing at a local university to keep pace with regional literature due to its limits as an academic system dealing mainly with the presentness of the aesthetic process. However, there is an aspect that makes it relatively easy for creative writing departments in provincial areas to establish an organic relationship with the local government . It might be possible to create revitalization by making use of local infrastructure such as the regional literature center as part of the university system, integrating the creative writing program with local cultural events, and collaboration with local government institutions. In short, by establishing a network of universities, institutions, and local facilities that centers on literature, it will be possible to pave the way for mass production of literary manpower and the development of local cultures. This process will inspire students to produce creative works and will provide them with a sense of belonging to the community, thereby strengthening the internal assets of the region and encouraging students to design future career paths for themselves.

최근 대학 문예창작학과에 불어온 변화의 바람은 문학 중심 창작 교육을 문화콘텐츠 및 스토리텔링 창작 중심으로 이동시키고 있다. 디지털 기술의 발달과 매체 환경의 변화는 네트워크에 기반한 수평적이고 유동적인 문화의 생산과 소비를 이끌어냈다. 문학은 인쇄 매체와 문자 언어에 속박되지 않고 새로운 디지털 언어와 교호하면서 확장되는 중이다. 명지대 문예창작학과는 문학을 중심으로 한 문예창작학과 본래의 정체성을 유지하면서도 다양한 미디어 환경에 접근하고 이를 능동적으로 활용할 수 있도록 교과목을 개선하고 있다. 이 글에서 다루어진 교과목 운용 사례는 디지털 리터러시와 매체 활용력을 갖춘 대학생들의 수요를 반영한 학습자 중심 창작 교육의 가능성을 보여준다. 문예창작학 전공 학습자들은 문화콘텐츠라는 포괄적인 범주를 수용하기보다 이를 비판적으로 성찰하며 문학과 다양한 미디어콘텐츠의 접점을 넓혀가는 과정을 함께 경험하고 있다. 문예창작 교육의 확장성은 문화산업이라는 경제적 가치에 경도되지 않고 인문학적 상상력과 창의성을 다양한 분야에서 활용할 수 있도록 역량을 개발시키는 과정에서 이루어질 것이다.

This research attempted to examine the extensibility of literature education and its possibilities and limitations focusing on the case of the Department of Creative Writing at Myongji University. The wind of change that has recently blown into the creative writing departments in the universities in Korea is shifting literature-centered creative education to cultural content and storytelling creation. The development of digital technology and changes in the media environment have led to the production and consumption of culture which is horizontal and fluid based on networks. Literature is expanding by exchanging influences with new digital languages without being bound by print media and textual language. The Department of Creative Writing in Myongji University maintains the original identity of the Department of Creative Writing with a focus on literature, while improving the curriculum to access and actively utilize various media environments. The case of curriculum management covered in this research shows the possibility of learner-centered creative education reflecting the needs of university students with digital literacy and media utilization ability. The learners majoring in creative writing, rather than accepting the generic category of cultural contents, critically reflect on it and experience the process of broadening the interface between literature and various media contents. The extensibility of creative writing education will be achieved in the process of developing competency so that humanistic imagination and creativity can be utilized in various fields without being swayed by the economic value of the cultural industry.

‘문예창작’은 인문과 예술 분야를 아우르는 융합적 성격을 가진다. 이러한 학문적 특징이 학제(學制) 구분과 대학교의 조직 구성에서 구현되기 어렵다는 사실이 문제다. 이에 본 연구는 단국대학교의 사례를 중심으로 전국 문예창작과가 당면한 문제를 파악하는 데 목표를 둔다. 연구·교육·행정 등의 세 부문에서 학과 운영 현황을 살피고, 나름의 대안을 제시하도록 하겠다. 첫째, 교수 역할 변화와 연구업적 평가. 교수의 연구업적 평가에 문예창작의 특성이 충분히 반영되지 못했다. 창작 실적에 대한 평가는 낮고, 의무적으로 학술 논문을 발표해야 하는 실정이다. 이로 인해 전문 작가를 전임교수로 선발하기 어렵다는 문제가 발생한다. 이에 대한 대안은 다음과 같다. 1) 지속적인 의견 개진과 협의를 통해 학문적 정체성이 반영된 체계를 만들어야 한다. 2) 교수의 연구 역량을 강화할 필요가 있다. 3) 학술교류 네트워크를 구축하고, 학문 후속 세대를 육성해야 한다. 아울러 여러 대학이 협력해서 공동 연구과제를 수주하는 방법도 제안되었다. 둘째, 교육방법과 커리큘럼. 실기 중심 교육은 문예창작의 정체성이 분명하게 발현되는 분야다. 하지만 교육방법을 체계화하는 작업은 충분히 진행되지 못했다. 개별 과목 운영은 교수자의 개인적 역량에 의존하는 부분이 크다. 교육 체계에 문예창작 교육의 가치를 실현하기 위한 노력이 계속되었다. 새로운 교과목을 개발하고 커리큘럼에 반영하여 수용자 요구를 적극적으로 반영했다. 이와 관련해서 다음 방안을 제시했다. 1) 융합 교과목의 개발과 운영이 필요하다. 2) 비교과과정을 활용한 교류와 협력이 촉진되어야 한다. 3) 학회 차원에서 교육 분과 모임을 운영해야 한다. 셋째, 학과 운영과 입시제도. 대학 구조조정이 진행되면서 행정 업무가 늘어났다. 특히 취업률에 대한 부담이 크다. 이는 대학의 기능을 취업으로 한정하기도 하지만, 평가 기준이 현실을 반영하지 못한다는 점에서 한계가 명확하다. 입시 관련 정책이 자주 변경되면서, 그에 따른 운영상의 혼란이 가중되었다. 이런 문제에 대응하는 방안은 다음과 같다. 1) 각종 특강과 관련된 공동 대응 방안을 마련할 필요가 있다. 이를 통해 점차 세분화되는 학생들의 요구를 충족할 수 있다. 2) 문예창작과의 목표, 교육과정, 진로 등을 정확하게 안내해야 한다. 이를 통해 인식을 개선하고 관심을 촉진하여 결과적으로 지원율 향상을 도모한다.

