Earticle

본 논문은 이승우의 장편에서 반복되는 현실 속의 유토피아적 공간이 작가의 ‘다시 쓰기’를 통해 어떻게 변주하며 갱신되는지를 분석한다. 선행연구가 특정 작품에 대한 개별 모티프나 주제에 대한 공시적 분석에 머물러, ‘다시 쓰기’를 통해 통시적으로 드러나는 소설의 변주 방향과 함의를 충분히 조망하지 못했다는 한계를 전제로, 『식물들의 사생활』(2000), 『지상의 노래』(2012), 『이국에서』(2022) 세 작품을 대상으로 푸코가 주창한 ‘헤테로토피아’와 해당 개념의 공간에서 실험되는 공동체의 진화 양상을 살펴본다. 유토피아는 존재하지 않는 공간이지만, 푸코는 그 유토피아적 공간이 현실적 시·공간 속에 잠시 현현하여 명멸할 수 있음을 주장하며, 이를 ‘헤테로토피아’라 부른다. 헤테로토피아는 현실의 정상성에 대해 의문을 제기하는 공간으로, 일종의 반(反)공간이다. 이런 헤테로토피아는 체제의 바깥을 상상함으로써 오히려 현실의 폭력과 권력구조를 적나라하게 폭로하여 은폐된 권력 메커니즘과 잔존하는 디스토피아적 현실을 폭로하는 기능을 하며, 현실의 특정한 부분을 찌르고 저항하는 속성을 지니고 있다. 『식물들의 사생활』은 현실에 있을 수 없는 곳으로서 완벽한 공간의 상징인 ‘남천’을 통해 군부 정권 아래 희생된 개인과 무너진 ‘가족 공동체’의 구원과 회복을 시도한다. 『지상의 노래』에서의 ‘천산 수도원’은 군부의 출입 봉쇄로 유폐된 곳이지만 역설적이게도 믿음과 소망이 간섭받지 않는 곳으로, 세상과 단절된 채 성경 필사(벽서)를 하며 최후의 카타콤(지하 공동묘지)을 만들어가는 ‘형제 공동체’의 이야기를 그린다. 『이국에서』에서 ‘친구들의 집’은 계엄이 선포된 이국의 폐쇄된 공원에 모인 이들이, 잠정적이고 임시적이지만 비정치적이고 자유로운 ‘친구 공동체’를 형성한다. 결론적으로 ‘다시 쓰기’된 소설은 ‘남천(집)-천산(수도원)-보보(공원)’라는 공간의 연속성과 ‘가족-집단-범인류’로 확대되어가는 공동체의 궤적을 선보인다. 이렇게 점층적으로 그 관심이 변주되어가는 헤테로토피아와 공동체는 ‘다시-쓰기’를 통해 정치・사회적 문제 의식을 끊임없이 갱신하고 있다. 이렇게 공간과 공동체의 시기별 변주를 통시적으로 관찰할 때, 작가가 당면한 현실과 역사를 재사유하며,소설적 성찰과 전복을 위한 시도를 멈추지 않고 있다는 사실이 확인된다. 이는 이전의 불만족을 만회하기 위한 ‘만회 의지’의 발현이자, 현실을 재사유하고 전복하기 위한 이승우의 문학적 전략이다.

