Earticle

이 논문에서는 2010년대 한국소설에 등장하는 전신주, 수로, 아파트, 골리앗 크레인, 도시 지하 구조 등 수직 인공구조물을 ‘야생화된 인프라 (Rewilded Infrastructure)’라는 개념으로 재해석한다. 기존 연구가 재난, 종말, 생명정치를 중심으로 작품을 논의해 왔다면, 이 논문에서는 근대적 합리성이 구축한 인프라가 인간의 통제를 벗어나 (근대의 취약성을 증거하는 동시에) 비인간 행위자들과 새로운 관계를 형성하는 생태적 행위자로 변모하는 과정에 주목한다. 논문의 분석대상은 황정은의 「상류엔 맹금류」, 김애란의 「물속 골리앗」, 편혜영의 『재와 빨강』이다. 「상류엔 맹금류」에서는 인공 수로가 자연으로 오지각되는 장면을 통해 근대적 인프라가 자연을 대체하는 방식을 살펴본다. 「물속 골리앗」에서는 공동화된 아파트와 골리앗 크레인이 인간이 사라진 이후 비인간 존재들이 점유하는 야생화된 인프라로 변모하는 과정을 분석한다. 『재와 빨강』에서는 쓰레기장, 방역체계, 지하 인프라가 인간과 쥐, 화학물질이 뒤얽히는 생태적 네트워크를 구성하며 인간 자체를 야생화하는 양상을 고찰한다. 2010년대 한국소설은 인프라를 단순히 사회기반시설이나 재난의 배경이 아니라, 특정 계급과 신체를 포획하는 권력의 물질적 네트워크이자 인간-비인간, 자연-인공, 생명-비생명의 관계를 재편하는 생태적 장으로 형상화한다. 동시에 세 작품은 폐허와 붕괴의 이면에서 인간과 비인간의 새로운 관계 맺음을 포착하며, 이를 통해 문명과 개발 논리에 대한 윤리적·정치적 재성찰의 가능성을 제시한다. 이를 통해 본고는 ‘야생화된 인프라’라는 개념을 인류세 이후 한국문학을 분석하는 생태비평적 분석 개념으로 제안한다.

This article reinterprets vertical artificial structures?utility poles, waterways, apartment complexes, Goliath cranes, and underground urban infrastructure?appearing in Korean fiction of the 2010s through the concept of ‘rewilded infrastructure’. Whereas previous studies have primarily examined these works in terms of disaster, apocalypse, and biopolitics, this study focuses on how infrastructure, constructed through modern rationality, escapes human control and is transformed into an ecological agent that establishes new relationships with nonhuman actors while revealing the vulnerability of modernity. The works analysed in this article are Hwang Jung-eun’s Raptors Upstream , Kim Ae-ran’s Goliath in the Water, and Pyun Hye-young’s City of Ash and Red . Raptors Upstream examines how an artificial waterway substitutes for nature, Goliath in the Water explores the rewilding of abandoned apartment complexes and a Goliath crane, and City of Ash and Red investigates ecological entanglements among humans, rats, chemical substances, and urban infrastructure. This article argues that Korean fiction of the 2010s figures infrastructure not merely as the backdrop for disaster but as an ecological agent that destabilises the boundaries between humans and nonhumans, nature and the artificial, and life and nonlife. At the same time, the three works capture the emergent human-nonhuman relationality beneath their images of ruin and collapse, thereby generating possibilities for ethical and political reflection on civilisation and the logic of development. It proposes ‘rewilded infrastructure’ as a productive ecocritical framework for analysing Korean literature in the Anthropocene.

