Earticle

희곡에서 플롯은 사건의 전개로 구성되고, 행동으로 인해서 사건이 발생해야 하며, 사건은 행동을 야기한다. 플롯의 중심축은 사건과 행동이고, 등장인물의 성격은 행동으로 표현된다. 배우의 연기는 등장인물의 행동을 통해 성격을 드러낸다. 인물의 행동은 심리·신체적인 행동이고, 인물에게서 유발되거나 의도된 행동은 그 인물의 욕망과 관련이 있고, 욕망은 무의식과 관련된다. 따라서 등장인물의 행동의 원인이 되는 욕망이 무엇이며, 욕망이 어떠한 행동양상으로 표출되느냐를 밝히는 것은 배우에게 있어서 효과적인 분석방법이 될 수 있다. 라캉은 프로이드의 정신분석이론을 새로운 관점으로 발전시켰는데, 정신분석이론의 세 범주로서 상상계, 상징계, 실재계로 설명하고 있다. 또 정신분석의 네 가지 기본 개념인 무의식, 욕망, 전이 그리고 충동에 관하여 연구결과를 발표하였다. 라캉이 새롭게 제시한 정신분석이론에의하면 프로이드의 정신분석이론으로 분석이 불가능한 인물의 행동분석이 가능해질 수 있다. 따라서 라캉의 정신분석이론을 분석도구로 삼아 등장인물의 행동을 분석해내는 일은 역할분석을 위한 새로운 접근법이라 할 수 있다. 본 연구에서는 등장인물의 행동을 분석하기 위하여 라캉의 정신분석이론의 세 범주인 상상계, 상징계, 실재계와 정신분석이론의 기본 개념인 욕망이론을 주체의 형성과정, 욕망의 원인으로서의 분리와 소외로 인한 결여, 오이디푸스 단계를 고찰하여 등장인물의 행동분석 도구로 삼았다. 그리고 도출된 정신분석이론을 바탕으로 미셀 비나베르의‘어느 여인의 초상’의 주요인물의 행동을 분석하여 성격이 드러나도록 함으로써 배우를 위한 새로운 행동분석 방법을 제시하였다.

In a play, a plot consists of the development of an event, which must be caused by an action, which causes an action. The central axis of the plot is events and actions, and the character's character is expressed by actions. The actor's acting reveals his character through the characters' actions. The character's behavior is psychological and physical, the behaviors induced or intended by the character are related to the character's desires, and the desire is associated with the unconscious. Therefore, it can be an effective analysis method for actors to know what desires are the causes of characters' behaviors and what kind of behaviors they express. Lacan developed Freud's theory of psychoanalysis to a new perspective, which he described as three categories of psychoanalysis theory: the imaginary, the symbolic, and the real. In addition, he published his research on four basic concepts of psychoanalysis: unconsciousness, desire, transfer and impulse. According to Lacan's newly proposed psychoanalytic theory, the characters that Freud's psychoanalytic theory is unable to analyze can be done. Therefore, using Lacan's theory of psychoanalysis is a new approach for role analysis. In this study, in order to analyze the character's behavior, the three basic categories of Lacan's psychoanalysis theory-the imaginary, the symbolic are employed, and it investigates the theory of desire, which includes the formation of the subject, the separation and alienation as a cause of desire, and Oedipus stage. Based on this new psychoanalytic method derived, this study provides character analysis of the main characters of Michel Vinaber's “A Portrait of A Woman.”

영화 <더 페이버릿 : 여왕의 여자>는 요르고스 란티모스 감독의 2018년 작품으로써 18세기 영국 궁정의 권력암투와 인물들의 일그러진 관계를 잘 포착해낸 수작이다. 이 영화의 예술적 성취는 올리비아 콜먼, 엠마 스톤, 레이첼 바이스 세 명의 여배우들의 훌륭한 연기에 상당한 기반을 두고 있다. 그 중 올리비아 콜먼은 앤 여왕의 다면적인 성격을 연기하며 2019년 아카데미 여우주연상을 수상하였다. 본 연구는 영화 <더 페이버릿 : 여왕의 여자>의 캐릭터와 연기자들의 분석하고 이를 스크린에 잘 드러내기 위해 사용된 영화 기술에 대해 살펴보는 연구이다. 그 대표적 방법으로 공간과 심리를 왜곡하고 과장하기 위한 ‘광각렌즈의 사용’을 가장 중요하게 다룰 것이며 180도 패닝, 조명 스타일, 카메라의 구도 등을 살펴보고자 한다. 영화의 촬영과 미장센은 그것 자체만으로 의미화 될 수 없으며 해당 영화의 내러티브에서 어떻게 기능하는지를 살펴야 그 전체적인 의미와 가치를 파악할 수 있다. 이를 위해서는 촬영과 미장센이 활자로 된 시나리오상의 이야기 구조, 실체적으로 드러난 배우의 연기와 어떻게 결합하는지를 면밀하게 들여다봐야만 한다. 본 연구는 그 결합성에 주목한 연구라 할 수 있다. 이에 더해 광각렌즈의 특성과 화면에 미치는 영향에 대해 본론과는 별도의 항목으로 간단하게 정리하였다. 기존의 영화 연기에 대해서는 충분한 지식과 경험을 가지고 있으나 영화의 촬영과 광학 기술에 대한 지식이 부족한 독자가 이 논문을 이해하는데 도움이 될 것이라 생각한다.