This paper examines how recurring heterotopias and communities in Lee Seung?u’s novels are reconfigured and expanded through the author’s continuous practice of rewriting. Moving beyond previous studies that have largely focused on synchronic analyses of motifs or the themes of individual texts, this study traces diachronic transformations across three novels: The Dream Life of Plants (2000), Songs on the Earth (2012), and In a Foreign Land (2022). Drawing on Foucault’s concept of heterotopia, this study explores the ethical meanings embedded in each work’s spatial configuration and forms of community. Utopia, by definition, denotes a non?existent place; however, Foucault argues that utopian space can momentarily manifest and disappear within concrete spatio?temporal conditions, and he designates such phenomena as “heterotopia.” In Lee Seung?u’s novels, heterotopias that appear as physical spaces continually expand through the imagining of new forms of community and novel configurations of power relations. In The Dream Life of Plants , “Namcheon” stages an attempt at familial recovery; in Songs of the Earth , “Cheonsan Monastery” represents the persistence of a faith?based community under conditions of closure; and in In a Foreign Land , the “House of Friends” envisions an inoperative mode of coexistence. Lee’s rewriting functions as a literary strategy that reconstructs heterotopias in order to experiment with communities expanding from the individual to the family, the collective, and ultimately humankind, thereby rethinking reality and history through fiction. These heterotopias and their evolving communal formations, whose concerns intensify cumulatively, continually renew political and social consciousness through the processes of rewriting. Viewed diachronically, the period?by?period variations in space and community reveal that the author persistently rethinks the realities and histories he confronts, and does not cease his novelistic attempts at reflection and subversion. This process of rewriting can thus be understood as a narrative enactment of the will to recovery?a creative impulse aimed at restoring what has been lost and reimagining the ethics of living together.

본 연구는 한강의 「내 여자의 열매」와 이유리의 「빨간 열매」를 중심으로 한국 아파트 공간의 베란다가 지니는 경계적 장소성과 그 안에서 일어나는 식물 변이의 문학적 의미에 주목하였다. 한국문학 속 여성에게 집은 안온함과 억압이 중첩되는 공간이며, 베란다 는 그 내부에서 형성되는 경계의 장소다. 베란다는 집이라는 사적 공간에 속하면서도 외부 세계와 맞닿아 있어, 인물의 내면과 현실이 교차하는 지점으로 기능한다. 두 소설은 각기 다른 시대를 배경으로 하고 있지만, 인물들은 베란다와 관계를 맺으며 식물로 변이한다는 공통적인 특징을 지닌다. 이 변이는 인물이 처한 삶의 조건과 젠더화된 탈주 및 관계 맺기 방식에 따라 서로 다른 양상으로 전개된다. 이를 위해 본고는 공간을 고정된 물리적 실체가 아닌 사회적 관계들과 연결된 네트워크로 파악하고 있다는 점에 주목하고 베란다라는 특수한 경계 공간이 지닌 물리적・심리적 긴장감이 어떻게 식물 변이라는 환상적 사건으로 전이되는지를 분석하였다. 나아가 미셸 푸코(Michel Foucault)의 헤테로토피아와 이-푸 투안(Yi-Pu Tuan)의 토포필리아 개념을 입체적으로 활용함으로써, 두 작품 속에 나타난 공간 의식의 변화와 인물의 정체성 재구성 과정을 고찰하였다. 「내 여자의 열매」에서 베란다는 도시적 소외와 남편의 억압에 저항하고, 공간의 위계를 뒤집으며 일상의 규칙이 정지된 헤테로토피아로 기능한다. 아내의 식물 변이는 도시의 리듬에서 이탈하여 스스로 예외적 장소를 구축하려는 주체적인 저항의 서사이다. 반면 「빨간 열매」의 베란다는 식물화된 아버지가 딸의 돌봄을 받는 장소로 제시되며, 사회적 관계가 소외에서 돌봄으로 재편됨에 따라 정서적 가치를 회복하는 토포필리아의 장소로 진화한다. 아버지의 식물화와 딸의 돌봄은 위계적 부녀 관계를 해체하고, 수평적인 공동체를 형성함으로써, 사유화된 공간을 타자와의 연결망을 통해 확장시키는 실천적 지향점을 보여준다. 두 소설 속 베란다는 단순한 주거 공간을 넘어, 시대에 따른 여성 서사의 변화를 반영하며 젠더화된 역할의 해체와 새로운 관계성을 모색하는 핵심적인 장으로 작동한다. 본 연구는 한강에서 시작된 여성의 공간적 저항이 이유리에 이르러 구체적인 돌봄의 윤리로 구체화 되는 과정에 주목하고, 한국 여성 문학이 공간을 통해 주체성을 정립해온 유의미한 변화의 궤적을 규명하였다.

