Earticle

본 논문은 현대의 대표적 음성 교육자인 크리스틴 링크레이터(Kristin Linklater)가 그의 훈련법에서 사용한 물의 이미지에 관해 연구한 것이다. 20세기 이후 기술적 표현과 감정적 자유의 조화를 목표로 한 현대의 음성 훈련에서 이미지는 하나의 방법론으로서 자주 활용되었다. 이런 흐름 가운데, 링크레이터는 훈련의 모든 단계에서 이미지를 적극적으로 활용하여 다른 훈련 방법론과 차별화된 자신만의 독자적인 훈련 노선을 개척했다. 곧, 이미지의 활용은 링크레이터 음성 훈련의 핵심이라 할 수 있다. 링크레이터는 음성 훈련을 효율적으로 이끌어 줄 다양한 이미지를 제시하는데, 그중에서도 ‘물의 이미지’는 소리 자체와 소리가 나아가는 양상을 비유하는 데 지속적으로 사용된다. 이는 링크레이터가 지향하는 자유로운 음성을 길러내는 데 ‘물의 이미지’가 매우 효과적임을 시사한다. 그러므로 이러한 ‘물의 이미지’에 관한 접근은 링크레이터 음성 훈련에 대한 심층적 이해를 돕고, 나아가 훈련의 효용성을 높이는 데 기여할 수 있으리라 판단된다. 이에 본 연구에서는 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard)의 물질적 상상력 이론을 토대로 링크레이터 음성 훈련에 나타나는 ‘물의 이미지’의 특징과 기능에 관한 분석을 시도하였다. 이를 위해 먼저 물질적 상상력의 개념과 이미지의 ‘물질성’, 그리고 ‘운동성’에 대해 기술하고, 이를 토대로 링크레이터 음성 훈련에 활용되는 ‘물의 이미지’를 ‘고인 물’, ‘흘러가는 물’, ‘복합적인 물’로 분류하여 이들 각각의 이미지들이 어떤 특징을 가지며 훈련에서 어떻게 기능하는지를 분석하였다. 그 결과 우선 각 유형의 ‘물의 이미지’가 유연함과 부드러움, 반영성과 유동성, 상승/하강성 등의 특징을 가지며, 이러한 특징을 적용한 링크레이터의 음성 훈련은 몸의 이완과 경제적이고 건강한 음성 운용의 기술을 보다 효율적으로 체득할 수 있게 해 준다는 사실을 확인할 수 있었다. 본 연구에서 시도한 이미지에 대한 고찰은 향후 연기자를 위한 음성 훈련에서 이미지를 접목한 새로운 방법론 개발의 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This paper is a study on the image of water employed in a voice training method developed by Kristin Linklater, one of the most renowned modern voice educators. Since the 20th century, the use of images in voice training has gradually prevailed as a way to balance technical expressions and emotional freedom. Amid such movement, Linklater pioneered her independent voice training method differentiated from other voice training methodologies by its active use of images in all stages of her training. It is fair to say that the use of images is the key to Linklater's voice training. She presented various images that efficiently guide voice training, and among them, the image of water is continuously used to compare the sound itself and how the sound advances. This suggests that the image of water is effective for freeing the natural voice as advocated by Linklater. Therefore, approaching the image of water can offer an in-depth understanding of Linklater's voice training and contribute to increasing the effectiveness of training. Accordingly, this study aimed to analyze the characteristics and functions of the image of water presented in Linklater's voice training, based on Gaston Bachelard's theory of material imagination. To this end, this study first describes the concept of material imagination, materiality of image, and movement of image; then classify images of water used in Linklater's voice training into stagnant water, flowing water, and complex water; and lastly, analyze characteristics of each image and its functions in voice training. The study verified that each type of water images represents flexibility, softness, reflectiveness and liquidity as well as elevation and fall and that the voice training method of Linklater applying all these characteristics enables ease of body and allows participants to acquire economic and healthy use of voice most effectively. In this regard, this study on images may serve as a basis for devising new methodologies of voice training incorporating images for actors.

이 연구는 뮤지컬과 영화라는 서로 다른 두 매체에 중심에 있는 배우의 연기의 표현방식에 대하여 알아보고자 한 것이다. 1866년 시작된 뮤지컬과 1895년 시작된 영화의 경우 연극에 비해 짧은 역사를 지니고 있지만 다양한 기술들이 발전되고 있는 4차 산업혁명과 더불어 비약적인 발전을 이루고 있으며 더불어 뮤지컬의 경우 연극과 같이 무대 연기의 주체로 자리매김을 하는 시점이다. 게다가 근래 발병한 코로나 19사태로 인해 집합금지 명령이 내려지며 자연스레 공연을 즐기던 대중들이 언제든 즐길 수 있는 미디어 매체로의 플랫폼으로 많이 돌아서게 되었고, 또한 대중들의 눈이 평론가에 비등할 정도는 아니더라도 많은 수준 연기를 분석하고 평을 할 수 있는 시대가 되었으므로 무대 연기가 카메라를 통해 매체로 넘어가고 있는 현시점에서 각 장르를 대표하는 영화와 뮤지컬 배우의 매체에 따른 표현방식을 비교 연구하고 분석하여 각 연기법을 한눈에 볼 수 있게 하여 무대 연기의 자연스러운 매체 표현방식 융합법을 알아보고 뮤지컬 장르적 특성과 표현법을 자세히 비교하여 나타내고 서술하여 무엇이 뮤지컬연기를 하고있는 배우들이 연기함에 있어 무대가 아닌 매체를 통해 볼 때 자연스러울 수 있는지 알아볼 수 있는 긍정적인 효과를 기대할 수 있을 것이다. 또한 이 둘을 한곳에 모아놓은 장르로 뮤지컬 영화 장르를 제시 할 수 있는데 기존 각 매체인 무대 그리고 영화를 합해서 만든 장르로 무대와 매체의 연기 표현방식을 지니고 있지만 아직까지 기존 뮤지컬 배우들의 영화 출연이 성사되고 있지 않은 상황이고, 불가피하게 코로나 19로 인해 기존 뮤지컬 배우들이 공연실황을 통해 매체에 노출될 수밖에 없는 상황에 무대연기를 중점으로 하던 배우들이 고민하고 있을 매체 연기 융합의 조그마한 길을 제시할 수 있을 것이라고 생각하고 매체 연기를 주로 하는 배우 또한 뮤지컬 장르의 표현법을 알아보고 이해 할 수 있을 것이라고 생각한다. 본 연구자는 영화와 뮤지컬을 중심으로 두 매체 간 배우의 표현방식을 비교 연구하여 뮤지컬 연기과 영화 연기의 특수성을 논하고 분석하고 이해하여 앞으로 두 매체 간 배우의 더 나은 표현방식의 제시, 그리고 나은 연기법으로써의 제시를 목적으로 한다.

