Earticle

본 연구자는 배우들이 인물을 구축하는 과정에서 인물이라는 가면을 지나치게 무겁게 인식하여 그 무게에 짓눌린 상태로 연기하거나, 혹은 그와는 반대로 인물 구축의 과정을 피하거나 혹은 불필요하게 인식하여 배우 자신으로서만 연기하는 경우를 문제점으로 바라보고 이를 해결하기 위한 방안을 연구하였다. 인물 구축의 과정에서 생기는 문제점들의 원인으로는 인물을 유형적으로 인식하는 사고, 모델을 상정해놓고 그 인물로부터 출발해서 극중 인물을 창조하려는 태도 그리고 인물의 가면 뒤에 숨고자 하는 배우들의 심리로 보았다. 이 문제점들을 해결하는 방안으로 먼저 인물이 가면을 뚫고 나오기 위한 방법, 그리고 신체적 가면과 음성적 가면을 사용하는 방법에 대해서 세부적으로 연구하였다. 인물이라는 가면을 뚫고 나오기 위해서 스타니슬랍스키의 역동적 분석(active analysis)과 스탤라 애들러의 ‘내 말로 바꾸어 말하기(paraphrasing)’를 효과적인 연습법이라고 분석하였다. 인물의 음성적 가면을 사용하기 위해서 신체와 음성을 분리하여 사고해야 할 필요성을 논하였고, 인물의 이미지와 태도를 배우의 것으로 신체화하여 대사할 때 음성기관이 이완된 상태애서 음성적인 가면을 효과적으로 사용할 수 있음을 고찰하였다. 음색을 바꾸는 방식은 지양하되 음역을 바꾸는 방식은 권장되어진다는 점과, 말투를 유형화시키는 방식은 피해야 하지만 인물의 대사의 목적과 태도에 따라서 억양이 세세하게 달라지는 방식은 효과적이라는 점을 검토하였다. 이 연구는 배우가 인물과 갖게 되는 가상의 관계를 가면이라는 상징으로 개념화하여 배우가 가면을 뚫고 나올 수 있어야 한다는 주장과 가면 자체를 자유로이 사용해야한다는 점으로 인물 구축이라는 추상적 개념을 구체화한 것이 가치가 있다고 본다. 향후에 각각의 훈련법과 연습법에 대해서 더욱 구체적인 사용법과 교육방법 등을 연구하는 것도 또한 의미 있다고 본다. 더불어 본 연구는 인물이라는 가면을 뚫고 나오는 방식에 대한 연구를 통해서 즉흥감각의 중요성을 고찰하고, 배우의 즉흥감각을 살아있게 만들기 위한 다양한 접근법들을 연구한다. 두 번째로는 주로 신체가면을 통해 인물을 구축하는 가능성, 세 번째로는 음성적 가면을 통해 인물을 구축하는 방법론을 고찰한다.

This study examines problems and solutions in process of building a character. Some actors tend to act with he/she is overwhelmed by his/her character mask or conversely, some actors tend to ignore or avoid the characterization and act as only him/herself. Both problems comes from the concept in which they consider the character as one of type, the concept that they start with a model for characterization and the psychological intention to hide inside of the character mask. To go through the mask, we can apply the “active analysis” designed by Stanislavski and “paraphrasing” exercise designed by Stella Adler. To use character’s physical mask effectively, we can consider “higher ego” of Michael Chekhov and Bertolt Brecht’s “gestus”. And to use vocal mask of character, we need to think body and voice separately. When we embody character’s imagery and attitude as actor’s imagery and attitude, our vocal organizations can stay in relaxation and utilize our vocal mask effectively. we need to avoid to change vocal quality aggressively but we can change vocal range for characterization. we need to avoid to create certain accent for characterizing but it is efficient to change vocal mask according to the objectives(active verbs) and attitudes of character for characterization. This study is worthy that it concretize uncertain concept of the relationship between actor and character. In the future, it would be worthier to study these exercises more specifically and deeply. In addition, this study examines various ways that actors can consider to create characters more effectively. Research various approaches to make the actor's sense of improvisation alive. The second is the possibility of building characters mainly through body masks, and the third is the methodology of building characters through voice masks.