This study examines the liminal ‘placeness’ of the balcony in Korean apartment spaces and the literary significance of plant transformation occurring within that space, focusing on Han Kang’s The Fruit of My Woman and Lee Yuri’s Red Fruit. In Korean literature, the home for women is a space where comfort and oppression overlap, and the balcony serves as a liminal site within that interior. While belonging to the private sphere, the balcony remains in contact with the outside world, functioning as a point where the characters’ inner selves and realities intersect. Although the two novels are set in different eras, they share a common narrative device of characters undergoing plant transformation through their relationship with the balcony. This metamorphosis unfolds in distinct ways, depending on the characters’ life conditions and their modes of gendered escape, and relationality. To this end, this study adopts the perspective of perceives space as a network connected to social relations rather than as a fixed psychological. Based on this framework, it analyzes how the physical and psychological tensions inherent in the balcony?a unique liminal space?are transferred into the fantastical event of plant transformation. Furthermore, by utilising Foucault’s concept of ‘heterotopia’ and Tuan’s ‘topophilia’ in a multidimensional manner, this research explores the shifts in spatial consciousness and the process of reconstructing identity within the two works. In The Fruit of My Woman , the balcony functions as a heterotopia in which everyday rules are suspended, resisting urban alienation and patriarchal oppression while subverting spatial hierarchies. The wife’s plant transformation is a narrative of subjective resistance, seeking to build an exceptional place for herself by departing from the city’s rhythm. Conversely, the balcony in Red Fruit is presented as a site where a plant-turned-father receives care from his daughter. It evolves into a site of topophilic site that restores emotional value as social relations are reorganised from alienation to care. The father’s plant metamorphosis and the daughter’s care dismantle hierarchical father-daughter relations and form a horizontal community, thus demonstrating a practical orientation that expands privatized space through networks of connection with others. The balcony in these two novels operates as a core site that reflects the evolution of female narratives over time and seeks to deconstruct gendered roles and new relationality beyond a mere residential space. This study highlights the process by which the spatial resistance of women initiated in Han Kang’s work is substantiated into a concrete ethics of care in Lee Yu-ri’s work, thereby clarifying the meaningful trajectory of how Korean women’s literature has established subjectivity through space.

이 글은 황정은 소설에 나타난 돌봄 서사의 재현 양상을 통해서 문학작품이 지닌 치유적 상상력의 현재적인 가능성을 타진하고자 한다. 황정은의 『계속해보겠습니다』(창비, 2014)는 고통스러운 가족서사의 현실을 직시하면서 새로운 세계로의 지향을 모색한다는 점에서 우리시대의 돌봄 서사와 문학치유의 가능성에 대한 폭넓은 이해를 열어주는 텍스트라고 할 수 있다. 이 소설은 가족의 삶을 매개로 사회적 폭력의 구조적 문제들을 세심하게 들여다보면서 새로운 대안가족의 삶을 탐색한다. 이 과정에서 작동하는 돌봄의 상상력은 공간을 창조적으로 전유하고 미래적 시간을 설계함으로써 인물들의 치유와 성장을 돕게 됨을 알 수 있다. 『계속해보겠습니다』에서 젠더적 고찰을 기반으로 한 돌봄의 사유는 사회적 빈곤과 차별의 상황을 통해 유대를 맺고 성장하는 인물들의 관계를 세심하게 보여준다. 인물들이 변화하고 성장하는 시간은 다양한 주체들이 공동의 장에서 전개하는 커머닝의 과정이라고 할 수 있다. 이 커머닝의 과정은 특히 공간의 창조적 전유를 통해서 드러나는데, 고립된 비인간적 공간을 환대와 치유의 공간으로 변모시키는 서사의 구도가 주목된다. 이러한 공간의 전유 방식은 이 소설이 다루는 대안가족, 모성서사가 지닌 의미를 입체적으로 사유하게 해준다. 황정은 소설이 사유하는 돌봄의 상상력은 현재의 비관성을 직시하면서도 미래에 대한 가능성을 놓지 않는 주체의 적극적인 현실인식을 보여준다. 이 작품이 폭력적인 사회현실 속에 억눌리는 개별자들의 삶을 찬찬히 묘파하는 동시에 타자와의 연대를 꾸려가는 가능성을 놓지 않는 면모도 그런 점에서 문학치유의 가능성을 새롭게 이끌어낸다고 할 수 있다. 문학작품의 갈등과 결말이 완전한 화해와 회복을 가정하는 것 자체를 온전한 치유라고 말하기는 어렵다. 문학작품의 치유적 의미는 그것의 불가능성을 염두에 두고 삶의 입체성을 포착하려는 서사적 노력에서 가능하다는 점을 확인할 수 있다.