The study was to analyze how actors express their acting in two mediums: musicals and movies. Unlike plays with thousands of years of history, movies and musicals are only 200 years old with the 4th Industrial Revolution. However, recent technological revolutions helped them making great strides and developing differently from the plays. Musical stage performances, like the play, gained much attention in the past decades. But, the present coronavirus outbreak has led to a ban on musical performances in public. As a result, the masses that enjoyed the stage performances earlier are naturally turning to a media platform that one can entertain at any time. Consequently, stage performance is changing from camera to the movies where the musical actors represent each genre. Musical movies are created by combining the existing media stage and the film. They include each musical genre characteristics and expressions by detailing, comparing, representing, and describing the musical performance of the actors in the acting. In this medium, viewers with prior stage performance experiences can compare, study, and analyze each acting method, especially the way of expression at a glance. The existing musical actors are not yet starring in the films. Certainly, COVID-19 will cause existing musical actors to engage in the popular media through performance. As a result, actors who are mainly on media performances will learn and understand how musical performances are represented by the original musical performers. Therefore, the mainstream actors will provide a small path to this media-based fusion between the two media in the future to present better expression of actors and the purpose of better acting. Therefore, it is essential to analyze and review the actor's performances in the public eyes, and the present study discusses and analyzes the characteristics of each medium by comparing the expressions of actors in the movie and musical "Moulin Rouge”.

아리스토텔레스는 시학을 통하여 비극의 위대함을 예찬하였고 ‘비극’ 원리에 대한 합리적이고 논리적인 이론을 정립함으로써, 고대 그리스 비극은 2천 5백년이 넘도록 서양의 사상적 뿌리가 되어 지금에 이르고 있다. 아리스토텔레스의 시학으로 확고해진 그리스 비극의 철학적 계보는 서양뿐 아니라 동양으로까지 그 영역이 확산되었고 이제 전 세계의 배우들은 고대 그리스의 비극적 원형의 전통으로 창작되어지는 ‘비극적 주제의 텍스트’로 연기하고 있다고 해도 과언이 아닐 것이다. 비극의 등장인물을 실감나게 연기하기 위하여 배우는 자신이 겪은 과거의 가장 고통스러운 기억들을 끄집어낸다. 심지어 자기가 경험해 보지 못한 등장인물의 트라우마 조차 기꺼이 자기 것으로 받아들여야하기에 배우들은 상상 조차 할 수 없는 가장 끔찍하고 처참한 감정들을 만들어낸다. 매 공연마다 짧게는 몇 주, 길게는 몇 년에 걸친 작업환경에서 비극 속 등장인물의 고통을 관객에게 실감나게 전달하기 위하여 배우는 자기의 몸과 마음을 온전히 작품에 바친다. ‘뫼비우스의 띠’처럼 헤어 나올 수 없는 관계로 묶여있는 ‘텍스트의 비극적 주제’와 ‘비극의 등장인물’ 그리고 ‘겉으로 과장할 수 없어 내면으로 에너지를 향하게 할 수 밖에 없는 배우 연기’. 2천 5백년이 넘는 동안 배우의 내면 깊이 박힌 고통의 감정을 정화시켜내는 데에는 누구도 관심이 없었던 것이다. 이러한 관계와 환경이 배우들의 심리적 어려움을 벗어나지 못하게 했던 요인 중에 하나는 아니었을까? 본 연구자는 ‘그리스비극을 원형으로 하는 비극적 텍스트의 전통성과 그 비극적 텍스트의 등장인물을 연기하는 배우들의 심리적 관계’에 대하여 연구를 하였다. 이에 본 논문은 ‘그리스 비극과 그 비극을 옹호한 아리스토텔레스의 <시학>의 이론이 배우가 겪는 심리적 어려움에 영향을 줄 수 있음’을 증명함으로써 배우들이 겪고 있는 심리적 어려움이 배우 개인의 책임이 아님을 밝히고자 한다.

Aristotle glorified the greatness of the content and form of tragedy in <Poetics> and established a very scientific and systematic theory on a tragedy. Therefore Greek tragedy has been the root of Western ideologies more than 2,500 years until now. From by Aristotle's <Poetics>, Greek tragedy took hold not only the Western philosophical genealogy and was also spread to the Eastern cultures. Now it is not an exaggeration that all actors around the world are performing stories written in the traditional context of ancient Greek tragic archetypes. In order to perform the realistic character of the tragedy, actors try to recall the most painful memory of their lives. Moreover actors try to embody the traumas of the characters which they have not experienced themselves so that they can create the most painful and miserable emotions we can not even imagine. For every stage repeated over weeks to months, the actors sacrifice their own bodies and minds to the theatrical work so that they can deliver the realistic pain of the characters from the tragedy. There are three things combined together like a Möbius strip: ‘Tragic story of the text’, ‘Characters of the tragedy’ and the ‘Performance of the actor who can't express their emotions outwards in order to avoid the exaggerated expression. For more than 2,500 years, nobody has been interested in curing the psychological pain of the actors. This study starts from the questioning if these relationship and environment is one of the reasons why actors have trouble escaping from the psychological difficulties. This study shows the 'traditionality of tragic texts based on Greek tragedy and the psychological characteristics of actors who play the characters of the tragic text'. Accordingly, this thesis aims to prove that the psychological difficulties experienced by actors are not personal issues of the actors by proving that 'the theory of Greek tragedy and Aristotle's Poetics, which advocates the tragedy, can affect the psychological difficulties experienced by actors'.

본 연구는 연극 인류학을 창시한 유제니오 바르바(Eugenio Barba)의 오딘 극단 훈련법 중 피지컬 스코어(physical score)에 대한 논문이다. 연구자는 2020년 2월부터 3월까지 덴마크 홀스테브로(Holstebro) 오딘 극단에의 ‘공동생활(cohabitation)-스코어의 다재(Versatility of the Score)’ 워크숍을 참여하였다. 이때의 오딘에서의 경험을 바탕으로 연구자는 2020년 10월에 한국과 덴마크 공동 창·제작 사업으로 공연된 <전쟁의 슬픔>에서 연기자들에게 피지컬 스코어를 훈련하고 재해석했다. 이 연구는 <전쟁의 슬픔> 공연에서 피지컬 스코어를 활용하여 공동 언어 및 개인 언어를 창조하는 동안 연기자들과의 논의 및 실질적 경험에 관한 내용을 담고 있다. 본 연구를 통하여, 오딘 극단의 연기자들이 추구하는 연기법과 전통을 통해 축적된 오딘의 메소드를 한국 실정에 맞게 재해석한 시도에 대해 공유하고자 한다. 광주 아시아 예술의 전당의 제1 극장에서 공연된 <전쟁의 슬픔>은 칼라리빠야뚜와 태극권의 피지컬 스코어를 통해 공동 언어를 창출했고 개인의 특기를 바탕으로 캐릭터에 맞는 스코어를 창조하여 극화하였다. 스코어를 활용한 <전쟁의 슬픔>에서 피지컬 스코어는 극 전체의 독창적인 분위기를 창조하였고 행하면 할수록 더 강해지는 스코어의 특성을 경험하는 효과를 가졌다. 본 연구를 통해, 어떠한 형태의 움직임 시퀀스일지라도 반복, 분할, 대립의 세 가지 기본 원리를 적용하여 피지컬 스코어로 창조될 수 있는 것을 발견하였다. 더하여 상대 배역과 상호작용을 통한 교감 훈련과 신체 부위의 제약을 통한 즉흥 훈련을 바탕으로 ‘초일상적 기술(extra-daily technique)’을 가진 심리신체학적인(psychophysical) 상태에 도달할 수 있는 가능성을 확인할 수 있었다. 본 연구를 통해, 한국의 연기자들과 예술가들이 오딘 극단의 스코어 훈련법을 이해하고 새로운 창작 작업에 스코어를 적용할 수 있기를 기대한다.