Movie <The Favorite> is a masterwork of a 2018 period film directed by Yorgos Lanthimos that examines well-captured the distorted relationship between the veiled power struggles of the 18th-century England court. The artistic achievement of the film is based largely on the fine performances of three actresses, Olivia Colman, Emma Stone and Rachel Weisz. Among them, Olivia Colman, acting Queen's multifaceted character, overturned public expectations and won the 2019 Academy Award for Best Actress. This study analyzes the character of <The Favorite> and examines the cinematic techniques used to make it appear on screen. As a representative method, we will focus on the use of ‘wide-angle lens’ to distort and exaggerate space and psychology also looking at 180-degree panning, lighting style, and angle of the camera. Through this, the focus is on finding out how Mise-en-scene assists and enhances the performance of actual actors. Cinematography and Mise-en-scene are not meant by themselves, but only by looking at how they function in the narrative of the film can be used to understand their overall meaning and value. Therefore, we have to look closely at how cinematography and Mise-en-scene are combined with the narrative structure of the story in text and the actor's acting actually revealed. This study can be said to focus on the combination. In addition, I briefly summarized the characteristics of the wide-angle lens. I think it will be helpful for readers who are familiar with cinematic acting but lack knowledge of cinematography and optical technology.

이 연구는 아방가르드, 즉 전위예술이라는 최근 예술, 한국에서 벌어졌던 아방가르드의 소개와 파장을 연구한 것이다. 예술의 근간이 창조라는 것은 의심의 여지가 없다. 창조는 도전과 응전의 결과물이라는 역사의식을 비울 수 없다. 즉, 인류 문명과 문화예술의 발전에 있어서 도전과 충돌의 결과라는 것을 부정할 수 없다. 제2차 세계대전 이후 인류는 새로운 사상과 예술을 갈구했다. 새로운 사상과 예술의 등장은 과거 전통의 거부와 단절을 선언한다. 즉 전위예술, 아방가르드의 탄생이다. 동서고금을 막론하고 인류의 문명은 그 태동에서부터 끊임없이 새로운 예술의 발전을 거듭해 왔다. 오늘날에 이르러 예술은 모더니즘에서 포스트모더니즘, 전위예술로 발전을 했다. 전위예술, 아방가르드는 1960년을 기점으로 한국에 소개되었다. 해방과 6.25전쟁을 통해 미국 문물의 여과 없는 급속한 유입의 한 방편으로 더불어 이루어졌다. 한국 연극이 있어서 전위예술다운 실험연극을 했던 극단은 무체극을 주창했던 ‘극단 에저또’(방태수)와 <관객모독>을 대표작으로 했던 ‘극단 76’(기국서)이 그 중심에 있었다. ‘극단 에저또’는 1980년 이후 실험극에의 공연을 외면하고 극단의 존재조차 유야무야 시 되었다. ‘극단 76’도 원년멤버들이 손을 놓은 상태로 그저 소극장 운영에만 골몰하고 있는 실정이다. 하지만 그들의 실험정신은 아직도 대학로의 젊은 연극인들에 전승되어 명맥을 이어오고 있으며 현재에 이르러는 ‘극단 하땅세’가 아방가르드에 가까운 공연을 무대에 올려 그 맥을 잇고 있다. 한국의 연극은 1960년 대 이후 비약적인 발전을 했다고 하나 아직 세계연극계의 변방에 머무르는 수준이다. 중국, 일본에 비해 세계연극사에 한국 연극에 대한 한 줄의 언급도 찾아볼 수 없는 게 현실이다. 이는 우리의 연극계가 우리 연극사의 정립을 못했음에 그 근거를 찾을 수 있다. 이에 이 연구는 한국 연극에서의 아방가르드(실험연극)에 대한 연구를 그 목적으로 한다.

Creative is all art with life. Play art also absolutely proposition with life in creative, so it can not be free of that. We can not be deny there result from challenge and collision at Human-Being’s development. This research is “A study of Avant-Garde in Korea”, which is most resent idea of art. Korean play is still stay countryside on culturally in the world. Hereupon this study is research of the Korea’s pulsation of Avant-Garde and research it’s flow influence to recent theatrical world. After The Second World War humankind long for a new ideology and art. Appearance of a new ideology and art declare rejection and severance of tradition. That is we say Avant-Garde. Avant-Garde, it’s movement is continuous test and deny and destruct one-self. Avant-Garde was introduced fiducial, the year of 1960 to Korea. But the Korea government do not allow because of evil influence-long hair, hippie, drug- to artist. Nevertheless ‘Silhum Theater’ was founded with the purpose of play-experimentation, but there slogan was fall in fabrication. The ‘Silhum Theater’ only participate in a play several plays, and actually the ‘Theater Ejotto’ take over the experimental art of Korea and The ‘Theater 76’ took over the pulsation of the experimental art and it be now. We can clearly notice Avant-Garde is diffused pushing the boundaries art and life, obstinately it get out of literary value that bring to a focus special human’s life so. Korean Avant-Garde hardly seen the trace of Korean creation in experimental art that only to look follows of foreign trend.