This study investigates the potential of the healing imagination in literature by examining the conflicts and representational modes of the ‘care narrative’ as depicted in contemporary fiction. Focusing on Hwang Jungeun’s I’ll Go on, this paper argues that the novel offers a significant perspective on modern care narratives and the possibilities of literary healing, as it confronts the painful realities of family life while maintaining an orientation toward alternative worlds. This novel scrutinises socially structured forms of violence through the lens of family life and explores an alternative family life. The care imagination at work in the text operates through the creative appropriation of space and the conceptualisation of future-oriented temporality, thereby facilitating the characters’ healing and growth. In I’ll Go on, the gender-based reflections on care illuminate the relationships among characters who form bonds and mature in the face of social poverty and discrimination. The process of character formation and growth through experiences of poverty and discrimination can be conceptualised as a cooperative practice of ‘commoning’, wherein diverse subjects transform one another within a shared space. This process of commoning becomes particularly visible through the creative appropriation of space, and the narrative’s configuration is especially striking in its exposure to the inhuman structures and desolation or space, even as it reconfigures that very space into one of hospitality and healing. Such a mode of appropriating space invites a more multi-layered consideration of the meanings embedded in the novel’s representations of alternative family structures and maternal narratives. That the care imagination in Hwang Jungeun’s fiction opens up a reflection of futurity reveals a subject who, while squarely facing the pessimism of the present, actively sustains an awareness of the possibilities of the future. The work’s careful delineation of the lives of individuals oppressed within a violent social reality, while simultaneously maintaining the possibility of forging solidarity with others, further opens up renewed possibilities for literary healing. Just as the assumption of complete reconciliation and recovery among characters within a literary work cannot itself be regarded as genuine healing, a pessimistic narrative does not necessarily signify the failure of healing. In this sense, the healing significance of literature consists in its narrative effort to apprehend the multidimensionality of life while remaining mindful of the inherent limits?or even the impossibility?of perfect healing.

This study rediscovered and introduced Kim Guyong’s prose poem Jichim Eomneun Sigak (指針 없는 時刻)(published in Saegajeong in 1954), which previous scholarship has not addressed, and examined the reasons for its exclusion from later poetry collections in relation to the poet’s critical writings. Jichim Eomneun Sigak is not merely an unpublished or omitted text but a symptomatic work in which the orientations and points of negation later articulated in Kim’s poetics appear in an early form. Structured around an event-centered narrative, the work can also be understood as an initial formal experiment leading to the development of a midlength prose poem, thereby offering valuable insight into a transitional shift in poetic perception. To clarify its relationship with Jichim Eomneun Sigye (指針 없는 時計), included in the collection Poetry , this study examines revision patterns evident in works such as Johon (吊魂)—In Mourning for Ten Brave Souls , Jeonggyeong (情景), and 4·19 Song . The analysis identifies changes such as the simplification of titles, the deletion of ornamental phrases and direct statements, and the compression of content, which weaken authorial purpose and expand ambiguity. These revisionary tendencies are interpreted as early indicators of the subsequent direction of poetry, from the 1960s onwards, toward untitled poems, and the heightened difficulty produced by conflicts between layers of consciousness in serial long poems such as Gugok (九曲) and Song Baekpal (頌百八). In particular, Jichim Eomneun Sigye , regarded as a compressed revision of Jichim Eomneun Sigak , may be considered a precursor to the aphoristic poetic world fully realized in Gugeo (九居) during the 1980s. By reconstructing the rediscovery and revision context of Jichim Eomneun Sigak , this study demonstrates that Kim Guyong’s poetic world was formed not through rupture but through continuous gradual experimentation and selfreflection, thereby contributing to the recovery of a transitional phase overlooked by existing research.

