Earticle

이 논문에서는 고려대 미디어문예창작학과의 사례를 중심으로 문예창작학과의 변화과정을 살펴보고 교육목표와 방법의 개선책을 모색해본다. 2007년 미디어문예창작학과로 명칭 변경한 것을 기점으로 고려대 미디어문예창작학과는 학습자 중심의 교육이념과 교육과정을 추구해왔다. 따라서 문예창작학과 고유의 문학 전문가 교육에 더해 미디어 융합 능력을 갖춘 창의적 인재 양성을 목표로 한다. 이와 같은 방향 전환에 대한 학습자들의 만족도를 파악하고 개선책을 모색하기 위해 최근 실시했던 설문조사와 자문위원 의견을 참조하여 교육과정과 비교과 프로그램에 대한 요구를 분석해본다. 교육과정에 대한 재학생들의 만족도를 조사한 결과 교육과정과 강의에 대한 만족도가 높게 나타난 것에 비해 전공교과목의 개설 수와 다양성에 대한 만족도는 상대적으로 낮은 것으로 나타난다. 학생들이 신설을 원하는 교과목은 대부분 미디어 융합 능력과 관련되는 것이어서 이와 관련된 다양한 교과의 개발이 요구된다. 졸업생들의 설문을 통해서는 문예창작학과의 기본 교육을 충실하게 수행하면서, 새로운 미디어 환경과 융합할 수 있는 교과나 취업과 연계되는 실용적인 교과를 개발해야 한다는 사실을 확인할 수 있다. 교과과정 외에 비교과과정 프로그램은 학습자 개개인의 자율적인 역량 개발을 위해 긴요하다. 재학생들의 호응도가 높은 프로그램이나 졸업생들이 요구한 새로운 프로그램들을 참조하여 양질의 프로그램을 더 체계적으로 개발할 필요가 있다. 설문조사와 함께 실시한 전문가 자문위원들의 자문을 통해서는 창작교육의 구심점이 될 만한 일관성 있는 교육목표를 설정하고 이에 부합하는 교육 방안을 모색해야 한다는 것을 확인할 수 있다. 학생들의 요구를 반영한 교과목 개설도 중요하지만 지나치게 시류에 따라 반응하는 것보다는 창작교육의 본령을 지키며 교육 역량을 집중해나가야 한다. 이상의 설문조사 결과와 요구 분석을 통해 학습자 중심의 교육을 지향하는 고려대 미디어문예창작학과의 교육이념을 지켜가며 기본적인 창작교육을 바탕으로 새로운 미디어 환경에서 학습자의 창의력을 극대화할 수 있는 교육과정을 효율적으로 개발해나가야 한다는 것을 확인할 수 있다.

In this paper, focusing on the case of the Department of Creative Writing and Media Studies at Korea University, the process of change in the Department of Creative Writing was examined, and measures to improve educational goals and methods were sought. Since its name was changed to the Department of Creative Writing and Media Studies in 2007, the Department of Department of Creative Writing and Media Studies at Korea University has pursued learner-centered educational ideology and curriculum. Therefore it aims to cultivate creative talents with media convergence capabilities in addition to the education of literary experts unique to the Department of Creative Writing. The demand for the curriculum and comparison program was analyzed by referring to the recently conducted survey and advisors’ opinions to understand learners’ satisfaction with this change of direction and seek improvement measures. As a result of examining the satisfaction of students with the curriculum, the satisfaction with the curriculum and lectures was high, while the satisfaction with the number and diversity of major subjects was relatively low. Most of the subjects that students wanted to establish were related to media convergence ability, so the development of various related subjects was required. Most of the subjects that students wanted to establish were related to media convergence ability, so the development of various related subjects was required. Through the graduates’ surveys, it was confirmed that while faithfully carrying out the basic education of the Department of Creative Writing, practical subjects that can be fused with a new media environment or related to employment should be developed. In addition to the curriculum, the irregular curriculum are important for the autonomous development of each learner. It is necessary to develop quality programs more systematically by referring to programs that are highly responsive to students or new programs requested by graduates. Through the advice of expert advisors conducted with the survey, it was confirmed that consistent educational goals that could be the center of creative education should be set and educational measures should be sought. It is important to open a course that meets the needs of students, but it was found that we should focus on our educational capabilities by keeping the essence of creative education rather than reacting too much with the times.

