Earticle

본 연구는 교육과정이 교육현장에서 실현되는 과정에서 발생하는 교수학적 변환 과정에 관심을 두고, 2015 개정 교육과정의 성취기준을 중심으로 『연기』 교과서를 연계 분석하고 향후 교육과정 개정 및 교과서 개발, 수정을 위한 시사점을 얻는 것을 목적으로 한다. 분석 결과, 각 소단원별 학습목표는 총 36개를 제시하고 있는데, 16개의 학습목표는 각 성취기준을 달성하기에 적절한 것으로 나타났으며, 20개의 학습목표는 부적절한 것으로 나타났다. 부적절한 학습 목표의 양상은 ① 학습활동의 부족으로 확장이 필요한 학습목표, ② 학습내용 및 활동의 누락으로 추가가 필요한 학습목표, ③ 상세화가 필요한 학습목표로 나눌 수 있다. 학습활동의 경우, 97개의 성취기준별 학습활동 분석 요소 중 84개는 다양한 교과서 구성요소에서 구현되고 있으나 3개는 내용이나 활동이 누락되었으며, 10개는 [작은 매듭짓기]와 [큰 매듭짓기]에서 포괄적으로 언급하는 정도로 구현하고 있다. 학습활동은 학습량을 고려하지 않은 학습활동, 내용적 중첩이나 효율적이지 못한 삽입 이미지, 혼란을 일으키는 교과서의 진술 등의 문제점이 발견되었다. 성취기준에는 명시되어 있지는 않지만, 교과서 개발자가 학습에 도움이 된다고 판단한 학습활동을 임의로 삽입한 것이 발견되어 향후 교과서 개발이나 교육과정 개정 시 그 적절성에 대한 논의가 필요할 것으로 보인다. 이러한 분석 결과를 바탕으로 차후 교육과정 개발 및 교과서 개정을 위하여 ① 교육과정의 분석을 통해 상세화의 정도를 고려하여 학습 목표 설정, ② 교육과정의 암묵적 의도까지 파악하여 교과서의 학습내용 및 활동의 선정, 교과서 개발자와 교육과정 개발자간의 소통 시스템 구축, ③ 교과서 내 내용적 중첩 현상을 방지하기 위한 교과서나 교육과정의 섬세한 진술, ④ 교과서 개발자가 임의로 삽입한 학습주제나 활동에 대한 적절성 논의 및 시사점 반영 ⑤ 학습활동의 효율성과 정확성을 위한 시청각자료의 개발 ⑥ 학습 활동의 체계적인 구성⋅전개, ⑦ 교과서의 활용 사례 연구 등을 제언하였다. 본 연구는 질적 교과서의 개발에 일조하며, 향후 연극 교육과정과 연극 교과서에 대한 담론 형성에 기여할 것으로 기대한다.

Having interest in the process of didactical conversion that occurs in the course realization of curriculum in school settings, this study aims to conduct a sequential analysis on the 『Acting』 textbook focusing on the achievement standard of 2015 revised national curriculum, and obtain implications for future revision of curriculum, development and correction of the textbook. Analysis results show that each small unit suggests total 36 learning objectives respectively, and 16 learning objectives of which are considered appropriate to achieve each achievement standard, whereas 20 turned out to be inappropriate to achieve achievement standards. Learning objectives that are inappropriate can be divided into ① learning objectives that expansion of learning activities is necessary due to insufficiency of such activities, ② the ones that addition is considered necessary due to ommission of learning contents and activities and ③ learning objectives that are needed to be detailed. As for learning activity, 84 out of the elements of learning activity analysis by 97 achievement standards have been realized in various elements of textbook, but contents or activities are missing from 3 elements, and 10 elements are realizing only by mentioning comprehensively in [Making a small know] and [Making a big know]. ① establishment of learning objectives considering the degree of specification through analysis of curriculum, ② selection of learning content and activity of textbooks by understanding even the tacit intent of curriculum, and construction of communication system between textbook developer and curriculum developer, ③ delicate statement of textbook or curriculum for preventing content duplication of textbook, ④ discussion of appropriateness of learning topics or activities inserted arbitrarily by text developer and reflection of implications ⑤ development of audiovisual materials for effectiveness and accuracy of learning activity ⑥ systematic organization⋅ development of learning activity, ⑦ research of textbook application cases etc. This study is expected to be of help to the development of qualitative textbooks and contribute to the composition of discourse about drama curriculum and textbooks in the future.

이 연구는 시설 미혼모의 자기효능감을 중심으로 연극치료 프로그램을 설계 및 적용하고 결과를 질적 분석한 사례연구이다. 연구대상은 미혼모자복지시설에 거주하는 미혼모 5명이다. 연극치료 프로그램은 로버트 랜디(Landy, R.)의 역할 이론을 토대로 설계하였으며 자기효능감을 위한 단계별 목표를 위해 선행연구를 통해 증상개선 목표를 설정하였다. 프로그램은 주2회, 회기별 90분씩 총 12회기에 걸쳐 적용하였다. 연구결과 도출을 위해 녹취록, 활동사진, 창작물사진, 관찰일지를 수집하였다. 이를 통한 연구의 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 연극치료 프로그램은 시설 미혼모의 자기효능감에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 연구대상별 반응을 언어적, 정서적, 행동적으로 분석한 결과 전반적으로 자발성이 향상되었으며 긍정적인 언어표현이 증가하여 자신의 상황에 대해 인정하고 긍정적인 미래를 설계할 수 있었다. 둘째, 회기별 반응 분석을 통해 연구 대상에게 적합한 연극치료 기법을 확인할 수 있었다. 연구대상은 투사적 기법을 통해 자신의 감정과 욕구를 탐색할 수 있었으며 소극적인 연구대상의 경우 거리조절의 효과성으로 자발성을 향상시킬 수 있었다. 심리극적 기법은 연구대상의 심리, 정서적 문제를 극화하여 표현하고 스스로 문제의 해결방안을 찾도록 하는 과정에서 역할 레퍼토리를 확장하여 자신의 문제를 다양한 시각에서 바라 볼 수 있는 기회를 마련하였다. 따라서 이 연구의 의의는 연극치료 프로그램이 시설 미혼모의 자기효능감에 대한 적용 가능성에 있으며, 미술치료 위주의 기존 연구에서 벗어나 시설 미혼모의 자기효능감에 대한 연극치료 프로그램의 후속 연구를 위한 임상자료 제시하였다는 점에 가치를 둔다.