This study is about the physical score of the Odin Teatret training method of Eugeneo Barba, who is the founder of theatrical anthropology. As a researcher, I participated in ‘The Versatility of the Score’ by Odin Teatret from February to March 2020 in Holsterbo, Denmark. Based on this experience at Odin at this time, I trained and reinterpreted the physical scores for actors in the showcase titled <The Sorrow of War>, which was performed as a co-production between Korea and Denmark in October 2020. This study includes discussions with actors and practical experiences while creating a common language using physical scores in the performance of <The Sorrow of War>. I would like to share this study with the attempts to reinterpret the acting methods accumulated by the actors of the Odin Teatret and the methods of Odin accumulated through actor training to suit the Korean situation. <Sorrows of War>, performed at Theater 1 in the Gwangju Asian Arts Center, was dramatised by creating a common language through the physical scores of Kalaripayattu and Tai Chi, and creating scores that fit the characters based on individual specialties. Through this process, the physical scores of <The Sorrow of War> had the effect of creating a unique atmosphere of the entire play and experiencing the characteristics of the score that became stronger as they performed it. As a result of this study, it was found that any sequence of physical actions can be created by applying the three key principles such as repetition, division, and confrontation of the physical score. In addition, the possibility of reaching a psychophysical state with an ‘extra-daily technique’ based on through the restriction of body parts both the interaction training with the other roles and the improvisation training was found. Through this study, it is expected that Korean actors and artists would understand the score trainings of Odin Teatret and apply the score method to new creative work.

본 논문은 카메라를 활용하는 매체 연기교육에서 좀 더 효과적으로 매체 연기를 발전시켜 보고자 연구하게 되었다. 러시아의 저명한 연기자이자 연출가인 콘스탄틴 스타니슬랍스키의 연기방법론에 영향을 받은 리 스트라스버그, 스텔라 애들러, 샌포드 마이즈너의 연기방법론 중 ‘상상력’, ‘주어진 상황’, ‘신체 행동’의 구축으로 캐릭터를 형성해 나가는 방법론을 창안한 스텔라 애들러가 제시한 연기훈련 방법론은 연기교육에서 주목할 만한 것이다. 이 방법론을 카메라를 활용한 매체 연기에 접목한다면 배우를 지망하는 사람들에게 좀 더 효율적인 교육을 할 수 있을 것이고 그들의 능력을 향상되게 하는데 큰 도움이 될 것으로 판단된다. 연기방법론 중 무엇이 정답이고 무엇이 오답인지는 정의를 내릴 수 없다. 연기를 하는 사람이 배우의 입장에서 응용하기 쉬운 연기방법론을 택하여 조금씩 자신만의 스타일로 바꾸어, 보는 사람들로 하여금 자연스럽고 공감하기 적절한 감정의 연기를 선보이는 것만이 정답일 수 있기 때문이다. 배우는 자신만의 철학으로 메소드를 만들어 무대와 카메라 앞에서 관객을 만족시켜야 하는데 시나리오를 분석하여 캐릭터 구축을 할 때 무엇에 중점을 두어야 효과적일 것인지, 또한 카메라 매체 연기에 접목함으로 어떤 시너지효과를 가져오는지에 대해서 알아야 한다. 그렇기에 관객과 직접 교감하는 연극, 뮤지컬 등의 무대연기와 다르게 영화나 드라마 등 카메라라는 매체를 통한 연기에서는 카메라의 샷 사이즈를 알아야만 한다. 아무리 무대 위에서 연기를 잘하는 배우라고 하더라도 매체가 다른 카메라 앞에서 카메라의 사이즈를 모르고 연기를 한다면 절대로 대중들에게 연기를 인정받을 수 없기 때문이다. 심지어 4차 산업혁명 시대에 많은 관객들은 편리하게 언제 어디서든 시공간에 제약을 두지 않고 예술을 접할 수 있게 되었고 연기를 판단하는 기준점도 높아 졌다. 그렇기 때문에 본 연구자는 스텔라 애들러의 연기방법론과 카메라의 샷 사이즈를 통해서 카메라 매체를 통해 연기하는 배우에게 좀 더 나은 연기방법론을 분석하고 제시하는 것에 목적을 둔다.

This paper was studied to develop media acting more effectively in media acting education using cameras. The acting training methodology presented by Stella Adler, who invented the methodology of “imagination”, “given situation” and “body behavior” of Lee Strasberg, Stella Adler and Senford Meizner, influenced by the acting methodology of renowned Russian actor and director Konstantin Stanislavsky. If this methodology is applied to media acting using cameras, it will be able to provide more efficient education for aspiring actors and will greatly help them improve their skills. It is impossible to define which of the acting methodologies is correct and which is wrong. This is because the answer may be to change the acting methodology, which is easy for actors to apply, into their own style little by little, and to present an emotional performance that is natural and sympathetic to the viewers. That’s why some actors are recognized and loved by the public, while others are shunned by the public. Actors need to create their own methods to satisfy the audience on stage and in front of the camera, but they need to know what to focus on when analyzing scenarios to build characters, and what synergies they bring by combining them with camera media acting. Therefore, unlike stage acting such as plays and musicals, which communicate directly with the audience, the camera should know the size of the camera’s shot in acting through a movie or drama. No matter how good an actor is on stage, if the media acts in front of another camera without knowing the size of the camera, the acting will never be recognized by the public. Even in the era of the fourth industry, many audiences can conveniently access art anytime, anywhere without restrictions on time and space, and the standard for judging acting has also increased. Therefore, the purpose of this research is to analyze and present better acting methodologies to actors acting through camera media through Stella Adler’s acting methodology and the camera's shot size.