본 연구는 인문대학 소속 문예창작학과의 변화와 문예창작학의 존립 방안에 대한 점검을 목적으로 한다. 동아대학교 학부 한국어문학과와 일반대학원 인문사회계열 한국어문학과의 통합 이전과 이후 변화 양상을 살펴본다. 문예창작학과라는 학과 단위에서 출발한 문예창작학이 전공랩 단위로 축소되고, 축소된 현실에서 입지를 형성해나가는 방안을 개진한다. 이론과 실습 두 영역의 교과목을 하나로 통합하여 밀도 있게 운용하는 방법과 밀착형 학부 전공 지도를 통해 창작 전공 희망 학생의 지속적인 학습 요구와 대학원 진학을 견인하는 방법을 제시한다. 구체적으로 2015년 학부 한국어문학과와 2021년 대학원 한국어문학과로 개편된 동아대학교 한국어문학과의 문예창작 교육 현실과 운영 사례를 필자의 전공인 소설 창작과 연구를 중심으로 다각도로 살펴보면서 문예창작학의 위치와 존립 방안을 개진해나간다. 이를 위해 학부와 대학원의 교과목 개발은 물론 학생 선택형 고교학점제에 따른 고교섬머/윈터스쿨 참여 및 프로그램 개발, 교내외 비교과 서사 원형 발굴 프로그램 개발, 학부생의 밀착형 전공 심화 제도인 연구학점제와 도전학기제 시행, 학부생의 학석사연계과정 및 대학원 석사과정 진학을 위한 연구지원과 국내외 필드워크 등의 다양한 창작 교육 운영 사례를 구체적으로 제시한다. 다년간 축적해온 사례들을 통해 고교와 대학, 대학원에 이르는 문예창작 전공 영역의 토대를 재확인하고, 새로운 저변 확대를 모색하면서, 문예창작학의 존립 방안을 점검한다.

The purpose of this study is to examine the changes in the Department of Creative Writing in the College of Humanities and the plan for the existence of Creative Writing. We look at the changes before and after the integration of the Department of Korean Language and Literature at Dong-A University and the Department of Korean Language and Literature at the Graduate School of Humanities and Social Sciences. Creative Writing, which started as a department unit called the Department of Creative Writing, is reduced to a unit of major lab, and a plan to form a position in the reduced reality is presented. It suggests a method of integrating the subjects of the two areas of theory and practice into one and densely operating them, and a method of driving the continuous learning demand of students who wish to major in creative arts and entering graduate school through close-fitting undergraduate major guidance. Specifically, while examining the reality and operation cases of creative writing education at Dong-A University, which was reorganized into the Department of Korean Language and Literature in the undergraduate department in 2015 and the Department of Korean Language and Literature in the graduate school in 2021, from various angles, focusing on my major, novel creation and research, the position and existence plan of creative writing studies progressing To this end, not only undergraduate and graduate school course development, but also high school summer/winter school program development according to the student-selective high school credit system, development of a program for excavating narrative prototypes of comparative subjects both inside and outside the school, implementation of the research credit system and challenge semester system, which are closely related major systems for undergraduate students, It presents specific cases of development and operation of various creative education programs such as research support for the bachelor’s and master’s degree program and graduate school’s master’s course, and fieldwork at home and abroad. Through these cases accumulated over many years, we reconfirm the foundation of the field of Creative Writing, from high school to college and graduate school, and examine the plan for the existence of Creative Writing while seeking a new base expansion.

이연구는 현대 한국 SF의 문제의식과 성과를 확인하는 데에 목표를 두고있다. 2010년대 후반 이후 현재까지 한국의 SF는 질적, 양적으로 큰 성장을 보이고 있다. SF는 이제 매우 현실적인 장르이며, 나아가 포스트휴먼 시대인 현재의 문제의식을 반영하는 장르이다. 이에 이 연구는 포스트휴머니즘의 정립을 위한 인간의 경계 해체라는 주제를 실현하는 세 작가를 대상으로 하였다. 각각의 작품들이 어떠한 경계에 도전하며 어떠한 방식으로 그 경계를 해체하는가를 확인해 보고자 하였다. 2, 3, 4장은 각각의 작가들의 작품을 대상으로 하여 이들이 문제시하는 대상을 확인하고 그것을 어떠한 방식으로 그것의 해체를 시도하는가를 본격적으로 분석하였다. 김보영은 권위적 시각 개념의 해체를 위하여 새로운 시각적 주체들을 발견해 낸다. 이들이 바라보는 세상을 경험하면서 우리는 비로소 인간의 규정 아래에서만 바라보는 세상이 가진 편협성을 확인할 수 있었다. 김초엽은 정신과 신체의 이분법에 대해 도전하며, 그중 무엇을 선택하지 않고 애매함의 경계에 있는 존재들을 그려낸다. 이 존재들은 둘 중 무언가를 선택하지 않고 단지 경험하고 느낌으로써 계속 변화해가는, 새로운 형태의 주체를 형성해 낸다. 끝으로 천선란은 인간이 가진 사랑의 개념을 재해석한다. 그의 작품 속 존재들의 사랑은 인간이 생각하고 있는 결말에 다다를 수 없으나, 인간의 사랑보다 훨씬 강력하게 작동하는 보다 보편적인 형태의 사랑을 실현하는 이들로 그려진다.

