Earticle

본 연구는 희곡 텍스트 위주의 지배적 패러다임 속에서 부차적 도구로 소외되었던 연기자의 신체를 주체적인 미학 영역으로 복원하고, 코메디아 델라르테를 ‘연기자 중심 연극’으로 재조명하고자 수행되었다. 역사적 배경이나 인물 유형 분석, 계보학적 접근에 그쳤던 선행 연구의 한계를 넘어, 본 연구는 무대시공간에서 발현되는 연기자의 실존적 현존과 관객과의 역동적 교감에 주목하여 ‘몸성(Corporeality)’의 미학적 지평을 규명했다는 점에서 차별성을 갖는다. 즉, 연기자와 관객의 공동 현존 속에서 일어나는 ‘몸적 공유’ 메커니즘을 분석함으로써 텍스트에 종속되었던 신체의 독자적 수행성과 직접적·감각적 소통의 가치를 학술적으로 입증하고자 하였다. 연구 방법으로는 16~18세기 코메디아 델라르테의 무대 수행을 대상으로 역사적 문헌 연구와 에리카 피셔-리히테(Erika Fischer-Lichte) 등의 수행 미학 방법론을 병행하였다. 특히 코메디아 델라르테의 ‘양면적 대중성’을 바탕으로 연기자와 관객의 몸이 결합하는 연기 메커니즘을 첫째 유형성과 직·감각적 전이 체험, 둘째 즉흥성과 상호주관적 역동, 셋째 기예의 정점에서 발현되는 물질적 에너지와 몸적 동기화라는 세 가지 층위에서 분석·검증하였다. 다만 제한된 역사적 기록에 의존함에 따라 당시 무대 위 날것의 현장성을 완전하게 재구성하는 데 한계가 있었으며, 동시대 몸성의 실천 양상이나 관객 대상의 실증적 전이 측정으로까지 논의를 확장하지 못한 한계가 존재한다. 그럼에도 본 연구가 구축한 코메디아 델라르테의 ‘몸성 메커니즘’은 희곡 텍스트의 권위에서 벗어나, ‘지금, 여기’에 공동 현존(co-presence)하는 연기자와 관객의 직접적이고 감각적인 수행성을 규명하는 유용한 방법론적 토대가 될 것이다. 나아가 본 고에서 도출한 몸성의 특성이 동시대 무대 위에서 어떻게 계승·발전되고 있는지, 그 실천적 양상을 추적하는 깊이 있는 후속 연구가 지속적으로 이어지기를 기대한다.

This study was conducted to restore the actor’s body—which has long been marginalized as a secondary tool under the dominant paradigm centered on dramatic texts—to an autonomous aesthetic domain, and to re-examine Commedia dell’Arte as an “actor-centered theater.” Moving beyond the limitations of previous studies that were confined to historical backgrounds, character typologies, or genealogical approaches, this study distinguishes itself by illuminating the aesthetic horizon of “corporeality,” focusing on the existential presence of actors manifested in theatrical time and space and their dynamic communion with the audience. Specifically, by analyzing the mechanism of “bodily sharing” occurring within the co-presence of actor and audience, this paper seeks to academically validate the autonomous performativity of the body—once subordinate to text—and the value of direct, sensory communication. Methodologically, this study combines historical literature research on the stage performance of 16th–18th century Commedia dell’Arte with the aesthetic methodology of performativity developed by Erika Fischer-Lichte and others. In particular, based on Commedia dell’Arte’s “ambivalent popularity,” the acting mechanism uniting the bodies of actors and audiences was analyzed and verified across three levels: first, typology and direct/sensory transfer experience; second, improvisation and intersubjective dynamics; and third, material energy and bodily synchronization manifested at the peak of virtuosity. However, relying on limited historical records posed inherent limitations in fully reconstructing the raw liveness of the stage at the time, and the discussion could not be expanded to trace contemporary practical aspects of corporeality or conduct empirical measurements of audience transfer experiences. Nevertheless, the “mechanism of corporeality” in Commedia dell’Arte established in this study provides a valuable methodological foundation for investigating the direct and sensory performativity of actors and audiences co-present in the “here and now,” departing from the authority of dramatic texts. Furthermore, it is hoped that in-depth follow-up studies will continue to trace how the characteristics of corporeality derived in this paper are inherited and developed on contemporary stages.

본 연구는 MMORPG인 월드 오브 워크래프트(World of Warcraft, WoW)를 사례로 하여, 플레이어의 참여와 상호작용 과정에서 나타나는 수행적 특성을 연극학의 수행성 이론을 중심으로 분석하는 것을 목적으로 한다. 본 연구의 목적은 WoW를 연극으로 규정하거나 게임과 연극의 동일성을 주장하는 것이 아니라, 수행성 이론이 디지털 게임 환경의 참여 구조와 의미 생성 과정을 설명하는 분석틀로 적용될 수 있는지를 검토하는 데 있다. 연구 방법으로는 수행성 이론에 관한 문헌 연구와 WoW 사례에 대한 질적 사례연구를 수행하였다. 특히 에리카 피셔-리히테(Erika Fischer-Lichte)의 자율적 피드백 고리(autopoietic feedback loop)를 핵심 분석틀로 설정하고, 이를 플레이어의 행위(action), 반응(response), 상호작용의 확산(interaction expansion), 의미 생성(meaning production)의 네 단계로 재구성하였다. 이를 바탕으로 WoW의 대표적 사례인 오염된 피(Corrupted Blood) 사건, 리로이 젠킨스(Leeroy Jenkins), 캐삭빵을 분석하였다. 연구 결과, WoW에서의 수행성은 게임 시스템 자체보다 플레이어의 참여와 상호작용 과정에서 형성되는 관계적 구조에서 나타나는 것으로 확인되었다. 플레이어의 행위는 다른 참여자의 반응을 유도하고, 이러한 상호작용은 공동체 전체로 확산되며 새로운 규범과 문화, 서사를 형성하였다. 이러한 과정은 피셔-리히테가 제시한 자율적 피드백 고리와 구조적으로 비교될 수 있으며, 수행성 이론이 MMORPG의 참여 구조와 의미 생성 과정을 분석하는 데 유용한 설명틀이 될 수 있음을 보여준다. 다만 본 연구는 WoW의 특정 사례를 중심으로 한 질적 사례연구이며 문헌과 기록 자료를 중심으로 분석했다는 점에서, 연구 결과를 MMORPG 전반으로 일반화하는 데에는 한계가 있다. 향후 연구에서는 다양한 게임 사례와 플레이어 경험에 대한 실증적 분석을 통해 디지털 환경에서 나타나는 수행성의 양상을 보다 구체적으로 검토할 필요가 있다.

This study aims to analyze the performative characteristics that emerge through players' participation and interaction in the massively multiplayer online role-playing game (MMORPG) World of Warcraft (WoW), drawing on the theory of performativity in theatre studies. Rather than defining WoW as theatre or claiming an equivalence between games and theatre, this study examines whether performativity theory can serve as an analytical framework for explaining the participatory structure and processes of meaning-making in digital game environments. This research employed a literature review on theories of performativity and a qualitative case study of WoW. In particular, Erika Fischer-Lichte's concept of the autopoietic feedback loop was adopted as the principal analytical framework and reconstructed into four stages: action, response, interaction expansion, and meaning production. Based on this framework, three representative cases from WoW—the Corrupted Blood incident, Leeroy Jenkins, and Caesakbbang (Character Deletion Bet)—were analyzed. The findings indicate that performativity in WoW emerges not primarily from the game system itself but from the relational structure created through players' participation and interactions. Players' actions elicit responses from other participants, and these interactions spread throughout the community, generating new norms, cultural practices, and narratives. This process can be structurally compared with Fischer-Lichte's concept of the autopoietic feedback loop, demonstrating that performativity theory provides a useful analytical framework for understanding the participatory structure and meaning-making processes of MMORPGs. This study is limited in that it is a qualitative case study focusing on selected examples from WoW and is based primarily on documentary and archival sources. Therefore, its findings cannot be readily generalized to all MMORPGs. Future research should examine a broader range of games and incorporate empirical investigations of players' experiences in order to explore more comprehensively the diverse manifestations of performativity in digital environments.