This study is a case study that designed and applied a drama therapy program centering on the self-efficacy of single mothers in a facility and analyzed the results qualitatively. The subjects of this study were 5 single mothers living in single mother and child welfare facilities. The drama therapy program was designed based on the role theory of Robert Randy (R.), and symptom improvement goals were set through prior research for step-by-step goals for self-efficacy. The program was applied twice a week, 90 minutes per session, over a total of 12 sessions. Report cards, photos of activity, creative photos, and observation logs were collected to help analyze the findings of the study. The summary of the results of this study is as follows. First, it was confirmed that the theater therapy program had a positive effect on the self-efficacy of single mothers in the facility. The subjects of this study improved their spontaneity through the program, increased positive language expression, recognized their own situation, and were able to design a positive future. Second, it was possible to confirm the appropriate theatrical therapy technique for the study subject through the analysis of the response by session. The subjects of this study were able to improve their spontaneity through the effectiveness of distance control by exploring their emotions and desires through the projection technique. In the psychodramatic technique, in the process of expressing psychological and emotional problems by dramatizing and finding solutions to problems by themselves, the role repertoire was expanded so that they could see their problems from various perspectives. Consequently, this research proves that the drama therapy has high potential of improving self efficacy of single mothers at facilities. The researchers also put value on presenting clinical data for further studies on the positive outcome of drama therapy, apart from well known art therapy.

코로나19로 인해 공연예술 산업에서 온라인 플랫폼을 통한 영상콘텐츠 송출에 대한 관심이 커졌다. 코로나19 펜데믹에 대응하면서 새로운 변화를 모색하고 있는 공연예술 산업을 중심으로 기존 현장 공연예술의 방식에서 디지털 환경을 어떻게 잘 활용할 수 있는 지에 대한 적절한 방법을 고민해보고자 한다. 뮤지컬, 연극, 콘서트 등 공연을 취소하거나 조기 폐막하여 현장 공연을 기대했던 많은 팬들의 아쉬움을 샀다. 이러한 위기 속에서 공연예술계가 찾아낸 돌파구는 온라인이었다. 다양한 온라인 영상 플랫폼을 통해 연극, 뮤지컬, 아이돌 콘서트, 컴백 쇼케이스, 팬미팅이 이뤄지고 있다. 예술의 전당의 ‘삭온스크린(SAC On Screen)’ 프로젝트를 온라인으로 상영을 확장했고, 서울예술단은 네이버TV와 후원라이브 서비스를 시작했다. 국립오페라단은 ‘크노마이오페라(KNOmyOpera)’라는 온라인 동영상 서비스를 시행하고 있다. 또한, 공연 스트리밍 플랫폼인 ‘레드컬튼’도 공연예술 온라인 플랫폼의 새로운 영역을 구축하고 있다. 이 연구는 비대면 공연을 위해 온라인 영상콘텐츠 서비스를 도입하게 된 공연예술 산업의 사례를 살펴볼 것이다. 이를 통해 코로나19로 인해 변화하고 있는 공연예술 산업의 온라인 플랫폼 영상콘텐츠화는 오프라인 공연예술의 대체재가 아닌 보완재로서 공연예술에 익숙하지 않았던 대중에게 문화 활동의 접근성을 한층 더 높여주는 계기를 제공할 것이다. 또한 기존 극장에서 보여주지 못한 첨단 기술을 활용해 오프라인 때와는 또 다른 현장성을 경험하게 될 것이다. 더불어 특유의 현장감을 어떻게 담아낼 것인지 등에 대한 답이 여전히 미지수이기 때문에 공연예술 산업에서는 많은 고민거리를 가지고 있다(김도연, 2019). 코로나19로 인해 자발적으로 영상 콘텐츠를 도입하게 된 공연예술 산업의 사례를 살펴보고 이를 토대로 포스트 코로나 시대에 공연예술 산업의 발전방향 및 변화를 모색하고자 한다.

Covid-19 has greatly increased interest in video contents through online platforms in the performing arts industry. Online platforms have become no stranger. We will re-examine the existing performing arts methods and think about proper ways to utilize the digital environment, focusing on the performing arts industry, which is seeking new changes in preparation for the Covid-19 Fendemics..Many fans were disappointed by the cancellation or early closing of the show in musicals, plays, and concerts. The breakthrough found by the cultural community in this crisis was online. Plays, musicals, idol concerts, comeback showcases, and fan meetings were held through online video platforms such as YouTube and Naver TV. The Seoul Arts Center has expanded its screening of the Seoul Arts Center's "SAC On Screen" project online, and the Seoul Performing Arts Company has launched a sponsoring live service with Naver TV. Korea National Opera is implementing an online video service called KNOmyOpera. In addition, Redkurtain, a performance streaming platform, is also establishing a new area of the online platform for performing arts. This study will look at the examples of the performing arts industry that introduced video contents using online platforms and will look at the development direction and change of the performing arts industry in the Post Covid-19 era. Through this, the online platform video contents of the performing arts industry, which is changing due to Covid-19, has much to consider, but it will provide an opportunity to increase accessibility of cultural activities to the public who are not familiar with performing arts. It will also experience a different scene from when it was offline by utilizing high-tech technologies that were not shown in existing theaters.

이 연구는 4차 산업혁명시대의 특성과 연관지여 새로운 연기예술환경에 대한 모색과 기술에 대해 고찰하였다. 연기예술은 기술과 시류 변화에 민감한 예술 분야이다. 4차 산업혁명은 이전 3차 산업시대까지의 축적된 기술을 기반으로, 새로운 삶의 환경으로 전환되는 시대이다. 이에 연기예술도 새로운 환경에 발맞추어 변화하는 바, 대표적인 영화 기술 ‘모션캡쳐’를 중심으로 탐구하였다. 본 연구는 4차 산업혁명시대의 키워드인 ‘초연결성’의 개념을 이해함과 동시에, 연기예술에 있어 산업과 인간의 융합이 어떻게 이루어지는지에 대한 원리를 알아보는 것에 중점을 두었다. 이에 배우의 실사 연기와 컴퓨터가 연결·융합되는 기술 ‘모션캡쳐’의 영상 연기 적용까지 알아본다. 영화에서 실사 표현이 어려운 미지의 세계 또는 추상적 캐릭터는 상상력과 창의력을 바탕으로 CG를 덧입혀 새롭게 구현·개발이 가능하지만, 실사 영화제작에서 새롭게 구현된 캐릭터들이 실제 인간의 섬세한 감정이 실린 생동감 있는 연기를 한다는 것은 아직까지는 미미한 실정이었다. 그러나 이제는 ‘모션캡쳐’로 말미암아 애니메이션 영화뿐만 아니라, 실사 영화에서 인물들의 생동감 있고 자연스러운 캐릭터 구현이 가능하다. 즉 배우의 개성 있고 고유한 연기를 훼손하지 않으면서도, 주어진 상황 속 인물의 감정과 행동을 포함하여 실제 영화 속 캐릭터에 접목하는 기술이 가능해진 것이다. 다시 말해 이러한 기술은 영상 연기에 있어서 단순히 운동력만 부여하는 것이 아니라, 다양한 상황에서 배우 스스로가 표현 주체가 되어 보이지 않는 ‘내면연기’는 물론, 상황에서 오는 ‘리듬과 템포’까지 생성하여 생동감을 더욱더 부여한다. 그러나 이러한 기술의 눈부신 발전에도 인물의 표현적 영역은 결국 인간의 직접적인 개입, 즉 배우의 생동감 있는 연기가 기본이라는 것이다. 인간만이 갖는 또는 느낄 수 있는 고유한 영역은 오로지 배우의 직접적인 연기가 필요하다는 결론이다.