This study aims to confirm the problem awareness and achievements of modern Korean SF. Since the late 2010s, Korean SF has shown great growth both qualitatively and quantitatively. SF is now a very realistic genre, and furthermore, it is a genre that reflects the current problem consciousness in the post-human era. Therefore, this study targeted three writers who realized the theme of dismantling human boundaries for the establishment of posthumanism. In addition, this study tried to check what boundaries each work challenges and how to dismantle those boundaries. Chapters 2, 3, and 4 examine each artist’s work, identify the subjects they have a problem with, and analyze in earnest how they attempt to dismantle it. Kim Boyoung discovers new visual subjects for the deconstruction of the authoritative visual concept. Experiencing the world they see, we were able to confirm the narrowness of the world that we see only under human regulations. Kim Choyeop challenges the dichotomy of mind and body, drawing beings at the border of ambiguity without choosing any of them. These beings form a new type of subject that does not choose between the two and continues to change just by experiencing and feeling. Lastly, Cheon Seonran reinterprets the concept of love that humans have. The love of beings in her works cannot reach the happy end that humans think of, is depicted as people who realize a more universal form of love that works much more powerfully than human love.

SF장르는 포스트휴먼에 대한 질문을 가장 적극적으로 담당해왔다. 그것은 ‘상상’에 불과한 것이었으나, 그 허구는 실상 일종의 예측에 가까운 것이었다. 하드 SF의 이야기는 실제 과학 발전의 아이디어이자 지향이 될 수 있었을 만큼 장르의 명칭이 내포하고 있는 ‘과학(science)’의 속성은 실제 인류의 진보과정과 무관하지 않았고, 이것은 포스트휴먼 담론에 있어서도 마찬가지이다. 포스트휴먼이란 하나의 단일한 형태가 아닌 다양한 가능성을 지니는 양태들인데, 흥미롭게도 <승리호>는 ‘인공지능’과 ‘생물학적 인간에 대한 개선’이라는 포스트휴먼의 대표적 두 가지 형태를 모두 보여주고 있다. <승리호>는 SF장르에 대한 대중 영화이자 한국형 스페이스오페라에 대한 첫 시도라는 의미를 갖는다. 이 글은 SF영화 <승리호>에서 핵심 캐릭터로 등장하는 포스트휴먼을 통해 ‘인간, 그 이후’의 새로운 주체로서 포스트휴먼에 대한 논점들을 분석해보고자 한다.

The SF genre has been most actively responsible for questions about post-humans. It was just an ‘imagination’, but the fiction was actually close to a kind of prediction. The nature of ‘science’ implied by the name of the genre was not irrelevant to the actual progress of mankind. Therefore, the story of hard science fiction could have been an imagination and orientation of actual scientific development. And this is the same for posthuman discourse. Posthumans are aspects that have various possibilities, not a single form. Interestingly, “Space Sweeper” shows both the two representative forms of posthuman, artificial intelligence and improvement in biological humans. “Space Sweeper” is meaningful as a mainstream movie about the SF genre and the first attempt at a Korean-style space opera. This article aims to focus on posthumans appearing as key characters in the SF film “Space Sweeper”. Through this, it is to analyze the issues of posthuman as a new subject of ‘human beings, thereafter’.

이 논문은 TV 드라마 <듀얼>에 나타난 복제인간의 양상을 연구하면서 한국 SF가 어떤 방식으로 복제인간을 소화해 내고 있는지 서사 구조를 통해 살펴보고자 한다. 이를 위해 <듀얼>에 나타난 복제인간들의 선악 대결 구도와 만능 치료제를 둘러싼 부자와 빈자의 계층 갈등 구조를 복합적으로 다룬다. 이는 복제인간을 둘러싼 사람들의 힘의 불균형과 포스트휴먼의 타자성이라는 측면에서 미래사회 윤리 문제에 접근하려는 것이다. 4차산업혁명의 초입에 들어서면서 포스트휴먼에 대한 논의가 점점 뜨거워지고 있다. 포스트휴먼이란 다양한 기술의 발전으로 인해 나타나는 새로운 인간형으로 대표적으로 인공지능 로봇이나 복제인간이 있다. 복제인간은 살아있는 생명체를 기술적 대상으로 한다는 점에서 심각한 윤리적인 문제를 가지고 온다. 그러나 아직 복제인간에 대한 인문학적 고찰은 찾아보기 힘들다. 인류는 이미 개구리·쥐·양·개 등의 동물들을 복제하는 데 성공했으며 이는 인간 복제 현실화에 대한 논란을 일으킨다. 생명을 조작할 수 있는 기술은 이미 완성 단계에 왔지만 이에 대한 관심은 많지 않다. 이러한 시점에서 이 글은 복제인간 소재를 본격적으로 다룬 초기 작품인 <듀얼>에 주목하고자 한다. <듀얼>은 만약 복제인간이 존재한다면 어떤 양상으로 우리 사회에 자리하게 될지 매우 현실적으로 접근하였다. 특히 시간적 배경을 미래가 아닌 2017년으로 설정하여 현실성을 높였다. 비록 <듀얼>은 드라마로서 작품성도 낮고 시청률도 매우 저조했지만 한국 SF 장르가 복제인간을 다루는 첫 단추를 어떤 방식으로 꿰고 있는지 살펴볼 수 있다는 데 의의가 있다. <듀얼>은 겉으로는 선악으로 나뉜 복제인간들의 대결을 그리고 있지만, 그 내면을 면면히 살펴보면 만능 치료제를 둘러싼 부유한 자와 가난한 자의 갈등을 나타내고 있다. 어리고 가난한 여자아이에게 만능 치료제가 사용되는 해피엔딩을 그리는 듯 보이지만 그 과정에서 가난한 주인공 대부분이 다치거나 죽는 장면을 통해 미래 사회의 의료 복지에 대해 묵직한 질문을 던진다. 치료제의 실험 대상이었던 죄수들과 복제인간의 고통을 그리면서 실험실의 동물과 같은 존재로 전락해 버린 사회적 약자들에 대한 묘사도 나타냈다. 특히 복제인간이 인간의 고통을 대신하는 실험 대상이나 대용품으로 여겨지는 상황을 통해 인간의 타자로서 고통받을 수 있는 복제인간에 대한 윤리를 생각하게 한다. <듀얼>의 중요한 인물 대부분은 본인의 생존을 위해 다른 사람을 해쳐야 하는 갈등 상황에 놓이게 된다. 이는 생명 윤리에 대해 고민하게 한다. 또한 자본에 종속되어 불법 실험을 진행한 과학자들을 통해 과학 윤리에 대한 고찰도 유도한다. 이처럼 TV 드라마 <듀얼>은 복제인간을 둘러싼 사람들의 힘의 불균형과 포스트휴먼의 타자성에 대한 묘사를 구현해 냈다.