본 연구는 춤을 소재로 한 연극 <패밀리 비즈니스>를 모델로 하여 연극과 춤의 융합작업이 연습 과정과 실제 공연과정에서 어떻게 구현되었는지를 규명함으로써, 새로운 무대형상화 방법을 고민하고 그 대안을 찾고자 하는 연출 및 연기자를 포함한 연극 예술가들에게 실질적인 도움을 주는 것을 목적으로 한다. 특히 본 연구 작품에 춤의 소재로 차용된 댄스스포츠는 예술과 스포츠의 양면성을 지니고 있음은 물론이고 인간의 내면이나 유형화된 신체적 움직임의 감성적 만족에 대응하는데 관심을 갖는 심미적인 면이 부각되어야 한다. 동시대 공연예술은 굳이 뮤지컬이 아니더라도 이미지에 익숙한 관객들에게 연극만의 참 재미와 감동을 선사하기 위해 대사만으로 국한되는 것이 아닌 춤과 노래 그리고 영상 등을 적극적으로 융합하고 있다. 특히 연극과 춤의 융합은 연출과 연기자를 비롯한 제작진들에게 엄청난 성장의 기회이자 도전일 수 있으며, 최종 수용자인 관객들에게도 보다 적극적이고 능동적으로 극에 참여할 수 있는 기회를 부여할 수 있다. 이에 본 연구에서는 연극과 춤을 융합하는 전제적 개념으로서 연극과 춤의 융합 개념을 살펴보는 가운데, 국내에서 연극과 춤의 융합을 ‘탄츠테아터’, ‘댄스씨어터’, ‘씨어터댄스’ 등으로 명명하고 있음에 주목하여 각각의 의미에 대해 살펴보았다. 이에 더해 동시대 연기자 몸의 기능이 이전의 기호학적인 몸과 다르게 기능함에 착안하여 창발적으로 빛을 발해서 관객과 직접적이고 감각적으로 소통하는 현상적인 몸에 주목하여 전개하였다. 이와 같은 개념을 바탕으로 본 연구자가 연출로서 참가한 연극과 춤의 융합 제작 작품인 <패밀리 비즈니스>의 전 제작과정을 주요 카테고리로 나누어 제시하였는데, 그것은 첫째 연극과 춤의 융합을 위한 희곡 각색과 장면의 구성, 둘째 연기자의 특성과 배역의 사연을 고려한 춤의 종류 선택, 셋째 춤 연극과 기술 분야와의 조화 순으로 내용을 기술하였다. 본 연구가 기존 연극과 춤 또는 춤과 연극의 융합 제작 논문과 차별화되는 지점은 작품 구상 단계에서부터 연습 과정과 공연과정에서까지 연출로서 본 연구자가 직접 참여하여 수없이 많은 시행착오를 겪어가며 참 재미와 감동이 살아있는 연극과 춤의 융합을 이루고자 노력한 산물이란 점이다.

The purpose of this study is to provide practical help to theater artists, including directors and actors, who want to think about new stage shape methods and find alternatives by identifying how the convergence of theater and dance was implemented in the practice process and actual performance process. In particular, dance sports borrowed from dance materials in this study not only have the ambivalence of art and sports, but also the aesthetic aspect of responding to the emotional satisfaction of human inner or tangible physical movements should be highlighted, raising a great sense of challenge in creating the role of actors. Even if it is not a musical, contemporary performing arts are actively converging dance, songs, and videos, not limited to lines, to give the audience who are familiar with images a lot of fun and impression. In particular, the convergence of theater and dance can be an opportunity and challenge for production, including directors and actors, and can give audiences, who are final audiences, an opportunity to participate in the play more actively and actively. Therefore, in this study, while examining the concept of convergence between theater and dance as a prerequisite for converging theater and dance, we looked at each meaning by paying attention to the fact that the fusion of theater and dance is named Tantes Theater, Dance Theater, and Theater Dance in Korea. In addition, focusing on the fact that the function of the contemporary actor's body functions differently from the previous semiotic body, it focused on the phenomenal body that creatively shines and communicates directly and sensibly with the audience. Based on this concept, the entire production process of <Family Business>, a fusion production work of theater and dance, was presented in major categories, first, the composition of plays and scenes for fusion of theater and dance, second, and the harmony of dance plays and technology. The point where this study differentiates itself from existing theater and dance or fusion production papers of dance and theater is that it is a product of the researcher's efforts to achieve the convergence of play and dance that is alive with fun and emotion.