이 연구는 중소벤처기업부 창업진흥원에서 진행하는 「2020년 메이커 창작프로젝트 지원」 혁신선도의 부문에 선정된 동서울대학교 산학협력단의 사업으로써, 사물 인터넷을 기반으로 시각장애인을 위한 클라우드 기반 IoT 오디오 촉각도서 콘텐츠 제작 과정에서 창작동화를 녹음하며 주제에 맞는 음성연기법을 고찰하는데 그 목적이 있다. 이에 대해 성우들의 음성연기와 유아교육가들의 동화구연법의 연구를 바탕으로 IoT 기술을 활용한 오디오 콘텐츠 속의 연기법은 어떻게 변화되어야 하는가에 대해 논의를 진행하였다. 또한, 자동 오디오 재생이라는 환경과 시각장애인이라는 대상에게 적용되는 특수한 현실성에 음성연기법의 다양한 가능성을 확인해보았다. 본 연구자는 오디오 제작 책임연구원으로 참여하면서, 클라우드 공유가 가능한 촉각도서 제작과정에서 최명진 작가의 어른동화 <애착인형> 1·2편의 오디오 콘텐츠 세부책임자로 역할을 하였다. 녹음과 음성연기지도 실행과정 안에서 어떠한 연기법이 구현되어야 효율성이 극대화 되는지에 초점을 두고, 함께 참여한 동서울대학교 연기예술학과 재학생 3명의 인터뷰를 중심으로 음성연기법의 효율성을 극대화 시키고자 하였다. 그 결과 참여자들은 구연동화, 라디오드라마의 결합을 뛰어 넘는 시각장애인들의 특수성에 대한 촉각도서 음성연기법의 주안점을 다음과 같이 피력했다. 세밀한 호흡의 변화, 마이크 안에서의 방향과 원근감을 고려한 발성, 보이는 듯한 입체적이고 세밀한 연기력과 인위적이지 않되 정확한 발음을 꼽았다. 다채로운 발성을 통하여 더욱 세밀해야 하는 시각장애인을 위한 촉각도서의 음성연기법을 통해서 억양과 의성어, 의태어 등 다양한 육감의 소리로 구현되는 체현화의 증요성을 전체적인 흐름 하에 적용시키는 중요성에 대해서 인지하고 실현하는 장이 되었다. 이는 배우들이 매체연기와 무대연기, 동화구연을 넘나드는 목적과 특수성을 감안한 환경에 적극 대처하고 적용해야 함을 시사한다.

This research is based on a business of Industry-Academic Collaboration Foundation of Dong Seoul University, 2020 Maker Creative Project Support, which was supported by Korea Institute of Startup & Entrepreneurship Development. The main task of the project was to create contents of cloud-based audio tactile book for people with visual impairments and this research was planned to explore appropriate methods of voice acting in a setting of Internet of Things(IoT) by recording creative fairy tale. For this, various acting styles of voice actors and storytelling techniques of children educators were analyzed and discussion was held subsequently to find out how acting methods should be changed for audio contents combined with loT. In addition, acting methods in the unique setting of automatic audio play were investigated. I work as a senior researcher for audio production and was responsible for audio contents of a series of An Attachment Doll, written by Myeong-Jin Choi, and the audio tactile book is now available on Clould. Teaching students who major in acting in Dong Seoul University, I experimented various acting methods with them, observed, and discovered which of them are appropriate for the certain setting. In-depth interviews of three students were analyzed additionally to prove the effectiveness of the methods. The students reported that four factors of voice acting for the tactile book were crucial; the subtle changes of breathing, the vocalizations according to direction and distance while using a microphone, acting skills, and the accurate pronunciation. This suggests that actors should be prepared for the special setting through training which is based on special methodology.

본 연구는 ‘행화적 인지(enactive cognition)’를 연기의 과정(The process of acting)에 적용하여 기존의 배우훈련이 놓치고 있는 부분을 규명하고 새롭게 강조되어야 할 배우 훈련의 방향을 제시하는데 목적을 둔다. 행화적 인지란 뇌와 몸과 환경 사이의 전일적이고도 역동적인 상호작용을 우리의 인지과정으로 정의하는 인지과학의 한 분야이다. 기존의 연구에서 연기 과정을 정당화하는 근거로 사용된 체화된 인지신경과학은 연기의 과정에서 표현(행동)의 전 단계를 형성하는 인지, 즉 감정과 느낌, 생각, 상상의 형성 메커니즘을 설명하기 위해 심적 표상(mental representation)과 거울 뉴런에 의한 시뮬레이션(simulation)의 개념을 적용해왔다. 하지만 이러한 개념은 환경과의 상호작용 속에서 이뤄지는 연기자의 능동적이고 역동적인 인지의 가능성을 제한함으로써 일정부분 한계를 보였다. 이에 본 연구는 나와 상대방 그리고 주위 환경과의 역동적인 관계를 충분히 설명할 수 있는 대안으로 행화적 인지에 주목한다. 우선 행화적 인지의 주요 원리와 특성을 4가지 카테고리, ‘움직이는 몸에 기반을 둔 비표상적 지각’, ‘환경과의 역동적으로 상호작용하는 인지’, ‘체화된 기술을 통한 지각의 확장’, ‘내러티브적 상상력과 상호주관성을 통한 공감’으로 분석한다. 그리고 이러한 주요 원리와 특성을 연기에 적용함으로써, 기존의 배우 훈련에서 상대적으로 덜 부각되었던 ‘움직이는 몸을 통한 지각의 확장’, ‘환경과의 역동적인 교류를 통한 배우훈련’, ‘텍스트의 해석이 아닌 창발적인 지각을 만들어내는 배우훈련’이라는 새로운 방향성을 제시한다. 이에 대한 본격적인 논의를 위해 본고는 먼저, 인지과학에서 행화적 인지 이론이 대두된 양상을 시간 순으로 살펴보고, 인지신경과학의 관점에서 바라본 연기 과정의 쟁점과 한계를 규명한 뒤, 이를 행화적 인지를 통해 다시 고찰한다. 이를 통해 기존의 배우 훈련에서 상대적으로 덜 부각되었던 ‘움직이는 몸을 통한 지각의 확장’과 ‘환경과의 역동적인 교류’를 강조하는 배우 훈련의 중요성을 확인하고, 텍스트의 해석이 아닌 ‘창발적인 지각을 만들어내는’ 배우 훈련으로의 대안적 방향성을 제시하고자 한다.

This paper aims to suggest an alternative way of actor training through examining the process of acting with enactive cognition. Enactive cognition is a new version of recently developed embodied cognition approaches, and it defines human cognition as dynamic interaction among brain, body and environment. Existing researches of acting have adopted the concept of ‘mental representation’ and ‘simulation based on mirror neuron’ of neuroscience to explain the process of forming emotion, feeling, thought and imagination which are worked as preconditions of expression or action in acting. However, these concepts in neuroscience limit actors’ subjectivity and their dynamic relationship to the surrounding environment. Therefore it reveals limitation to explain total human cognition. This paper suggests enactive cognition as an alternative way of examining the process of acting which should be focused on not only actor’s mind but also his/her relationship to other actors and the environment. This paper analyzes the main principles of enactive cognition as ‘nonrepresentational cognition based on moving body’, ‘cognition enhanced by dynamic interaction with surrounding environment’, ‘extension of perception through embodied skills’ and ‘empathy through narrative imagination and intersubjectivity’. Then I propose an alternative way of actor training focused on ‘the extension of perception through moving body’, ‘the reciprocity between perception and environment’ and ‘the creation of emergent perception rather than text-analysis’. I expect the actor training aimed for developing and extending actor’s emergent perception and creativity such as Jacques Lecog training and the Viewpoints will be educated as an alternative way of actor training with new perspectives examined by this research.