본 논문은 교회커뮤니티의 다양한 구성원을 단일 시각으로 집중시키는 유일한 텍스트인 성경을 기호 집합체로 조망하여, 성경에 접근하는 새로운 연극적 방법론에 관한 연구이다. 성경 본문의 연극적 상황을 즉흥극-연극 기호로 의미 해석하는 장치를 구상하였으며, 로고스플레이라 명명하여 연구한다. 교회커뮤니티 연극 활성화를 위한 로고스플레이의 기대효과로써 첫째, 교회커뮤니티 내부에서 커뮤니티구성원의 상호 관계성에 실천적인 영향을 끼치고, 구체적인 자기 주도 학습 방법론을 제공한다. 또한, 시간적 방해 요소인 절기에서 벗어나며 공간적 방해 요소에서 벗어난 무대 형식의 내용과 방법이기에 표현과 전개가 쉽다는 장점을 지닌다. 둘째, 예배 형식에 내용으로 활용할 수 있다. 흡사 자료 화면처럼 활용되어 성경 본문의 설명을 담당할 수 있기에, 전달되는 의미를 깊이 있게 인식되도록 한다. 셋째, 교회커뮤니티 외부와의 관계성 확장과 지속성이 가능해진다. 로고스플레이의 학습을 통해 교회커뮤니티와 지역 커뮤니티가 연계된 거리축제에 응용할 수 있기 때문이다. 특히 수난극, 십자가의 길 혹은 비아돌로로사의 표현 방법론으로 적합하다고 본다. 로고스플레이는 기호로 작용한 성경에서 지시하는 의미의 해석이 가능하기에 본 논문을 기호학의 프레임으로 연구하였다. 퍼스의 순수삼각관계는 로고스플레이의 즉흥극이 표현체이고, 성경텍스트는 대상으로 작용하여 의미를 발견하게 하는 해석체의 집합으로써 연구의 틀을 제공한다. 이에 본 논문은 덕수교회에서 2020년 4월 10일 개최 예정인 비아돌로로사 참여자에게 표현 방법론으로 로고스플레이를 통해 학습하고 있다. 이를 토대로 많은 교회커뮤니티에서 소프트웨어적 역할로의 확장을 목적으로 연구한다.

This is a study about the theatrical methodology which can be used in the Christian community life by looking at the Bible which is the only text that concentrates various members of the church community into a single view as a collection of sign. In this study, a device to interpret the theatrical context of the biblical text as an improvisational and theatrical sign is designed and called Logos Play. The expected effect of Logos play for revitalizing church community plays is as follows. First, it provides a practical self-directed learning methodology that has a practical effect on the community members' interrelationships within the church community. Second, Logos Play can be used as the content in a worship form. Logos Play can be used as a video clip to explain the biblical text so that the meaning can be deeply recognized. Third, Logos Play can extend and sustain the church community's relationship with the outside of the church community. It is because Logos Play can be applied to street festivals where the church community and local community are connected to learn through Logos Play. In particular, Logos Play is considered to be suitable as a methodology to represent the Passion play, the Way of the Cross or the Via Dolorosa. This study is in the frame of semiotics as Logos Play acts as a sign and helps interpret the biblical meanings. Peirce's irreducible triadic relation provides this study with the framework that improvisational Logos Play is a set of representamen and interpretants to help find meanings while the biblical test acts as the object.

캐릭터는 이야기 구성의 한 요소이기도 하지만 캐릭터 자체가 스토리를 내포하고 있다. 캐릭터의 개성은 관객의 이야기 몰입에 무엇보다 중요한 요소로 작용한다. 즉 캐릭터 생생함은 극의 리얼리티 및 관객의 몰입을 돕는다. 그러므로 영화에 있어서 주요 캐릭터 개발에 있어서의 캐릭터 성격 및 특징 설정은 이야기를 살아 있게 하는 원동력이 된다. 영화 <동주>의 캐릭터는 이미 잘 알려진 동주의 시를 소재로 하고, 특히 관객들이 가지고 있는 역사의식, 가해자인 일본 제국주의에 대한 반감, 그리고 순수하면서 옳은 길을 가고자 하는 동주의 캐릭터는 관객의 인식에서 더욱 분명해진다. 즉 영화 속의 캐릭터는 객관적 요소만으로 그것을 인식하는 것이 아니라 대상과의 관계 속에서 이해되기 때문이다. 영화 <동주>를 보면서 관객은 동주로 대표되는 일제강점기의 고통을 당하는 인물에 대한 공감, 피압박자로서의 동질감이 작용한다. 이렇게 영화의 캐릭터와 관객의 상호성이 대상, 캐릭터에 대한 인식을 강화시킨다고 볼 수 있다. 본 연구는 캐릭터 분석의 이론을 기존의 영웅 시리즈의 도식성에 대입하여 하지 않고 새로운 영웅캐릭터 모델을 분석해보고자 새롭게 시도해 보았다. 이미 조지 캠벨을 중심으로 신화 속 영웅 캐릭터의 다양한 형태와 특성을 분석하여 패러다임으로 정립시키려는 연구가 진행되어 왔다. 인물간의 상호 관계는 각 캐릭터의 특성 바탕으로 주인공의 행동에 방향성을 제시하고, 그 행동에 영향을 받는 인물들의 관계를 개연성 있게 발전시키는 것은 영화의 성패에 중요한 역할을 한다. 따라서 영화 <동주>의 주인공인 윤동주의 캐릭터와 주변 인물과의 관계를 보글러의 영웅 패러다임에 적용해 분석하고 이에 주목해 보았다. 또한 이를 통해 한국 영웅 캐릭터의 특징과 앞으로 적용 가능한 영웅 패러다임에 대해 논의하고자 하였다.