This study considered the search for a new acting art environment and technology in connection with the characteristics of the Fourth Industrial Revolution. Acting is an art field that is sensitive to technology and current changes. The Fourth Industrial Revolution is an era in which technologies accumulated up to the previous Third Industrial Era are transformed into a new environment of life. As a result, acting art was also explored around the representative film technology ‘motion capture’, which is changing in line with the new environment. This study focused on understanding the concept of ‘Hyper-Connected’ a keyword in the era of the fourth industrial revolution, while also exploring the principle of how industry and human convergence in acting art takes place. In response, the actor's live-action acting and the application of video acting of ‘motion capture’ a technology that connects and fuses computers, were recognized. Although unknown or abstract characters, which are difficult to express due diligence in movies, can be newly implemented and developed by adding CG based on imagination and creativity, it was still insignificant that the newly implemented characters in real-life filmmaking acting with real human delicate emotions. Now, however, ‘motion capture’ allows the characters to create lively and natural characters in real-life films as well as animated films. In other words, it is possible to incorporate the character in the movie, including the emotions and actions of the character in a given situation, without damaging the actor's unique and unique acting. However, despite the remarkable development of this technology, the expressive area of the character is, after all, the direct human intervention, the lively acting of the actor. The unique area that only humans have or have is the conclusion that only actors need direct acting.

본 연구는 스타니에프스키(Włodzimierz Staniewski)가 이끄는 폴란드의 실험극단, 가르치에니체(Gardzienice) 배우훈련의 특성과 원리에 대한 고찰을 바탕으로 동시대 연기자 교육에 있어 몸 훈련의 방향성과 그 의의를 모색하고자 한다. 본 연구는 우리가 직면하고 있는 급격한 사회-문화-환경의 변화 속에서 파생된 소외된 몸과 그 현상에서 빚어진 문제들을 비판적인 관점에서 살펴보았다. 이러한 소외된 몸은 인간/예술가 상호 간의 소통과 교감을 기반으로 형성되는 관계성의 부재에서 촉발된 것이며, ‘이 몸’은 개인의 의식과정 및 자의식을 중심으로 수동적-종속적인 형태로 드러난다. 이러한 맥락에서 연기자 교육 및 몸 훈련의 방향성을 재고하는 과정에 있어 무엇보다 수평적-포용적 관계가 부재한 삶/작업 환경은 이를 해소하기 위한 근본적인 대안이 될 수 없음을 밝힌다. 본 논문은 이러한 문제를 극복하기 위한 대안적 접근 방법으로써 스타니에프스키가 추구하고자 했던 두 가지 원칙, 즉 음악성(musicality)과 상호관계(mutuality)에 관한 논의를 중심으로 주체적 몸의 개념인 자연성과 그 근원이 되는 온정(warmth)의 원리에 주목하였다. 이 논의의 골자는 주체적인 몸을 바탕으로 삶/예술 행위에 있어 ‘실제 참여’를 말하는 것이며, 그 실현을 위한 접근 과정은 외부의 시선이나 기존의 보편적 기준에서 탈피한, 모든 진실의 근거지로 작용하는 배우 자신의 몸으로부터 촉발될 때 비로소 그 가능성이 열리게 된다는 사실이다. 여기서 독립적인 충동의 의미로써 음악성(자연성)은 인간/배우의 몸과 동떨어지거나 이원화된 구조 속에 있는 것이 아니라 인간/배우의 존재 및 행위와의 직접적인 관계성 속에 항상 공존하고 있다. 본 연구에서 고찰한 소외된 몸에 대한 비판적 논의와 더불어 다가올 ‘동시대 현실과 부합’하는 접근법을 모색하기 위한 과정이 학교 교육 및 현장 예술가들에게 있어 실제로 적용 가능한 훈련 방법을 모색하기 위한 토대로 작용하길 기대한다.

The thesis explores the significance of bodily-awareness for contemporary performer training through consideration of the characteristics and principles of training that Staniewski aims for. This research examines from a critical point of view the alienated body and the phenomena resulting from the rapid social-environmental change caused by the 4th Industrial Revolution and the Corona19 incident. This process has developed into questions about the place and role of our bodies in contemporary era as well as performer training, and to approach these questions reflection on the essential aspects of acting and training. This practical process led to (re)recognizing that relationships/mutuality can be restored through practical cooperation between humans(artists) and humans(artists), and that a pathway of possibility is opened to go beyond existing conventions. The point of connection that is reinforced here, that is, the relationship between each other, is directly in touch with the inclusiveness that we experience and perceive as the most important value at the same time. In other words, the passive body lost in a dual relationship, or the subordinate body (corpse) that wandered in the middle of the gap, is the shape of our current body and represents the reality of the system or convention. Staniewski’s training as an alternative approach to overcoming these problems, and the musicality and mutuality that act as its core principles by means of a source for realizing change by breaking away from the marginalized body we are currently facing. That is, the change is not triggered by a specific method, academic education, or such concept, but is manifested in the subjective body capable of ‘actually participating’ in life/art work, and the fact that the body at this time acts as the source of all truth.