본 연구는 지역의 학교 밖 문화예술교육이 점차 통합문화예술교육으로 발전해나가는 현대적 경향 속에서 연극놀이를 포함한 교육연극의 중심적 역할과 필요성을 살펴보고자 한다. 그래서 통합문화예술교육과 교육연극의 상호 관계에 대해 논의하고 통합수업과정 사례중심 분석으로 통합문화예술교육의 개념을 다시 살펴보고, 교육연극의 중심적 역할을 분석하고자 한다. 서울과 멀리 있는 소외 지역의 지역성이 심할수록 전문교사에 의한 문화예술교육의 접근성은 현격히 떨어지고, 그에 반해 지역민들의 요구는 더더욱 높아지고 있는 실정이다. 이에 한국의 대표적인 문화예술 소외 지역이라 할 수 있는 전남 완도군 고금도에 초등 고학년과 중학생 20명을 대상으로 미술과 연극, 지역 역사 교육이 통합된 전남문화재단 꿈다락토요문화학교사업 통합예술수업 사례분석을 통해 통합문화예술교육에 있어서 교육연극의 실제 적용 사례와 효용성에 대해 논의하고자 한다. 교육연극의 궁극적 목적이 자신이 자신만의 표현을 자유롭게 할 수 있는 역량을 키워나가는 것이고, 그것을 위해서는 타인과의 관계 속에서 다양한 행동과 형식으로 표현할 수 있어야 하고, 타인과 함께 서로 다름을 인정하고 나누는 문화적 훈련과 예술적 경험이 필요하다. 이번 통합수업 사례의 특징은 단청을 중심으로 한 미술교육을 주도적 교육 커리큘럼으로 삼고, 그 지역의 역사를 이해하고 그것을 이야기로 담아내는 연극놀이를 활용한 교육연극을 함께 진행하는 방식이다. 교육연극은 본연의 탁월한 교육적 기능 이외에도 이렇듯 어떤 다양한 예술분야와 어울려서 그것을 더욱 돋보이게 할 수 있는 역할을 할 수 있는 유용한 예술교육 도구임을 확인하고자 이번 연구를 하고자 한다.

In this study, the necessity and role of educational theater techniques including theater play are increasing in integrated culture and arts education amid the tendency of local culture and arts education to gradually develop into integrated culture and arts education. Therefore, I would like to discuss the relationship and role of integrated culture and arts education and educational theater and analyze them based on cases. The more severe the locality of the underprivileged area far from Seoul, the less accessibility of culture and arts education by professional teachers, while the demands of local residents are increasing. We would like to discuss the practical application and effectiveness of educational theater in integrated culture and arts education through the case analysis of 20 elementary and middle school students in Gogeumdo, Wando-gun, Jeollanam-do. The ultimate purpose of educational theater is to develop one's ability to express oneself freely, and for that, one must be able to express in various actions and forms in relationships with others, and cultural training and artistic experience of acknowledging and sharing differences with others. The characteristic of this integrated class case is that art education centered on Dancheong(traditional multicolored paintwork on wooden buildings) is used as a leading educational curriculum, and educational plays using theatrical games that understand the history of the region and capture it as a story. In addition to its natural excellent educational function, I would like to study that educational theater is a useful art education tool that can play a role in making it stand out in harmony with various art fields.

인간의 움직임과 느끼는 감정을 정확하게 보여주는 것이 배우의 본질이다. 무언가를 표현하고 보여주는 것이 아니라 인간이 느끼는 내적 감정(內的 晉室)에 대한 외적 표현(外的 表現)이다. 사회화된 인간들은 자신의 감정을 드러내기보다는 숨긴다. 자신의 진실을 드러내게 될 때 생겨나는 사회적 불편함을 알기에 이성에 나를 붙잡고 있을 때까지 본인이 느끼는 감정을 드러내지 않는다. 즉, 내적 감정과 외적 표현이 당연히 달라야 한다. 그러나 연기자들은 무대 위에서 등장인물의 감정을 느끼고 그것을 숨기면서 관객에게 정보를 주는 것이 아니라 관객이 느끼지 못할 거라는 생각에 과도한 정보를 무대 위에 남발해 버린다. 일상에서 아무것도 하지 않지만, 그것은 아무것도 하지 않음이 아니라 표현하지 않음이다. 즉 내적 감정과 외적 표현이 항상 일치 하는 것은 아니다. 연기에 시작은 일상에 표현이다. 느끼지만 표현하지 않는 것에서 연기에 시작이다. 그래서 본 연구자는 마리 보이드(Mari Boyd)가 말하는 연기자가 욕망에서 오는 즉각적인 행동을 표현하기 위해 요구되는 필수적 요소로써 ‘아무것도 하지 않음’과 헤럴드 거스킨(Harold Guskin) ‘연기하지 않은 연기’을 통해 내적 진실(內的 晉室) 쌓아나가 외적 표현((外的 表現)으로 연기자의 역할 창조를 할 수 있는 방법을 제시할 것이다. 본 논고는 연기예술의 본질적 핵심이라 이야기할 수 있는 (연기를)‘하지 않음’에 대한 개념을 구체적으로 기술하고 ‘하지 않음’으로 생긴 공간이 연기자에게 어떤 영향을 주는지 살펴보고 이러한 상태가 연기자가 등장인물을 표현하는 과정에서 어떻게 신체를 통해 수용될 수 있는지 살펴보도록 한다.