배우의 정서 발화는 신체와 호흡, 상상력, 음성이 유기적으로 작용하는 심리·신체적 표현 과정임에도 불구하고, 이를 심리·신체적 관점에서 통합적으로 설명한 연구는 상대적으로 부족하였다. 이에 본 연구는 배우의 정서 발화를 심리·신체적 표현 과정으로 이해하고, 미하일 체호프의 연기 방법론과 요가의 수행 원리를 중심으로 배우의 정서 발화 원리를 탐색하는 데 목적이 있다. 이를 위해 배우의 정서 발화와 심리·신체적 접근을 고찰하고, 미하일 체호프의 가상의 신체, 중심, 심리 제스처, 분위기와 요가의 아사나, 차크라, 프라나야마, 다라나, 디야나를 중심으로 문헌연구를 수행하였다. 기존 연구가 개별 방법론을 중심으로 논의한 것과 달리, 본 연구는 두 방법론의 개념을 동일시하기보다 심리·신체적 공통 작동 원리를 중심으로 비교·분석하였다. 연구 결과, 배우의 정서 발화는 신체 감각과 호흡, 에너지, 상상력, 음성이 유기적으로 통합되는 심리·신체적 과정으로 나타났다. 또한 체호프의 연기 방법론과 요가에서 신체 감각의 활성화, 호흡과 에너지의 조절, 상상력과 정서적 충동의 형성, 몰입과 통합적 표현이라는 공통된 심리·신체적 작동 원리를 확인하였다. 이를 바탕으로 본 연구는 배우의 정서 발화를 위한 적용원리로 신체 감각의 활성화, 호흡과 에너지의 조절, 상상력과 정서적 충동의 형성, 분위기와 몰입의 통합이라는 네 가지 심리·신체적 원리를 제시하였다. 본 연구는 배우의 정서 발화를 심리·신체적 통합 과정으로 재조명하고, 미하일 체호프의 연기 방법론과 요가의 상통성을 바탕으로 배우 훈련의 이론적 기반을 확장하였다는 점에서 학문적 의의를 가진다. 이를 통해 두 체계의 심리·신체적 공통 작동 원리를 분석하고, 배우의 정서 발화를 위한 심리‧신체적 적용 원리를 도출함으로써 배우 훈련 연구의 이론적 토대를 마련하고자 한다.

Although actors' emotional vocalization is understood as a psychophysical expressive process in which the body, breathing, imagination, and voice interact organically, relatively few studies have examined this process from an integrated psychophysical perspective. Accordingly, this study aims to explore the principles of actors' emotional vocalization by examining Michael Chekhov's acting methodology and the principles of yogic practice. To achieve this purpose, this study reviewed the literature on emotional vocalization and psychophysical approaches to actor training. It focused on Michael Chekhov's Imaginary Body, Center, Psychological Gesture, and Atmosphere, together with the yogic principles of Asana, Chakra, Pranayama, Dharana, and Dhyana. Unlike previous studies that have primarily discussed each methodology independently, this study compared and analyzed the two approaches based on their common psychophysical functional principles rather than assuming conceptual equivalence. The findings indicate that actors' emotional vocalization is a psychophysical process in which bodily sensation, breathing, energy, imagination, and voice are organically integrated. Furthermore, Michael Chekhov's acting methodology and yoga were found to share common psychophysical principles, including the activation of bodily sensation, the regulation of breathing and energy, the formation of imagination and emotional impulse, and immersion and integrated expression. Based on these findings, this study proposes four psychophysical principles for actors' emotional vocalization: the activation of bodily sensation, the regulation of breathing and energy, the formation of imagination and emotional impulse, and the integration of atmosphere and immersion. This study is significant in that it reconceptualizes actors' emotional vocalization as an integrated psychophysical process and expands the theoretical foundation of actor training by identifying the common principles shared by Michael Chekhov's acting methodology and yoga.

본 연구는 고령 방송연기자의 생애사적 경험을 바탕으로 노년기 예술활동의 지속 과정과 그 과정에서 형성되는 ‘상징적 감옥(Symbolic Prison)’의 의미를 탐색하는 데 목적이 있다. 기존의 노년 연구는 성공적 노화와 창의적 노화를 중심으로 이루어져 왔으나, 예술노동을 평생 수행해 온 전문 예술인의 노년기 삶과 예술적 실천을 충분히 설명하는 데에는 한계가 있다. 이에 본 연구는 고령 방송연기자의 예술적 노화를 새로운 분석 관점에서 조명하고자 하였다. 연구는 최근까지 방송 및 공연 활동을 이어온 70세 이상 남성 방송연기자 9명을 대상으로 심층면접을 실시하였으며, 생애사 연구방법을 적용하여 자료를 분석하였다. 연구결과, 참여자들은 모두 배우라는 직업적 정체성을 유지하고 있었으나 예술적 노화의 실천 양상은 서로 다른 경로를 보였다. 일부는 연출, 교육, 지역사회 문화활동 등 새로운 예술실천을 통해 예술가로서의 정체성과 삶의 의미를 지속적으로 재구성하였으며, 다른 일부는 연령주의, 경제적 취약성, 사회적 시선, 제도적 배제 등으로 인해 예술활동이 제한되는 양상을 보였다. 이러한 차이를 분석한 결과, 방송산업의 구조적 변화와 장기간 축적된 생애 경험이 내면화된 심리·사회적 제약으로 작용하는‘상징적 감옥’을 핵심 개념으로 도출하였다. 상징적 감옥은 예술적 노화를 일률적으로 결정하는 고정된 구조가 아니라 개인의 인식과 대응 방식에 따라 극복되거나 지속될 수 있는 역동적 과정으로 이해되었다. 본 연구는 예술적 노화를 고령 예술인의 지속적인 예술실천 과정으로 개념화하고, 상징적 감옥이라는 새로운 해석 틀을 제시함으로써 기존 의 성공적 노화와 창의적 노화 연구를 확장하였다는 점에서 학술적 의의를 가진다. 또한 고령 예술인의 지속가능한 예술활동을 위한 문화예술정책과 예술노동 지원 방안을 모색하는 데 기초자료를 제공한다.

This study aims to explore the process of artistic aging among older television actors and to examine the meaning of the Symbolic Prison formed throughout their life experiences. Previous studies on aging have primarily focused on Successful Aging and Creative Aging, but they have been limited in explaining the later lives of professional artists whose identities have been shaped through lifelong artistic labor. To address this gap, the present study proposes Artistic Aging as a new analytical perspective for understanding the aging experiences of older television actors. The study employed a qualitative life-history approach based on in-depth interviews with nine male television actors aged 70 and older who had continued artistic activities until recent years. The findings revealed that although all participants maintained a strong professional identity as actors, they followed different trajectories of artistic aging. Some participants actively reconstructed the meaning of later life by expanding their artistic practices through directing, teaching, and community-based cultural activities. Others, however, experienced limitations in sustaining artistic practice because of ageism, economic insecurity, institutional exclusion, and negative social perceptions. Based on these findings, this study conceptualizes the Symbolic Prison as an internalized psychological and social structure shaped by long-term artistic labor and structural changes in the broadcasting industry. Rather than functioning as a fixed barrier, the Symbolic Prison operates as a dynamic process that may either be overcome or reinforced depending on how individuals recognize and respond to it. Accordingly, Artistic Aging is understood not merely as the continuation of artistic activities but as an ongoing process of reconstructing artistic identity, creative practice, and the meaning of life in later adulthood. This study extends existing discussions on Successful Aging and Creative Aging by proposing Artistic Aging and the Symbolic Prison as new analytical concepts. It also provides theoretical and practical implications for supporting sustainable artistic practice and cultural policy for older professional artists.