The character is also an element of the story composition, but the character itself contains the story. The personality of the character is the most important factor in the immersion of the audience's story. In other words, the character vividness helps the reality and the audience's immersion. Therefore, character personality and feature setting in the main character development in the movie is the driving force for the story alive. Dongju's characters are based on the well-known poetry of Dongju, especially the historical consciousness of the audience, the antipathy against Japanese imperialism, the perpetrator, and Dongju's character who wants to go the pure and right way. It becomes clearer. In other words, the character in the movie is understood not only in the objective element but in the relationship with the object. While watching the movie <Dongju>, the audience has the sympathy of the person suffering from the Japanese colonial period and the sense of homology as the oppressed. In this way, the mutuality of the characters in the movie and the audience can be seen to enhance the perception of the object and the character. This study attempts to analyze new hero character models without substituting the theory of character analysis into the schematic of the existing hero series. Already, research has been conducted to analyze the various forms and characteristics of mythological hero characters and establish them as a paradigm centered on George Campbell. The interrelationship between characters suggests the direction of the protagonist's actions based on the characteristics of each character, and probably develops the relationship of the characters affected by the action plays an important role in the success or failure of the film. Therefore, the relationship between the character of Dong Dong-ju, the hero of the movie <Dong-ju>, and the characters around him was applied to Bogler's hero paradigm and analyzed. In addition, this study will discuss the characteristics of Korean hero characters and the applicable hero paradigm. This is to develop a new hero character in the future to develop a variety of character prototypes and to present a foundation that can be used. It is hoped that this will help to create a real character, and I hope that further research on this will be actively conducted.

이 연구는 연출가로서의 예르지 그로토프스키에 대하여 그의 작업에 나타난 관객성을 중심으로 고찰한 연구이다. ‘가난한 연극’을 주창했던 그로토프스키는 동시대의 풍족한 공연예술세계에 지대한 영향을 끼친 연출가 한 명이다. 그가 이렇게 포스트드라마적 연극에 있어서 중요한 이유는 그의 작업에서 뺴놓을 수 없는 화두인 ‘관객성’ 때문일 것이다. 관객성은 공연예술에서의 관객의 역할 변화와 그에 따른 성격을 말하는 것으로 그로토프스키가 지향했던 성스러운 배우만큼 고민했던 지점이다. 또한 그로토프스키 다양한 작업에서의 관객에 대한 의의는 그의 작업이 결과 중심이 아닌 과정 중심으로서의 연극이라는 점을 설명할 수 있기에 중요하고 현대적이다. 본고는 그로토프스키의 다양한 작업을 설명하고 그의 작업에 나타나는 관객성을 고찰한다. 이를 통해 그의 작업에서 어떠한 면이 동시대적 연극의 특성을 보이는지 살펴볼 것이다. 이 연구가 관객성에 초점이 맞춰져 있는 만큼 그로토프스키와 동일한 시대의 프랑스 철학자 미셸 푸코의 이론인 페다고지(pedagogy)와 싸이카고지(phychagogy)에 적용하여 이론적 근거를 마련하였다. “해석의 주체학”에서 주장한 푸코의 페다고지는 어떤 작품들을 보며 관객 각자가 부여 받게 되는 경향, 능력 그리고 지식을 말한다. 또한 싸이카고지는 단순히 부여 받는 경향이나 지식 등의 기술을 넘어선 수용자의 마음까지도 움직일 수 있는 영향력이나 충격을 말한다. 본고에서는 이러한 이론적 개념을 토대로 그로토프스키의 작업을 살펴보았다. 푸코의 이론을 수용하여 관객의 상징과 역할 등을 파악하고 그 결과로 보여지는 관객의 반응과 변화를 고찰하는 작업은 현대공연예술을 이해하는데 중요한 지침이 될 것이다.

This study is about Jerzy Grotowski in terms of theatre director focused on spectatorship in his work. He is one of the remarkable theatre directors who advocated ‘poor theatre’. His concept of poor theatre had a profound impact on the rich performing arts in contemporary world. The reason why he is so important in the post-dramatic theatre is because of the compelling topic of his work, ‘spectatorship’. Spectatorship is a reference to the changing role of the spectator in performing arts and the corresponding characteristics, which Grotowski had to think about as much as the ‘sacred actor’ he was aiming for. In addition, Grotowski’s significance to the spectator in his various works is very important and contemporaneous, as it can explain that his work is a theatre centered on the process, not on the outcome. This study thus expounded the basis for which aspects of Grotowski exhibited the characteristics of contemporary theatre and influences the tendency of post-dramatic theatre by explaining the various works of Grotowski and examining the spectator that appeared in them. As this study focused on spectatorship, it has been applied to the theories of Grotowski and French philosophers Michel Foucault who spent same era of Grotowski. Foucault’s ‘pedagogy’, which claimed in 『Hermeneutics of the Subject』, refers to the aptitudes, capabilities, and knowledges that each spectator is given by looking at certain works. Another term, ‘phychagogy’ refers to the influence or impact that can move the mind of an acceptor beyond the given tendency or skill of knowledge. The work of accepting Foucault’s theories to identify the spectator’s symbols and roles and to consider the resulting spectator’s reactions and changes will be an important guide to understanding contemporary performing arts.