‘Creative writing’ is convergent in nature that encompasses both humanities and arts. The problem is that such academic feature is difficult to for school system classification and realization in the organizational composition of universities. Accordingly, the goal of this study is to identify issues that creative writing departments around the nation face focusing on the case of Dankook University. This study examines the status of department operation in the three areas of research, education and administration, and provide alternatives. First, the changed role of professors and research achievement evaluations. The features of creative writing were not sufficiently reflected in the evaluations of research achievements of instructors. In reality, evaluations for creative achievement are low, and academic theses have to be published out of necessity. This makes it difficult for professional writers to be selected as full-time professors. Alternatives for this are as follows. 1) A system that reflects academic identity must be created through continuous expression of opinions and discussions. 2) It is necessary to enhance the research capacities of professor. 3) An academic exchange network must be built and future generations for the discipline must be fostered. Furthermore, the method of multiple universities cooperating to take on joint research projects was also proposed. Second, education method and curriculum. Practical education is a field where the identity of creative writing is revealed clearly. But there is insufficient work on systemizing the education method. Operation of individual courses rely heavily on the personal capacities of the instructor. Efforts have continued to realize the value of creative writing education in the education system. New subjects were developed and reflected in the curriculum to actively reflect the demands of recipients. Regarding this, the following plans were proposed. 1) Development and operation of convergent subjects are needed. 2) Exchange and cooperation using extracurricular courses should be promoted. 3) Educational subcommittees should be operated by the society. Third, the department operation and admissions program. With the restructuring of universities, administrative work increased. There is an especially burden for employment rates. This not only limited the functions of universities to employment, but also displayed clear limitations in that the evaluation standards failed to reflect the current state and changes. Regarding college admissions, as educational policies changed frequently, there was added confusion in operations. The method for responding to such problem is as follows. 1) It is necessary to come up with joint response plans related to various special lectures. Through this, it is possible to meet the needs of students who are increasingly individualized. 2) The goal, education course, career path, etc. for creative writing must be informed accurately. By doing so, it will be possible to improve awareness and heighten interest to ultimately increase the application rate.

정부 정책과 시장 간 제휴에 의해 가해지는 다양한 압력으로 말미암아 문예창작학을 포함한 인문예술 일반의 위축 내지는 소멸의 위기가 초래되고 있다. 여기에 학령인구 감소라는 문제가 더해지고 있는 것이 작금의 현실이다. 본 논문은 광주대학교 문예창작과의 사례를 소개하여 이러한 상황에 대한 문제의식을 공유하고 대응하기 위한 하나의 방법을 제시하고자 했다. 그 핵심은 문예창작학의 방법론을 웹소설과 장르문학, 미디어리터러시 교육에 적용하는 것이다. 이는 학과 자체에 새로운 활로를 모색하는 한편으로 교양교육으로의 확장을 도모할 수 있는 방편이 된다. 이를 통해 정부와 시장을 통해 지속적으로 주어지고 있는 제도적·사회적 압력을 문예창작학이 적극적으로 전유할 수 있는 구체적인 사례 및 방안을 제시하고 학생들에게 어떤 교육적 효과를 가져올 수 있는가에 대해 논의했다. 이를 전유의 문예창작학으로 명명하고자 한다. 전유의 문예창작학을 통해 문예창작학이 학생들에게 제시할 수 있는 전망과 가능성은 여전히 많다. 이 사실을 각계각층에 알리고 부단히 설득해가야 할 필요성이 있다.

It has already been a long time since various pressures have been applied by government policies and markets over the creative writing. As a result, there was a crisis of contraction or extinction of the general humanities and arts, including the creative writing. The current reality is that the problem of a decrease in the school-age population is adding to this crisis This paper introduced the case of Gwangju University’s the Department of creative writing to present a method for sharing and responding to this situation. The core is to apply the methodology of the creative writing to web novels, genre literature, and media literacy education. This is a way to expand to liberal arts education while seeking a new path in the department itself. Through this, it was intended to present specific cases and measures that literature and creative science can actively monopolize the institutional and social pressure continuously given through the government and the market. In addition, we discussed what educational effects can be brought to students. I would like to name this as the appropriation of creative writing. There are still many prospects and possibilities that creative writing can present to students through the appropriation of creative writing. There is a need to inform all walks of life and constantly persuade them.