이 연구는 2026년 06월 한국에서 초연된 연극 <플리백(Fleabag)>을 대상으로 여성 인물의 성적 욕망과 사회적 관계의 실패를 극 중 인물의 직접 발화와 자기노출의 연극적 디스포지티브의 관점에서 고찰하고자 한다. 1인극으로서 무대 위 여성 주체는 관객을 극에 끌어들이는 과정 속 비선형적 발화의 양상을 띠고 있으며 동시에 플리백으로 호명되는 극 중 인물은 자신의 신체를 통해 포스트페미니즘적 주체화의 발현 과정 속에서 끊임없이 동요되고 흔들리는 신체적, 정신적 균열의 괴리를 드러낸다. 연구흐름은 우선적으로 플리백의 자기노출적 말하기가 극 전개에 따른 관객과의 관계를 도모하는 방식에 대해 면밀하게 고찰하고, 성적 자기노출이 자기표현에 따른 책임의 논리를 동시에 형성하는 과정과 관객의 정서적 감응이 주체화의 불안정성으로 이어지는 양상을 규명하고자 한다. 첫째, 모노드라마의 직접 발화가 플리백과 관객의 관계를 구성하는 방식을 밝힌다. 둘째, 성적 자기노출이 포스트페미니즘적 자기표현과 자기책임의 논리를 동시에 형성하는 과정을 규명한다. 셋째, 관객과의 관계 변화가 이러한 주체화를 어떻게 불안정하게 만드는지 고찰하는 데 의의가 있다. 다만 특정 배우의 단일 관람 회차를 분석하여 배우별 수행차이와 관객 수용 양상을 일반화하기 어렵다는 한계가 있다. 후속 연구에서는 배우별 수행 비교, 관객 수용 조사, 원작 공연과 TV 시리즈 및 한국 초연의 매체 및 번역 비교를 통해 분석 범위를 확장 관련 후속연구로 남겨둔다. 플리백의 직접 발화는 한 배우를 극중 인물, 서술자, 관객의 대화 상대라는 복수의 위치에 놓으며 관객의 반응을 자기서사의 구성으로 수용하는 메타연극적 관계를 형성하는데 기여한다. 또한 성적 욕망과 실패를 유머로 노출하는 말하기는 능동적 자기표현의 외관을 갖지만 관계의 불평등과 상처를 개인의 선택과 책임으로 돌림으로써 욕망을 사적 문제로 전환했다는 측면에서 도주선(Ligne de fuite)의 발생으로 확장된 연극적 디스포지티브로 재해석하고자 한다.

This study examines the Korean premiere of <Fleabag>, staged in June 2026, through the framework of the theatrical dispositif, focusing on how the protagonist’s sexual desire and relational failures are articulated through direct address and self-exposure. As a monodrama, the production employs nonlinear modes of address to draw spectators into Fleabag’s self-narrative. Her subjectivity is not presented as a stable or preexisting identity; rather, it is continuously constructed and unsettled through the intersection of the performer’s body, speech, and gaze with audience response. Fleabag’s self-exposure is therefore ambivalent: it opens up the possibility of autonomous self-expression while recasting relational inequality and emotional injury as matters of individual choice and responsibility. The analysis is informed primarily by Lorenz Aggermann’s account of theater as dispositif, supplemented by postfeminist theories of self-responsibility and Gilles Deleuze’s concept of the line of flight. The findings show that direct address positions the performer simultaneously as character, narrator, and interlocutor, creating a metatheatrical relationship in which audience response becomes integral to Fleabag’s self-narration. This shift is interpreted not as complete emancipation but as a line of flight (ligne de fuite): an immanent reconfiguration of the performer–audience relationship that emerges as the arrangement sustained by humor and audience approval loses its stability. By extending the concept of the theatrical dispositif to a scene-based analysis of embodied performance and spectatorship, this study demonstrates that women’s self-expression may reinforce self-surveillance and self-responsibility even as it appears to affirm autonomy. Since the analysis is limited to a single performance, its findings cannot be generalized across different performers or audiences. Future research should compare cast interpretations, examine audience reception empirically, and investigate media-specific and translational differences among the original stage production, the television series, and the Korean premiere.

본 연구는 감정의 신체적 각인과 형태적 변용을 신체기억의 관점에서 고찰함으로써, 감정 경험과 신체적 각인의 전반적 개념을 정리하는 데 목적이 있다. 배우의 신체와 감정에 대한 논의는 역사적으로 연기론의 핵심 문제로 다루어져 왔으며, 현대에 이르러서는 감정을 내면의 추상적인 심리 현상에 한정하지 않고 몸의 감각, 지각, 기억, 인지와 연결된 통합적 과정으로 이해하려는 시도가 확대되고 있다. 이러한 관점에서 본 연구는 감정의 지각과 통합, 신체기억, 신체적 경향성과 형태적 변용의 관계에 대해 고찰한다. 이를 위해 제임스-랑게, 푹스, 켈러맨 등의 주요 이론을 분석하고 연계하는 통합적인 문헌연구를 수행하였다. 배우의 존재와 현전은 몸을 통해 감정을 현재화하고 관객이 지각 가능한 형태로 드러내는 문제와 긴밀히 연결된다. 이에 본 연구는 감정의 생성과 신체적 현전의 전반적 과정을 주체의 감각과 지각을 중심으로 바라보며, 특히 명시적 판단 이전에 몸에 수용되는 전반성적 감정 경험에 주목하였다. 감정은 자극에 대한 지각, 내부감각의 통합, 기억과 맥락의 통합 과정을 거쳐 형성되며, 이 과정에서 주체는 몸의 변화를 감각하고 신체적으로 발화함으로써 감정 상태에 도달한다. 나아가 이러한 경험은 반복과 축적을 통해 암묵적 기억과 신체기억의 층위로 존재하고, 신체기억은 과거의 경험이 습관, 태도, 패턴의 형태로 몸에 축적된 것으로, 자극에 따른 반응과 행동 선택에 있어 무의식적으로 영향을 미친다. 따라서 감정은 몸에 구조적인 일련의 질서를 형성하고 현재의 대상에 대한 지각과 인지 과정을 거쳐 지금-여기에서 새로운 층위 로 활성화되는 경험이라 할 수 있다. 이와 같은 관점에서 감정의 신체 각인은 감정과 연계한 행동의 양상을 결정짓는 기저 질료이자 이에 따른 형태적 변용 관점의 이해 확장으로 연결될 수 있어 배우의 역 창조과정에서도 중요한 기초가 된다. 이에 본 연구는 전반성적 감정 경험에서 출발하여 암묵적 기억과 신체기억, 그리고 신체화에 이르는 과정을 하나의 연계 구조로 파악하고, 감정의 신체적 각인과 형태적 변용에 관한 이해와 개념을 고찰하였다는 점에서 의의가 있다. 다만 본 연구의 범위를 이론적ㆍ개념적 분석으로 한정하였으므로, 배우의 역 창조 및 작품 적용에 대한 것은 후속 연구가 필요하다. 이를 바탕으로 향후 현장과 전공 수업에 활용 가능한 더욱 실용적인 연구로 확장될 수 있을 것으로 기대한다.