이 연구는 보육교사와 학부모에 대한 인터뷰와 매스컴의 자료들을 통해 보육교사의 스트레스와 연기의 의미를 도출한 것으로 다음과 같은 결론을 내리고자 한다. 첫째, 보육교사들의 스트레스 해소를 위한 어린이집의 대처방안이 필요하다. 보육의 상황에서 문제발생을 사전에 예방하는 차원에서 보육교사들의 스트레스 해소를 위한 문화생활 지원 즉, 영화관람권, 콘서트 입장권 등의 제공으로 대처할 필요가 있다. 둘째, 학부모들이 보육교사를 대하는 부모교육이 필요하다. 보육교사들의 가장 많은 스트레스는 학부모와의 관계형성으로 나타났다. 따라서 어린이집에서는 학부모들을 대상으로 하는 공개특강과 같이 어린이집 운영과 학부모간의 신뢰형성을 위한 프로그램을 만들어서 운영하는 것도 학부모로 인한 스트레스를 줄이는 좋은 방법이라고 사료된다. 셋째, 어린이집에서 보육교사들은 원장과의 갈등으로 인해 스트레스를 받으며, 동료교사들과의 스트레스는 상대적으로 적은 것으로 나타났다. 넷째, 보육교사들의 영유아 돌봄은 사명감과 직업관이 강할수록 연기 활동에 익숙하며, 또 밝은 표정과 친근한 행동이 몸에 배여 있음을 알 수 있었다. 다섯째, 학부모는 기본적으로 어린이집을 신뢰하여야 한다. 매스컴에 나타나는 일부 어린이집들의 행태에 대해 너무 부화뇌동하지 않아야 한다. 여섯째, 학부모도 보육교사를 대할 때 연기가 필요하다. 학부모 또한 일상생활이 항상 즐거울 수는 없으며, 기분이 좋지 않는 날에도 보육교사를 대할 때는 밝은 표정을 짓는 연기 활동이 필요하다. 이러한 현실적 상황에서 보육교사들이 받는 업무적 스트레스와 대안에 대해 알아보고, 영유아들의 돌봄 과정에서 연기의 적용이 어떻게 이루어져야 하는가와 더불어 학부모의 어린이집에 대한 인식을 인터뷰를 통해 알아보는 것은 중요한 의미를 지닌다고 하겠다

Through interviews and media sources, the study draws on the need and meaning of daycare center operations and the performance of daycare teachers, and aims to conclude the following. First, there is a need for daycare centers to cope with stress relief for day care teachers. In order to prevent problems from occurring in the context of childcare, the government needs to deal with them by providing movie tickets for cultural life and concert tickets. Second, it is necessary to teach parents how to deal with child care teachers. The most stress of day care teachers was shown by their relationship with their parents. Therefore, it is considered a good way to relieve stress by operating daycare centers and creating and operating programs to build trust between parents, such as open special lectures for parents. Third, day care teachers at daycare centers are stressed out by conflict with their principals, and stress with their fellow teachers is relatively low. Fourth, it was found that the stronger the sense of mission and professionalism of child care teachers, the more familiar they were with acting, and the brighter their facial expressions and friendly acts were on their bodies. Fifth, parents should basically trust daycare centers. The behavior of some daycare centers appearing in the media should not be too hatching. Sixth, parents also need to act when dealing with child care teachers. Parents can't always be happy, but even on bad days, they need bright-faced acting when dealing with child care teachers.

이 연구에서는 예술인이 겪는 스트레스와 스트레스 대처방식, 방어기제를 이해하고 변인 간의 관계를 검증하는 것이다. 본 연구의 대상은 현재 예술 분야에서 종사하고 있는 예술인 263명이었으며 결과는 다음과 같다. 첫째, 예술인은 직무 스트레스가 높고, 소망적 대처, 자기 억제적 방어기제를 가장 많이 사용하는 것으로 나타났다. 이에 예술인의 직무 스트레스를 최소화하는 대책 마련이 시급하며, 더불어 예술인이 겪는 무의식적 감정과 사고, 스트레스를 명료화하여 건강하게 표출시킬 수 있는 방안 모색이 중요해 보인다. 둘째, 스트레스, 방어기제, 스트레스 대처 간의 관계는 우선, 스트레스는 소극적 대처방식과 정적 상관관계가 있는 것으로 나타났다. 이에 예술인이 스트레스가 상승할 때 문제회피적인 소극적 대응을 보일 가능성이 시사되었다. 두 번째로 적극적 스트레스 대처방식은 적응적 방어, 자기 억제적 방어와 정적 상관관계가 있는 것으로 나타났다. 더불어 소극적 스트레스 대처방식은 미성숙 방어, 자기억제 방어, 갈등회피 방어 기제와 유의한 정적 상관을 보이는 것으로 나타났다. 이에 적응적 방어기제가 적극적 소극적 스트레스 대처에 모두 영향을 미치는 것으로 시사된다. 셋째, 방어기제 유형 중, 자기 억제적 방어기제가 예술인의 스트레스와 스트레스 대처방식의 관계에서 조절효과가 있음이 확인되었다. 하지만 미성숙형 방어기제, 적응적 방어기제, 갈등 회피적 방어기제는 조절 변수로 효과 없음으로 나타났다. 이러한 차이는 예술인이 자기억제적 방어를 사용할 경우 스트레스 대처능력이 저하되어 스트레스 해결에 도움이 되지 않을 가능성을 시사한다. 따라서 본 연구의 결과는 예술인의 스트레스, 스트레스 대처, 방어기제 특성을 이해하고, 예술인의 스트레스 관리에 방어기제의 조절효과를 부분적으로 밝혔다는데 의의가 있다.