This thesis aims to examine the aspects of human clones in the TV drama “Duel” through the narrative structure of how Korean science fiction digests human clones. To this end, the conflict between good and evil between cloned humans in “Duel” and the hierarchical conflict structure between the rich and the poor over the universal cure will be dealt with in a complex way. This is to approach the ethical issues of the future society in terms of the power imbalance of people surrounding cloned humans and the otherness of posthumans. As we enter the beginning of the 4th industrial revolution, discussions about posthumans are getting hotter. Posthuman is a new type of human that appears due to the development of various technologies, and representative examples include artificial intelligence robots and human clones. Cloned humans bring a serious ethical problem in that living organisms are used as technological objects. However, it is still difficult to find a humanistic study on cloned humans. Humans have already succeeded in cloning animals such as frogs, mice, sheep, and dogs, which raises controversy about the realization of human cloning. The technology that can manipulate life has already reached the stage of completion, but there is not much interest in it. From this point of view, this article will pay attention to “Duel”, an early work that dealt with the material of human clones in earnest. “Duel” If human clones exist, we have approached very realistically how they will be positioned in our society. In particular, the temporal background was set to 2017, not the future, to enhance reality. Although “Duel” was a drama with low quality and very low viewership ratings, it is meaningful in that it shows how the Korean SF genre is getting the first button to deal with human clones. “Duel” depicts a confrontation between cloned humans divided into good and evil on the outside, but on the inside, it shows the conflict between the rich and the poor over the universal cure. It seems to draw a happy ending in which a universal cure is used for a young and poor girl, but in the process, most of the poor protagonists are injured or die, raising serious questions about medical welfare in the future society. It also depicts the socially underprivileged, who have been reduced to beings like animals in a laboratory, while depicting the suffering of prisoners and cloned humans who were test subjects for treatments. In particular, it makes us think about the ethics of cloned human beings who can suffer as human beings through the situation in which human clones are regarded as test subjects or substitutes for human suffering. Most of the important characters in “Duel” find themselves in conflict situations where they have to harm others for their own survival. This makes me think about bioethics. In addition, it induces consideration of scientific ethics through scientists who conducted illegal experiments under capital. As such, the TV drama “Duel” embodied the depiction of the power imbalance of people surrounding cloned humans and the otherness of posthumans.