This paper examines the formative process of the modern Korean traditional fairy tale “Deer Lady.” The story of the Deer Lady can be found in Buddhist sources dating back to the third century. These stories are mostly based on the past lives of the Buddha and his parents and teach Buddhist doctrines, such as reincarnation and the merit of dana. The story of the Deer Lady also appears in local sources such as Yeojidoseo (輿地圖書) published during the Joseon Dynasty. This legend explains the origins of ruins or place names in Pyongyang and Anju. It is believed that the story of the Deer Lady in these local texts was not intended to teach Buddhist doctrine, but rather to be told as an interesting story in folklore. In the modern era, the Japanese translation of “Daesungsan(大聖山)” by Miwa Tamaki reflects Japanese colonial interest in Joseon tales that contained Joseon customs and psychology. At the opposite end of the spectrum, Joseon tales promote a sense of Korean identity and history through the medium of our old stories. In particular, through the recruitment of ‘tales’ that led to Choi Namsun and Bang Jeonghwan, these tales are collected, and these old stories are used in school education and cultural cultivation for Korean children. This process led to the formation of traditional fairy tale texts, a genre of modern literature. Park Youngman's “Twelve Thousand(열두삼천)” imagines children as the audience and adapts the story of the Deer Lady to a level that is suitable to children’s moral and educational development. Through Park Youngman's text, we can clearly identify one aspect of the formation process of traditional Korean fairy tales in modern times.

본 연구는 오윤희 소설 『영숙과 제이드』의 사례를 통해 미군 부대 기지촌 여성의 경험과 기억이 기지촌이라는 예외상태적 시・공간의 안팎을 경유해 서사화되는 방식에 주목하였다. 지금까지 기지촌 성매매 여성을 둘러싼 접근 방식은 국가·젠더·인종·민족과 같은 여러 축들을 바탕으로 식민 지배-피지배 관계에 놓인 남성 주체의 시각을 경유해 전개되어 왔다는 시각이 지배적이다. 이는 ‘순혈주의’ 혹은 ‘단일민족’과 같은 기표와 연동된 민족주의 담론이 성립되는 과정에서 내부적 동일성과 결속을 다지기 위해 기지촌 여성의 이미지가 활용되어 온 국면과 연관이 깊다. 본고가 주목한 『영숙과 제이드』는 기지촌 여성의 존재를 ‘피억압자·피착취자’의 획일화된 이미지로 구현해 온 당대의 남성 중심 지배 계급의 도식에 대한 저항과 전복을 시도한다. 이 과정에서 과거 역사적 사건을 직접 경험한 당사자의 목소리, 그리고 그 다음 세대와의 정동적 관계에 입각한 포스트메모리의 기록은 소설 전체의 서술 주체 및 서사 층위의 구조에까지 영향을 끼친다. 그리하여 이 소설이 궁극에 말하고자 하는 것은 식민적・민족적 이데올로기에 연루되어 타자로 규정되어 온 기지촌 여성의 삶의 궤적을 살피고 그것을 다시금 다음 세대의 포스트메모리로 이어감으로써, 기지촌 여성의 삶을 지난 세기의 이데올로기와 공적 기록에 대한 저항담론으로 재편하는 것이라 할 수 있다.

This study examines the narrative strategies of Oh Yun-hee’s Young-sook and Jade, focusing on how women’s experiences and memories in US military camptown villages are mediated through exceptional urban and spatial settings. Previous representations of camptown women have largely been framed through the perspective of male subjects within colonial domination?subjugation relations, intersecting with the axes of state, gender, race, and ethnicity. Within such frameworks, the image of the camptown woman was instrumentalised to reinforce nationalist identity and solidarity, often tied to notions of ethnic purity or cultural homogeneity. By contrast, Young-sook and Jade resists and destabilise this male-centered schematic, which has reduced camptown women to uniform and stigmatised images. The novel interweaves the voices of those who directly experienced historical events with post-memory articulated by the next generation, reshaping both narrative subjectivity and levels of narration. Ultimately, the novel seeks to trace the trajectories of camptown women?figures long defined as marginal within colonial and nationalist ideologies?and to reconstitute their lives as acts of resistance against dominant ideologies and public records of the twentieth century.