본 연구는 로봇과 인간의 관계를 통해 포스트휴머니즘 시대의 새로운 공연예술 문화를 분석적으로 이해하는 것을 목적으로 한다. 4차 산업혁명은 인터넷을 중심으로 인공지능을 비롯하여 사물인터넷, 빅데이터 등 최첨단의 테크놀로지와 현실이 결합되어 나타난 것이다. 사이보그로 대표되는 이른바 포스트휴먼의 등장은 인간과 기계가 결합됨으로서 기존 휴먼의 능력을 초과하는 미래 인간의 모델이 되고 있다. 포스트휴머니즘의 바람은 연극 등의 공연예술 분야에도 영향을 주고 있다. 전통적으로 인간만이 무대 위에 설 수 있다고 믿었지만, 최근에는 공연예술 분야에서 로봇의 진출 가능성이 높아지고 있다. 로봇을 중심으로 하는 새로운 예술적 경향을 로보틱 아트(Robotic Art)라고 한다. 무대 위에 등장하는 로봇에 대한 관객의 반응은 기존의 공연예술에서 관객-배우의 관계와는 다른 양상을 보인다. 포스트 휴머니즘 시대에 로봇배우와 인간배우가 서로 상호작용하며 만들어낸 공연은 관객에게 지금까지와는 다른 새로운 느낌, 감동, 형식으로 존재하게 될 것이다. 로봇배우는 인간배우와 달리 공학적인 도움을 필요로 한다. 그러므로 예술과 공학의 상호 연계가 이루어져야지만 정상적인 공연이 가능하다. 포스트휴머니즘시대에는 인공지능을 포함한 비인간이 인간과 관계를 맺음으로써 인간배우뿐 아니라 비인간도 인간과 같이 연기 훈련을 하고, 무대에 서는 것이 가능해 보인다. 인간만의 영역이라고 생각했던 공연예술 무대에서도 비인간의 활약은 이제 무시할 수 없는 경지에 이르게 되었다. 따라서 본 연구에서는 공연예술에 등장한 비인간 로봇으로 인해 야기되는 네 가지 관점에서의 파생연구를 아래와 같이 수행하고자 하며 로봇배우와 관객 사이의 거리에서 발생하는 독특한 감정, 로봇배우와 인간배우의 차이점, 로봇배우를 마주하는 인간배우 및 연출, 그리고 로봇배우의 출현에 필요한 기술적 환경의 연계 등에 대한 연구를 통해 포스트휴머니즘 시대의 공연예술에서 로봇배우에 대해서 살펴보고자 한다.

The purpose of this study is to analytically understand the new performing arts culture in the post-humanist era through the relationship between robots and humans. The 4th Industrial Revolution is the result of combining reality with high technologies such as artificial intelligence, Internet of Things, and big data based on the Internet. The emergence of so-called posthumans, represented by cyborgs, is becoming a model for future humans that exceeds the capabilities of existing humans by combining humans and machines. The evolution of posthumanism is also affecting the fields of performing arts such as theater. Traditionally, it was believed that only humans could stand on the stage, but recently, the possibility of robots entering the performing arts field is increasing. A new artistic trend based on robots is called Robotic Art. The reaction of the audience to the robot appearing on the stage shows a different aspect from the relationship between the audience and the actor in the existing performing arts. In the post-humanist era, the performances created by robot actors and human actors interacting with each other will exist to the audience in a new feeling, emotion, and form different from those of the past. Robot actors, unlike human actors, need engineering help. For a normal performance, art and engineering must be interconnected. In this paper, the following four studies are to be carried out. A study on the unique emotions that occur in between a robot actor and an audience, a study on the difference between a robot actor and a human actor, a study on the human actor and directing facing the robot actor, and a study of the technological environment necessary for the appearance of the robot actor. This paper intends to examine the robot actor in the performing arts in the age of posthumanism through these studies.

봉준호 감독의 가장 뛰어난 역량은 할리우드 모델과 한국 문화를 접목한 것이며, 즉 할리우드 모델과 한국의 환경 그리고 사회 문제를 적절히 결합하여 영화에 새로운 활력과 문화 의미를 부여한 것이다. 그의 작품은 관객의 호기심을 유발하는 뛰어난 서스펜스 플롯, 정교한 영상 공간 배치, 그리고 신비한 상상력뿐만 아니라 상업성과 예술성을 완벽하게 표현하여 국제 영화제에서 여러 차례 상을 받았다. 또한 영상 공간은 영상 서사의 중요 요소로써 인물이 연기하는 단순한 장소가 아니라 “일정한 이미지를 지닌” 잠재적 대사로서 역할을 한다. 봉준호 영화의 영상 공간은 지역, 민족, 역사, 문화가 적절히 융합되어 있으며, 다큐멘터리의 지리적 모습, 냉담한 도시 공간, 억압되고 폐쇄적인 공간은 한국의 환경을 적절히 드러낼 뿐만 아니라 도시 발전 과정에서 발생한 대표적인 역사 사건과 역사의 추억을 반영하고 있다. 또한 자연 광선의 진실한 표현, 냉난 색채의 교차 사용, 빈곤층의 복잡함과 부유층의 단순함, 그리고 동양 문화 의미가 담긴 구도 설정, 동양 전통문화에 적합하고 다큐멘터리 미학을 추구하는 롱 테이크는 영화 공간의 선명한 한국적 모습과 풍부한 시각 느낌을 전달할 뿐만 아니라 사회 신분 계층과 계급적 대립을 생동적이고 입체적으로 표현한다. 봉준호 감독의 독특한 운치가 담겨 있는 영상 공간이 영상 서사 내용의 전개를 주도한다. 본 연구는 봉준호 감독의 영화 작품에 대한 감상과 정리를 통해 한국적 특색을 강조하는 현지화(現地化) 시각에 따라 대표 작품을 선정하여 연구 대상으로 하며, 텍스트 분석법 등을 통해 봉준호 영화의 환경, 화면, 인물 등 영상 공간 요소를 분석 및 요약하였다. 그리고 이를 통해 향후 중국과 한국 영화의 현지화 창작을 위한 참고적 경험을 제공하고, 글로벌 환경에 따른 영화의 현지화 발전을 촉진하여 세계 영화에서 자기 민족의 독특한 영상 공간 언어 구축에 일정한 도움을 주고자 하였다.