It is the essence of an actor to accurately show human movements and emotions. It is not an expression or showing something, but an external expression of the inner feelings that humans feel. And it should not be expressed as doing something, but should be made so that the audience can read it without doing something. In everyday life people do not express their feelings directly. Socialized humans hide their feelings rather than reveal them. In other words, internal emotions and external expressions must be different. However, many actors express excessive in formation on the stage because they think the audience will not feel it rather than feeling and hiding the character's emotions on stage. People don't express anything in their daily lives, but they hide it without expressing it. In other words, internal emotions and external expressions are not always consistent. Acting is an expression in everyday life. Through “doing nothing” and “how to stop acting” which are essential elements in expressing immediate action from Marie Boyd's desires, you can build inner truths and create the role of actors with external expressions. The writer of this article specifically describes the concept of (not acting), which can be said to be the essential core of acting art, examines how the empty space created by “not” affects the actor, and examines how this condition can be accepted through the body in the process of expressing the character. The beginning of acting is an expression in everyday life. Acting begins with feeling but not expressing. Therefore, this researcher is an essential element required by Marie Boyd (2006) to express the immediate behavior that comes from desire, and through "doing nothing” and "Harold Guskin,” he accumulates the role of an internal and external actor (Harold Guskin (2019).

1940-50년대는 영화사적으로 어떤 시기였을까? 이 시기에 가장 중요한 사건은 제 2차 세계대전 직후에 나타난 ‘네오리얼리즘’의 등장이다. ‘네오리얼리즘’의 출현은 ‘영화’에 대한 직접적이고 다양한 논의들을 이끌어냈고 그와 더불어 ‘영화’의 정체성을 규정하도록 했다. 즉, 이 시기는 ‘리얼리즘’ 영화들에 대한 논의들이 핵심이었다. 하지만 네오리얼리즘과 함께 ‘영화’의 정체성에 대한 논의는 유럽영화로 국한되었으며, 그로부터 제기된 리얼리즘의 확립을 위한 개념들이 미국영화에는 적용되지 않았다. 이 시기 헐리우드 영화에 대한 논의는 주로 작가주의, 헐리우드 클래식 등으로 이루어졌을 뿐, ‘영화’라는 정체성과 함께 다뤄지지는 않았던 것은 의아한 일이다. 이는 다시 말해, 헐리우드 영화가 가치 평가적이거나 미학적인 성과물로서 다뤄진 경향이었다고 말할 수 있을 것이다. 그러나 부분적으로 볼 때, 헐리우드 클래식에 있어서 마련된 평가들이 사실상 ‘리얼리즘’ 자체를 규정하기 위한 것은 아니었지만, 그에 준하는 논의들이 이루어졌는데, 1950년대에 이르러 헐리우드 영화에서도 ‘사실’에 대한 새로운 관점과 시각이 등장하기 시작했다는 것이다. 이에 본 논문은 헐리우드 영화가 필름 누아르를 거치면서 1940년대 후반부터 1950년대까지 본격적으로 등장한 ‘미국식 리얼리즘’의 문제를 다루고자 한다. 놀랍게도 이 시기 헐리우드 영화에서 가장 현저한 변화를 선도해 간 것은 바로 ‘연기’였다. 이러한 변화는 영화가 제작 환경을 통해 ‘사실’을 만나는 과정에서 나타났으며, 1950년대에 이르러 헐리우드 영화에 새로운 배우들의 등장과 함께 ‘사실주의 연기’의 문제가 대두되기 시작했다. 즉, ‘사실의 조각’들이 서사 안으로 침투하기 시작한 것이다. 따라서 본 논문은 1950년대 대표적인 몇몇 작품들을 예로 들어 미국에서의 ‘연기’와 관련된 변화들을 추적해보고, 이를 둘러싼 논의들을 통해서 헐리우드 영화 안에서 새롭게 나타난 ‘사실’의 역할과 의미에 대해 고찰해보고자 한다.

What kind of period was the 1940-50s in terms of film history? The highlight of this period was the emergence of ‘neo-realism’, which appeared right after the World War II. The appearance of ‘neo-realism’ elicited direct and diverse discussions on ‘film’ and led to the prescription of the identity of ‘film’. That is, discussions on ‘realism’ films were the core of this period. However, the discussions on the identity of ‘film’ were limited to European films along with neo-realism, and the concepts that were accordingly raised to establish realism were not applied to American films. It is a wonder that the discussions on Hollywood films mainly covered auteurism and Hollywood classics but not the identity of ‘film’ during this period. In other words, this could be interpreted as a tendency of addressing Hollywood films as a fruit in terms of value assessment or aesthetics. However, from a partial view, although the assessments that had been prepared in Hollywood classics were not actually aimed at the prescription of ‘realism’ itself, comparable discussions took place. In the 1950s, a new perspective and viewpoint about the ‘real’ started to emerge in Hollywood films as well. Therefore, this paper aims to deal with the issue of the ‘American realism’ that emerged in earnest from the late 1940s to the 1950s as Hollywood films went through film noir. Surprisingly, ‘acting’ was what led the most remarkable change in the Hollywood films of this period. Such a change appeared as films encountered the ‘real’ through the production environment, and by the 1950s, the issue of ‘realistic acting’ started to rise along with the emergence of new actors in Hollywood films. That is, ‘pieces of the real’ had begun to infiltrate into the narratives. Therefore, this paper aims to trace the changes related to the ‘acting’ in America by using some representative works of the 1950s as examples and utilize relevant discussions to study the role and meaning of the ‘real’ that newly emerged in Hollywood films.