이 논문은 고정욱의 『안내견 탄실이』와 신경호의 『리버』를 중심으로 시각장애를 형상화한 동화의 서사 전략을 분석하여 장애인동화에 나타난 서사적 상동 구조를 밝히고 작가들의 장애인식을 고찰하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 미케 발의 서사 이론을 참고했으며, 연구 결과는 다음과 같다. 중요 행위자가 안내견과 시각장애인이기에 두 작품의 서사는 공통적으로 안내견의 성장과 시각장애인의 성장 두 갈래로 구축되고 있었다. 이때 성장은 두 가지 층위로 해석할 수 있다. 첫째, 장애인 주체에게는 시각장애로 인해 손상되었던 신체적·정신적 능력의 상실을 회복하는 과정이다. 둘째, 안내견에게는 자신이 수행할 임무에 당위성과 책임감을 스스로 부여하는 행위이자 인격적 자율성을 완성하는 과정이다. 또 다른 공통점은 두 작품 모두 시각장애인이 자율성을 회복하는 과정에서 마라톤을 활용한다는 점이다. 이때 ‘장애 극복’의 가능성을 상징하는 마라톤은 감동적인 플롯을 완성하기 위해 선택된 전략적 배치이자 장애인이라는 타자적 주체가 자율성을 회복하는 통과제의로 해석할 수 있다. 이로써 앞을 볼 수 없는 주인공은 비장애인도 하기 힘든 시련을 이겨내고 영웅적 서사를 완성한다. 그렇지만 초점화 방식은 달랐다. 전지적 시점을 선택한 『안내견 탄실이』에서는 작가의 장애인식이 주제와 결합되어 직접 제시되었으며, 1인칭 주인공 시점을 선택한 『리버』에서는 안내견의 시점에서 시각장애를 재해석하며 안내견의 성장 서사에 대한 몰입도를 높인 것이 특징이다.

The purpose of this paper is to analyze the narrative strategies of fairy tales that embody visual impairment, focusing on Ko Jungwook’s Guide Dog Tansil and Shin Kyeongho’s The River, to reveal the narrative homologous structure of disabled children’s stories and to examine the writers’ perception of disabled people. To this end, the narrative theory of Mykebal was referred, and the research results are as follows. Since the important actors are guide dogs and blind people, the narratives of the two works were being built in two branches: the growth of guide dogs and the growth of the blind. At this time, growth can be interpreted in two layers. First, it is a process of recovering the loss of physical and mental abilities damaged by visual impairment for the disabled subject. Second, it is an act of giving guide dogs their own justification and responsibility to their duties and a process of completing personal autonomy. Another thing in common is that both works use marathons in the process of restoring autonomy for the blind. At this time, the marathon, which symbolizes the possibility of overcoming disability, can be interpreted as a strategic arrangement selected to complete a moving plot and a passage system in which the other subject of the disabled recovers autonomy. As a result, the blind protagonist overcomes the ordeal that even non-disabled people cannot do and completes the heroic narrative. However, the method of focusing was different. In Guide Dog Tansil, which selected omniscient perspective, the writer’s awareness of the disabled was directly presented in combination with the theme, and in The River, which selected the first-person main character’s perspective, visual impairment was reinterpreted from the point of view of guide dogs and increased immersion in guide dogs.

이 글은 리단과 정지음의 에세이를 대상으로 정신장애인의 에세이 서술에 나타난 특성을 푸코의 ‘자기배려’ 개념을 중심으로 검토하였다. 장애 사실이 비가시적인 정신장애의 특성상 당사자가 경험하는 고통은 복합적이다. 이 글은 여성 정신장애인 작가들의 글을 살펴봄으로써 사회문화적 의의를 살펴보고, 독자들의 독서태도를 다루었다. 푸코에 따르면 자기배려는 개인의 신체적이고 정신적이며 사회적인 돌봄과 실천을 의미한다. 그는 글쓰기를 자기배려의 중요한 수단으로 언급한 바있다. 정신장애인의 에세이는 이러한 자기배려의 맥락을 충실히 따른다. 자기 신체와 정신을 돌보는 것의 필요성을 다루며, 자신을 둘러싼 사회적 관계를 성찰함으로써 사회문화적 편견을 드러낸다. 더 나아가 실천적인 돌봄으로서 상호소통의 글쓰기를 드러내는데, 자신의 장애를 고백하며 위로와 격려의 메시지를 전달하는 SNS 공간에서 정신장애인과 비장애인 모두 독자로서 이해와 공감의 공동체를 형성하게 되기 때문이다. 대상 텍스트가 풍부하지 않아 서술 특성을 단순화할 수 있다는 점, 여성 프리랜서 작가들의 특수성을 좀 더 적극적으로 다루지 못했다는 점 등이 이 글의 한계로, 추후 연구로 보완하고자 한다.