Director Bong Joon-Ho is most acclaimed for his excellence in seamlessly integrating the Hollywood style and the South Korean culture. By combining the backdrop and social issues of South Korea, the director gives new vitality and cultural connotations to the Hollywood style. As an important element of film narrative, image space serves as no longer just a setting for character performance, but has become a subtext for “image building”. The basic form and style of image space are of enormous importance for better revealing personal characters and unfolding the storyline. Regional, national and historical cultures are well incorporated into the image space of Bong Joon-Ho's films. The documentary geographic features, the indifferent urban space, and the depressing enclosed space contribute to the vivid description of the local environment, and at the same time reflect the representative historical events and historical memories in the process of urban development; the realistic portrayal of natural light, the alternate use of warm and cold colors, “the poorer, the more cluttered, and the richer, the more simplistic” settings carrying the connotation of Oriental culture, and the full-length shots in line with oriental traditional culture and in pursuit of documentary aesthetics enable the localized pictures of the film space to deliver a clear and rich visual experience and make a vivid and three-dimensional display of the social hierarchy and the collisions in it; the woeful and helpless mothers in the patriarchal system, the weak with mental illness in the process of social development, and the public officials who knowingly violate the law during the period of military dictatorship represent various types of localized characters and reflect the living conditions and psychological changes of the people at the bottom of the social pyramid. Bong Joon-Ho's unique image space design serve as a guide to the narrative content of his films.

본 연구는 급변하는 포스트 코로나 시대에 공연예술과 디지털 영상기술 간 관련성에 관한 분석을 시도하였다. 이를 위해 국립극장이 코로나 발생 전과 후에 상영한 공연영상 프로그램, <NT Live>와 무용영상 <희망의 기본>을 미디어 생태학 이론의 분석틀을 빌려 분석하고, 유의미한 변화를 탐색해보고자 했다. 디지털 영상기술이 공연예술과 접목해 만들어진 대안적 결과물로 향유되고 있는 공연영상물이 다시 공연 환경에 어떤 영향을 미치고 있는지에 관한 분석에는 마샬 맥루한의 미디어 이론이 적합하다고 판단하였다. 맥루한의 미디어이론은 기술적 삶으로서 미디어가 인간의 삶에 진입했을 때, 우리의 삶이 기존과 어떻게 달라지는가에 초점을 맞추고 있어 이러한 분석에 유의미하다. 영국 국립극장의 전막 공연 실황 중계 프로그램 <NT Live>는 맥루한의 미디어 이론상, 핫미디어로 분류된다. 관객들은 극장의 대형 스크린에 투사되는 이미지에 감각을 집중하고 주어진 정보를 독해해야 한다. 영화와 마찬가지로 카메라의 위치들, 프레임들의 선택, 동작들을 미리 계획한 의도대로 이미지를 파편화하고, 재조립하여 만든 영상물이기 때문이다. 닫힌 화면이 제공하는 고밀도의 정보에 온 감각을 집중하는 동안에 관객/수용자의 주관적인 해석은 일어나기 어렵다. 흥미로운 점은 극장에 모여 NT Live를 감상하는 수용자로부터 쿨미디어를 경험할 때의 반응이 동시에 확인된 점이다. 무용영상 <희망의 기본>은 미디어와 인간 간에 상호 작용이 높아지는 쿨미디어의 특성을 강하게 보여준다. 무용영상 <희망의 기본>은 온택트(ontact/contactless) 기반의 공연영상이라는 대체물로 시각과 청각의 감각 확장을 끌어내어 미디어와 관객/수용자 간에 열린 해석이 가능할 수 있음을 보여주고 있다. 특히 일상의 수행적 퍼포먼스가 디지털 영상이라는 프레임을 거치면서 연행적 퍼포먼스로 전환되는 과정에서 관객/수용자가 무용수/퍼포머의 신체에 대한 새로운 지각이 생성되는 점이 흥미롭다. 여기에서 몸은 외부에서 들어온 서사를 전달하는 매체가 아니라, 그 자체가 직접 서사를 만들어내는 장소가 된다. 미디어의 발전이 인간 감각의 확장뿐 아니라 인지 변화까지 끌어냄을 확인할 수 있다.

Coronavirus pandemic and digital technology demands a large paradigm shift to cultural sector in a way of producing arts and engaging with audience. In respond to this change, the National Theater of Korea presented performance live broadcasting services. Before pandemic it presented NT Live screenings at a theater. After pandemic it provided a contactless theater experience via online streaming-Dance video: Basics of Hope. This study aims to analyze the relationship between digital technology and changes in performance environment. For a research it applied a theoretical framework from Marshall Mcluhan’s media ecology. Mcluhan states that different media invited different degrees of participation on the part of a person who chooses to consume a medium. He argues that a hot medium demands a viewer’s attention due to high sensory definition while a cool medium is the opposite, increasing viewer’s invovlement due to low definition. NT Live is a kind of hot medium- that is, it enhance one single sense like a movie. Thus audience does not need to put much effort to understand what a moving image means. The interesting point is that NT Live also contains a part of cool medium. According to a recent audience research, theater-goers and digital video viewers, both groups were satisfied with social experience from different theater experiences – live either digital streaming. It implies that a digital performance program is not second-class, but a different experience at performing arts. Dance video: Basics of Hope is a kind of cool medium- that is, it promotes more interactions between media and audience/viewer. It requires more active participation due to the minimal presentation of information.

이 연구는 최근에 새롭게 등장하는 리빙랩 연구로 도시의 생활환경 개선과 도시의 변화가 이루어지고 있는 현실에서 리빙랩을 문화예술교육에 접목하여 융복합 교육으로 이루어진다면 그동안 개별화된 방식으로 이루어져 왔던 문화예술에 시민들이 한층 더 쉽게 다가갈 수 있게 될 수 있다. 이 연구의 과정으로서 리빙랩의 의미를 살펴보고, 현재 진행되고 있는 문화예술교육을 영역별로 분석하여 나아갈 방향을 설정하고 구체화하는 데 목적을 두었다. 리빙랩은 그동안 개념화되지 못하고 파편화되어 있는 개인의 생각이나 이웃과 협력하는 공동체적 삶을 함께 공유할 수 있다는 실천과정을 보여준다. 인간의 역사에서 공동체가 협력하여 만들어가는 것은 과거에도 많이 있었으나 최근에는 자유주의에 내포된 개인주의가 확산하면서 점점 사라지고 있다. 공동체 의식은 가정에서 학교교육으로 이어져 생활문화로 형성하여야 한다. 지역의 문화예술에 대한 주민들의 향유를 위해서는 공동체 사회에 대한 참여와 희생의 정신이 마음속에 내포되어 있어야 한다고 보았다. 최근에 확산하기 시작한 리빙랩은 생활실험실의 의미를 지니며, 지역 재생과 환경개선에 많이 적용되고 있는 것으로 나타나고 있으며, 문화예술에서도 충분히 접목할 수 있다는 것을 보여주고 있다. 문화와 예술교육 시스템을 개괄적으로 살펴보고, 문화예술교육이 이루어지고 있는 학교교육, 사설교육, 공공기관 교육의 조화로운 운영을 강조하고, 문화예술교육이 시민들에게 이루어져 공공성을 강화할 필요가 있다. 교육의 방향성 분석을 통해 학교교육을 보편성, 사설교육은 전문성, 공공기관 교육은 대중성을 강조하고 있다는 점을 제시하고, 공공기관 교육에서는 개인에게 제2의 기회부여 차원에서 문화예술교육이 이루어져야 한다고 하였다. 따라서 이 연구는 리빙랩을 통해 문화예술 활성화를 위한 교육 방안을 찾아보는 것에 중점을 둔다. 그동안 문화예술이 개인 중심의 전문성 교육 중심으로 이루어져 왔으나 최근에는 기관 중심의 프로그램을 통해 대중 중심으로 나아가는 경향을 보인다. 이러한 상황에서 리빙랩을 통한 문화예술이 어떻게 활성화되어야 하고, 교육의 방향은 어떻게 이루어져야 하는가를 알아보고자 하는 것이다.