한국의 뮤지컬 역사는 예그린 악단의 공연 삼천만의 향연(1962)과 드라마 센터의 공연 포기와 베스(1962)를 필두로, 군부 독재 하에 계몽사상의 전파를 최우선의 목적으로 1980년대까지 주로 관(官)의 주도하에 꾸준히 발전해왔다. 이후, 대한민국의 급격한 경제성장과 함께 국민의 문화 소비에 대한 인식의 변화로 1990년대 중반까지 국내 대기업들은 현대예술극장, 롯데월드 예술극장, 삼성영상사업단 등의 자회사를 두는 방식으로 문화산업에 진출하였다. 그러나 막대한 자본이 한국창작 뮤지컬에 대한 장기적인 안목의 과감한 투자보다는 일시적으로 자금 회수가 어렵지 않은 해외 뮤지컬의 수입으로 집중되면서, 결과적으로는 2000년대 초중반까지 대규모 기업 및 자본의 쇠퇴 및 국내 민간 중소공연기획제작사들의 과다설립 및 과당 경쟁의 서막을 알리기도 하였다. 그러한 와중에도 한국창작 뮤지컬의 대표적 연출가로 알려진 윤호진의 작품들이 국내 뮤지컬 시장에서 큰 업적을 이루어 왔으나 뮤지컬계에서 개척해온 창작 활동에도 불구하고, 그의 정보에 대한 오류가 많고 특히 연출 미학연구가 상당히 빈약한 것이 사실이다. 국내 뮤지컬 시장에서 작품성뿐만 아니라 흥행성까지 갖추게 되어 여전히 대중의 큰 사랑을 얻고 있는 뮤지컬 명성황후, 영웅뿐만 아니라, 새로운 시도라 일컬어졌던 보이첵까지 새로운 창작작업에 대한 열의가 대단한 그의 연출적 면모에 대한 명확한 이해를 돕기 위해 지금이라도 본 연구가 반드시 이루어질 필요가 있다고 판단되었으며 아울러 해당 뮤지컬 작품의 미적 본질과 구조를 이해함에 그 목적이 있다. 특히 시간의 망각과 감정의 소요, 구조의 파괴 및 재구성, 본질로의 회귀 등 그만의 작품에서 보이는 연출적 특징은 주목할 만하다.

The history of Korean musical begins with the performance of “Feast of Thirty Millions” (1962) by the Yegreen Band and “Porgy and Bess” (1962) by the Drama Center. Under the military dictatorship, to spread the idea of Enlightenment as the top priority, it continued to develop steadily until the 1980s, mainly under the leadership of the government. With Korea's rapid economic growth and a change in people's perception of cultural consumption, until the mid-1990s, large domestic companies entered the cultural industry by establishing subsidiaries such as Hyundai Arts Theater, Lotte World Arts Theater, and Samsung Film Business Group. However, as huge capital was concentrated on the income of overseas musical, which allowed temporary recovery of funds rather than long-term drastic investments in Korean creative musical, as a result, large-scale enterprises and capital decline by the early to mid-2000s and the over-establishment of small and medium-sized domestic performance planning companies, and the beginning of excessive competition. In the meantime, Director Yoon's works, known as the representative director of Korean creative musical, have achieved great achievements in the domestic musical market, but despite the creative activities pioneered in the musical world, it is true that research on the directing aesthetics of his works is quite poor and there are many errors in his information. In the domestic musical market, he has great enthusiasm for new creative works, not only in the musical ｢The Last Empress｣ and ｢Hero｣, which are still gaining a lot of love from the public as they have not only artistic performance but also box office performance, as well as ｢Woyzeck｣ which has been called a new attempt. It was judged that this study needs to be done to help a clear understanding of the directing aspects of his musical. In addition, the purpose is to understand the aesthetic essence and structure of the musical works. In particular, the directing characteristics of his works such as Oblivion of time and the disturbance of emotions, destruction and reconstruction of structures and return to nature.