The purpose of The purpose of this study is to understand stress, stress coping styles, and defense mechanism experienced by artists and to verify the relationships between variables. The subjects of this study were 263 artists currently working in the art field and the result is as shown below. First, artists were found to have the highest job stress and to most frequently use wishful thinking and self-restraint defense mechanism. Therefore, it is urgent to prepare measures to minimize the job stress of artists, and it is also important to find ways to clarify and express the unconscious stresses experienced by artists in a healthy manner. Second, as for the relationships between stress, defense mechanism and stress coping, stress, first of all, appeared to have a positive correlation with emotion-centered coping. And the problem-centered stress coping was found to have a positive correlation with mature and self-restraint defense. In addition, the emotion-centered stress coping was found to have significantly positive correlations with immature, self-restraint, and conflict-avoidant defense mechanisms. Third, among the types of defense mechanisms, it has been confirmed that self-restraint defense mechanism has a control effect in the relationship between the artists’ stress and stress coping styles. However, immature defense, mature defense, and conflict-avoidant defense mechanism have been found to be ineffective as variables. This difference suggests that when using self-restraint defense, the artists could not solve their stress due to the degraded ability to copy with stress. Accordingly, the result of this study is meaningful in understanding the characteristics of the artist's stress, stress coping, and defense mechanisms and partly proving the effect of controlling the defense mechanisms for managing their stress.

디지털 기술의 발전은 우리 경제, 문화, 산업, 예술 등 사회 전 분야에 영향을 미치고 있다. 공연 예술 분야에서도 디지털 기술을 활용함에 따라 다양한 예술적 표현이 가능하게 되었다(정현이·김형기, 2013). 또한 디지털 기술을 활용함과 동시에 기존의 전통적인 방식을 혼합한 형태의 공연에 대한 필요성도 가지게 되었다. 본 논문은 현대에 디지털기술을 접목한 공연들에 대한 선행 연구 사례를 바탕으로 새롭게 시도될 수 있는 공연에 관한 모델을 제시하는 것으로 특히 불특정 다수가 아닌 특정인을 대상으로 양방향 서비스를 제공하는, 즉 양자의 서비스가 혼재된 서비스 융합 모델을(한국정보통신기술협회, 2019)중심으로 제안한다. 이 연구는 디지털 융합공연의 개념 및 구성요소를 정의하고 디지털 융합공연 적용에 대한 구체적인 방법을 제시한다. 선행 연구로 뉴 미디어 예술 분야와 디지털기술을 활용한 공연의 사례를 살펴보고 이를 통해 정의되지 않은 구성요소에 대한 용어 정립과 함께 융합된 형태를 정의하는 기준을 연구한다. 본 논문의 목적은 디지털 기술을 활용한 공연의 시도는 증가하지만 높은 도입 비용과 전문기술 인력의 부족 등을 이유로 적극적인 수용이 어렵다는 판단 아래 그 원인이 구체적인 방법과 형태를 정의 내리지 못 함에 있음을 인지하여 새로운 모델의 형태를 제안함으로 다양한 공연 선택의 기회를 얻도록 한다. 디지털 기술을 활용한 공연의 요구를 마냥 외면할 수 없는 현실이다. 이러한 제안을 통해 디지털 융합기술을 활용할 수 있는 틀을 정립하고 다양한 공연에 대한 시도에 기여할 것으로 기대 된다. 따라서 본 연구에서는 전통적인 공연 예술의 장점과 디지털 기술의 장점을 융합하여 만들 수 있는 새로운 공연모델을 제시할 필요성을 가짐에 따라 이에 따르는 실용적인 방법을 제시하고자 한다.

The development of digital technology is affecting all aspects of society such as our economy, culture, industry and art. In the field of performing arts, the use of digital technology has enabled various artistic expressions. At the same time, there is a need for performances that combine the traditional methods with digital technology. This paper presents a model of performances that can be newly attempted based on previous researches on performances incorporating digital technology in modern times. In particular, it provides bidirectional services to specific persons rather than unspecified majority. We propose a service convergence model with mixed services. This study defines the concepts and components of digital convergence performances and presents specific methods for applying them. As a preceding study, this course examines the case of new media arts and performances using digital technology, and studies the criteria for defining fused forms along with the definition of undefined components. The purpose of this paper is to increase the number of attempts using the digital technology, but it is not possible to define the specific method and form under the judgment that it is difficult to actively accept due to the high introduction cost and the lack of professional manpower. By suggesting new model types, various performance choices are offered. In addition, this proposal is expected to establish a framework for utilizing digital convergence technology and contribute to various performance attempts.