This study examines the bodily inscription of emotion and morphological transformation from the perspective of body memory, with the aim of clarifying the overall conceptual relationship between emotional experience and bodily inscription. The relationship between the actor’s body and emotion has historically been a central issue in acting theory. In contemporary discourse, emotion is increasingly understood not merely as an abstract psychological phenomenon, but as an integrated process involving bodily sensation, perception, memory, and cognition. From this perspective, this study explores the relationships among emotional perception and integration, body memory, bodily tendencies, and morphological transformation. To this end, an integrative literature review was conducted by analyzing and interrelating major theoretical perspectives, including those of James-Lange, Fuchs, Keleman, and others. The study focuses particularly on pre-reflective emotional experience that is received by the body prior to explicit judgment. Emotion is formed through the perception of stimuli, the integration of interoceptive signals, and the interaction of memory and context. In this process, the subject senses bodily changes and reaches an emotional state through bodily expression. Repeated emotional experiences accumulate at the levels of implicit memory and body memory. Rather than being stored solely as abstract or conceptual information, such experiences remain in the body as habits, attitudes, and bodily patterns, unconsciously influencing subsequent responses and behavioral choices. From this perspective, emotion forms a structured bodily order that can be reactivated and reorganized in the here and now through perception and cognition. The bodily inscription of emotion therefore functions as an underlying basis for bodily tendencies and morphological transformation and provides a theoretical foundation for understanding the actor’s process of role creation. This study is significant in conceptualizing the interconnected process from pre-reflective emotional experience through implicit memory and body memory to embodiment. However, as the study is limited to theoretical and conceptual analysis, further research is required to examine its application to actors’ role creation and specific creative works. Such research may extend the present discussion toward more practical applications in professional acting practice and university-level acting education.

즉흥연기 훈련은 고도의 집중력과 반응성, 순발력을 향상시키는 데 효과적인 것으로 알려져 있다. 알렉산더 테크닉(AT)은 배우의 공포반사를 억제하고 심리·신체적 이완을 돕는 훈련으로 보고되고 있다. 그러나 실제 즉흥 오디션 상황에서 즉흥연기와 AT가 어떻게 상호작용하고 통합되어 배우의 즉흥수행능력에 영향을 미치는지를 탐색한 연구는 부족하다. 이에 본 연구는 즉흥 오디션 상황에서 즉흥연기와 AT를 통합적으로 적용하여 AT가 배우의 즉흥수행능력에 미치는 영향을 탐색하는 데 그 목적이 있다. 이를 위해 전문 배우 20명을 대상으로 즉흥연기와 AT를 결합한 통합 워크샵을 실시하였으며 자기보고서, 설문지 및 심층면담 자료를 수집하였다. 수집된 자료는 반 카암(Van Kaam)의 현상학적 자료 분석 방법을 통해 분석하였다. 연구 결과 첫째, AT는 호흡의 불편감과 근육의 긴장을 완화하고 집중력과 반응성을 향상시켜 배우의 표현성을 증진시키는 것으로 나타났다. 둘째, AT의 인히비션(Inhibition) 원리는 배우의 감 정적 충동과 조급함을 조절하고 심리적 여유를 회복함으로써 즉흥성을 향상시키는 데 기여하였다. 셋째, AT는 목표 지향적 집착과 불안감을 완화하고, 자기 인식의 과정을 통하여 자기다움을 발견하도록 했다. 이러한 경험은 존재에 대한 인식을 확장시킨 것으로 나타났다. 결과적으로 AT가 단순한 심리·신체적 이완 훈련을 넘어 배우의 즉흥수행능력을 향상시키는 통합적 배우훈련으로 활용될 가능성을 보여주었다. 또한 실제 즉흥 오디션 상황에서 즉흥연기와 AT가 유기적으로 상호작용하고 적용될 수 있음을 확인하였으며, 통합적 배우훈련의 교육적 의의와 실질적 활용 가능성을 제시하였다는 점에서 의의가 있다. 따라서 본 연구자는 연기 훈련에서 배우가 습득한 여러 테크닉 중 즉흥연기와 AT를 통합적으로 고찰함으로써, 오디션 상황 속에서 나타나는 두 훈련 간의 상호작용과 유기적 효과를 탐색하고자 한다. 다양한 연기 훈련들이 단지 경험적 차원에 머물지 않고 실제 오디션에서 유기적으로 통합되고 활용될 수 있는지 그 가능성을 탐색하고, 나아가 배우의 오디션 적응력을 향상시키는 데 그 의미를 둔다.

Improvisation training is known to be effective in enhancing a high level of concentration, responsiveness, and spontaneity. The Alexander Technique (AT) has been reported as a training method that helps actors inhibit the startle response and facilitates psychophysical release. However, few studies have explored how improvisation and AT interact and become integrated in actual improvisational audition settings and how this integration influences actors’ improvisational performance. Therefore, this study aimed to explore the effects of AT on actors’ improvisational performance by integrating improvisation and AT in an improvisational audition setting. An integrated workshop combining improvisation and AT was conducted with 20 professional actors, and data were collected through self-reports, questionnaires, and in-depth interviews. The collected data were analyzed using Van Kaam’s phenomenological method of data analysis. The results were as follows. First, AT alleviated breathing discomfort and muscular tension and enhanced concentration and responsiveness, thereby improving actors’ expressiveness. Second, the principle of inhibition in AT contributed to enhancing spontaneity by regulating actors’ emotional impulses and impatience and helping them regain psychological composure. Third, AT alleviated goal-oriented fixation and anxiety and enabled actors to discover their sense of self through the process of self-awareness. These experiences were found to expand their awareness of their own existence. Overall, the findings demonstrated the potential of AT to be utilized as an integrated actor-training approach that goes beyond simple psychophysical release and enhances actors’ improvisational performanc0e. Furthermore, this study confirmed that improvisation and AT can organically interact and be applied in actual improvisational audition settings, suggesting both the educational significance and practical applicability of integrated actor training.

본 연구는 진 로젠탈의 조명디자인에 나타난 빛의 공간 형성 방식을 분석하고, 무대조명에 대한 예술적 사고와 제작 방식이 실제 공연 제작 과정에서 어떻게 구현되는지를 고찰하는 데 목적이 있다. 기존 연구가 로젠탈의 조명철학과 개별 작품의 공연사적 의미였다면 본 연구는 공연 사진, 조명 도면, 큐 시트, 운용 노트, 구술 자료 등을 상호 대조하여 로젠탈 조명이 공간을 만드는 방식과 그 과정에서 반복적인 특성을 도출하며 이를 구분하여 분석한다는 점에서 차별성을 가진다. 로젠탈은 빛의 웅덩이, 다양한 각도의 조명, 논리성을 가진 조명, 기술적 제어와 조명과 신체의 관계성 등을 고려하여 빛이라는 매체를 이용하여 무대 위에 새로운 공간을 구성하였다. 본 논문에서는 이러한 로젠탈의 실제 구현 사례로서 연극《줄리어스 시저》, 무용《미궁으로의 사자》, 뮤지컬《캬바레》를 선정하였다. 세 작품은 각각 다른 장르에서 로젠탈의 조명이 공간 구획, 신체 움직임, 서사적 의미, 관객 지각과 관계 맺는 방식을 보여주는 사례로서 반복적으로 확인되는 특징들을 범주화하였고, 이에 네 가지 범주로 조형성, 운동성, 서사성, 관계성으로 정리하였다. 조형성은 빛과 어둠을 통해 공간의 중심과 경계를 형성하는 방식이며, 신체 움직임과 조명 큐의 결합으로 공간이 시간 속에서 변화하는 특성을 운동성이라 규정하였다. 서사성은 시간, 장소, 정서, 극적 관점을 시각적으로 조직하는 기능이며, 관계성은 배우·무용수, 무대장치, 음악, 관객을 조명 안에서 구조적으로 연결하는 특성을 의미한다. 이는 로젠탈의 조명 디자인을 개별 기법의 나열이 아니라, 제작 자료와 조명 운용, 공간 효과, 미학적 특성이 연결되는 분석 구조로 제시한다는 점에서 의의를 가진다. 다만 본 연구는 현존하는 제작 기록, 구술 자료, 공연사 자료를 중심으로 한 해석적 분석이라는 한계와 함께, 후속 연구에서는 변화하는 디지털 공연 제작 환경과의 비교를 통해 로젠탈의 공간 조명 원리가 계승·확장되거나 변형되는지, 그 유효성을 검토할 필요가 있다.