이 연구는 웹소설의 대체역사 장르 중 세종대왕 재위기를 다룬 작품들을 중심으로 웹서사 창작의 특성을 살펴보았다. 대체역사의 역사 해석은 상상력과 유희성을 기반으로 하지만 시공간적 배경과 인물의 특성은 고정적인 화소로 기능하고 있다. 이 연구는 세종기를 다룬 작품에서 반복되는 창작의 첫 번째 특성으로, 자신의 역량을 발휘할 수 있고 그것을 책무로 받아들이는 등장인물이 등장하며 그들의 수고가 세종에 의해 인정받는 것으로 꼽음으로써 가치 있는 세계에 대한 헌신을 특성으로 살폈다. 둘째로는 대체역사 소설에서 작가들이 대체하려는 역사적 분기점이 모두 수양대군의 즉위를 막고 적법한 후계자가 왕위를 계승하게 돕는 것으로 정리하였다. 이를 위해 왕자들과 신하들로 구성된 남성공동체가 공고히 구축되는 것을 볼 수 있었다. 셋째로는 테크노내셔널리즘과 팽창주의적 상상력이다. 미래 지식과 결합한 기술발전은 주변을 식민지화하여 제국을 형성하는 문법으로 등장한다는 점에서 주목해야 한다. 식민지 경험이 있는 국가에서 역으로 제국의 상상력을 펼치기 때문이다. 조선을 근대적 기술국가로 탈바꿈하려는 판타지를 통해 한국형 발전에 대한 자신감, 복권된 자부심을 대리만족하는 판타지를 제시하고 있다는 점에서 문제적이라고 보았다. 세종기에 집중해 전반적인 조선조 대체역사소설의 다채로움을 다루지 못한 점, 인접 장르와 공통적인 코드를 적극적으로 다루지 못한 점은 이 연구의 한계인 만큼 관련해서는 후속 연구로 다루고자 한다.

This study examines the characteristics of narrative creation by focusing on web novels in the alternative history genre that depict the reign of King Sejong. While alternative history relies on imagination and playfulness in its interpretation of the past, the spatiotemporal settings and characteristics of historical figures function as relatively fixed narrative units that shape narrative conventions. By analysing nine representative works set during the Sejong period, this study identifies several recurring patterns through close reading and comparative analysis. The first feature is the depiction of characters who exercise their capabilities, accept their historical responsibilities, and receive recognition from King Sejong. This narrative structure foregrounds devotion and labour directed toward a world presented as morally worthy of commitment, thereby reinforcing the moral legitimacy of the imagined historical order. The second feature concerns the historical point of divergence. Across all the web novels examined, authors have consistently reimagined history by preventing Prince Suyang’s accession to the throne and enabling the succession of a legitimate heir. In this process, a consolidated male community composed of princes and officials is conceived of as a central narrative force that stabilises succession and supports royal authority and competence. The third feature is the emergence of techno-nationalism, accompanied by an expansionist imagination. Technological development combined with future knowledge is presented through the narrative logic of colonial expansion and empire-building, a formulation that warrants critical attention insofar as a nation with a history of colonial occupation imaginatively assumes an imperial position. By reimagining Joseon as a modern technological state, these narratives offer a fantasy that vicariously affirms confidence in a Korean model of development and a restored sense of national pride, while simultaneously revealing underlying ideological tensions. This study’s focus on the Sejong period restricts engagement with the broader range of Joseon-era alternative history web novels and narrative codes shared with adjacent genres. These are proposed as a topic for future research.