장애인의 “문화적 시민권 담론”은 현재 비장애인과 동등한 문화소비를 할 수 있는 보편적 인권의 영역으로 인식되면서 국가의 경계를 너머 확장되어가고 있다. 때문에 이제 해외투자를 받는 한국의 콘텐츠 제작사들은 물론 창작활동에 종사하는 예술가들, 미디어기업들도 장애인들의 문화적 시민권을 고려한 거대한 방향전환이 필요한 시점이다. 본 논문은 장애인들에 대한 사회문화적 편견으로 작용해 온 “장애의 내러티브”를 개선해가야 한다는 문제의식을 바탕으로, 한국에서는 이론적 토양이 취약한 장애인예술운동에 관해 실천적 이론의 기반을 마련하자는 목적에서 쓰여졌다. 본 논문의 항목은 크게 세 부분으로 나누어진다. 첫째 장에서는 비장애인에 의해 주도되어 온 “장애인 내러티브”의 형성과정과 특징, 그리고 장애인에 대한 부정적 내러티브를 넘어 배리어 프리(barrier-free) 문화를 형성해 가기 위한 장애인 예술운동의 지향점을 탐구하였다. 둘째 장에서는 한국에서 장애인 영화제로 출발한 “가치봄 영화제”의 사례를 통해 장애인 리터러시 운동의 현황을 점검했다. 그리고 장애인의 독특한 ‘공감각적’ 지각과정과 표현, 그리고 자기인식에 대해 중요한 통찰을 담고 있는 영화 「빛나는」(Radiance/102분/가와세 나오미(Naomi Kawase) 감독)을 분석하였다. 셋째 장에서는 장애인 행위예술가 강성국의 ‘몸시’ 공연을 테마로 한 독립다큐멘터리 「내가 알지 못했던 것」을 장애인과 비장애인의 소통과 장애인에 대한 인식이라는 관점에서 분석했다. 「내가 알지 못했던 것」(107분/한혜성 감독)은 한혜성 감독이 강성국의 베를린 공연에 동행하며 제작한 다큐멘터리이다. 논자는 텍스트에서 장애인예술가의 표현을 위한 욕망과 좌절감, 그리고 감독이 비장애인으로서 느끼는 ‘불편함’의 감각에 주목함으로써 ‘장애’에 대한 고정관념을 스스로 발견하게 되는 감독의 내레이션과 강성국의 독백 등을 교차 분석하였다. 특히 일반적으로 ‘시각’ 중심적인 비장애인의 인식법과는 달리, 인식과 표현의 매개로 ‘몸시’를 내세운 장애인 행위예술가 강성국의 사례를 통해 감각의 손상을 입은 장애인들의 공감각적 지각법과 몸의 인식법을 분석했다. 그리고 비장애인과는 다를 수 있는 인식과 표현의 조건들에 대한 이해와 ‘포용’이 전제되어야만 배리어 프리(barrier-free) 문화와 포용사회로의 진전도 가능하다는 결론을 도출하였다.

Based on the awareness of the need to improve the “narrative of disability,” which has served as a socio-cultural bias against the disabled, this paper was written to lay the foundation for practical theories about the disabled’s art movement, which is vulnerable to theoretical soil in Korea. The items of this paper are largely divided into three parts. Chapter 1 explores the formation and characteristics of “disabled narratives” led by non-disabled people, and the direction of the disabled art movement to form a barrier-free culture beyond negative narratives for the disabled. In the second chapter, the current status of the disabled literacy movement was examined through the case of the “Value Bom Film Festival,” which started as a film festival for the disabled in Korea and has shown excellent films for the disabled as a project-type film festival. In addition, the movie “Shining” (Radiance/102 minutes/Director Naomi Kawase), which contains important insights on the unique “sympathetic” perceptual process, expression, and self-awareness of the disabled, was analyzed. In the third chapter, an independent documentary titled “What I Didn’t Know” under the theme of Kang Sungguk, a disabled performance artist, was analyzed from the perspective of communication between the disabled and the non-disabled and perception of the disabled. 「What I Didn’t Know(107 minutes/Director Han Hyesung) is a road documentary produced by director Han Hyesung himself while accompanying Kang Sungguk’s Berlin performance. The commentator cross-analysis of the director’s narration and Kang Sungguk’s monologue, which discover the stereotype of “disability” by paying attention to the desire and frustration for the disabled artist’s expression in the text and the sense of “inconvenience” that the director feels as a non-disabled person. In particular, unlike the ‘visual’-centered non-disabled perception method, the synesthetic perception method and body recognition method of the disabled were analyzed through text analysis in other chapters, along with the case of Kang Sungguk, a disabled performance artist who put ‘body’ as a medium of perception and expression. In addition, it was concluded that a true understanding of disabled art and progress toward a barrier-free culture and an inclusive society are possible only when the understanding and ‘inclusiveness’ of the conditions of perception and expression that may be different from non-disabled people are premised.