This study analyzes spatial formation through light in Jean Rosenthal’s lighting design and examines how her artistic ideas and production methods were realized in performance practice. While previous studies have mainly addressed Rosenthal’s lighting philosophy and the theatre-historical significance of individual works, this study cross-examines performance photographs, light plots, cue sheets, production notes, oral materials, and theatre-historical sources to identify recurring spatial strategies in her work. The study analyzes Julius Caesar, Errand into the Maze, and Cabaret as cases from theatre, dance, and musical theatre. These works show how Rosenthal’s lighting shaped spatial division, bodily movement, narrative meaning, and audience perception across genres. The analysis identifies four categories: plasticity, kinetic quality, narrativity, and relationality. Plasticity refers to the formation of spatial centers and boundaries through light and darkness; kinetic quality refers to spatial transformation through bodily movement and lighting cues. Narrativity concerns the visual organization of time, place, emotion, and dramatic viewpoint, while relationality refers to the structural connection of performers, stage elements, music, and the audience’s gaze through light. Although limited to interpretive analysis based on extant records and theatre-historical sources, this study suggests the need to examine how Rosenthal’s spatial lighting principles may be inherited, expanded, or transformed in contemporary digital performance environments. In addition, by systematically developing production methods that utilized lighting plots, focusing charts, cue sheets, and production notes, her philosophy of lighting was brought to life on this foundation. This study aims to examine the manner in which Rosenotal expresses the spatial formation of light through lighting design and to explore its practical significance. Therefore, this study aims to analyze the manner in which light forms space in Jin Rosenthal’s lighting design and to examine how his lighting philosophy and production methods were realized in the actual process of performance production.

본 연구의 목적은 문제해결형 교수법을 적용한 기초발성 교과목을 개발하고 이를 대학 교육 현장에 적용하여 운영 성과를 분석함으로써 대학 발성 교육에서 활용 가능한 교수·학습 모형을 제시하는 데 있다. 최근 대학 음악교육은 단순한 기능 습득 중심의 교육에서 벗어나 학습자의 자기 주도적 학습과 문제해결 능력을 함양할 수 있는 교육과정 운영의 필요성이 강조되고 있다. 이에 본 연구에서는 발성교육과 문제해결형 교수법에 관한 선행 연구를 고찰하고, 음악학과와 실용음악학과가 통합된 교육환경을 반영하여 기초발성 교과목을 개발하였다. 개발된 교과목은 2026학년도 1학기 S대학교 실용음악예술학과 학부생 20명을 대상으로 운영하였으며, 프로젝트 결과물, 활동 보고서, 팀 회의록, 교수자 관찰기록, Before-After 영상, 학생 만족도 조사 등을 종합적으로 분석하였다. 연구 결과, 학생들은 발성의 구조와 원리에 대한 이해를 바탕으로 자신의 발성 문제를 스스로 분석하고 해결 전략을 수립하는 능력이 향상되었으며, 프로젝트 기반 협력학습을 통해 자기 주도적 학습과 문제해결 능력, 협업 역량이 함께 증진된 것으로 나타났다. 또한 기초이론 학습과 문제해결형 프로젝트를 단계적으로 연계한 교과목 운영은 발성 교육에서 이론과 실습을 효과적으로 통합할 수 있는 교수·학습 모형으로서의 가능성을 확인하였다. 특히 프로젝트 수행 전 과정을 온라인 기반 학습 관리 및 평가 시스템으로 운영함으로써 학습 과정과 평가 자료를 체계적으로 관리하고 교수자의 지속적인 피드백을 제공할 수 있었다. 본 연구는 문제해결형 교수법을 적용한 기초발성 교과목 개발 및 운영 사례를 제시하였다는 점에서 의의가 있으며, 향후 대학 음악교육의 교수·학습 방법 개선과 다양한 음악 실기 교과목의 교육과정 개발 및 운영을 위한 기초자료로 활용될 수 있을 것으로 기대된다. 다만 본 연구는 단일 대학에서 한 학기 동안 운영된 교과목을 대상으로 한 사례 연구라는 점에서 연구 결과의 일반화와 장기적인 교육 효과를 확인하는데 한계가 있다.

The purpose of this study was to develop a Basic Vocal Training Course applying Problem-Based Learning (PBL) and to analyze its educational outcomes through implementation in a university setting, thereby proposing a teaching and learning model applicable to higher education in vocal training. As higher education in music increasingly emphasizes learner-centered instruction that promotes self-directed learning and problem-solving abilities beyond the acquisition of technical skills, this study reviewed previous research on vocal education and Problem-Based Learning and developed a course reflecting the integrated educational environment of the Department of Applied Music Arts. The developed course was implemented during the first semester of the 2026 academic year with 20 undergraduate students at S University. Data were collected and analyzed from project outcomes, activity reports, team meeting records, instructor observation notes, before-and-after performance videos, and student satisfaction surveys. The findings indicated that students improved their understanding of vocal principles and structures, developed the ability to identify and analyze their own vocal problems, and established appropriate problem-solving strategies. Furthermore, project-based collaborative learning enhanced students’ self-directed learning, problem-solving skills, and collaborative competencies. The staged instructional design, which combined theoretical instruction with project-based learning, demonstrated the potential to effectively integrate theory and practice in vocal education. In addition, the implementation of an online learning management and assessment system enabled systematic documentation of learning processes and assessment data while facilitating continuous instructor feedback. This study is significant in that it presents a practical case of developing and implementing a Basic Vocal Training Course applying Problem-Based Learning. The findings are expected to provide useful implications for improving teaching and learning methods in higher music education and for developing curricula for various performance-based music courses. However, this study is limited by its single-university, one-semester case study design, which restricts generalizability and the assessment of long-term effects.

본 연구는 AI·디지털 기술이 급속히 확산되는 시대에 인간 고유의 사유 능력과 감수성, 신체성을 회복하기 위한 미래 교육의 대안으로 ‘문학·예술·체육 융합 교육’의 당위성을 논증하고, 서울시와 경기도 양대 교육청의 정책 비교를 통해 실천적 발전 방향을 제안하는 데 목적이 있다. 이를 위해 연구자가 참여한 서울특별시교육청 공약추진위원회와 경기도교육감직 인수위원회에서 수립한 교육 공약을 중심으로 서울시의 ‘예술교육 및 스포츠 활동 강화’ 공약과 경기도의 ‘경기 RAS 교육’ 체계를 비교 분석하였다. 분석 결과, 서울시는 책임교육의 토대 위에서 AI 에듀테크와 아날로그 감성 교육의 공존을 지향하고 있으며, 경기도는 문해력, 문화예술, 스포츠 건강을 통합하여 생각·표현·살아가는 힘을 키우는 경기형 미래 인재 양성을 목표로 삼고 있다. 이러한 정책이 실효성 있게 추진되기 위해서는 관련 사업의 중복·분산으로 인한 학교 현장의 행정 부담, 정책 간 연계 부족, 일회성 체험 중심 운영 등 구조적 문제를 개선할 필요가 있다. 이에 본 연구는 미래융합 교육의 안정적 안착을 위해 문화예술 예산과 자원을 통합·조정하고 예술 강사 질 관리를 전담할 ‘서울시 문화예술교육지원센터’의 설립 필요성을 제안하고, AI 기반 독서 이력제, Art-e QMS 질 관리 체계, AI 기반 학생 건강 체력 관리시스템을 유기적으로 연계하고 12년간의 통합 성장 이력을 공식 증명하는 ‘경기형 RAS 이력 인증제’ 구축의 정책적 당위성을 역설하였다. 본 논문은 서울의 거버넌스 혁신 모델과 경기도의 통합 성장관리 체계를 분석함으로써, AI 시대에 인간의 지성·감성·신체가 조화를 이루는 미래형 전인교육의 정책 방향을 제시하고, 문·예·체 융합 교육의 제도적 기반 마련을 위한 시사점을 제공한다.