This article reviewed the characteristics of the mentally disabled person’s description based on Foucault’s concept of self-consideration for Lidan and Jeong Jieum’s essays. Due to the nature of mental disorders in which disability facts are invisible, the pain experienced by the parties is complex. This article examines the socio-cultural significance of female mentally disabled writers and deals with readers’ reading attitudes. According to Foucault, self-care refers to the physical, mental, and social care and practice of an individual. He referred to writing as an important means of self-consider. The essay of the mentally disabled faithfully follows this context of self-consideration. It deals with the need to take care of one’s body and mind, and reveals socio-cultural biases by reflecting on the social relationships surrounding one. Furthermore, it reveals the writing of mutual communication as a practical care, because both mentally disabled and non-disabled people form a community of understanding and empathy as readers in the SNS space that confesses their disabilities and delivers messages of comfort and encouragement. The limitations of this article are that the narrative characteristics can be simplified due to the lack of target text, and the inability to deal more actively with the specificity of female freelance writers, which will be supplemented by future research.

박상순은 특유의 난해함과 독창성으로 문단의 안팎에서 주목을 받아왔다. 그러나 그의 시에 관한 연구는 한국 현대시사를 살피는 데에 필수적임에도 불구하고 모호성과 난해성 탓에 진행 상황이 미비한 편이다. 본 연구자는 박상순의 시에 나타나는 ‘소외’ 양상을 살펴 논의의 틀을 제시한 바 있다. 특히, 초기 시집에 나타난 ‘1차 소외’ 양상을 집중적으로 논의해서, 박상순 시 연구의 계기적·예비적 고찰을 하고자 하였다. 그런데 그의 초기 시집에는 상징계 혹은 상징화에 저항하는 실재 양상도 드러나므로, 해석의 잔여를 남기는 것이다. 본 연구는 실재의 양상을 살펴서 박상순 초기 시집의 면밀하고 풍요한 고찰에 이르고자 한다. 실재는 ‘어둠’과 ‘검정’, ‘구덩이(웅덩이)’와 ‘구멍’을 통해 상징계에 대응하는 영역으로서 시의 표층에 형상화된다. ‘어둠’과 ‘검정’은 상징적 질서, 시니피앙의 연쇄에서 파생하는 실재 및 실재에로의 주이상스를 표시하거나 상징계를 지탱하는 연원으로써의 실재를 제시하고 있다. ‘구덩이(웅덩이)’와 ‘구멍’은 외상 및 현실 세계의 매몰지나 심연으로 드러나거나 상징계의 균열을 나타내 현실을 와해하는 환상 구현의 매개물로써 제시되고 있다. 이상의 내용을 살피면, 박상순 시의 정신분석적 접근, 박상순 시 연구로 전개될 풍성한 논의의 계기가 마련될 수 있을 것이다. 또한, 다른 시인의 작품에 드러나는 ‘실재’ 양상을 살필 참조점이 되어줄 수 있을 것이다.

Park Sangsoon has attracted attention in and outside of the literary community with his uniquely abstruse verses and originality. However, despite his crucial significance in the history of contemporary Korean poetry, studies on Park’s poetry have been hindered by their ambiguity and abstruseness. In a previous study, this researcher proposed a framework for discussing Park’s poetry by examining the patterns of ‘alienation’ in his works. The study focused on the patterns of ‘primary alienation’ in his early poems, providing a preliminary overview for studying the poet’s works. However, Park’s early poems show signs of the real resisting the symbolic or symbolization, which leaves room for interpretation. this study seeks to examine signs of the real in Park Sangsoon’s poetry, for close and rich exploration of Park’s early poem collections. The real is represented on the surface layer as a realm in contrast with the symbolic, through ‘darkness,’ ‘black,’ ‘pit,’ and ‘hole.’ ‘Black’ and ‘darkness’ indicate the real that derives from the symboilc order and the signifiers, as well as juissance toward the real. ‘Pit’ and ‘hole’ are presented as a vehicle to build fanatasies that present themselves as trauma or a buried site or abyss of the real world, or deconstruct reality by showing breaches in the symbolic. Closer examination of the aforementioned topics will provide a foundation for rich discussions that will develop into psychoanalytical approach to Park’s poems and other studies on the poet’s works. They will also provide reference points to understand the patterns of ‘the real’ in other poets’ works.