이 글은 정지아의 소설 『아버지의 해방일지』를 기억의 정치의 관점에서 읽으면서 역사적 존재를 기억·기록하는 문학의 방식을 고찰한다. 기존 연구가 포스트 기억, 공동체와 돌봄, 애도와 정치적 주체성의 회복 등에 주목해왔다면 이 글은 장례라는 급진적 기억의 현장에서 아버지의 삶이 재구성되는 과정과 그 속에서 화자인 딸이 새롭게 형성하는 정체성에 주목한다. 특히 역사적으로 죽음의 자리를 할당받았던 ‘빨갱이’의 ‘진짜’ 죽음이 비로소 그의 삶을 온전히 기억할 수 있게 하는 계기가 된다는 역설에 초점을 두고, 장례식에 모인 인물들의 증언과 기억이 개인의 생애를 넘어 그가 맺어온 관계의 총체를 복원하는 과정을 살핀다. 또한 이 소설이 아버지와 딸로 예시되는 혈연 가족의 관계성을 재정립함으로써 ‘가족적인 것’에 대한 새로운 상상을 보여준다고 보아, 『아버지의 해방일지』를 인간의 다면성이나 공동체의 윤리를 재확인하는 서사 또는 비혈연 가족공동체와 돌봄에 관한 서사로 읽는 데 머무르지 않고 아버지가 실천해온 타자와의 관계성을 딸이 계승함으로써 그의 특별한 동지가 되어가는 서사로 읽는다. 아울러 이 소설은 장례식이라는 죽음정치의 장소에서 기억의 공동체가 형성되는 방식을 보여주며, 기억의 주체가 감당해야 할 윤리적 실천의 의미를 드러내는 기억 서사의 새로운 가능성을 제시하고 있다.

This study examines Jeong Ji-a’s Father’s Liberation Diary from the perspective of memory politics, and explores the ways in which literature remembers and records historical subjects. While previous studies focus on post-memory, community and care, mourning, and the recovery of political subjectivity, the present work considers the process through which the father’s life is reconstructed at the funeral as a radical site of memory and to the new identity that the daughter, who serves as the narrator, forms in this process. In particular, this study focuses on the paradox that the “actual” death of a “Red,” historically assigned to the realm of death, becomes the very occasion that makes it possible for his life to be remembered in its fullness. How the testimonies and memories of those gathered at the funeral restore not merely the life of an individual but the totality of the relationships he formed throughout his life is further examined. This study also argues that the novel reconfigures bloodfamily relations, as exemplified by the relationship between father and daughter, thereby revealing a new way of imagining “the familial.” Rather than limiting Father’s Liberation Diary to a narrative that reaffirms human complexity and communal ethics or to one concerned with non-biological forms of family and care, the work is read as a narrative in which the daughter becomes her father’s unique comrade by inheriting the relationality towards others that he practiced throughout his life. Finally, the novel demonstrates how a community of memory is constituted at the funeral as a politics of death and suggests a new possibility for memory narratives, one that foregrounds the ethical practice demanded of those who become subjects of memory.

좌담기록

이 논문은 송기원의 시 세계를 ‘장돌뱅이’라는 자기 규정에서 출발한 방랑적 주체의 형성, 타자를 향한 열림과 꽃의 상상력, 『저녁』에 나타난 죽음과 비움의 사유를 중심으로 살펴보았다. 송기원은 한국문학사에서 주로 소설가로 기억되어 왔으나, 그의 문학적 출발점에는 시가 놓여 있었으며 말년의 죽음 사유 역시 시를 통해 응축되었다. 따라서 송기원의 시는 소설가의 부차적 작업이 아니라, 그의 문학 세계에서 시작과 끝을 잇는 중요한 축으로 검토될 필요가 있다. 이 논문은 먼저 “장돌뱅이로 출생”했다는 송기원의 자기 규정이 시적 주체의 방랑성과 어떻게 연결되는지를 분석하였다. 송기원 시에 나타난 시적 주체는 한곳에 뿌리내리지 못한 채 떠도는 존재이지만, 그 방랑성은 단순한 결핍이나 낭만적 유랑으로 환원되지 않는다. 그것은 상처와 부재, 흩어짐의 감각 속에서 세계와 관계 맺는 존재 방식으로 나타난다. 이어 이 논문은 방랑적 주체가 타자를 향해 열리는 양상을 살펴보았다. 송기원 시의 꽃은 고통과 무관한 순수한 아름다움이 아니라, 병들고 훼손된 존재들이 타자와 더불어 세계를 향해 자신을 드러내는 관계의 이미지로 기능한다. 마지막으로 이 논문은 『저녁』에 수록된 시편을 통해 송기원 시의 방랑과 열림이 말년에 이르러 죽음과 비움의 사유로 변주되는 과정을 고찰하였다. 『저녁』에서 죽음은 생의 단순한 종결이나 노년의 체념이 아니라, 살아 있는 동안 익히고 견디며 받아들여야 할 절차로 제시된다. 이때 말년성은 죽음을 초월하거나 미화하는 방식이 아니라, 몸의 훼손과 사라짐을 끝까지 응시하면서 자신을 비워 가는 구도적 사유로 나타난다. 이를 통해 송기원 시 세계는 “헤맴에서 비움으로” 나아가는 시적 행로로 이해될 수 있다.