This study is a study of the living lab that has emerged recently. In the reality of improving the living environment of cities and changing cities, if the living lab is combined with culture and art education to provide convergence education, the culture that has been made in an individualized way Art can be more easily accessible to citizens. The purpose of this study was to examine the meaning of the Living Lab as a process, and to set and materialize the future direction by analyzing the cultural arts education that is currently in progress according to each area. Living Lab shows the practical process of sharing individual thoughts that have not been conceptualized and fragmented, or a ommunal life that cooperates with neighbors. In the history of human beings, there have been many things that communities cooperate to create, but recently, as individualism embedded in liberalism spreads, it is gradually disappearing. A sense of community should be formed as a living culture from home to school education. In order for the residents to enjoy local culture and arts, the spirit of participation and sacrifice in the community should be contained in their hearts. The Living Lab, which has recently started to spread, has the meaning of a living laboratory and is widely applied to local regeneration and environmental improvement, and shows that it can be sufficiently applied to culture and art. It is necessary to take an overview of the culture and arts education system, to emphasize the harmonious operation of school education, private education, and public institution education where culture and arts education is provided, and to strengthen the public nature of culture and arts education for citizens. Through the analysis of the direction of education, it was suggested that universality of school education, professionalism of private education, and the popularity of public institution education are emphasized, and that culture and arts education should be implemented in terms of giving individuals a second opportunity in public institution education.

다큐멘터리 스토리화 서사 전략은 다큐멘터리의 감상성을 향상시키는 창작 방법의 하나로써 다큐멘터리 창작 과정에 광범위하게 사용되고 있다. TV 미식 유형의 다큐멘터리는 최근 한국과 중국에서 시청자들이 가장 좋아하는 다큐멘터리 유형의 하나이며, 창작 과정에서 보편적으로 스토리화 서사 전략을 사용하였다. 본 연구는 최근 제작된 TV 미식 다큐멘터리인 한국의 <요리 人류: 도시의 맛>과 중국의 <풍미인간2>를 연구 대상으로 미국의 유명한 감독이자 학자인 세일라 커런 버나드(Sheila Curran Bernard)가 제시한 다큐멘터리 스토리화 서사 전략을 이론적 근거로 하여 다큐멘터리의 텍스트 구축, 시청 언어 측면에서 두 TV 미식 다큐멘터리의 스토리화 서사 전략을 연구하였다. 분석을 통해 한국과 중국의 TV 미식 다큐멘터리는 “신토불이”와 “천인합일(天人合一)”의 음식 문화에 영향을 받아 창작 이념이 비교적 유사하다는 것을 발견하였다. 한국의 TV 미식 다큐멘터리는 주제의 스토리 디자인을 중시하지만 시청 언어 측면에서 비교적 수단이 단일하다. 반면 중국의 미식 다큐멘터리는 주제의 스토리 디자인이 상대적으로 부족하지만 시청 언어의 처리 수단이 비교적 풍부하고, 특히 시청 언어를 통해 전형적인 인물 구축과 사건에 대한 서스펜스 처리를 중시하며, 다양한 편집 수단을 통해 TV 미식 다큐멘터리의 시청 가능성 제고를 중시한다. 세계적으로 인정받는 TV 다큐멘터리 유형인 미식 다큐멘터리에 대해 미래 한중 양국의 창작자들은 스토리화 서사 전략의 장점을 참고해 창작해야 한다. 그리고 이를 통해 한중 양국의 TV 미식 다큐멘터리에 새로운 돌파구를 실현하여 자국의 문화 소프트 실력을 더욱 강화하고, 아시아 TV 다큐멘터리의 세계적인 영향력을 확대할 수 있게 되기를 기대한다.

The storytelling strategy, a way to increase the appeal of documentaries to the audience, is widely used in documentary production. Over recent years, TV food documentaries have become one of the most popular documentary genres in South Korea and China, and their production generally follows the storytelling strategy. Therefore, TV food documentaries are no longer simply about cooking methods, but instead tell stories between food and people, food and culture, in different countries. In this study, two TV food documentaries released in recent years -South Korean Food Odyssey: Taste of the City and Chinese Once Upon a Bite 2 - were selected as samples. Based on the documentary storytelling strategy proposed by famous American director and scholar Sheila Curran Bernard, this paper explores the storytelling strategy of the two TV food documentaries from the perspectives of text construction and audio-visual language. Centering on food, both of them explore geographical features, culture and historical stories behind food while sharing the cooking methods. The Chinese TV food documentary, on the contrary, is not good enough in storytelling around the theme, but it's successive in storytelling in terms of audio-visual language. Especially, it emphasizes the portray of typical characters and the handling of suspense, which, plus diverse editing methods in order to increase the visibility of food documentary. In the future, South Korean and Chinese producers can learn from each other's advantages in the storytelling strategy, as shown in Food Odyssey: Taste of the City and Once Upon a Bite 2, two representatives of internationally recognized TV food documentaries of South Korea and China. In this way, the two countries can make new breakthroughs in the production of TV food documentaries, thereby further going global, enhancing their cultural soft power and expanding the influence of Asian TV documentaries around the world.