정부는 2020년 대비 창업지원 예산을 29.8% 증가시키면서 국내 창업지원 정책을 적극적으로 진행하였다. 그러나 2020년 중소기업벤처부의 보고서를 살펴보았을 때, 전체창업지원 예산은 증가하였으나, 해양수산부, 행정안전부, 문화체육관광부는 2020년 대비 창업지원예산이 감소되었으며, 특히 문화체육관광부는 9.4억원의 감소액을 보여주면서 가장 많은 창업지원 예산이 감소되었다. 즉 다른 산업분야와 비교하였을 때, 여전히 문화예술산업 분야의 창업지원은 미흡하다는 점을 볼 수 있다. 본 연구는 이러한 문제점을 인지하고 기존의 문화예술 창업에 관한 연구를 문헌고찰하여 연구대상을 예술인 창업 의의에 가장 적합한 예술 전공 학생으로 좁혔으며, 특히 창업생존률이 높은 장르를 중심적으로 연구하기 위해, 문화예술 장르 중 대중성이 더 높고 시장규모가 더 큰 공연예술을 중심으로 공연예술 전공 학생을 연구대상으로 좁혔다. 즉 본 연구는 공연예술 전공 학생의 개인적 특성과 창업지원프로그램이 창업의지에 어떤 영향을 끼치는지에 대해 효과성을 검증하였으며, 창업지원프로그램, 공연예술 전공 학생의 개인적 특성과 창업의지의 관계에서 사회적 지지가 매개역할을 하는지에 대한 효과성을 검증하였다. 또한 연구결과에 대해 요약하자면, 첫째, 창업의지에 유의한 직접효과가 있는 변수는 개인적 특성의 혁신성과 위험감수성으로 나타났으며 모두 정(+)의 효과가 있었다. 둘째, 사회적 지지를 통한 매개효과의 경우, 개인적 특성 중 혁신성과 위험감수성이 창업의지에 영향을 끼치는 인과관계에서 사회적 지지가 매개변수로서 유의한 정(+)의 영향력이 있는 것으로 나타났다. 결론적으로 이러한 연구결과를 통해 공연예술 전공 학생의 창업의지에 관계된 변수들을 이론적으로 규명하였으며, 공연예술 전공 학생을 위한 창업지원프로그램의 개선방향에 대해 시사하였다.

Government has been actively enforcing on startup supporting policies by increasing related budget by 29.8% from 2020. However, the report of MSS shows that budget for startup supporting has been cut from MOF, MOIS and MCST from previous year, while MCST has reduced the most by 940 million Won. This clarifies Art Industry’s support on startup is still less insufficient compared to the other industries. Subject study has narrowed group of objects to be limited as art major students those are mostly corresponding to the significance of artist startup, by acknowledging above problem and researching documents, and a group of performance art major student basis performance art genre, which has higher popularity and bigger market for it, to majorly study genre with higher survivability for making startup. In other words, our subject study has verified effectiveness of performance art major students’ personal traits and startup supporting programs on willing of creating startup. It also has verified if social support could function as mediator in relationship between startup willing and students’ personal trait and startup supporting program. To summarize first result, factors with direct meaningful effect on startup willing were innovativeness and risk sensitivity in people’s own trait, and they were positively affective. Second, it was social support that were positively affective in cause-effect relationship between personal trait and startup willing, in case of mediated effect basis social support. We theoretically clarified variables related to Performing Art major students’ startup willing with these results of studies, and suggested ways to improve on startup supporting program for Performing Art major students.

본 연구는 심리제스처(Psychological Gesture)를 훈련하는 과정에서 배우가 겪게 되는 현실적 한계점을 밝히고 이를 보완한 체계적인 수련 방법을 제시하는 데 목적을 둔다. 심리제스처는 ‘인물의 마음을 하나의 움직임으로 통합한 신체적 표현’으로 목표와 내적 행동을 아우르는 인물의 심리를 직관적으로 체화하고 상상하게 하여 역할의 내적 삶을 진실하게 살아내도록 돕는다. 그러나 구체적이고 체계적인 훈련법이 미비한 관계로 심리제스처는 종종 배우 개개인의 능력이 뛰어나야만 체득할 수 있거나 단기간 내에 숙련하기 어려운 심오하고 이상적인 기술처럼 여겨지곤 한다. 따라서 본 연구는 창안자 미카엘 체홉(Michael Chekhov)이 제시한 심리제스처의 단계별 실습 과정을 구체적으로 명시 후, 실제로 이를 실천하는 과정에서 부딪치게 되는 벽을 낮추고 더욱더 효과적으로 테크닉을 훈련하게 해줄 구체적인 대안들을 제안한다. 먼저, 심리제스처의 시작점이라 할 수 있는 원형제스처(Archetypal Gesture)의 종류가 명확하지 않음을 지적한 뒤, ‘상대를 어떤 방향으로 움직이려 하는가’를 기반으로 나눈 여섯 가지 원형제스처를 소개하고 이를 효과적으로 수행하기 위한 가이드라인을 제시한다. 그리고 인물의 심리를 더욱 구체적인 형태로 체화하기 위해 원형제스처의 변형 단계를 기존 실습 과정에 추가한다. 또한, 정서적이거나 비신체적인 성질들의 사용을 지양하고, 모든 신체적 움직임을 아우를 수 있는 공간, 시간, 무게의 성질을 도입한다. 마지막으로 심리제스처를 반복하고 상상하는 과정에서 배우들이 흔히 빠지게 되는 오류들을 밝힌 후, 온몸으로 생생하게 제스처를 경험하고 상상하도록 도와줄 다양한 지침들을 제안한다. 이같이 심리제스처의 ‘원형’을 발견하고 ‘변형’하여 ‘성질’을 입힌 뒤, 이를 ‘반복’하며 ‘상상’하는 일련의 실습 과정은 기존의 불분명함과 난해함을 극복하고 훈련의 구체성과 체계성을 확립하는 데 도움이 될 것이다.

This study examines the practical limitations and alternatives of Psychological Gesture training and proposes a systematic way of practicing this technique. Psychological Gesture, which means ‘a physical expression of the thought, feeling, and desire of the character, incorporated into one movement,’ leads the actor to experience the character’s inner life truthfully by embodying and imagining the role’s mind intuitively. However, due to the lack of a concrete and systematic approach to the training, many actors tend to feel the technique too profound, idealistic, and difficult to understand and master. Accordingly, this research clarifies the existing process of Psychological Gesture training and offers effective alternatives to the practical obstacles which the actor usually encounters. Firstly, this study points out that there is no exact list of Archetypal Gestures and introduces six fundamental gestures – pushing, pulling, lifting, lowering, gathering, and tearing – and guidelines to execute them properly. Also, the transformation stage of Archetypal Gesture is added to expresses the character’s psychology in a more specific form. Then, this study warns about the risk of using emotional or non-physical qualities and adopts the qualities of space, time, and weight, which accommodate every kind of movement, namely directly, indirectly, quickly, slowly, heavily, or lightly. Lastly, this thesis explains the mistakes that the actor often make in the steps of repetition and imagination and suggests a holistic way of re-experiencing Psychological Gesture inwardly and outwardly. To sum up, Psychological Gesture training consists of five steps – selecting a gesture among six Archetypal Gestures, developing the form of the archetype, applying physical qualities to the gesture, and repeating and imagining it with the whole body. All these viable alternatives to the existing training could help the actor to exercise Psychological Gesture technique more effectively and systematically.