본 논문은 본 연구자가 안무한 무용작품의 창작과정을 연구한 실기기반 연구(PBR, Practice Based Research)이다. 무용작품 「나와 나타샤와 흰 당나귀」는 백석의 동명시를 기반으로 한 작품이다. 본 논문에서는 창작과정에서 어떻게 시언어가 무용언어로 변환되는지 그 과정을 면밀히 탐구함으로써 시가 어떠한 새로운 텍스트로 창조되는가와 그 과정에서 도출되는 의미를 살피는 것에 연구의 목적이 있다. 본 논문의 연구방법은 문헌연구와 실기기반연구방법(Practice Based Research, PBR)을 병행한 것이다. 연구의 절차는 문헌연구를 통해 시인 백석과 그의 시가 지닌 언어·문체적 특성을 연구하였다. 이후 실기기반연구방법(PBR)을 활용하여 원작 시 「나와 나타샤와 힌 당나귀」의 텍스트를 무용언어로 전환하는 창작 과정을 분석하였다. PBR은 실기(practice) 현장에서 생성된 현상이나 체험에 대한 분석방법이다. 또한 창조된 결과물로부터 새로운 지식과 그 의미를 도출하는 실기와 이론을 통섭한 학술연구 방식이다. 본 연구를 통해 첫째, 원작 시를 몸으로 이해하는 과정을 통해 백석 시가 가진 언어적 특성이 춤추는 몸에 새겨진 체험 감각을 깨우며 독창적인 무용언어로 해석될 수 있음을 발견할 수 있었다. 둘째, 창작과정에서 무용수의 주체적 참여가 작품의 의도를 춤으로 드러내는데 있어 매우 중요한 지점임을 발견하게 되었다. 셋째, 본 연구자는 창작의 과정에서 안무가로서 작품을 창조하는 방식과 무용수들과의 소통방식에 대해 더 깊이 성찰을 할 수 있었다. 본 연구는 시 텍스트를 기반 한 무용창작의 과정이 그 자체로 얼마나 많은 창조적 체험을 내포하고 있는지를 분석하고 드러냈다는 점에서 그 의미가 있다. 실기기반연구(PBR)을 활용한 본 논문이 실천예술인 공연예술분야가 지닌 창조적 현장성 연구의 가능성을 확장하는데 하나의 사례가 되기를 바란다.

This thesis is a PBR (Practice Based Research) study on the creation process of the dance work choreographed by this researcher. The dance work ｢Me, Natasha and the White Donkey｣ is based on Baek Seok's poem of the same name. The purpose of this study is to examine how poetry is created as a new text and the meaning derived from the process by closely examining how poetry language is transformed into dance language in the creative process. The research method of this paper is a combination of literature research and practice-based research (PBR). In PBR, the experience data through the actual performance is important as the primary data. Through this study, first, it was found that the exploration of sensuous movement focusing on the linguistic characteristics of Baekseok is a process that can understand poetry more deeply and embody it in a dancing body. Second, it was found that the creative process embodied by the dancers through movement exploration can derive a dance language that reinterprets the original poem more creatively. Third, in this study, it was found that the experiences of creation that are experienced and derived in the process of creation, not creation for dance work, create new meaning within the frame of a set format. As a choreographer, I experienced that this researcher could reach the intended work. This study is meaningful in that it analyzes and reveals how many creative experiences the dance creation process based on poetry text itself implies. I hope that this paper using practical research (PBR) will be an example of expanding the possibility of creative fieldwork research in the field of performing arts, which is a practical artist.

서울시는 시민이 행복하고 지역이 활력있는 도시재생특별시를 비전으로 다양한 유형의 도지재생 프로젝트 사업을 진행하고 있다. 본 연구는 창작인쇄 콘텐츠 개발을 통한 인쇄산업의 문화콘텐츠 확대와 방향 모색을 통한 생태계 마련을 위해 진행 된 2021년 “창작인쇄활성화 프로젝트 메이커 충무로” 도시재생 프로젝트의 콘텐츠 교육 프로그램의 사례를 살펴보았다. 그리고 사전 참여 동기 설문조사와 사후 만족도 설문조사를 통해 충무로 지역의 문화콘텐츠 수요 요구를 분석을 하고 인쇄 콘텐츠 활성화를 위한 문화콘텐츠 확대와 방향을 모색하고자 하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 교육 프로그램 중 사전참여 설문조사를 통해 지원자들은 실무현장에서 사용할 수 있는 다양한 난이도의 디자인 툴 프로그램의 수요 요구가 가장 많다. 둘째, 현재 인쇄산업 현장 및 그 외 분야에서 인쇄기술을 활용한 디자인과 트렌드 문화콘텐츠 프로그램의 만족도가 가장 높다. 셋째, 충무로 지역의 도시재생을 창작인쇄 활성화를 위한 다양한 난이도의 디자인 툴 프로그램이 지속적인 진행의 요구가 있다. 이 결과를 통해 전통의 인쇄를 문화콘텐츠로서 범위를 확대하고 활용하고자 하는 인쇄인들과 일반시민들은 인쇄 자체의 기술보다는 인쇄를 활용한 다양한 기술과 트렌드를 접목한 콘텐츠 개발을 위한 문화콘텐츠 교육 프로그램이 필요함을 알 수 있었다. 그러므로 인쇄콘텐츠를 활성화하고 창작인쇄로서 문화콘텐츠를 확대하기 위해서는 다양한 문화예술콘텐츠 프로그램이 충무로 인쇄지역에 공급되어야 하며 이를 위한 인쇄특화거리 혹은 인쇄문화단지로 지정하여 문화콘텐츠로서 산업의 활동 범위를 넓히고 인쇄지역중심의 문화적 아이덴티티가 구축 되야함을 제언한다