현재 한국문학 연구에서 80년대 연구는 당대 활동했던 작가들의 문학작품에 국한되어 있지 않고 다양한 문화사적 자료를 통해 80년대 문학·문화사로 총괄될 수 있는 범위로 확장되었다. 본 연구는 문학사와 문화사의 관계를 스피박의 이중구속(double bind) 개념으로 규정하여 시와 역사라는 두 가지 본질주의로부터 벗어나 두 요소 사이에 성립하는 복합적 관계를 포착함으로써 ‘해체시’와 ‘여성시’라는 80년대 한국 시사의 두 범주를 현재화하는 것을 주된 목적으로 삼는다. 1980년대 시사의 지형도를 이루는 민중시, 해체시, 여성시라는 세 주제의 형성에 크게 기여한 황지우의 「벽」 연작을 KBS 〈이산가족을 찾습니다〉 캠페인과 겹쳐 읽고, 김혜순의 「딸을 낳던 날의 기억」을 제3세계 가족계획 정책사와 더불어 독해한다. 시인론이나 작품론이 아닌 문학사적 범주를 주된 연구대상으로 상정함으로서 문학사가 구성되어 온 원리를 재독하고 이를 80년대 문학·문화사가 가진 현재의 관점으로 유의미하게 갱신할 수 있는 방법을 제시하고자 한다.

Current research on Korean literature in the 1980s is no longer confined to the literary works of writers active during that era. It has expanded to encompass the broader scope of 1980s literary and cultural history through diverse cultural-historical materials. This study aims to re-examine the two major categories of 1980s Korean poetry history?‘deconstruction poetry’ and ‘women's poetry’?by defining the relationship between literary history and cultural history through Spivak’s concept of the double bind. It seeks to escape the dual essentialisms of poetry and history, capturing the complex relationship established between these two elements. It overlays Hwang Ji-woo’s “Wall” series?which significantly shaped the three themes defining 1980s poetry: popular poetry, deconstructionist poetry, and women’s poetry?with the KBS “Searching for Separated Families” campaign, and interprets Kim Hye-soon’s “Memories of the Day I Gave Birth to My Daughter” alongside the history of Third World family planning policies. By setting literary historical categories?rather than poetics or textual analysis?as the primary research subject, this study aims to re-examine the principles by which literary history has been constructed and propose ways to meaningfully renew these principles from the contemporary perspective of 1980s literary and cultural history.

이 글은 김채원, 오정희, 박완서 소설을 중심으로 한국 현대 여성 소설에 나타난 여성 주체의 변모 양상을 고찰한 박사학위 논문을 재구성한 글이다. 세 작가의 소설에 나타난 여성 주체는 가부장제 이데올로기에 저항하며 새로운 윤리와 규범으로 나아간다. 이 과정을 ‘보기’, ‘되기’, ‘말하기’로 구체화하고, 이를 여성 주체의 변모 양상의 흐름으로 논의한다. 김채원, 오정희, 박완서 소설의 여성적 글쓰기는 환상, 광기, 일탈의 언어를 통해 여성 주체성을 형상화한다. 또한 여성 주체의 변모 양상은 김채원 소설의 ‘환’, 오정희 소설의 ‘넋’, 박완서 소설의 ‘말뚝’이라는 상징을 통해 각각 ‘눈’, ‘몸’, ‘세계’의 재의미화로 확장되어 나타난다. 특히 이 글은 오정희 소설에 나타난 ‘되기’의 여성 주체가 ‘몸’의 문제를 통해 가장 역동적인 변모를 드러낸다는 점에 주목한다. 들뢰즈의 ‘되기’ 개념과 브라이도티의 ‘유목적 주체’ 이론을 적용하여 오정희 소설에 나타난 여성 주체가 남근중심적 규범에 의해 영토화된 신체를 전복하고 ‘비인간-되기’에 이르는 양상을 살펴본다. 또한 김채원의 ‘보기’가 타자의 형상을 복원하는 문제, 오정희의 ‘되기’가 경계를 교란하는 문제, 박완서의 ‘말하기’가 타자를 애도하며 박탈에 맞서는 문제를 중심으로 여성 주체의 면모가 드러나는 흐름을 고찰한다. 이러한 변모 양상에 대한 고찰을 통해 한국 현대 여성 소설에 나타난 여성 주체가 회복하는 훼손되지 않은 여성적 사랑과 그 다층적이고 윤리적인 여성 주체성을 규명한다.