This study aims to demonstrate the necessity of integrated literature, arts, and physical education as a future educational alternative to restore uniquely human capabilities—specifically thinking, sensibility, and embodiment—in an era of rapid AI and digital technology proliferation. It proposes practical development directions by comparing policies from the Seoul Metropolitan Office of Education and the Gyeonggido Office of Education. Focusing on educational commitments established through the research team’s involvement in the Seoul Policy Implementation Committee and the Gyeonggi Transition Committee, the study compares Seoul’s pledge on “Strengthening Arts Education and Sports Activities” with Gyeonggi’s “Gyeonggi RAS Education” framework. The analysis reveals that Seoul seeks the coexistence of AI EdTech and analog sensibility education on a foundation of responsible education. Meanwhile, Gyeonggi aims to cultivate future talent through integrated literacy, culture/arts, and sports/health to foster the power to think, express, and live. For these policies to be implemented effectively, structural issues must be addressed, including administrative burdens on schools caused by overlapping programs, lack of policy connectivity, and one-off experiential operations. To overcome these challenges, this study proposes establishing the “Seoul Cultural and Arts Education Support Center” to integrate budgets, streamline resources, and manage the quality of arts instructors. For Gyeonggi, it highlights the necessity of the “Gyeonggi RAS History Certification System”—an integrated 12-year growth record that organically connects an AI-based reading history, the Art-e QMS quality management system, and an AI-based student physical fitness management system. By analyzing Seoul’s governance innovation model and Gyeonggi’s integrated growth management framework, this study offers policy directions for future holistic education that harmonizes human intellect, emotion, and body in the AI era.

연구는 기술 개발로 나타나는 탈인간화 극복을 위한 거리두기 기반의 문화적 실천 필요를 주장한다. 2023년 인공지능 챗봇과의 대화에 빠져 자살한 한 남성의 사례는 사람이 인공지능을 인간의 감정이나 지능으로 착각하는 일라이자 효과의 위험을 보여준다. 이처럼 인간 사고에 영향을 주는 ‘기계적 페르조나’는 융의 페르조나를 인공지능 환경에 도입한 가상의 가면 개념이 되며, 연구는 이에 대해 베르톨트 브레히트의 ‘낯설게 하기’를 접목한다. 브레히트는 이를 위해 3인칭 화법, 과거시제, 지문과 주석 함께 읽기를 제시한 바 있다. 본 연구는 이에 근거하여 기계적 페르조나의 영향을 비판적으로 살필 수 있도록 3가지 문화적 실천을 제안한다. 첫 번째는 인공지능 기계와 대화할 때 본인을 다른 사람처럼 부르는 3인칭 말하기이다. 이는 가상의 답변을 객관적으로 바라볼 수 있게 한다. 두 번째는 인공지능과의 대화 중간에 답변에 대한 원리를 묻는 것이다. 데이터를 기반한 인공지능의 답변을 인간 행위자가 인식하면 맹목적 몰입에서 벗어날 수 있게 된다. 세 번째는 인공지능 대화를 수행하는 인간 행위자 본인의 감정 관찰하기이다. 인공지능의 대답에 영향받아 감정이 변화하는 과정을 행위자 스스로 인식할 수 있음은, 인간 행위자가 전제나 결론 중 일부가 생략된 채 개연적 결론에 도달하는 논증 방식인 엔튀메마적 경험으로 이어지게 된다. 이는 생략된 논리적 공백을 인간 행위자가 채워야 한다는 주장과 연결될 수 있다. 실생활과 예술 현장에서 적용되는 구체적 사례와 이론적 후속 연구로 이러한 주장을 뒷받침할 필요가 있다. 이를 위해서는 인공지능 기술을 예술 현장에서 적극적으로 사용하는 인간 행위자 대상의 심층 인터뷰나 관객 관찰 연구의 설계와 수행이 이루어져야 할 것이다.

This study argues for the need for distancing-based cultural practices to overcome the dehumanization resulting from technological development. The 2023 case of a man who committed suicide after becoming engrossed in a conversation with an AI chatbot illustrates the danger of the Eliza effect, in which people mistake AI as possesing human emotions or intelligence. Such mechanical personas, which influence human thought, can be understood as a concept of a virtual mask that adapts Jung’s persona to the AI environment, and Brecht’s Verfremdungseffekt (alienation effect) remains relevant in this context. The technique of Verfremdungseffekt disrupts the audience’s emotional identification with the stage by highlighting a particular event, action, or situation in a play, thereby prompting the audience to reexamine facts that are easily taken for granted in everyday life. To achieve this, Brecht proposed the use of third-person narration, the past tense, and the simultaneous reading of stage directions and footnotes. Based on this, this study proposes three cultural practices to critically examine the influence of mechanical personae. The first is speaking in the third person -referring to oneself as if one were another person- when conversing with an AI machine. This allows one to view the virtual responses objectively. The second is asking about the principles behind the responses in the middle of a conversation with the AI. When human actors recognize that AI responses are data-driven, they can break free from blind immersion. The third is observing the emotions of the human actor engaging in the AI conversation. The fact that agents can recognize the process by which their emotions change in response to AI’s answers leads to an enthumematic experience, a mode of reasoning in which human agents arrive at a probable conclusion even when some premises or conclusions are omitted. This can be linked to the argument that human agents must fill in the omitted logical gaps. This argument needs to be supported by concrete examples from real life and the arts, as well as by subsequent theoretical research. To this end, in-depth interviews with human actors who actively use AI technology in the arts, as well as the design and implementation of audience observation studies, should be conducted. Key words : AI Technology, Persona, Mechanical Persona, Bertolt Brecht, Verfremdungseffekt

이 연구는 경기도교육청이 추진하는 ｢경기 RAS(Reading, Arts, Sports) 교육정책｣ 가운데, 연극·뮤지컬·공연 활동을 중심으로 한 문화예술교육 영역의 교육철학적 토대를 규명하고 실천적 설계 방향을 제시하는 데 목적이 있다. 선행연구를 개관하면, 인간중심 전인교육 분야에서는 로저스(1969)와 매슬로우(1968)가 자기실현과 ‘충분히 기능하는 인간’을 교육의 목적으로 제시하였고, 밀러(2007)는 홀리스틱 교육과정론을 통해 교과 간 연결성 회복의 필요성을 체계화하였다. 본 연구는 정책과제 최종 보고서(세부과제 4-3-1~4-3-3), 정책 해설 자료, 정책 특강 자료에 대한 질적 문헌분석을 실시하고, 경기 RAS 교육정책이 근거하고 있는 세 가지 교육철학, 즉 인간중심 전인교육(로저스, 매슬로우, 밀러), 경험주의(로크, 흄, 듀이), 실사구시(정약용의 실학사상)의 이론적 기원과 교육적 함의를 고찰하였다. 분석 결과, 인간중심 전인교육은 학생의 자기실현과 감성적 성장을 지향하는 목적론적 기반을, 경험주의는 감상이 아닌 직접적 창작·표현·공연 경험을 통해 배움이 완성된다는 방법론적 기반을, 실사구시는 학교 현장에 맞는 예술교육 실행 원리를 각각 제공하였다. 특히, 본 연구는 정책 문서를 대상으로 한 질적 문헌분석에 한정되어 연구자의 해석적 판단이 개입될 여지가 있고, 정책이 시행 초기 단계에 있어 학교 현장의 실행 자료와 성과 데이터를 분석에 포함하지 못하였으며, 교사·학생 등 교육주체의 인식을 직접 조사하지 않았다는 점, 그리고 단일 시·도교육청 정책을 대상으로 하여 결과의 일반화에 제약이 있다는 점에서 한계를 지닌다. 이러한 한계는 향후 양적·실증적 효과성 검증 연구와 학교급별·지역별 실행 사례에 대한 질적 연구를 통해 보완될 필요가 있다.