이 논문의 목적은 기형도의 시에 반복적으로 등장하는 인물 ‘한 사내’의 성격과 그 의미를 분석함으로써 그간의 연구에서 소외되었던 ‘익명성’이라는 특징, 그리고 당대 현실과의 상관관계를 해명하는 것에 목적을 둔다. 그의 시는 ‘한 사내’를 낳는 여정의 시들이다. 그 ‘사내’는 단순히 ‘문학적 환상’으로 이루어진 것이 아니라 명확한 역사적 사건의 한 갈피에서 잉태되어 이 땅에 나온 인물이다. 그는 영웅이 아니며 비범하거나 평범한 인물도 아닌 당대 현실의 ‘그늘’이 짙게 드리워진 인물이며 자신을 드러낼 수 없는, 끝없이 숨거나 숨겨지는 인물이다. 시인 기형도가 살았던 시대의 엄혹성은 그에 대한 연구를 시의 방법적인 측면을 강조하여 살피려는 측과 현실 응전의 면모를 중요시한 측으로 나뉘어 전개되었다. 양측의 연구 성과를 바탕으로 이제 그의 텍스트가 내재하고 있는 여러 면모를 종합적으로 살펴볼 단계에 와 있다. 그가 방법적으로 형상화한 ‘한 사내’를 위시한 극적 인물들을 살펴보는 일은 현단계 기형도 연구에서 매우 긴요한 요구가 아닐 수 없다. 그 인물의 행위에 숨어 있는 역사성, 혹은 현실성을 살펴봄으로써 기형도 문학에 내재한 깊이의 새로운 차원을 알 수 있기 때문이다. 본고는 첫 시 「안개」의 ‘한 사내’에서부터 유고작이 된 「입 속의 검은 잎」의 등장인물까지 기형도 시에 반복되는 인물 성격들을 분석하였다. 이는 기형도가 매우 치밀하게 이 익명의 인물을 추적하고 관찰했다는 반증이 아닐 수 없다. 그 결과 그의 다수의 시편들은 내적으로 일관성 있게 연결되어 있으며 기형도 자신의 다양한 고뇌의 면모를 보여주고 있다는 것을 알 수 있다. ‘한 사내’는 거의 모든 시편에서 우울하며 때로는 울고 있고 영원히 사라지고 싶은 인물, 즉 기형도의 숨겨진 자아(自我)의 형상화인 것이다. 마지막으로 그의 사적인 기록으로 남겨진 「짧은 여행의 기록」을 통해서 ‘한 사내’가 탄생한 연원을 유추해 보았다. 기형도는 그가 살고 있는 당대 현실과 당시까지는 역사의 수면 아래 깊게 잠겨져 있던 ‘광주’의 실상 사이의 간극 안에서 스스로를 죄인으로 규정짓고 있었다. 결론적으로 기형도는 그가 살고 있는 현실의 모순에 크게 천착한 시인이었다. 그 모순에 적극적으로 저항할 수 없는 스스로의 내면을 또 다른 자아인 익명의 존재, 즉 ‘한 사내’를 통해 이미지화했다. 그 점은 문학사의 여타의 시인들과 크게 변별되는 기형도만의 개성이라 할 수 있겠다.

The purpose of this paper is to examine the characteristics of ‘anonymity’, which has been neglected in previous studies, and the reality of his time through the analysis of the character and meaning of ‘a man’ who appears repeatedly in Ki Hyoungdo’s poems. His poems can be recognized as a journey to give birth to ‘a man’. Then, ‘the man’ is not simply ‘a literary fantasy’ but a person who came to our reality after being conceived from a clear historical event. He is neither a hero nor an extraordinary or ordinary person. He is a person who deeply include a ‘shadow’ of the contemporary reality and also a person who cannot reveal himself and keep hiding himself or is continuously hidden. The harshness of the era in which Ki Hyoungdo lived has made his poetry investigated from two points of view: one is the angle emphasizing the methodological aspect of poetry and the other the one examining the poet’s response to reality. Based on the research results of both sides, we are now at the stage of comprehensively examining the various aspects inherent in his text. In that respect, it is very significant in the current stage of study on Ki Hyoungdo to look at dramatic figures including the ‘a man’ he methodically embodied. By examining the historicality or reality hidden in the characters’ actions, a new dimension of the depth inherent in his world of literature can be figured out. This paper analyzed the characteristics of the characters repeatedly shown in his poems from ‘a man’ in the first poem “Fog” to a character in “The Black Leaf in the Mouth”, his posthumous work. This proves that Ki Hyoungdo very meticulously tracked and looked at the anonymous person, As a result, it can be seen that many of his poems are internally and consistently connected, and that they show various aspects of the poet’s agony and suffering. ‘A Man’ is the embodiment of the poet’s hidden self, that is, a man who is melancholy, sometimes crying, and wants to disappear forever in almost all poems. Lastly, I inferred the origin of the birth of ‘a man’ through the Record of a Short Trip left as a personal record. Ki Hyoungdo was defining himself as a sinner realizing the difference between the reality of the time he lived in and the reality of ‘Gwangju’, which had been deeply immersed under the surface of history until then. In conclusion, Ki Hyoungdo was a poet who deeply delved into the contradictions of the reality in which he lived. His inner self, which cannot actively resist the contradiction, is imaged through another self, an anonymous being, that is, ‘a man’. This can be alleged as a specific feature of Ki Hyoungdo that is greatly different from other poets in our history of literature.