이 연구는 문화 간 커뮤니케이션 (Intercultural Communication) 이론을 적용하여 한국 드라마가 중국 시장에서 성공한 내적 이유를 제시한다. 다문화 시대와 글로벌 환경에서 한국은 문화 간 커뮤니케이션 기능을 통해 전 세계에 국가 문화를 드러냈으며, 외래문화의 충격은 한국본토 문화에 오히려 발전의 자양분으로 작용하였다. 서로 다른 국가 사이의 문화 커뮤니케이션은 사회와 문화 배경이라는 거시적 환경과 밀접하게 연관 되어 있다. 한국 드라마 <sky 캐슬>은 문화 커뮤니케이션에서 "문화 심층 구조"를 기반으로 시청자들로 하여금 문화정체성 (Cultural identity), 즉 문화적 동일시 현상을 이끌어내고, 현실 사회에 존재하는 위선적 현상을 지적하여 중국에서 문화 간 커뮤니케이션을 성공적으로 형성하였다. 연구 결과 첫째 <sky 캐슬>은 중국의 사회 현실과 시청자의 심리에 맞게 교육적 주제를 부각시켰다. 둘째 한국 드라마는 다른 나라 문화의 심층 구조적인 관계를 맺음으로써 시청자들의 문화 정체성을 얻는데 성공한다. 셋째 체면이론(FTAs)의 드라마 속 표현은 다양한 나라의 문화에 대한 시청자의 이해를 깊게 한다. 본 연구는 문화 간 커뮤니케이션학 이론을 토대로 드라마 <sky 캐슬>의 텍스트 내용을 분석하고 한국 드라마의 문화 간 커뮤니케이션 특징을 연구하여 이를 통해 기타 국가들의 드라마와 영화 작품의 해외 수출에 참고자료로 제공하고자 한다. 또한 사회 및 문화 환경을 토대로 한국 드라마 문화 간 커뮤니케이션 효과에 대한 이해에 도움이 될 수 있고, 중국 시청자의 시청 심리와 선호를 알 수 있으므로 실제 상황에 따라 더욱 많은 우수한 국제적 작품들을 창작할 수 있다.

Combining with the theory of transcultural communication, the study reveals the internal reasons of the success of Korean TV drama's spreading in Chinese market. In the era of multiculturalism and globalization, Korea demonstrates its national culture through the TV drama's transcultural communication to the whole world. In addition, the impact of foreign cultures has brought infinite chance to the development of Korean local culture. Cultural communication among different countries heavily depends on the sociocultural background. Korean TV drama SKY Castle has achieved its success in transcultural communication in China, which is based on the "deep structure of culture", gaining "cultural identity" of the viewers, and revealing the "false face" phenomenon in the real society. The results show that, first of all, Sky Castle highlights the educational theme in line with China's social reality and audience psychology. Second, Korean TV dramas can gain the cultural identity of the audience by establishing a deep structure relationship with other countries' cultures. Third, the performance of face theory in TV dramas can deepen the audience's understanding of different countries' cultures. Based on the three theories of transcultural communication, the thesis analyzes the text content of SKY Castle and studies the features of Korean TV drama's transcultural communication, aiming at providing references for the export of television works in other countries. Furthermore, the analysis of Korean TV drama based on postmodern sociocultural background not only helps us know more about the actual communication effects, but also helps us to learn more about psychological demands and preferences of Chinese viewers, promoting the creation of international works based on the market demand.

이 연구는 영화 <버닝> 속 인물의 결핍에 관한 시네마 리터러시에 주목한다. 세 인물이 실존적 인물로서 현실과 관계 맺고 있는 결핍이 어떻게 이중적이고 동시적인 의미를 내포하고 있는지 살펴보고자 한다. 특히 가난과 부자, 현실과 이상, 몸과 정신, 보이는 것과 보이지 않는 것에서 느끼는 인간의 근원적인 결핍에 대한 세 인물의 유기적 관계에 주목할 것이다. 이 영화에서 결핍은 종수와 벤의 관계에 있어서 현대사회 젊은 세대의 양축으로서 동전의 양면과 같은 존재다. 두 사람은 종수의 글쓰기 행위를 통해서 하나로서 전체를 이루고 있다. 해미는 현대 여성의 실존적, 존재적 시선이 아니라 물질적, 실증적 시선으로 대상화된다. 이러한 주제적 의미가 영화 속 메타포들로 구성됨으로써 자본이 경쟁력인 현대 사회에서 삶의 의미와 가치를 상실한 분노와 무기력과 구원에 대한 허무주의적 태도로 전개된다. 또한 이들의 관계는 인과론과 관계없이 우연에 의해 그들의 결핍이 사회적, 역사적으로 확장한다. 한편 영화 속에서 결핍은 문학적 메타포로 채워진다. 영화에서 결핍과 관련되는 메타포는 판토마임, 우물, 비닐하우스, 글쓰기이다. 네 가지 메타포는 결핍에 대한 상징으로써 사회적이고 역사적인 현재의 공간 속에서 현실과 이상, 몸과 정신, 실증과 사유의 이중성으로 실현될 수 없는 것이다. 이들 결핍의 이중성은 우연에 의한 실증과 사유의 경계에서 현실적이고 이상적인 사건이 동시성으로 의미맥락을 생산한다. 이 지점에서 칼 융의 동시성이론을 차용하여 영화읽기를 마무리하면서 해미가 찾고자 했던 그레이트 헝거를 실현할 수 없는 현대 여성들의 실존적 상실과 허무에 대한 후속 연구를 남겨두고자 한다.