This study aims to identify the philosophical foundation of education in the field of cultural and arts education, focusing on theater, musicals, and performance activities, as part of the “Gyeonggi RAS (Reading, Arts, Sports) Education Policy” promoted by the Gyeonggi Provincial Office of Education, and to propose practical directions for its design. Reviewing previous research, in the field of human-centered holistic education, Rogers (1969) and Maslow (1968) proposed self-actualization and the concept of a “fully functioning human being” as educational goals, and Miller (2007) systematized the need to restore inter-curricular connectivity through his holistic curriculum theory. In particular, this study has limitations because it is limited to a qualitative literature analysis of policy documents, leaving room for the researcher’s interpretive judgment; the policy was still in its early implementation stage, so it was not possible to include data on implementation materials and performance data from school settings in the analysis; it also did not directly survey the perceptions of educational stakeholders such as teachers and students; and because it focused on a single metropolitan/provincial education office policy, there are limitations in generalizing the results. These limitations need to be addressed through future research verifying quantitative and empirical effectiveness, as well as qualitative studies of implementation cases by school level and region. The purpose of this study is to theoretically identify the educational philosophical foundations underlying Gyeonggi RAS’s educational policies, especially in the field of arts and culture education based on theatre and performing arts, and to provide an analytical framework for reinterpreting the policy as one with educational philosophical legitimacy by analyzing how these foundations are embodied in the policy’s objectives, instructional and learning activity design, and school implementation strategies.

본 연구는 야마우치 겐지의 『안경부부의 이스탄불 여행기』를 아즈마 히로키의 ‘관광객의 철학’이라는 렌즈를 통해 독해해보려는 시도로서, 재난에 대한 연극적 책임/응답 가능성(responsibility)의 동시대적 양상과 그 의의를 살펴보는 데 그 목적이 있다. 우선 이 논의에서 염두에 두고 있는 재난이란 일차적으로 지난 2011년 발생한 동일본대지진을 가리킨다. 발생 후 15년이 넘는 시간이 흘렀지만 그로 인해 야기된 정치·사회·문화적 갈등은 여전히 봉합되지 않고 진행 중일 뿐 아니라 여타의 차원으로 그 효과가 전이 되거나 복합적으로 확장되고 있기도 하다는 점에서, 동일본대지진은 아직 끝나지 않은 재난이라고도 할수 있을 것이다. 그런데 지금까지 동일본대지진에 대한 응답 가능성을 모색하는 연극의 양상에 관한 연구들은 주로 포스트모던한 타자 옹호론의 관점에서 이루어져 온 듯하다. 그러나 정치적으로 양극화된 현대 사회에서 그것은 또 다른 거대 담론으로 작동하면서 정치적 갈등을 생산하고 있다는 점에서 문제적이다. 아즈마 히로키는 ‘관광객의 철학’이라는 표제 아래, 동일본대지진 이후 양극단적으로 정치화된 일본사회의 현실을 문제시하면서 느슨한 사유와 연대의 가능성을 강조해왔다. 그가 볼 때 모든 현대인은 사회적 네트워크의 복잡성으로 인해 모든 공공적 의제를 자신의 일처럼 진지하게 수용할 수는 없다. 그래서 보편적 공론장의 전체성을 진지하게 주장하는 일은 지속가능성의 측면에서 ‘전략적인’ 문제를 지니고 있다. 관광객의 철학은 이와 같은 문제를 회피하기 위해서 그가 제안하는 것으로, 가벼운 마음으로 우연한 만남에 몸을 맡긴 채 느슨하게 연대할 수 있는 역량에 대한 범박한 기대의 철학이다. 비록 관광객이라는 말이 지닌 뉘앙스의 경박함으로 인해 비판받기도 하지만, 그는 차라리 인간이 갖는 가볍고 동물적인 측면을 긍정적으로 재해석하는 것이 포스트모던한 현대 사회에서 새로운 공론장의 지속 가능성을 위해 필요하다고 주장한다. 이렇게 관광객의 철학이라는 관점에서 독해함으로써, 야마우치 겐지의 『안경부부의 이스탄불 여행기』는 ‘타자의 윤리학’을 넘어 재난에 대한 연극적 응답 가능성의 실천적 양상을 탐색할 수 있는 하나의 경로를 예시해준다.

This study examines Yamauchi Kenji’s <The Glasses Couple's Istanbul Travelogue>(メガネ夫妻のイ スタンブール旅行記) through the lens of Azuma Hiroki’s ‘philosophy of the tourist’, with the aim of exploring the contemporary manifestations and significance of theatrical responsibility to the disaster. First and foremost, the disaster referred to in this discussion primarily refers to the Great East Japan Earthquake that occurred in 2011. Although 15 years have passed since the disaster, the political, social, and cultural conflicts it triggered remain unresolved and ongoing. Furthermore, as its effects are spreading to other dimensions or expanding in complex ways, it can be said that the Great East Japan Earthquake is a disaster that has not yet come to an end. To date, the potential for a theatrical responsibility to the Great East Japan Earthquake seems to have been presented primarily from the perspective of postmodern advocacy for the Other. However, this approach is problematic in that, within contemporary society, it functions as yet another grand narrative, thereby generating political and ethical conflicts. Azuma Hiroki has highlighted the possibility of loose thinking and solidarity while critiquing contemporary Japanese society, which has become polarized and highly politicized in the aftermath of the Great East Japan Earthquake. From the perspective of the philosophy of the tourist, Yamauchi Kenji’s text demonstrates the pragmatic aspects of a theatrical responsibility to the disaster. This paper examines 1) the genealogy of the concept of travel as a precondition for this text to stand as a “travelogue,” and its analogical connection to the artistic experience of travel, 2) the absurd form constituting this text as analyzed through the rhythm of changing the layers of factuality, and 3) its significance in relation to the disaster of the Great East Japan Earthquake, through the philosophy of tourists. And through this, I hope we can examine an example of a pragmatic attitude that imagines new possibilities for theatrical responses to modern disasters.