이 논문은 2010년대 이후 한국 SF가 과학기술과 존재론적 의미에서의 사이보그적 상상력을 교차, 전유하여 드러내는 장애의 형상과 그 윤리적 가능성의 의미를 모색한다. 그리고 이를 통해 결국 결핍된 것처럼 보이는 존재들이 결핍을 장애로 낙인찍지 않으며 기꺼이 서로의 세계가 되어주는 상호의존의 윤리를 규명할 것이다. 2010년대 이후 한국 SF소설은 이 장르에게 기대하는 바에 부응하듯 더욱 다양한 목소리를 내며 미래 사회를 추론하며 인간 존재를 분석하고 있다. 이들이 장애 주체를 소환하는 방법은 크게 세 가지가 있다. 우선, 정상적이고 자유로운 신체를 지녔던 인간들이 신체의 노화나 경제적인 이유로 생물학적 자율성을 잃어가는 존재가 되어갈 때 장애는 기술적·사회적 범주에서 이들을 격하시키는 기제로 작동한다. 이때 세계는 과학기술을 이 장애 주체들을 지우는 데 사용한다. 두 번째, 과학기술을 장애를 보완할 보철물로 사용하는 경우이다. 이들은 자신의 손상을 메꾸는 방법으로 기술을 이용하고 있지만, 그렇다고 과학기술이 더 정상인, 더 완전한 인간으로 만들어준다는 트랜스휴머니즘적 낙관에 경도되지 않는다. 그들은 기술로 자신의 장애를 가리며 비장애 주체처럼 자신을 꾸미려 하지 않는다. 자신의 장애를 있는 그대로 드러내며 기술을 그저 효과적인 도구로 이용할 뿐이다. 세 번째, 장애 주체들은 자신의 장애에 적응하며 환경을 자신에 맞게 창조적으로 변형시킨다. 이때 장애라는 속성은 종까지 초월하는 상호의존의 매개가 된다. 결핍된 인간과 결함 있는 비인간은 일종의 장애 주체로 부상하며, 서로의 불완전함을 통해 각자를 돌아본다. 이들은 자신들이 할 수 있는 모든 방법을 동원하여 서로의 세계가 무너지지 않도록 간섭하는 ‘타자-되기’를 실현하며 불안한 세계 앞에서 마지막까지 연대의 손을 놓지 않는다. 이처럼 장애의 형상화를 통해 서사를 돌아볼 때, 우리는 비인간이 인간의 동질성과 완전한 세계를 침범하는 이해할 수 없는 타자라는 노골적인 경계에서 벗어나 그 비정상적인 존재가 우리 곁의 존재 그리고 ‘나’일 수도 있음을 깨닫는다. 우리가 지녀야 할 윤리가 무엇인지 재사유하게 되는 것이다.

Since the 2010s, this study explores the shape of disability and the meaning of its ethical possibilities, in which Korean SF intersects and exclusively reveals cyborg imagination in terms of science and technology and ontological meaning. And through this, beings who appear to be deficient in the end do not brand deficiency as a disorder, but will willingly identify the ethics of interdependence that become each other’s world. Since the 2010s, Korean science fiction have been analyzing human beings by inferring future society with more diverse voices as if to meet the expectations of this genre. There are three main ways for them to summon disabled subjects. First of all, when humans with normal and free bodies become beings who lose biological autonomy due to aging of the body or economic reasons, disability acts as a mechanism to downgrade them in technical and social categories. At this time, the world uses science and technology to erase these obstacles. However, this has the effect of revealing the disorder more than normalizing the subject. Second, it is the case that science and technology are used as prosthetics to compensate for the disability. They are using technology as a way to compensate for their damage, but they are not alarmed by the transhumanistic optimism that science and technology make them more normal and more complete human beings. Third, disability subjects adapt to their disabilities and creatively transform the environment to suit themselves. At this time, the attribute of disability becomes a medium of interdependence that transcends species. Deficient humans and defective non-humans emerge as a kind of disability subject, and each person looks back through each other’s imperfections. They do not let go of the hand of solidarity until the end in front of an unstable world, realizing “becoming-other” by interfering in every way they can to prevent each other’s world from collapsing. Looking back at the narrative through the shaping of disability, we can break away from the explicit boundary that non-human beings are human homogeneity and incomprehensible hitters invading the complete world, and realize that the abnormal beings may be beside us and “me.” We are rethinking what ethics we should have.

상상 놀이는 아동의 놀이에서 대부분을 차지하고 있다. 아동은 현실적인 제한에서 벗어나 자신의 요구에 따라 모든 것을 해결하려고 시도하는 경향이 있다. 아동은 경험과 관찰을 바탕으로 목적 없이 자유롭게 상상하며 놀이를 다양한 형태로 발전시킨다. 상상 놀이에서 아동은 사물이나 대상을 실제와 다른 용도로 변형하고 활용하면서 추상적인 사고를 하고 실제 생활에서 벗어나 자신의 감정이나 행동을 자유롭게 표출한다. 또한 상상 놀이에서 이루어지는 동화와 조절의 균형은 사물과 환경에 대한 자기중심적인 관점에서 벗어나 합리적이고 객관적인 관점으로 아동을 나아가게 한다. 본고에서는 백희나의 그림책이 일상 소재를 바탕으로 한 아동의 상상 놀이를 세밀하게 드러낸다는 점에 착안하여 백희나의 그림책 『구름빵』, 『분홍줄』, 『장수탕 선녀님』, 『달 샤베트』, 『이상한 엄마』, 『알사탕』, 『이상한 손님』에 나타난 상상 놀이의 특성과 의미를 고찰하였다. 먼저, 자연을 소재로 한 그림책은 자연을 관찰하고 자연의 변화를 이해하는 과정을 기반으로 상상 놀이가 진행되는 특성이 있다. 이를 통해 환경 위기를 경험하며 자연 속에서 모든 생명체는 서로 연결되어 있음을 이해하고 변화에 대응하는 감각을 기른다. 사물을 소재로 한 그림책은 사물의 본질에 인물의 삶이 더해져 의미가 부여됨으로써 비로소 상상 놀이가 완성되는 특성이 있다. 삶에서 친숙한 사물을 매개로 상상 놀이를 함으로써 아동은 간접경험을 하며 자기 내면을 이해하고 타인에게 공감한다. 마지막으로, 선녀와 도깨비를 소재로 한 그림책의 상상 놀이는 낯선 이를 환대함으로써 타인을 이해하고 더불어 살아가는 방법을 습득하게 하는 특성이 있다. 아동은 이러한 상상 놀이를 통해 심심함이나 고독함을 채우며 앞으로 벌어질 일을 기대한다. 상상 놀이를 통해 아동은 원하는 대로 마음껏 행동하면서 부정적인 감정들과 불안을 스스로 들여다보고 보듬으며 조금씩 성장한다. 이 과정에서 애정과 연대와 같은 안전감을 지속적으로 경험하는 일이 중요하다. 다양한 상상 놀이 그림책의 창작과 연구가 더 필요한 이유이기도 하다.