우리나라 연극은 관객이 없는 위기를 극복하기 위해 다양한 시도를 해왔다. 하지만 주제의식이 없는 시도는 해결책이 되지 못한다. 결국 글쓰기, 즉 희곡의 문제로 귀결된다. 이러한 문제를 타파하고자 오태석과 이현화의 글쓰기를 연구해보고자 했다. 두 작가는 도전적이고 파격적인 희곡으로 우리나라 연극 발전에 기여한 대표 작가이지만 작품이 난해하고 모호하다는 이유로 극작술이 미진하다는 평을 받기도 한다. 이에 두 작가의 작품에서 나타나는 난해성과 모호성에 대해 ‘정치적 글쓰기’ 차원에서 새롭게 접근해보고자 했다. ‘정치적 글쓰기’란 익숙하게 여기는 우리의 감각 질서에 균열을 일으켜 ‘틈’을 만들고 낯선 것들을 보게 만드는 미학적 행위와 같다. 틈을 통해서 들리지 않던 담론을 듣게 하려는 의도이다. 따라서 오태석과 이현화의 희곡에 나타나는 난해함과 모호성의 이유를 이러한 ‘낯선’ 의도에서 파악해보고자 한 것이다. 이는 진일보한 극작술의 단초를 마련하기 위함이다. 오태석은 「운상각」에서 ‘영혼결혼식’ 모티프를 통해 ‘틈’을 만들었다. 틈을 통해 시대와 세대를 초월하는 목소리들이 모여 난장(亂場)의 공간으로 형상화하였다. 이로써 화해와 소통의 장을 의도하는 한편 필름 없이 사진 찍는 장면으로 여전히 모호한 결말을 맺는다. 이현화는 「넋씨」에서 ‘씨받이’ 모티프를 통해 ‘틈’을 만들었다. 혼돈의 공간이었던 틈은 셈해지지 않은 자들의 목소리를 찾고 그들 몫에 대한 바른 자리를 찾아주며 질서를 회복하는 공간으로 형상화되었으나 여전히 불온한 감정을 남긴다. 이처럼 두 작가의 작품에서 나타나는 미심쩍은 결말은 ‘정치적인 것’으로써의 글쓰기 전략으로 이해할 수 있다. 닫힌 결말을 지양하며 관객으로 하여금 극 속에서 갈등을 발견하기보다 오히려 극 텍스트와의 갈등관계를 형성하게 만드는 의도라는 점에서 그렇다. 때문에 관객은 극텍스트의 느슨한 틈에 대해 원인을 찾기 위해 능동적인 참여를 하며 다양한 담론을 만들어가는 것이다. 아직까지 ‘정치적인 것’으로써 글쓰기 전략을 활용한 경우는 많지 않다. 따라서 그 내용과 방법에 대한 논의는 더 진행되어야 할 것이다. 하지만 사실주의 일변도의 글쓰기 환경에서 새로운 분석틀을 마련하고 이를 통해 발전된 극작술 모색의 기회를 제공했다는 데에 의의를 두고자 한다.

Korean theater has made various attempts to overcome the crisis without audiences. However, attempts without a subject consciousness cannot be a solution. In the end, it results in a problem of writing, that is, plays. To overcome this problem, I tried to study the writing of Oh Taeseok and Lee Hyunhwa. The two writers are representative writers who contributed to the development of Korean theater with challenging and unconventional plays, but they are also praised for their poor playwriting skills because the work is difficult and ambiguous. Therefore, I tried to approach the difficulties and ambiguity that appear in the works of the two artists in terms of ‘political writing.’ Political writing is like an aesthetic act that cracks our sensory order, creates a ‘gap’ and makes us see unfamiliar things. The intention is to make them hear discourses that were not heard through the gap. Therefore, the reason for the difficulty and ambiguity that appear in Oh Taeseok and Lee Hyunhwa’s plays was to be grasped from this ‘unfamiliar’ intention. This is to lay the groundwork for advanced playwriting. Oh Taeseok created a ‘gap’ through the motif of ‘Soul Wedding’ in “Unsanggak”. Through the gap, voices that transcend the times and generations gathered to shape it into a space of chaos. As a result, it intends a place of reconciliation and communication, while still having an ambiguous ending with a scene of taking pictures without a film. Lee Hyunhwa made a ‘gap’ through the ‘surrogate mother’ motif in “Spirit”. The gap, which used to be a space of chaos, has been embodied as a space to restore order by finding the voices of those who have not been counted, finding the right place for their share, but still leaves an uneasy feeling. As such, the suspicious ending in the works of the two artists can be understood as a writing strategy as ‘political’. This is because it is intended to avoid the closed ending and make the audience form a conflict relationship with the drama text rather than discovering conflict in the play. Therefore, the audience actively participates in finding the cause of the loose gap in the play text and creates various discourses. So far, there are not many cases of using writing strategies as ‘political’. Therefore, discussions on the content and method should proceed further. However, it is significant that a new analysis framework was prepared in a one-sided writing environment of realism and through this, it provided an opportunity to seek developed playwriting.