공연에서 관객을 연극의 역사, 공연의 특성 그리고 연출가의 컨셉 등 여러 가지 요인에 따라 세분화하면 크게 수동적 소비자, 능동적 소비자, 그리고 창조적 소비자 나눌 수 있다. 연극의 기원부터 20세기 이전까지 관객은 주로 수동적인 소비자의 역할을 했다. 그러다가 20세기 초 텍스트를 거부하는 아방가르드 연극 운동이 맹위를 떨치기 시작하면서부터 관객의 위치와 역할은 조금씩 변화했다. 오랜 시간 동안 객석에서 수동적인 소비자로 존재했던 관객이 20세기에 이르러 능동적 소비자로, 1960년 이후 네오 아방가르드 연극 운동 시기부터는 점차 공연의 주체가 되는 창조적인 소비자로 변화의 양상을 보였다. 네오 아방가르드 연극의 관심사는 자연스럽게 관객과의 관계에서 수행성과 그에 따른 지각 방식에 주어졌다. 관객에 대한 이러한 관점의 변화는 관객의 위치와 역할의 제고에 큰 영향을 끼쳤고 현대공연예술의 수행적 공연에서 관객은 어떤 요소보다 작품의 중심에 있는 공연의 주체자가 되었다. 특히 동시대 공연예술에서는 비약적으로 발전을 거듭하고 있는 미디어의 확산으로 인해 미디어에 기반을 둔 퍼포먼스가 각광 받고 있다. 미디어와 수행적 퍼포먼스의 급진적인 발달은 타장르와의 융합과 더해져 기존 연극 형태의 경계를 허물기 시작했다. 이에 따라 공연의 무대 공간은 극장에서 벗어나 곳곳으로 확장되었으며 특히 전시공간에서 미디어를 주체로 라이브 퍼포먼스를 선보이는 예술형태가 크게 확대되었다. 그중에서도 단순히 수동적인 관객에서 벗어나 관객이 작품의 생산자나 주체로 탈바꿈되는 인터렉티브 미디어아트(interactive media art)는 동시대 공연예술에서 특히 주목하고 있는 예술형태이다. 따라서 본 논문에서는 동시대 공연예술에서 미디어 퍼포먼스의 의미를 고찰하고 그러한 환경에서 변화를 맞이한 관객성을 연구하였다. 이때 미디어 퍼포먼스에서 창조적 소비자 성격의 주체적 관객으로 변화한 관객성에 대하여 김환기 화백의 미디어 전시 퍼포먼스 <UNIVERSE>를 예로 들어 고찰하였다. 그 과정에서 연구자는 작품을 감상하는 관객의 입장이 되어 롤랑 바르트가 설명한 푼크툼(punctum) 개념을 적용하여 연구하였다.

In a performance, if the spectator is segmented according to various factors, it can be further divided into passive consumers, active consumers, and creative consumers. From the origins of theatre to twentieth-century theatre, the spectator mainly played the role of passive consumers. Following the origins, the spectator’s position and roles changed little by little from the beginning of the 20th century when the Avant-garde theatre movement, which rejected texts, began to rise. Since the period of the Neo-avantgarde theatre movement in 1960s, the spectator has gradually changed into creative consumers who are the main players in performances. The interest of the Neo-avantgarde performance artists was naturally performative in relation to the spectator and the way of perception accordingly. Changes in the perspective on the spectator had a significant influence on the improvement of the spectator’s positions and roles. In the contemporary performing art, media-based performance is in the spotlight due to the spread of media that continues to develop rapidly. The radical development of media and performative performances, combined with other genres, began to break the boundaries of the existing theatrical form. In particular, the art form of showing live performances with the media as the key player in the exhibition space has been greatly expanded. Among them, interactive media art is where the spectator is transformed into the key player of works. It is a form of art that is paying special attention to the contemporary performing art. Therefore, in this study, I investigated the meaning of media performance in the contemporary performing art and studied the spectatorship in such an environment. For the changes to the spectatorship as the key player with creative consumer personality in media performance, I examined Kim Whanki’s media art exhibition “UNIVERSE” as an example. During the process, I took the position of the spectator who appreciates works of art and studied the situation by applying the concept of punctum as described by Roland Barthes.

4차 산업혁명 시대에서는 인성과 창의성에 대한 관심이 비교적 높아지고 있다. 기존의 형식에 의존하는 생활양식 보다는 새롭고 다양한 창조적 활동에 의존하는 방식이 미래사회의 흐름에 적합하다는 선호심리가 있기 때문이다. 문화예술을 주도하는 하나의 양식으로써 예술관련 분야에서는 인성과 창의성이 강조되는 시대에서 창의성과 창조적 활동에 민감하게 반응하게 된다. 개인적인 활동과 다양한 문화예술의 활동에서 드러나는 조형물들에서 예술성과 재능성은 독창적인 창의성으로 이해되기 때문이다. 심리유형과 창의성에 대한 이해로 예술 활동 주체자의 자아 정체성과 창의성의 관계에 대하여 탐구할 수 있는 필요성이 요구된다. 본 연구에서는 심리유형의 역동성, 감각과 직관의 심리적 주기능을 중심으로 유형별 창의적 활동의 관련성을 다루어 보는 작업을 진행하였다. AI시대에서 인간의 창조적 활동의 유형과 가능성에 대한 논의는 기능수행의 기계에 비하여 인간의 독창적이면서 가치 있는 작업이라 할 수 있다. 본 연구에서 인간의 문화 예술 활동세계에서 창의적 활동의 이해를 도모하고자 예술적 활동과 창의성에 대한 관련성을 연구하였다. 연구를 통해서 드러난 것은 인간의 성격적 요소에서 창의적 활동의 가능성으로서 직관이 해당되며, 성격유형의 심리구도에서 주기능의 직관은 외향과 내향으로 창의적 활동과 관련 된다. 또한 창조적 활동의 동기는 주기능, 부기능, 생활태도의 외향성과 내향성의 조화로운 구조로 교류한다. 예술 자아의 창조적 활동은 주로 직관유형이 대체로 많고, 직관을 주기능으로 소유하고 있는 성향의 유형들의 특성 다루었다. 더불어 본 연구는 예술 자아의 인지와 창의성의 관계에 대하여 C. G. Jung의 분석심리와 H. Gardner의 지능심리의 이론에 기반하고 문헌간의 비교분석의 기법을 사용한다. 분석심리의 유형역동 개념과 성격유형 이론의 감각과 직관의 주기능의 선행 연구들을 재구조화하여 예술과 창조적 활동의 관계를 분석하였으며, 다중지능의 공간지능과 자연지능을 중심으로 창의성과의 관계를 분석하는데 그 목표가 있다.