Imaginative play occupies most of children’s play. Children tend to break away from realistic limitations and try to work everything out according to their own needs. Based on experience and observation, children freely imagine without purpose and develop play in various forms. Inside of imginative play, children tend to think abstractly and freely express their feelings or actions away from real life by using and transforming object other than it’s purpose. In addition, the balance of assimilation and adjustment achieved in imaginative play moves children away from egocentric viewpoints toward objects and environments toward a rational and objective perspective. Based on the fact that Baek Heena’s picture book reveals children’s imaginative play based on everyday materials, this paper examines the characteristics and meaning of Baek Heena’s imaginative play in Cloud Bread, The Pink Rope, The Bath Fairy, Moon Sharbet, Strange Mother, Magic Candies, The Strange Visitor. First of all, Picture books based on nature are characterized by an imaginative play based on the process of observing nature and understanding the changes in nature. Through this, they experience environmental crises, understand that all living things are interconnected in nature, and develop a sense of responding to changes. Picture books based on objects have the characteristics that imaginative play is completed only by adding meaning to the essence of objects. By playing imagination through familiar objects in life, children experience indirect experiences, understand their inner self, and empathize with others. Lastly, the imaginary play of the picture book about fairy and goblin has the characteristic of welcoming strangers and learning how to understand and live together with others. Children fill their boredom and loneliness through these imaginary plays and anticipate what will happen in the future. Through imaginative play, children grow little by little by looking at and embracing negative emotions and anxieties on their own, while acting as they please. In this process, it is important to continue to experience a sense of security, such as affection and solidarity. This is also the reason why the creation and research of various imaginary picture books is more necessary.

영화 <이상한 나라의 수학자>는 소재의 특성상 수학적 화소가 활용되어 이미지가 구성되었다. 이 영화의 공간 해석에서 수학적 상상력을 도입하면 텍스트의 구조적 맥락과 의미 전달의 폭이 달라질 뿐만 아니라 영상 이미지의 의미 격차를 현저히 발생시킨다. 기하학과 공간적 상상력의 활용이 인물의 서사와 영상미학을 결정하는 주요 요소인 것에 비해서 이러한 탐색은 영화 텍스트 분석 방식으로 크게 주목받지 못했다. 다양한 학문의 융합과 복합으로 이루어진 예술 탐구를 위해서는 융복합에 기반한 상상력 도입이 필요하다. 텍스트의 소재로 다루어진 것들에 대한 산술적 접근은 특히 이 영화에서 공간의 기하학적 구도에 대한 깊이 있는 의미 파악에 유용하다. 수학과 과학을 기반으로 예술을 역동적으로 통찰한 철학자 바슐라르의 4 원소적 상상력을 도입하면, 텍스트의 배경 이론이 되는 오일러 공식의 수들 ‘e, i, -1, π’의 주제적 접근과 학교·교통 공간에 대한 해석의 확장이 가능해진다. 이 글은 영화 <이상한 나라의 수학자>에 나타난 상상력을 토대로 오일러 공식을 이루는 수의 서사적 의미와 상징, 텍스트 공간의 미학적 표현 방식을 분석하였다. 또한, 상상력을 활용한 텍스트의 수학적 화소와 기하학적 이미지의 관련성을 연구 목적으로 한다. 무엇보다 수학적 상상력의 도입과 활용이 영화 분석의 질적 향상에 기여하는 방법론을 제시한다는 의의를 지닌다.