본고는 영화 「시」와 「버닝」의 아포리아를 통해 이창동의 영화가 생성하는 문학적 표면을 연구했다. 이창동의 영화는 줄곧 문학적이라 평가받았으나 그 실체에 대한 규명은 충분히 이루어지지 않았다. 연장선 상에서 이창동의 방법론으로 일반화된 리얼리즘 역시 「시」와 「버닝」이 드러내는 환상과는 모순을 보인다. 두 영화는 각각 시와 소설이라는 문학을 소재로 하는 점, 문학의 불가능성을 감각적 언어로 제시한다는 점에서 밀접하다. 「시」는 시 쓰는 주체가 겪는 표상 불가능의 아포리아를, 「버닝」은 소설가 지망생 주체가 겪는 서술 불가능의 아포리아를 반복한다. 두 영화의 아포리아는 문학의 아포리아, 타자를 향한 쓰기의 아포리아로 귀결된다. 소재의 차원을 넘어, 무한한 쓰기를 지속하게 하는 두 영화의 아포리아는 관객을 필연적으로 수동적 작가의 자리에 위치시킨다. 본고는 레비나스 · 블랑쇼 · 들뢰즈 등 바깥의 사유를 경유해 관객의 서술과 관계하는 두 영화의 문학적 표면을 논증할 것이다. 이창동의 영화언어를 재조명하고, 문학의 책무를 전이하는 아포리아를 펼쳐 보이는 데에 본 연구의 목적이 있다.

This paper studies the literary surface of Lee Changdong’s films through the aporia from “Poetry” and “Burning”. Lee Changdong’s films have always been evaluated as literary, but their reality has not been fully investigated. In addition, the realism generalized by Lee Changdong’s methodology also contradicts the illusions from “Poetry” and “Burning”. Both films are closely related to the literary theme of poetry and novel, and portray the eternal failure of literature in sensuous cinematic language. In “Poetry”, the aporia of impossible representation by the subject who writes poetry is repeated. In “Burning”, the aporia of impossible narrative by the subject who writes novel is repeated. The aporia of both films results in the aporia of literature, and the aporia of writing towards others. The aporia of both films which demands infinite writing, inevitably places the audience in the position of a passive writer. This paper will demonstrate the literary surface of both films in relation to the audience’s narrative, via extrinsic thinking from Levinas, Blancheau, Deleuze and so on. The purpose of this study is to review Lee Changdong’s cinematic language and to unfold the aporia that creates literary responsibility.

본고는 김수현 가족 드라마의 전형성을 보이는 동시에 가족 드라마 완결작이라고 할 수 있는 「그래, 그런 거야」를 중심으로 TV 드라마 작가론의 필요성을 제기하는 문제의식에서 출발한다. 특히 시대적 감수성이 뛰어난 작가로 공히 평가받아 온 김수현 작가가 가족드라마 장르에서 대가족 설정을 20년 넘게 반복하고 있는 점에 주목해 그 상징적 캐릭터인 1대 고령자 캐릭터를 분석한다. 이를 위해 「그래, 그런 거야」 54회 전 회차 영상과 텍스트를 대상으로 캐릭터 재현방식을 탐구하고 그 분석 방법의 틀로 푸코가 제시한 ‘자기배려’ 윤리학의 노년 담론을 적용한다. 연구 결과 김수현 작가 가족 드라마 속 1대 고령자 캐릭터는 작가의 가족 로망스를 재현하는 캐릭터도 아니고, 가부장 질서를 대변하는 인물도 아닌 독립된 주체로서 삶을 완결해가는 이상적 노년의 캐릭터임을 알 수 있었다. 이들은 신체적·정신적·경제적 독립 주체로서 자기관리라는 자기 실천, 감사의 생활철학, 독립된 가족경제 관념을 통해 능동적이고 주체적인 노년의 삶을 살고 있다. 또한 이들은 대가족 내 스승 역할을 수행하며 ‘내려놓기’와 ‘지키기’라는 가족 관계망 속 본보기와 지혜를 일깨우는 인물로 재현되어, ‘내려놓기’는 관계 속 지배의 권력을, ‘지키기’는 관계 속 유지와 강화해야 할 가치이다. 특히 「그래, 그런 거야」 속 1대 남성 캐릭터의 죽음은 작품 전반에 사용된 내레이션의 자기성찰과 더불어 늙음과 죽음에 관한 작가의식의 깊이를 전달한다. 또 ‘만족’ ‘행복’ ‘성공’으로 자평하는 1대의 완결된 삶의 근간은 가족과 가족애이며, 가족의 가치는 자기복제의 반복이 아닌 김수현 작가의 일관된 작가의식의 결과물이다.

This paper starts from a problematic awareness that raises the need for a TV drama writer theory focusing on “Yes, That’s the way it goes”, Kim Suhyun’s likely final family drama while showing the typical characteristics. In particular, this paper analyzes the symbolic character of the elderly first generation, paying attention to the fact that Kim Suhyun, who has been evaluated as a writer with outstanding zeitgeist, has been repeating the same setting of a large family for over 20 years. To this end, we explore the character reproduction method targeting the video and text of the 54th full episode and apply the discourse of old age in the ethics of ‘self-care’ presented by Foucault. It was consequently found that the 1st elderly character is not a character that reproduces the writer’s family romance, nor a character who represents the patriarchal order, but an ideal old-age character who completes his life as an independent subject. As physically, mentally, and economically independent subjects, they are living an active and independent life through a practice of self-management, a life philosophy of gratitude, and an independent family economy concept. In addition, they play the role of teachers in the family network, who awaken the model and wisdom of ‘letting go’ and ‘protecting’. ‘Letting go’ is the power of domination in a relationship, and ‘protecting’ is a value that needs to be maintained and strengthened. In particular, the first death of the male character in the work conveys the depth of the artist’s consciousness about aging and death, along with the narration. Also the basis of a completed life of 1st generation, which is self-deprecating as ‘satisfaction’, ‘happiness’ and ‘success’, is a family and a family love, and the value of family is the result of Kim Suhyun’s consistent artist consciousness, not repetition of self-replication.