In the era of the fourth industrial revolution, interest in impression and creativity is relatively increasing. This is because there is a preference that a new and diverse way of relying on creative activities rather than a lifestyle that relies on existing forms is suitable for the flow of future society. As a style that leads culture and art, in the art-related field, creativity and creative activities are sensitive to creativity and creative activities in an era when personality and creativity are emphasized. This is because artistry and talent are understood as original creativity in sculptures revealed in personal activities and activities of various cultures and arts. Understanding the type of psychology and creativity requires the need to explore the relationship between self-identification and creativity of the subject of art activities. In this work, we are working on the relevance of creative activities by type, focusing on the dynamics of psychological types and the psychological periodic functions of senses and intuition. The discussion of the types and possibilities of human creative activities in the AI era is both human ingenuity and valuable compared to the machines of functional performance. In this study, the relevance of artistic activities and creativity was studied to promote the understanding of creative activities in the world of human cultural and artistic activities. What is revealed through research is intuition as a possibility of creative activities in human character elements, and intuition in the psychological structure of personality types is related to creative activities in outward and inward directions. In addition, the motivation for creative activities is to exchange with a harmonious structure of extroversion and introversion of the main function, sub-function, and lifestyle. The creative activities of the art self mainly dealt with the characteristics of the types of intuitions, which are largely intuitive and possessive of intuition as a main function.

본 연구는 2012년부터 2017년까지 방영된 성공한 미니시리즈 30편의 갈등구조를 분석하였다. 갈등의 설정 요인을 분석한 결과는 빈부의 문제보다는 직업에서 발생하는 신분의 문제를 갈등요인으로 설정하는 빈도가 높게 나타났다. 갈등을 유발하는 내면적 요인으로는 감정이 높은 빈도를 나타내고 있지만, 성격, 가치관, 감정 항목이 다양하게 고른 빈도로 나타나고 있다. 이 시기의 성공한 드라마들은 직업과 신분에서 발생하는 내면적 갈등을 주로 다루면서도 갈등의 원인이 되는 소재는 다양화하였다. 갈등을 주제별로 분석한 결과는 사회적 관계를 중심으로 한 권력 관계 갈등으로 정리할 수 있다. 갈등을 유발하는 상황적 요인에서 사랑과 폭력, 그리고 기타 항목이 높은 빈도를 보였다. 기타 항목에는 권력 암투와 남용, 누명, 오해, 위장 취업, 불법 시술, 피노키오 증후군, 입양, 외모 급변 등이 포함되었다. 이러한 결과는 소재와 장르의 다양화를 시사한다. 마지막으로 갈등의 해결 방법을 분석한 결과에서는 부정적 해결 방법의 빈도에 주목할 필요가 있다. 멜로 드라마에서의 긍정적 결말과는 달리, 스릴러나 사회범죄 수사물 등의 장르 드라마에서는 가해자와 피해자 관계가 해결되는 결말이 필요하다. 따라서 장르 드라마가 활성화되면 부정적인 갈등 해결 방법이 증가할 수밖에 없다. 결국 이 시기 성공한 미니시리즈에서는 정의 구현과 권선징악을 강조하는 주제의식, 장르 특성과 연관되어 긍정적 갈등 해결 방식과 부정적 갈등 해결 방식이 모두 높은 빈도로 나타나고 있다. 이 시기 성공한 드라마의 갈등구조를 2000년부터 2011년까지 시기의 연구와 비교 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 성공한 미니시리즈의 갈등 설정 요인은 사랑 중심에서 사회적 목표 달성 중심으로 변화하고 있다. 둘째, 갈등을 주제별로 비교 분석한 결과는 사랑 중심 가족 내 권력 갈등에서 사회적 권력 관계를 다루는 갈등구조로 변화하고 있다. 마지막으로, 갈등을 해결하는 방법은 데우스 엑스 마키나 방식의 긍정적 해결 방법에서 정의 구현을 위한 부정적 해결 방법의 활성화가 이루어지고 있는 것으로 분석되었다.

This study is about the analysis of the structure of conflicts which have been adopted by the 30 most successful mini-series aired between 2012 and 2017. The findings are as follows: Contrary to general expectations, what has been adopted the most frequently as the primary cause of the conflict was related to professions or social status, rather than the gap between the rich and the poor. It could be said that the focus has been shifted from a love affair between individuals to success and power sought after in the social context. Reflecting the shift of focus from love, as has been the case with conventional soap operas, to social issues that have largely been the case with genre dramas, the way of resolving the conflicts has become negative more often. While the deus ex machina has dominantly been used as the mechanism to resolve the conflict in Korean dramas before, the emergence of genre dramas has led to the higher use of negative ways of ending it. The results of comparative analysis of the conflict structure of the successful drama in this period with the study of the period from 2000 to 2011 are as follows. First, the factors that set conflict in the successful miniseries are changing from love-centered to social goal achievement-centered. Second, the result of comparative analysis of conflict by subject is changing from a power conflict within a love-centered family to a conflict structure dealing with social power relationships. Finally, it was analyzed that the negative resolution method for the realization of justice is being activated in the positive resolution method of the Deus Ex Machina method as a method of resolving the conflict.

영화 포스터는 영화의 중요한 그래픽 시각 홍보 수단으로 이미지, 문자, 색채 등 기호적 시스템을 포함하고, 영화의 예술 이념과 내재적 의미 전달에 사용되는 메타 시각적 이미지이다. 1990년대 Kress와 Leeuwen은 이미지 분석을 통해 사회 기호학적 프레임을 구축하여 메타 담론 분석에 대한 이론적 기초와 분석 방법을 제공했을 뿐만 아니라 영화 포스터의 메타 담론 분석에 대한 가능성을 제공하였다. 한국은 2020년 중국 영화 <소년시절의 너>와 재개봉된 영화 <패왕별희>가 상영되었고, 상영과 함께 영화의 포스터를 새롭게 디자인하였다. 본 연구는 Kress와 Leeuwen의 메타 담론 분석 방법을 이용하여 두 영화의 한국판 포스터에 구현된 재현적 의미, 상호작용적 의미와 구성적 의미를 분석하였다. 그리고 연구를 통해 두 한국판 포스터의 디자인 특징을 요약하였다. 즉, 한국판 포스터는 대부분 배우를 중심으로 하는 스타 마케팅을 통해 관객의 관심을 유발할 뿐만 아니라 내재적 정서를 적절히 이용하고, 표정을 통한 감정 전달이 매우 뛰어나다. 한국판 포스터는 어떤 순간에 대한 표현을 중시하기 때문에 항상 대표적인 장면을 활용하여 포스터를 디자인한다. 그 이외 한국판 포스터 디자인은 미감을 추구하고, 화면이 깨끗하고 로고가 주체에 영향을 끼치지 않으며, 핸드 폰트체를 흔히 사용한다. 그중 영화 <소년시절의 너>의 한국판 포스터는 한국인의 심미 특징에 적절히 부합하여 화면이 아름답고 낭만적이지만 영화 자체의 내용과 의미를 정확히 반영하지 않았으며, 또한 영화 <패왕별희>의 한국판 포스터 디자인은 상대적으로 성공적이며, 장국영이 분한 청뎨의(程蝶衣)를 중심으로 디자인하였고, <귀비취주(貴妃醉酒)>를 부르는 대표적인 순간을 선택하여 인물의 내면 정서를 부각시켰다. 결국 영화 포스터 디자인은 영화의 내용과 의미에 부합할 뿐만 아니라 한국인의 심미에 부합하는 창의를 통해 시대적 의미와 사회 문화의 의미를 담아야 한다.