디지털 기기의 보급으로 언제 어디서나 동영상을 시청할 수 있게 되면서 현재 동영상 콘텐츠 시장은 큰 성장을 이루고 있다. 특히, 유튜브는 세계 최대 동영상 플랫폼으로 콘텐츠가 올라오고 공유된다. 그 중에서도 어린이를 대상으로 한 키즈 콘텐츠 채널이 유튜브 구독자 수 랭킹에서 상위를 차지하고 있다. 키즈 크리에이터가 직접 등장하는 키즈 콘텐츠가 유튜브 구독자 수 상위권을 차지하게 되면서 초등학생들의 장래 희망 순위에서 유튜버와 같은 크리에이터가 대세로 자리 잡게 되었다. 유튜브는 유튜브 키즈 콘텐츠와 키즈 유튜버 보호를 위한 방안을 마련하였다. 본 연구는 유튜브 키즈 콘텐츠와 키즈 유튜버 현황을 중심으로 키즈 유튜버 보호가 제대로 이뤄지고 있는지 살펴보고자 한다. 키즈 유튜버를 중심으로 키즈 콘텐츠 현황을 살펴보고, 아동 보호 강화를 위한 방안이 과연 적절한지에 대해 해외사례와 함께 비교·분석하고자 한다. 유튜브 키즈 콘텐츠 연구는 여러 영역에서 이뤄지고 있지만 어린이가 직접 출연하는 키즈 유튜브 채널의 이면과 보호 방안에 대해 짚고 넘어가야 할 과제는 여전히 남아있다. 이들을 보호하기 위한 올바른 정책 확립의 필요성이 매우 중요하다. 이는 아이들이 건강하게 성장할 수 있도록 도움을 주는 역할을 해줄 것이다. 유튜브는 키즈 유튜버와 영상에 출연하는 아동을 보호하기 위한 정책 변화를 가져왔다. 하지만 국내뿐만 아니라 해외에서 실행하고 있는 키즈 유튜버 보호를 위한 지침은 강제성이 없는 권고 조치라는 점에서 한계점을 지닌다. 키즈 시장이 점점 커져가고 있고, 유튜브 키즈 콘텐츠를 넘어 모든 키즈 콘텐츠 관련 가이드라인이 제대로 실행되어야 할 것이다. 이를 계기로 앞으로 새로운 변화가 나타나는지 주목해볼 필요가 있다. 따라서 본 연구에서는 많은 인기를 얻고 있는 키즈 유튜버를 중심으로 키즈 콘텐츠 현황을 살펴보고, 아동 보호 강화를 위한 방안이 과연 적절한지에 대해 해외사례와 함께 비교·분석하고자 한다.

With the spread of digital devices, the video content market is currently growing significantly as videos can be viewed anytime, anywhere. In particular, YouTube is the world's largest video platform where content is uploaded and shared. Among them, the Kids Content Channel for Children ranks high in the YouTube subscriber count. Kids content, which features kids creators themselves, has topped the YouTube list, making creators like YouTubers a trend in elementary school students' future hope ranking. YouTube has come up with measures to protect YouTube Kids content and kids YouTubers. This study aims to examine whether the protection of kids YouTubers is properly carried out, focusing on YouTube Kids content and the status of kids YouTubers. We would like to examine the current status of kids' content, focusing on kids YouTubers, and compare and analyze whether measures to strengthen child protection are appropriate with overseas cases. YouTube Kids content research is being conducted in various areas, but there are still challenges to address behind and protection measures for kids' YouTube channels starring children themselves. The need to establish the right policy to protect them is very important. This will help children grow up healthy. YouTube has brought about policy changes to protect kids YouTubers and video-starters. However, the guidelines for protecting children's YouTubers implemented not only in Korea but also abroad have limitations in that they are recommended measures without coercion.The kids market is growing, and guidelines for all kids' content beyond YouTube Kids content should be implemented properly. It is necessary to pay attention to whether there will be new changes in the future.

이 연구는 2019 한국예술종합학교 영화과 졸업 작품인 댄스영화 <유월>에서 춤 퍼포먼스를 통한 스토리텔링 구현 방식과 그 의미를 고찰하는데 목적을 둔다. 일반적으로 국내 댄스영화는 춤과 노래가 극 안에서 동일한 비중을 가지고 뮤지컬영화로 재탄생하는 경향이 있다. 이와 달리 이 작품은 대사의 비중을 낮추고 다양한 춤 장르를 ‘크로스오버’하여 신체적 퍼포먼스를 실행하고 있다. 신체적 퍼포먼스는 극 중 상황에서 인물의 심리를 반영한 모습으로 드러나며 관객은 인물의 움직임을 관찰함으로서 역동적이고 강렬한 에너지와 함께 자아 찾기의 여정의 동반자가 된다. 즉 <유월>의 신체적 움직임은 단순한 춤에 불과한 것이 아니라 ‘댄스바이러스’를 퍼포먼스의 형태로 구현함으로서 극 중 인물이 각자의 방식으로 자신의 욕구와 해방을 찾아가는 과정 자체인 것이다. 본고는 주인공인 어린이 유월을 중심으로 스토리텔링의 전개를 파악한다. 또한 움직임이 갖는 내러티브가 관객에게 어떠한 전이체험을 발생시키는가를 고찰한다. 과거 넌버벌 퍼포먼스가 배우의 액션을 통한 시각적 요소(Showing Image)의 제시에 그쳤다면, <유월>은 내러티브를 효과적으로 드러내기 위해 각 인물의 섬세한 움직임을 퍼포먼스로서 적극 시도하였다. 구체적으로 극의 내러티브 형성은 인물의 행동에서 어떻게 드러나는지에 대해 특정 장면을 언급하여 밝힌 후, 관객들이 각 장면을 통해 유추할 수 있는 상황과 춤의 연결로 극의 흐름을 면밀히 분석한다. 관객은 움직임의 내러티브(narrative)를 통해 댄스영화에서 연극적 상상력과 몰입을 더할 수 있으며 감독이 의도한 메시지와 관련하여 다각도적인 해석으로 작품 감상에 흥미를 얻게 될 것이다. 이때 관객은 움직임의 내러티브(narrative)를 따라가며 인물의 여정을 자신의 것으로 받아들여 심리 신체적 전이체험을 이루게 된다고 할 수 있다. 이에 본고는 기본적 고찰에 이어 본격적으로 크로스오버를 통한 넌버벌 퍼포먼스가 어떻게 작품의 내러티브를 형성하는지 고찰하고, 주인공의 심리가 춤을 통해 어떻게 표출되어 관객의 전이체험으로 이어지는지 분석한다.

The purpose of this study is to examine the method and meaning of storytelling through dance performance in the dance film <Yuwol>, the graduation work of the 2019 Korea National University of Arts Film Department. In general, domestic dance films tend to be reborn as musical films, with dance and song having the same weight in the play. On the contrary, this work lowers the weight of dialogue and ‘Crossover’various dance genres to perform a physical performance. The physical performance is revealed as a reflection of the character's psychology in the situation in the play, and by observing the character's movements, the audience becomes a companion on the journey of self-discovery with dynamic and intense energy. In other words, the physical movement of <Yuwol> is not just a simple dance, but the process itself in which the characters in the play find their own desires and liberation in their own way by implementing the ‘Dance Virus’in the form of a performance. This paper examines the development of storytelling with the main character, Yuwol, a child. It also examines what kind of transference experience the narrative has in the audience. In the past, non-verbal performances were limited to the presentation of visual elements (showing images) through the actors' actions. In order to effectively reveal the narrative, <Yuwol> actively attempted the delicate movements of each character as a performance. Specifically, after mentioning specific scenes about how the narrative formation of the play is revealed in the actions of the characters, the audience closely analyzes the flow of the play through the connection between the situation and the dance that the audience can infer through each scene. The audience will be able to add theatrical imagination and immersion in the dance film through the narrative of the movement, and will be interested in appreciating the work with a multi-faceted interpretation in relation to the message intended by the director. At this time, it can be said that the audience follows the narrative of the movement and accepts the character's journey as their own to achieve a psychophysical transition experience.