본 연구는 이탈리아 오페라 《라 트라비아타(La traviata)》의 〈아, 그이인가(Ah, fors’è lui)〉와 중국민족 오페라 《백모녀(白毛女)》의 〈북풍취(北风吹)〉에 나타난 대표적 악구를 중심으로 언어 구조와 성악 선율 구성의 관계를 비교 분석하였다. 가사 텍스트, 출판 악보와 관련 선행연구를 바탕으로 각 작품에서 세 개의 악구를 선정하고, 이탈리아어의 단어 강세, 의미상 핵심어와 모음 연장, 중국어의 성조 윤곽, 음절 구조, 의미적 휴지와 삽입어가 박자, 조성 또는 조식, 화성, 음정, 음가, 강박, 선율의 중심과 악구종지에 어떻게 배치되는지를 살펴보았다. 분석 결과, 〈아, 그이인가〉에서는 강세 음절과 의미상 핵심어가 긴 음가, 강박, 넓은 음정과 선율의 중심에 중첩되었으며, f단조에서 F장조로의 전환과 화성적 긴장은 비올레타의 망설임, 감정의 확대와 사랑의 모순성을 단계적으로 형상화하였다. 반면 〈북풍취〉에서는 성조의 주요 방향이 선율에 선택적으로 유지되었고, “吹”, “飘”, “到”와 같은 핵심어가 긴 음가, 강박과 종지에 배치되어 악구의 구조적 중심을 형성하였다. 또한 짧은 악구의 반복, 순차 진행과 하행 종지는 가사의 명료성과 장면의 서술성을 강화하였다. 두 작품은 모두 의미상 중요한 언어 단위를 음악적 중심에 배치한다는 공통점을 보였으나, 전자는 단어 강세와 모음 연장이 조성 변화, 음역 확대와 연속적 선율선에 결합하여 심리적 전개를 형성한 반면, 후자는 성조, 음절, 반복과 의미적 휴지가 조식적 선율과 짧은 악구에 결합하여 언어적 서술성을 형성하였다. 본 연구는 강세 언어와 성조 언어가 서로 다른 방식으로 성악 선율 구성에 관여함을 구체적인 악구 차원에서 제시하고, 교차 언어 성악 교육과 연주 해석을 위한 분석적 근거를 제공한다.

This study comparatively analyzes the relationship between linguistic structure and vocal melodic organization in representative phrases from “Ah, fors’è lui” in the Italian opera La Traviata and “North Wind Blows” in the Chinese national opera The White-Haired Girl. Based on the libretti, musical scores, and relevant previous studies, it examines how Italian word stress, semantically significant words, and vowel prolongation, as well as Mandarin tonal contours, syllabic structure, semantic pauses, and filler words, shape melodic movement, note duration, metrical emphasis, and phrase cadences. The findings show that in “Ah, fors’è lui,” stressed and emotionally significant words are assigned longer note values and placed at melodic focal points. Vowel prolongation, legato phrasing, and changes in tonality and vocal register create continuous melodic lines that portray Violetta’s hesitation and inner conflict. Words and phrases such as “l’anima,” “amor,” “palpito,” and “croce e delizia al cor” serve as musical centers and deepen her psychological expression. In contrast, in “North Wind Blows,” Mandarin tones, natural pronunciation, semantic pauses, and filler words such as “那个” participate more directly in melodic and phrase construction. Repetition of short phrases, stepwise motion, descending cadences, and folk-song-style melodies maintain textual clarity while expressing Xi’er’s simplicity, innocence, and underlying anxiety. These findings suggest that the differences between the two works lie not in a simple opposition between melody-centered and language-centered composition, but in the distinct organizational principles created by stress-based and tone-based languages. The study highlights the need to consider word stress, tonal contours, vowel prolongation, diction, and phrase focal points in cross-linguistic vocal education and performance interpretation.

본 연구는 예술융합교과 〈여성의 몸과 창조적 움직임〉의 팀 창작·공연 과정을 사례로, 타자화된(3인칭)이미지로 매개된 현존에서 1인칭 감각적 현존으로의 전환이 어떻게 가능한지를 탐색하는 데 목적이 있다. 본 연구는 이러한 조건의 반복을 멈추는 교육적 실천으로서 ‘탈-수행성(de-performance)’ 개념을 제안한다. 탈-수행성은 미디어적 표준, 평가적 타자, 과제 수행성이라는 세 층위의 수행을 의도적으로 중단하는 실천이며, 교수자는 ‘보여주려 하지 말기·관객의 시선을 끄기·완성을 목표로 하지 말기’의 세 가지 피드백 원칙으로 이를 매개한다. 기존의 소매틱스 교육 연구가 수업이라는 보호된 시공간 안에서 감각의 회복을 확인하였다면, 본 연구는 그 감각이 공연이라는 공적 장을 거쳐 일상으로 전이되는 전 과정을 추적한다. 연구방법으로는 문헌연구와 함께 2026학년도 1학기 수강생 88명의 몸일기와 후기, 팀 창작 과정의 관찰·영상 기록, 학기말 성찰적 글쓰기를 분석하는 질적 연구를 병행하였다. 이 중 8명의 학생 자료를 상세히 보되, 체험의 궤적을 회차의 흐름에 따라 추적하는 종단 사례 분석과 주요 장면의 체험 기록을 교차 확인하는 확증 분석의 두층위로 자료를 검토하였다. 분석 결과 학생들의 경험은 저항, 이탈, 몰입, 현존의 네 단계를 거치며 신체(body)에서 몸(soma)으로의 전환으로 귀결되었다. 특히 소극장의 어두운 객석이라는 물리적 조건과 한 학기의 교육적 과정이 결합될 때, 무대는 보여지고 평가받는 장이 아니라 1인칭 감각적 현존이 실현되는 장으로 전환되었다. 나아가 성찰적 글쓰기 분석에서는 이 감각이 교실과 무대라는 보호된 경계를 넘어, 일상의 조건에서도 평가받는 몸에서 느끼는 몸으로 스스로 옮겨갈 수 있는 감각으로 전이되는 양상이 확인되었다. 결론적으로 ‘모든 움직임은 춤이다’라는 명제는 정교한 테크닉을 넘어, 자신의 체험을 담아 타인과 소통하는 주체적인 몸의 모든 움직임이 그 자체로 이미 춤이자 예술임을 의미한다. 본 연구가 미디어 포화 시대의 예술융합교육에 하나의 실천적 사례가 되기를 기대한다. 다만 본 연구는 단일 수업 사례에 기반하므로, 다양한 교육적 조건에서의 적용과 전이의 지속성은 후속 연구의 과제로 남는다.

This study aims to explore how a transition from presence mediated by an objectified (third-person) image to a first-person sensory presence is possible, taking the team creation and performance process of the convergence arts course "Women's Bodies and Creative Movement” as a case study. Today's young generation faces bodily conditions defined as the "self-panopticon” and the "achievement body,” constantly monitoring and displaying themselves as third-person images within digital media (such as self-logging) and an achievement-oriented society. As an educational practice to interrupt the repetition of these conditions, this study proposes the concept of "de-performance.” De-performance is an intentional practice of suspending three layers of performance: media standards, the evaluative other, and task performativity. Instructors mediate this through three feedback principles: do not try to show, turn off the audience's gaze, and do not aim for completion. While previous research on somatics education has confirmed the recovery of sensation within the protected time and space of the classroom, this study traces the entire process through which that sensation passes through the public setting of performance and transfers into everyday life. The results revealed that the students' experiences progressed through four stages—resistance, withdrawal, immersion, and presence— ultimately culminating in a transition from the observed "body” to the lived "soma.” In particular, when the physical setting of a small theater's dark auditorium was combined with the semester-long educational process, the stage transformed from a site of being watched and evaluated into a space where first-person sensory presence is realized. Furthermore, reflective writing analysis confirmed that this sensory awareness transcended the protected boundaries of the classroom and stage, transferring into everyday life as an ability to independently shift from an evaluated body to the felt body. In conclusion, the proposition "all movement is dance” signifies that beyond refined techniques, any movement of a subjective body communicating its own experience with others is in itself already dance and art. It is hoped that this study will serve as a practical case for convergence arts education in an age of media saturation. However, as this study is based on a single course case, its application across diverse educational conditions and the persistence of transfer remain tasks for future research.