As an important means of graphic visual propaganda, a film poster integrates images, texts, colors and other code systems to express the artistic concept and inner meaning of the film, which is a meta visual image. In the 1990s, Kress and Leeuwen established a social semiotic framework for image analysis, which has provided a theoretical basis and analytical method for meta discourse analysis and has made the meta discourse analysis of film posters possible. In 2020, Chinese film Better Days was shown in Korea and Farewell My Concubine was replayed once again. At the same time, posters of these two films were redesigned. The meta discourse analysis method of Kress and Leeuwen was adopted in this paper to analyze the meanings of Korean posters of the two films in terms of reproduction, interaction and composition. The design features of the two Korean posters were summed up as follows through research: most Korean posters are actor-centered, hoping to attract viewers through stars; Korean posters know how to express inner emotions and are good at using manner to express emotions; Korean posters focus on presenting a certain “moment”, pictures from classic scenes are often used to design posters; Korean posters pursue a sense of beauty, pictures are simple and clean. LOGOs don't affect the whole posters, and are mostly handwritten. As for the Korean poster for Better Days, attention is paid to aesthetics in Korea. The poster is beautiful and romantic, but it does not properly reflect the content and meaning of the film itself. The design of the Korean poster for Farewell My Concubine is relatively successful, which is centered on Cheng Dieyi played by Leslie Cheung. The classic moment of singing The Drunken Concubine is chosen to highlight the inner emotions of the character. Therefore, the design of film posters should be consistent with the content and meaning of films. In addition to complying with local aesthetics, film posters should also be innovative and endowed with connotations of the times and socio-cultural significance.

이 연구는 도시의 성장과 발전을 위한 다양한 노력 측면에서 문화도시의 구축은 리빙랩 연구를 통해 이루어질 필요가 있다는 차원에서 이루어졌다. 문화도시의 구축을 통해 문화예술의 활성화를 위한 리뱅랩 연구가 어떤 방식으로 이루어져야하는가를 탐색하였다. 이 연구의 결론으로 다음과 같이 제시하고자 한다. 첫째, 문화도시는 지역의 역사와 정체성을 토대로 지자체와 시민들의 환경변화에 대한 적응노력과 협력이 선행되어야 한다. 이를 위해서는 지자체의 방향 설정을 통한 지속적인 추진노력이 이루어져야 한다. 둘째, 지자체와 시민의 가치공유가 융합되어야 한다. 자본주의 사회에서 개인은 경제적 이익을 위한 방향으로의 변화를 추구한다. 그러나 경제적 이익이 당장에 눈으로 보이는 것과 장기적으로 삶의 질에 긍정적 영향을 주면서 이익이 되는가에 대한 지역주민들의 이해를 위해서는 지자체의 노력이 강화될 필요가 있다. 셋째, 지자체의 문화예술 활성화는 문화예술가들이 사회변화에 휘둘리기보다는 경제적 안정 위에서 장기간 생활할 수 있는 터전이 제공되어야 한다. 이를 위해서는 저렴한 임대료나 작품공간에 대한 장기적인 사용이 가능해야 한다는 점이다. 넷째, 문화예술과 과학기술이 융복합을 통해 도시가 발전한다는 연구를 통해 시민들에게 전달하는 노력도 필요하다. 다섯째, 리빙랩은 시민들의 생활공간에서 이루어지므로 시민의 참여를 중심으로 지자체의 도시계획과 연계한다면, 성과도 높이고 시민들의 삶의 질도 향상시키는 결과를 가져올 수 있다. 이렇게 볼 때, 문화도시는 지역의 역사와 정체성을 바탕으로 환경변화에 대한 지자체의 노력과 더불어 시민들의 협력이 선행되어야 한다. 문화예술은 뛰어난 예술가의 활동도 중요하지만, 시민 모두가 함께 호흡하면서 조화를 이룰 때 비로소 예술의 향기가 흐르는 도시로 탈바꿈할 수 있다. 이와 같은 문화도시의 구축은 시민이 모두가 상생 발전한다는 굳건한 삶의 의지도 필요하게 된다. 문화도시에 대한 시민들의 긍지와 행위가 조화를 이루면서 아름다운 음악을 연주하게 될 때, 도시는 자신만의 색깔과 소리로 성장하고, 시민들에게 행복을 제공하게 될 것이다. 리빙랩 연구는 이와 같은 문화도시 창조를 가늠하는 출발점이자 새로운 창조의 시작이 된다.

This study was conducted in the dimension that the establishment of a cultural city needs to be done through Living Lab research in terms of various efforts for urban growth and development. Through the establishment of a cultural city, the research on Living Lab for revitalization of culture and arts should be explored. The conclusion of this study is to be presented as follows. First, the cultural city should take precedence in adapting efforts and cooperation to environmental changes of local governments and citizens based on the history and identity of the region. For this, continuous efforts must be made through the direction of local governments. Second, value sharing between local governments and citizens must be fused. In a capitalist society, the individual seeks a change in the direction of economic gain. However, in order for local residents to understand whether economic benefits are visible at the moment and benefit by positively affecting the quality of life in the long run, their own efforts need to be reinforced. Third, in order to revitalize the local government's culture and arts, it is necessary to provide a place for cultural artists to live for a long time on economic stability rather than being swayed by social change. In order to do this, it is necessary to be able to use low rent or long-term use of the work space. Fourth, there is a need for efforts to convey to citizens through research that the city develops through the convergence of culture and arts and science and technology. Fifth, living labs are conducted in the living spaces of citizens, so if the citizens' participation is centered on the city planning of the local government, the results can be improved and the quality of life of the citizens can be improved.