This study Seoul citizen budget goes to 2021 years “creative print projects enable manufacturers chung” urban re. By examining the content education program of the live project, we conducted a pre-participation motive survey and a post-satisfaction survey. Expansion and direction of cultural contents to analyze the demand for cultural contents in Haechungmuro region and to activate print contents wanted to explore. “Creative Printing Revitalization Project Maker Chungmuro” is the Meister, Makers and Art Program of Dasaewoon Printing Technology School. You can check. First, through a pre-participation survey among the training programs, applicants can use various The most demanding demand for a design tool program with a high degree of difficulty. Second, design and trend cultural contents programs using printing technology in the current printing industry field and other fields RAM satisfaction is the highest. Third, design tool programs of various difficulty levels to revitalize creative printing for urban regeneration in Chungmuro area are continued. Therefore, it activates print content and promotes culture as creative print. In order to expand the contents, various cultural art contents programs should be supplied to the Chungmuro printing area. To this end, it was designated as a special printing street or printing cultural complex to expand the scope of industrial activities as cultural contents and support. It is suggested that the cultural identity of the station should be built.

출산율 저하에 따른 학령인구 감소와 함께 교육부는 대학구조개혁 평가를 통해서 대학의 변화를 요구하고 있다. 이에 따라 대학은 경쟁력을 갖추기 위해 자체적인 대학 구조 변화와 교육의 질을 높이기 위한 다양한 시도를 하고 있으며, 이는 예술대학도 예외는 아니다. 특히 예술대학 가운데 음악의 한 축을 담당하고 있는 클래식 분야의 음악대학에서도 여러 가지 시도들을 통해서 변화하고 발전하기 위한 노력을 하고 있다. 본 연구에서는 음악대학 성악전공 교과과정을 개선하고 개발하기 위한 분석을 실시하였는데, 먼저 국내 음악대학의 교과과정 사례들을 분석하여 음악 이론과 실기 교육이 어떻게 이뤄지고 있는지를 확인하였고 어떠한 새로운 과목들이 개발·적용되고 있는지 파악하였다. 또한, 해외 음악대학 사례분석을 통해서도 국내 음악대학에 비해 매우 다양한 분야의 수업들이 진행되고 있으며 예술 산업 현장에 필요한 실제적 교과목들이 운영되고 있는 것을 확인하였다. 이러한 분석을 바탕으로 국내외 음악대학 성악전공 교과과정을 비교 분석하였고 국내 음악대학에서도 보다 실무적이고 실제적이고 실용적인 교과목에 대한 연구와 개발이 필요함을 재확인할 수 있었다. 약 100여 년의 역사를 통해 만들어진 국내 음악대학의 교과과정은 실연자 위주의 교육 과정으로 다채롭게 구성되어 있으며, 이를 통해 오랜 시간 많은 훌륭한 음악인을 배출해 낸 것이 사실이다. 하지만 다른 한편으로 보면 졸업 후 학생들의 진로 선택에 있어 매우 제한적이기도 한 것이다. 연주자 양성을 위한 현 교과과정에서 클래식 분야의 보다 다양한 예술인 인재양성을 위해 음악대학 성악전공 교과과정이 어떻게 이뤄져야 하는지 고찰해보고 빠르게 변화하는 현대 사회에서 필요로 하는 종합 예술인을 키워내기 위한 교과과정을 제안해 보고자 한다. 더불어 본 연구에서는 국내외 음악대학 성악전공의 교과과정 분석을 통해 현재 국내 음악대학 교과과정이 공연 산업 현장에 필요한 직무 능력과 예술인으로서의 심화 능력을 키우기 위한 교과과정으로 개선·발전될 수 있는 방법을 도출하는데 그 목적이 있다.