This article examines Song Gi-won’s poetic world through three interrelated discussions: the formation of the wandering subject grounded in his self-description as a jangdolbaengi (itinerant market peddler), the subject’s openness towards the other through the imagery of flowers, and the meditation on death and emptiness in Evening . Although Song is primarily remembered as a novelist in modern Korean literary history, poetry both initiated his literary career and became the form in which his later reflections on death were most concentrated. His poetry should therefore be understood as a central axis connecting the beginning and the end of his literary world. This article first argues that the poetic subject’s wandering is not merely a condition of deficiency or romanticised roaming, but a mode of existence through which the subject relates to the world marked by wounds, absence, and dispersal. It then shows how this wandering subject becomes open to the other. Flowers, rather than symbolising beauty detached from suffering, function as relational images through which sick and damaged beings reveal themselves alongside others. Finally, the article examines how wandering and openness develop into a poetics of death and emptiness in Evening. Here, death is not simply life’s end or resignation in old age, but a process to be learned, endured, and accepted while living. Song’s late style thus presents an ascetic mode of thought in which the subject empties itself while confronting bodily damage and disappearance, completing a poetic journey “from wandering to emptiness.”

임솔아 소설에서 주목할 것은 두 가지이다. 먼저 프레카리아트 측면인데, 임솔아의 작품은 프레카리아트가 불안정한 노동 조건으로 내몰린 원인을 사회 구조적 모순과 관련해 고찰하고, 이를 바탕으로 사회 모순을 해결할 방법을 고민하고 있다. 다음, 현 단계 소설은 무엇을 쓸 것인가의 문제와 관련해, 임솔아의 작품은 규범에 길들여진 소설 쓰기를 거부하고 규범에 길들여지지 않는 새로운 소설 쓰기를 지향하고 있다. 이 두 측면을 살펴보기 위해 규범과 주체와 타자의 관계를 중심으로 한 주디스 버틀러의 이론에 주목하였다. 주체가 타자를 지배하는 폭력적인 이분법을 극복하기 위해서, 주체는 자기비판과 반성을 통해 폭력적인 보편규범을 비판하고 타자의 타자성을 인정하는 태도로 나아가야 한다. 한편 타자의 경우에는 길들여진 타자이기를 거부하고, 타자의 목소리로 보편규범과 그 규범을 수행하는 주체의 모순을 비판하는 하위 주체로 전회해야 한다. 2장에서는 노동 서사를 중심으로 규범에 길들여진 타자이자 프레카리아트의 불안정한 노동과 삶과 산재를 고찰하였다. 3장에서는 소설 쓰기 서사를 중심으로 규범에 길들여지지 않는 새로운 소설을 지향하는 과정과 그 의의를 고찰하였다.

Lim Solah’s fiction examines the structural contradictions of society that force the precariat into precarious labour conditions, and based on this basis, explores how to resolve these social contradictions. Additionally, regarding what contemporary fiction should address, her work rejects the novel writing subjected by norms. This study examines these two aspects, by drawing on Judith Butler’s theory concerning the relationship between norms, subjects, and others. It takes as its central text Lim Solah’s “Caring of Fruit Flies ” , while also attending to other works, and examines the characteristics and significance of precariat and novel writing in Lim Solah’s works. Chapter 2 focuses on the labour narrative to examine the precarious labour, life, and industrial accident as experienced by the precariat and figured as an other subjected by norms. In Chapter 3 examines the novel-writing narrative to analyse the process and significance of pursuit of a new novel desubjected by norms.