This paper investigates the cinema literacy that represents the deficiencies in characters in the movie Burning. The aim is to study how the three nonfictional characters build bonds with the reality and the deficiency therewithin has twofold and simultaneous meanings. Specifically, the study will focus on the close relationship among the three characters in relation with the fundamental deficiencies of human beings that are represented through the poor and the rich, reality and ideality, body and spirit, and the visible and the invisible. In the movie, deficiency is depicted like a double-sided coin in the relationship between Jongsoo and Ben, who symbolizes the two ends of the young generations. Such thematic meanings forms metaphors through the movie to represent the anger of losing the meaning and value of life in the capitalistic and competitive modern society as well as the nihilistic view on the lethargy and salvation therein. Furthermore, the deficiency expands socially and historically in the relationship among the characters solely by coincidence with no causal links. Meanwhile, throughout the movie, the theme of deficiency is depicted through literature metaphors, such as pantomime, well, greenhouse and writing. The four metaphors symbolize the deficiency that cannot be actualized with the duality of the reality and ideality, the body and spirit, and the proof and reason, in social and historic space and time. The duality in the deficiency of characters produce semantic context of simultaneity of realistic and idealistic events on the boundary between the proof and reason by coincidences. The movie analysis is concluded with a reference to the theory of synchronicity of Carl Jung, leaving the necessity for further analysis on the loss of actual existence and nihilism of the modern women who are unable to actualize the great hunger that Haemi seeks for in the movie.

청년실업과 일자리 문제가 대두되면서 정부는 예술산업의 지원 중 예술인 창업지원을 적극적으로 추진하고 있다. 또한 정부는 예술인 창업교육 지원, 예술인 창업 아이디어 지원, 예술인 창업 사업화 지원, 예술인 재 창업 지원 중 예술인들의 창업문화를 활성화 시킬 수 있는 예술인 창업교육 지원에 가장 주목하고 있다. 이에 본고는 4단계의 예술인 창업지원 중 예술인 창업교육 지원에 대해 중점적으로 연구하고자 한다. 본고는 예술창작, 일반 창업과 다른 개념인 예술인 창업의 개념에 대해 문헌고찰 했으며, 이를 바탕으로 예술인 창업교육의 개념을 정립하였다. 또한 국내 예술인 창업교육 지원 사례로 예술경영지원센터, 한국콘텐츠진흥원, 한국문화예술위원회, 한국예술종합학교, 서초구청의 지원사례를 분석하였으며, 해외 예술인 창업교육 지원사례로 프랑스 국립예술직업센터의 예술직업인 양성 사업, 캐나다 예술인 노동조합의 창작자 재교육 과정, 미국 예술연합의 전문 인력 양성 사업을 사례로 분석하였다. 결론적으로 각각의 사례분석을 비교 연구하여 시사점을 도출하였으며, 이러한 시사점을 바탕으로 국내 예술인 창업교육 지원에 대해 세 가지 제언을 하였다. 첫째, 국내 예술인 창업교육 지원은 예술 장르별 맞춤 교육을 통해 추상적인 교육내용을 체계적인 커리큘럼의 교육내용으로 개선해야 한다. 둘째, 국내 예술인 창업교육은 예술인들의 효율적인 교육과정 구축을 위해 단기적 교육과정들을 정기적 교육과정으로 수정해야 한다. 셋째, 국내 예술인 창업교육은 예술인 창업문화의 활성화를 위해 예술경영자와 예술인이 서로 정보를 교류할 수 있는 네트워크 지원 프로그램을 증설해야 한다.

Government has started active support for the Artists’ startup, out of all other support on art industry, in concerns of the unemployment and job supply for the young generation. Government’s top priority is now to encourage startup environment for artists, by supporting on the education for those who look forward to the start-up. Accordingly, subject article has mainly focused on studying advanced blueprint for supporting of the startup education for the artists.’ This article has elaborated principles of artist startup and education for it. To collect more practical idea, we have researched domestic cases of supporting programs ran by Korea Arts Management Service, Korea Creative Content Agency, Also our attempt to research foreign cases such as ‘Art Careerman Training Project’ or ‘Creator Re-education Program,’ we were able to achieve more well-organized analysis for the potential of supporting businesses for the startup education, and clearer blueprint for our goal. We have set few core assignments by studying cases of existing startup education, and made 3 proposals for the supports on domestic education for potential starting-up artists as below. First, supporting for the artists’ startup education should be diversified upon different genres, so more various and organized education curriculum can be afforded to the artists. Second, all short-term curriculum should be regularized and systemized so education system for artists can be found more efficiently. For the last, more network programs should be afforded to entrepreneurs and artists, so they can exchange information actively, and energize startup culture for the artists in longer.