4차 산업 혁명 시대와 코로나 팬데믹에 따른 급속한 시대적 변화와 함께 문화산업도 그에 따라 빠르게 발전해 나가고 있다. 이미 AI, 빅데이터, IoT, 5G, XR 등, 여러 가지 첨단 산업들이 등장하여 새로운 분야에 관한 연구가 진행되고 그에 따른 산업도 확장되어 가고 있으며 이러한 시대적 배경 가운데 문화산업도 이러한 상황에 맞는 융합 형태의 창의적 인재를 요구하고 있다. 이제 문화산업의 한 분야인 클래식 음악 분야에 진출하게 될 학생들에게도 새로운 교육이 필요한 시점이 된 것이다. 본 연구는 클래식 분야의 음악대학에서 진행하였던 ‘캡스톤 디자인’을 통해 해당 교과목이 운영된 과정과 학생들의 참여에 따른 만족도 조사, 분석을 통해서 새로운 교과목 개발연구에 대한 필요성을 제시하였다. 아직까지 기존의 많은 음악대학에서 이러한 교육을 진행하지 못하는 상황이기에 본 연구를 통해 새로운 교육 개발의 시발점이 되고자 한다. 이 연구는 실연자 양성 교육이 중심을 이루고 있는 음악대학에서의 한계점에서 벗어나고자 노력했다. 실연자뿐 아니라 기획자, 제작자와 같은 분야를 통해 학생들에게 공연 콘텐츠를 만들어 낼 수 있도록 다각도에서 문제를 제시하였고 그것을 해결해 나가는 과정 가운데 학생들 스스로 자기 주도형 학습을 진행 할 수 있도록 새로운 방안을 제시하였으며 팀별 활동에 대한 한계점을 개별 역량 조사와 같은 방법들을 통해서 진행하였다. 객관적 자료에서 보는 바와 같이 창의적 인재를 키워내기 위해 이미 많은 대학과 학과에서 연구 개발이 진행되고 있음에도 불구하고 음악대학에서의 연구는 앞서 언급한 바와 같이 이러한 시도가 많이 부족한 상황이다. 이러한 상황에서 본 연구는 음악대학의 새로운 창의적 교과목 개발 시작의 일환으로 ‘캡스톤 디자인의 사례'를 통해 지속적으로 개발하고 연구하여 부족한 부분을 개선하고 발전시켜 학생들에게 보다 ‘창의적이고 실무적인 전문 종합 예술인'으로서의 성장을 위한 방안을 제시하고자 한다.

With the chronological change following the fourth industrial revolution era and the COVID-19 pandemic, the cultural industry is also rapidly being developed. The most advanced industries, such as the field of AI, Big Data, loT, 5G, XR, etc. have already been introduced and research on new fields is in progress. Industries are being expanded, and in such a time setting, the cultural industry also requires an amalgamated form of creative talent that is suitable for such circumstances. Now is the time in which students entering the field of classical music, a field of the cultural industry, need to experience a new form of education. This study presents the need for research and development of a new curriculum by investigating and analyzing the survey of students’ satisfaction and the process of running the curriculum of “Capstone Design,” which was proceeded by a music college in the field of classical music. As many existing music colleges are unable to proceed with such education, this study aims to provide a starting point for a new development of education. This study has made an effort to go beyond the limits of music colleges in which education for training performers is at the core. Problems in various aspects have been presented in order to enable the creation of performance content for students studying to become planners, producers, and performers. A new method has been presented for students to allow self-direct learning in solving these problems, and the limitations of team activities were uncovered through procedures of individual capability research. As shown by objective data, although many colleges and departments perform research and development for fostering creative talent, there is relatively less effort made for such research in the music college. Thus, this study intends to promote the “Capstone Design Case Study” as part of the start of a new and creative curriculum in the college of music and conduct continuous research, development, and improvement to present a method of fostering students into “creative, operational, and professional comprehensive artists.”

법정영화는 법률 사건 또는 법정 심문 과정을 주요 플롯으로 하며, 이는 광의로 법률 장르 영화(law film)를 말하고, 협의로 어떤 사건의 심문 과정을 서사 주체로 하는 법정영화(courtroom film)를 가리킨다. 본 연구의 고찰 대상은 한국과 중국의 법정영화이며, 양국은 모두 대륙법계에 속하지만 한중 양국의 다른 법률 체계에 의해 각기 다른 역사와 문화 배경을 형성하여 양국의 정치, 경제, 문화, 종교와 사회 현황 등에 대한 법률 이념과 제도에 큰 차이가 존재하게 되었다. 따라서 한국과 중국은 미국 법정영화를 토대로 자국의 현실에 따른 적절한 수정을 통해 법률 장르 영화를 형성하였고, 그 차이는 주로 영화의 인물 설정, 서사, 시청 언어와 문화 주제 등에서 나타난다. 법정영화의 전형적인 장면 공간은 크게 생활 장면 공간, 사건 발생 장면 공간, 법정장면 공간과 감옥장면 공간 등 4가지로 나뉘고, 본 연구는 공간 서사학 이론을 토대로 한국영화 <변호인>과 중국영화 <침묵의 목격자>를 중점적으로 연구하였다. 구체적으로 전형적인 서사 공간 형태와 서사 공간 시청의 구축 그리고 공간 영상의 발전 추세와 전망 등에 대해 두 영화의 공통점과 차이점을 자세히 비교 분석하였다. 또한 영화의 공간 서사를 통한 영화 기조와 인물 이미지 구축, 플롯 촉진, 서스펜스 설정, 은유적 표현의 중요 역할을 고찰한다. 더불어 본 연구는 공간적 서사의 관점에 따라 법정영화의 주제에 대한 이해를 확대하고 문화를 해독하며, 또한 이에 존재하는 문제와 이면의 원인을 살펴보고자 한다. 또한 본 연구자는 법정영화의 새로운 관점에 따른 연구를 통해 법정영화의 사회적 기능과 시장 기능을 확대하고 법정영화의 발전에 실천적 의미를 지닌 탐구 방법을 제시하고자 한다.

Courtroom films feature legal cases or court hearings. In a broad sense, it is a law film, and while in a narrow sense, it is a courtroom film with the court hearing of a particular case as the narrative subject. As a relatively mature genre, American courtroom films have relatively clear narrative modes and cultural functions. The subjects of this paper are Korean and Chinese courtroom films. Both Korea and China adopted the continental law system, but the legal systems of this two countries are formed in different historical and cultural backgrounds. Therefore their respective political, economic, cultural, religious and social status have great differences in legal concepts and legal systems. Korea and China have developed relatively mature law films through the localization of American courtroom films. Such difference is reflected in films at various levels, such as characters, narration, audiovisual language, and cultural themes. Typical scene space in courtroom films can be roughly presented in four categories, namely, life scene space, crime scene space, courtroom scene space and prison scene space. In this paper, spatial narrative theory will be used to study the Korean Film The Attorney and the Chinese Film Silent Witness and compare and analyze the similarities and differences between the two films from the typical narrative space form to the construction of narrative space audition, and then to the development trend and prospect of the space image. It's explored that the spatial narrative in films plays an important role in establishing the tone, shaping the characters, advancing the plot, setting the suspense and expressing the metaphors.