학생 중심, 학생 주도 교육의 필요성은 지속적으로 강조되어 왔다. 학생 중심, 학생 주도 교육은 교수자가 중심이었던 교육 생태계에서 학습자가 그 중심이 되어야 함을 역설해 왔다. 그런데 교육 현장에서 학생 중심, 학생 주도를 강조하면 강조할수록 그 변화가 다시금 교수자, 학교라는 점은 지속적으로 간과되어 왔다. 본고에서는 교육 패러다임의 전환을 교수자와 학교가 수용함으로써 결국 변화한 학교 교육 현장에 학습자, 학생은 다시금 ‘학생’으로 호명되고 마는 것을, 교육 주체가 되어야 할 학생이 다시 타자가 되는 것을 학생 중심의 선행 연구를 통해 밝히고자 했다. 이에 본고에서는 학생 중심, 학생 주도 교육을 랑시에르의 ‘보편적 교육’ 개념과 푸코의 ‘자기 수양’ 개념을 빌려 새롭게 정의 내렸다. 본고에서는 학생 중심, 학생 주도를 학습자의 내적 성장, 자아 구축이라는 것을 일차적인 목적으로 두고, 이를 위해 교수자와 학습자 사이에 놓인 ‘공통의 것(학습 목표, 학습 활동 등)’을 교수자의 가시적 교육 환경 설정과 비가시적 교육 지원을 통해, 학습자가 자신을 둘러싼 환경과 세계에서 주동자, 주 행위자가 되는 학습 활동으로 규정하고자 했다. 그리고 B대학에서 운영한 ‘또래 튜터제’와 ‘만오에듀케터’를 그 사례가 될 수 있다고 보았다. 또래 튜터제는 학부 7학기 이상 이수자가 글쓰기 튜터 양성과정을 이수한 후 교내 글쓰기센터 전문 튜터로 학부 재학생의 첨삭을 담당하는 제도이다. 또래 튜터 학생은 첨삭 튜터로서 전문성을 인정받고 학교에서 학생 이외의 구성원 정체성을 갖는다. 또래 튜터로서의 첨삭 업무와 튜터라는 정체성은 학생이 비교과 교육에 주체임을 실감케 한다. 또래 첨삭 튜터는 첨삭 전문가라는 정체성을 획득함으로써 존재론적 전환을 이룸으로써 전문성을 통한 지적 성장과 또래 첨삭을 통한 사회적 관계 성장을 함께 이룬다. 만오에듀케터는 교양 교육과정 및 비교과 프로그램 기획-제안자로서 교양대의 교육과 비교과에서 주동자의 역할을 담당함으로써 교육의 주인공이 되는 경험을 가졌다. 또래 튜터와 만오에듀케터는 학습자가 자신을 둘러싼 세계에서 자신의 유용성을 증명하는 것에 몰두하지 않고 자신의 내면을 성찰하고 비판적으로 사유하며, 자신의 내면을 단단히 구축할 수 있도록 계기를 만들고 이를 통해 세상과 만날 수 있는 프로그램이다.

The necessity of student-centered education in education was continuously emphasized. However, the more emphasized the change in the educational environment, the more the center of education became again the instructor and the school. As a result, learners are called ‘students’ again in the changed school education field. In a previous study of student-centered education, it was confirmed that the student who was supposed to be the subject of education became the batter again. Therefore, this paper newly defined student-centered-education by borrowing Lancier’s concept of “universal education” and Foucault’s concept of “self-discipline.” This paper attempted to view student-centered education as achieving the primary purpose of self-building. To this end, instructors and learners tried to define ‘common things (learning goals, learning activities, etc.)’ as learning activities in which learners become main actors in the environment surrounding them and in the world through the instructor’s visible educational environment setting and invisible educational support. In addition, in this paper was considered by ‘Peer Tutoring’ and ‘Mano-edukater’ of University B. as the student-centered-program examples. Peer tutors students are recognized for their expertise as correction tutors and have membership other than students at school. Peer tutors have the experience of being an educational subject with the identity of correction work and tutor. Peer tutors students are recognized for their expertise as correction tutors and have membership other than students at school. Peer tutors have the experience of being an educational subject with the identity of correction work and tutor. Mano-eduketer played the role of the leader in the education and extra-curriculum of the liberal arts college as a program planner. Because of this, they had the experience of being the main characters of education. Peer Tutor and Mano-eduketer are programs that allow you to reflect on your inner self, think critically, and meet the world through them.