박민규 장편소설 『죽은 왕녀를 위한 파반느』는 ‘못생긴 여자’와 그녀를 사랑하게 된 남자의 낭만적인 사랑 이야기를 전경화하면서도 한국 사회의 자본주의와 외모지상주의, 그리고 그 질서 속에서 주변화된 인물들의 비극을 함께 인식하게 하는 소설이다. 이 작품은 연애서사가 자본주의 사회의 위계질서를 비판하면서도 감동을 통해 그 질서의 일부를 수행하게 만드는 방식을 보여준다. 본고는 이 소설의 감동이 어떤 조건 위에서 가능해지는가를 살펴보고, 이를 통해 『죽은 왕녀를 위한 파반느』의 감동이 미학적 성취와 이데올로기적 문제성을 동시에 지닌 형식적 효과임을 밝히고자 한다. 이 작품의 감동은 이름 없는 남성 화자 ‘나’의 제한된 시선, ‘추녀’의 비묘사, 어머니와 아버지를 둘러싼 가족사, ‘요한’의 해석적 발화와 ‘그녀’의 자기서사, 활자 배치와 노래의 인용 등을 통해 빈틈없이 조직된다. 작품은 이러한 장치들을 통해 비현실적으로 보일 수 있는 사랑 서사를 감동의 대상으로 구성하며, 독자가 그 사랑을 납득 가능한 사건으로 받아들이도록 유도한다. 그러나 바로 이 구성의 정교함은 사랑의 감동이 자명한 것이 아니라는 사실을 드러낸다. 소설은 사랑을 아름다운 가능성으로 제시하지만, 그 가능성은 외모와 자본의 권력 바깥에서 성립하지 못하고, 그 질서가 남긴 상처와 결핍을 통과한 뒤에야 감동으로 승인된다. 하지만 해피엔딩에 이어지는 ‘Writer’s Cut’은 앞선 이야기의 감동이 하나의 서사적 구성물이었다는 사실을 드러내며 감동의 구조를 뒤늦게 흔든다. 이 점에서 ‘Writer’s Cut’을 통한 다중결말은 감동의 이데올로기성을 노출하는 자기반성적 형식이며, 『죽은 왕녀를 위한 파반느』가 통속적인 감동 서사에 머물지 않게 하는 문학적 미덕으로 기능한다. 결국 이 작품의 감동은 사랑의 순수성에서 자연스럽게 발생하는 정서가 아니라, 외모와 자본의 질서 내부에서 조직되고 승인되는 이데올로기적 효과라고 할 수 있다.

Pavane for a Dead Princess foregrounds a romantic love story between an ‘ugly woman’ and a man, while simultaneously drawing attention to capitalism, lookism, and the tragedy of marginalised individuals in Korean society. The book’s romance narrative criticises the hierarchical order of capitalist society, yet also demonstrates how emotional affect can participate in reproducing aspects of that same order. This study examines the conditions under which the novel’s emotional impact becomes possible and argues that its affective power constitutes a formal effect that embodies both aesthetic achievement and ideological problems. The emotional impact of the novel is meticulously constructed through a range of narrative devices: the restricted perspective of the unnamed narrator, the absence of any physical description of the ‘ugly woman’, the narrator’s family history, Yohan’s interpretive statements, the girl’s self-narration, typographical arrangements, and the incorporation of songs. Through these devices, an apparently implausible love story is transformed into an emotionally compelling narrative and encourages readers to accept the relationship as intelligible and persuasive. However, the very sophistication of this construction reveals that the emotional appeal of the romance is by no means self-evident. Although the novel presents love as a beautiful possibility, this cannot be realised entirely outside the power of appearance and capital. Rather, it becomes emotionally recognisable and worthy of affirmation only after passing through the wounds and deficiencies produced by that social order. The ‘Writer’s Cut’, which follows the happy ending, retrospectively reveals that the preceding emotional experience was itself a narrative construct and thereby destabilises the novel’s affective structure. In this respect, the multiple endings created through the ‘Writer’s Cut’ function as a self-reflexive form that exposes the ideological character of emotional affect, thus preventing Pavane for a Dead Princess from remaining merely a conventional sentimental romance. Ultimately, the novel’s emotional power does not arise naturally from the purity of love and is instead an ideological effect that is narratively organised and authorised within the social order of appearance and capital.