The movie “In Our Prime”(2022) was composed of images using mathematical pixels due to the nature of the material. Introducing mathematical imagination in the spatial interpretation of this film not only changes the structural context of text and the breadth of meaning delivery, but also causes a significant gap in the meaning of video images. While the use of geometry and spatial imagination are the main factors that determine the character’s narrative and visual aesthetics, this exploration has not received much attention as a method of analyzing film text. It is necessary to introduce imagination based on convergence in order to explore art consisting of convergence and compounding of various disciplines. The arithmetic approach to the things dealt with as the subject matter of the text is particularly useful for grasping the in-depth meaning of the geometric composition of space in this film. Introducing the four elemental imagination of Bachelard, a philosopher who dynamically insights art based on mathematics and science, the thematic approach of Euler’s formula numbers ‘e, i, -1, π’ which serve as the background theory of the text, and the study of school and transportation space. Expansion of interpretation is possible. Based on the imagination shown in the movie “In Our Prime”, this article analyzed the narrative meaning and symbol of the numbers that make up Euler’s formula, and the aesthetic expression method of text space. In addition, the purpose of research is the relationship between mathematical pixels of text using imagination and geometric images. Above all, it is significant that the introduction and use of mathematical imagination presents a methodology that contributes to the qualitative improvement of film analysis.

이 논문은 20세기 전반기에 활동한 충남 서산시의 민태원, 20세기 후반기에 활동한 경기 여주시의 류주현의 예로 지방자치단체의 문학관 건립의 방향성 제고와 시행 방안 수립에 실질적인 도움을 주려는 의도에서 서술된다. 「청춘예찬」으로 잘 알려진 민태원(1894~1934)은 1917년 『매일신보』 기자로 출발해 말년에 이르는 20년 가까운 세월 동안 신문기자 직분으로 살았다. 번안소설, 논설, 수필 등 대부분의 문학적 성과는 기자 직분의 연장선에서 창작하고 발표한 것이다. 하지만 「청춘예찬」 외의 작품들은 한국문학사의 평가에서 소외되어 왔다. 류주현(1921~1982)은 1948년 등단한 이후 30년 동안 현실과 역사에 대한 관심을 엄청난 작품량으로 드러냈다. 100편에 달하는 중단편소설은 주로 전쟁과 분단, 개발독재 시기 아래 훼손된 인간상을 그렸다. 1960년대 중반 『조선총독부』 등의 역사소설은 ‘일제 강점의 근원’ 등 한국 근대사에 대한 근거 있는 ‘역사교재’가 되었다. 민태원의 경우는 ⅰ)「청춘예찬」의 원전을 확보하고 ⅱ)이를 그 게재 지면인 『별건곤』의 ‘청춘호’ 특집 발표문 전체, 교과서 수록 상태 등과 관련해 활용하며 ⅲ)기타 번안소설 등 창작자료 전반의 해제 작업 수행을 제안한다. 류주현의 경우는 ⅳ)문학적 생애에서 특히 인생사의 곡절이 뚜렷한 시절에 대한 스토리화, ⅴ)역사소설의 시공간적 배경·인물 등에 대한 이해, ⅵ)각색된 영화·드라마의 조사와 재활용 등을 기반으로 다채롭게 구현 가능하다. 민태원과 류주현은 각각 20세기 전반과 후반, 그리고 ‘작가기자’와 ‘다작·대작의 인기작가’라는 특징으로 해당 지역은 물론 다른 지역사회에서의 근대문인 지역상징 작업의 본보기가 되리라 본다.

This thesis aims to provide practical information for improving the direction of the establishment of a local government’s literary museum and establishing implementation plans by taking the example of Min Taewon who was active in the first half of the 20th century in Seosan-si, Chungcheongnam-do, and Ryu Juhyeon who was active in the second half of the 20th century in Yeoju-si, Gyeonggi-do. Min Taewon (1894-1934), well-known for Cheongchu’n-Yecha’n(Youth Praise), started as a reporter for the Maeil Shinbo in 1917 and lived as a journalist for nearly 20 years until his later years. Most of his writings such as adapted novels, editorials and essays he left behind were created and published as an extension of his journalistic job. However, works other than “Youth Praise” have been excluded from the evaluation of Korean literature history. Ryu Juhyeon (1921-1982) has expressed his interest in reality and history in a tremendous volume of works for 30 years since his debut in 1948. His short and medium-length novels, about a hundred or less, revealed the inner side of human beings who were damaged by war, division, rapid industrialization and dictatorial power. Historical novels such as Joseon-Chongdokbu(Governor-General of Chösen), which caused a sensation in the mid-1960s, became “history textbooks” of an era that required a grounded interpretation of modern Korean history, such as “the source of Japanese colonial rule”. In case of Min Tae-won, it is recommended i) to secure the original source and, ii) use it in relation to the entire special presentation of “Cheongchunho” of “Byeolgeongon”, and the status of textbooks, and iii) to release all creative materials such as other adaptation novels. In case of Ryu Juhyeon, it can be implemented in a variety of ways, iv) storytelling based on life’s twists are clear in his literary life, v) understanding the spatiotemporal background and characters of historical novels, and vi) research and recycling of adapted movies and dramas. Min Taewon and Ryu Juhyeon are characterized by ‘writer journalist’ and ‘popular writer of prolific and masterpieces’ in the first and second half of the 20th century, respectively, and are expected to serve as examples of the regional symbolic work of modern writers in the region as well as other communities.