This article reconstructs a doctoral dissertation that examines the transformation of female subjectivity in modern Korean women’s novels, focusing on the novels of Kim Chae-won, Oh Jung-hee, and Park Wan-seo. The female characters in these works resist patriarchal ideology and explore the possibility of new ethics and norms. This study conceptualizes this process through three stages?Seeing, Becoming, and Speaking?and analyzes the flow of female subject formation and transformation. The feminine writing of the three authors expresses female subjectivity through the language of fantasy, madness, and deviation. Furthermore, the transformation of female subjectivity expands into the re-signification of the eye, body, and world, symbolized respectively by ‘Hwan’, ‘Neokt’, ‘Malttuk’. In particular, the female subject of Becoming in Oh Jung-hee’s novels reveals the most dynamic transformation through the issue of the body. Drawing on Deleuze’s concept of ‘Becoming’ and Braidotti’s ‘Nomadic Subject’ theory, this study analyzes how the female subject in Oh Jung-hee’s novels subverts the body territorialized by phallocentric norms and advances toward ‘Non-human becoming’. The study also examines the common transformative trajectory of the three authors’ female subjects, focusing on how Kim Chae-won’s ‘Seeing’ restores the image of the Other, how Oh Jung-hee’s ‘Becoming’ disrupts boundaries, and how Park Wan-seo’s ‘Speaking’ mourns the Other and resists deprivation. Through this discussion, the study identifies how modern Korean women’s novels restore an uncorrupted form of feminine love and articulate a multilayered and ethical female subjectivity.

이 글은 ‘플랫폼 문예 장치’라는 개념을 통해 웹서사 플랫폼이 작가·작품·독자를 구성하는 문예적 작동 방식을 분석한다. 우선 푸코, 들뢰즈, 아감벤의 장치론을 참조하여 문예 장치의 개념적 가능성을 검토하고, 플랫폼 자본주의와 플랫폼화의 논의를 통해 현대의 플랫폼이 문예 장치로 기능하는 양상을 규명하였다. 나아가 네이버의 웹툰·웹소설 플랫폼을 사례로 플랫폼 문예 장치의 구체적 구성 방식을 살펴보았다. 이를 통해 플랫폼이 독자 성향에 따라 웹툰과 웹소설을 계열화하며 두 서사 장르의 연계를 강화하는 양상을 분석하였다. 또한 플랫폼 내부의 작품 게시판 구조에 대한 분석을 통해, 작품 게시판에서 이루어지는 작가와 독자 간 상호작용 양상이 서사의 생성과 변화를 유도하면서 웹툰·웹소설의 문예 담론 형성에 기여함을 알 수 있었다. 아울러 웹서사의 문예 담론 역시 작품에 대한 비평적·규범적 인식을 생성하면서, 작가·작품·독자의 형성에 관여하는 것이기도 하다.

This paper analyzes the literary mechanism through which web narrative platforms construct authors, works, and readers by introducing the concept of the “Platform as a Literature Dispositif.” Drawing on the theories of Foucault, Deleuze, and Agamben, it first examines the conceptual possibilities of the literary dispositif and, through discussions of platform capitalism and platformization, identifies how contemporary platforms function as literary dispositifs. Using Naver’s webtoon and web novel platforms as a case study, the paper explores the specific structures that constitute the Platform as a Literature Dispositif. Through this analysis, it reveals how the platform aligns webtoons and web novels according to readers’ preferences and thereby reinforces the connection between the two narrative genres. Furthermore, an examination of the internal bulletin board structure shows that interactions between authors and readers within these boards stimulate the creation and transformation of narratives, contributing to the formation of literary discourse in webtoons and web novels. In addition, such web narrative discourse generates critical and normative perceptions of works, thereby participating in the shaping of authors, works, and readers alike.