본고는 근대 시기에 한글로 기록된 <사슴부인> 서사를 자료적으로 검토하고 텍스트 양상을 살펴보았다. 근대의 <사슴부인> 서사는 대중 신문과 잡지, 단행본 야담집 또는 전래동화집에 수록되어 있으며, 서사 유형으로는 전설, 야담, 전래동화 등의 텍스트로 구분된다. 사슴부인 이야기의 전승 양상을 볼 때, 불교 자료의 성격을 내포한 평양 계열의 서사보다는 향토 자료인 읍지에 기록된 안주 계열의 서사가 역사적・지역적 친연성이 우세한 편이다. 근대 <사슴부인> 서사에서도 시공간적 배경을 ‘고구려’로 제시한 역사적 친연성, 그리고 안주 지역의 평야인 ‘열두삼천벌’을 호명한 지역적 친연성을 계승하여 전승력을 높인 사실을 볼 수 있다. 그리고 근대 이전의 안주 계열 사슴부인 이야기에서는 전설 대상지가 열두삼천벌에 한정되지만, 근대의 텍스트는 모두 열두삼천벌을 호명함과 아울러 고성리, 열귀리, 합장강, 장군성지, 삼천포, 새오리 등 다른 많은 전설 대상지를 호명한다. 이와 같은 근대 <사슴부인> 서사에서 더욱 강화되는 역사적・지역적 친연성은 작가의 창작 의식과 허구적 상상력이 십분 발휘될 수 있는 야담 또는 전래동화 서사로 장르적 확산을 보인다. 근대 <사슴부인> 서사에서 볼 수 있는 신화성과 더불어 역사적・지역적 친연성의 확대는 민중의 삶 속에 이 이야기를 전승시켜 온 힘이라고 할 수 있다. 청자(독자)의 재미와 감동을 유인하는 <사슴부인>의 역사적・지역적 친연성은 이 텍스트의 전승을 오래도록 가능하게 한 하나의 원형적 요소에 대한 확인이 될 것이다.

This study examines the textual characteristics of “Deer Lady” narratives recorded in Korean during the modern period through a documentary review of versions that narrative appear in newspapers, magazines, and published collections of legends, folktales and traditional fairy tales. These texts are classified by genre as legends, folktales, and traditional fairy tales. An examination of the transmission patterns of the “Deer Lady” narrative reveals that the Anju-line tradition, preserved in local gazetteers, exhibits a stronger historical and regional identity than the Pyongyang-line tradition, which incorporates elements derived from Buddhist-derived elements. Modern Korean versions further reinforce these characteristics by retaining Goguryeo as the historical and geographical setting and identifying Yeoldusamcheonbeol, a plain in the Anju region, as the principal legendary site, thereby sustaining the narrative’s transmission and popularity. Whereas premodern Anju-line “Deer Lady” narratives, which confined their legendary setting to Yeoldusamcheonbeol, modern versions expand this geography by incorporating additional legendary sites, including Goseong-ri, Yeolgwi-ri, Hapjanggang, Janggunseongji, Samcheonpo, and Saeori. This expansion further strengthens its historical and regional identity. The modern “Deer Lady” narratives also extended beyond legends into folktales and traditional fairy tales, affording authors greater creative freedom and fictional imagination. These findings suggest that the enduring transmission and genre expansion of the “Deer Lady” narrative were made possible by the reinforcement of its historical and regional identity alongside its enduring mythic qualities, which together account for the narrative's lasting emotional appeal and archetypal significance.