With reduction in the number of students resulting from a low birth rate, the Ministry of Education has been requesting the changes of universities by the University Structural Reform Assessment. Thus, universities has been trying various plans to raise the educational quality and structural reform for their competitive power, and art college is no exception. Especially, music colleges of classic branch organizing one set of music in art college try to change and progress through various trials. This study conducted the analysis to improve and develop the vocal arts curriculum of college of music, analysing the curriculum cases of domestic colleges of music and identifying how music theory and practical skills are conducted, and checking out what new subjects have been developed and applied to. In addition, through case analysis of foreign colleges of music, it is verified that domestic colleges of music have lower cases for various fields than those of foreign colleges and they have more practical subjects for art industry scenes. Based on these analysis, comparison analysis for curriculum of domestic and foreign colleges of music are carried out, and need for research and development at working-level, real, and practical subjects in domestic colleges of music are reconfirmed. The curriculum of domestic colleges of music with over 100 years of history has mainly multicorrelated curriculum centered on performers, which is true it has generated a lot of great musicians through those educational course. However, it is also true that those have been limited factors, on the other hand, for graduates to select their careers for the future. I want to suggest the curriculum to raise the synthetic artists in the fast changing modern society, considering how the curriculum of vocal arts in college of music will be conducted to train art talents in various classic fields from current curriculum for training performers.

본 연구는 델파이기법을 통하여 메타버스 플랫폼에서 뮤지컬 오디션 가능성을 도출한다. 포스트 코로나 시대 기술과 사회적 요구에 따라 강제로 경험하게 된 비대면 수업 연구는 예술전공에도 다양하고도 활발하게 연구되고 있다. 하지만 메타버스 플랫폼을 연계한 가상공간에서 아바타를 활용한 배우 훈련에 관한 연구는 미흡한 실정이다. 메타버스 플랫폼에서 뮤지컬 배우 훈련 가능성 요인은 연기, 노래, 춤으로 구분하고 요인 선정을 위하여 전문가를 대상으로 총 3번의 브레인스토밍 과정과 2번의 델파이 분석을 했다. 실험연구를 통하여 아바타의 표정 연기와 신체 움직임을 표현할 수 있는 다양한 이모티콘을 사용하는 것이 아바타의 움직임에는 적용될 수 있음을 확인했다. 하지만 참가자의 연기와 춤 실연을 검증하기 위한 연관성을 찾기 어려우며 즉각적인 상호작용에 효율적이지 않은 모바일에 한정된 메타버스 플랫폼 기술의 한계로 배우 양성을 위한 교육 매체로 활용하기에 어려움이 높음을 확인했다. 그러나 연기 훈련 중 보이스액팅, 성대모사와 같은 음성 훈련을 통한 교육 매체 가능성이 있다는 의견이 있었으며, 나아가 연기와 춤 수업에 비하여 노래 수업은 유희를 비롯한 전공 분야 이론과 실습을 겸하는 교수 도구로 미흡하지만 뮤지컬 배우 훈련 가능성이 있음을 보여줬다. 한 편, 본명이 아닌 닉네임으로 설정되는 개인정보는 참여자에 대한 사전 정보를 배제함으로 가창만으로 평가를 받을 수 있다는 점에서 공정성과 야기될 수 있는 익명성 문제에 대한 유의미한 과제를 제시했다. 더불어 이 연구를 위하여 본 연구자는 ‘메타버스 문화 콘텐츠 매칭 플랫폼 연구’(김정권, 2021)를 통하여 메타버스 플랫폼에 따라 특징적으로 나타나는 튜토리얼을 중심으로 배우 훈련을 위한 교육 도구로서 연계할 수 있는 분석 도구를 도출하였으며, 그 분석 도구를 활용하여 뮤지컬 배우 훈련의 주요 요소인 춤, 노래, 연기에 대하여 메타버스 오디션 시뮬레이션을 통해 실제 오디션과 차이를 비교 분석함으로 뮤지컬 배우 훈련 가능성을 제안하고자 한다.

This study derives the possibility of musical audition on the metaverse platform through the Delphi Method. Research on non-face-to-face classes, which has been inevitably experienced due to the technological and social demands of the post-corona era, is being actively studied in various fields in the Arts. However, research on actor training using avatars in a virtual space linked to the metaverse platform is lacking. On the Metaverse platform, musical actors who nurture potential factors were classified into acting, singing, and dancing, and a total of 3 brainstorming processes and 2 Delphi analyzes were conducted to select factors by experts. Through an experimental study, it was confirmed that the use of various emoticons that can express the facial expression and body movement of the avatar can be applied to the movement of the avatar. However, it was confirmed that it is difficult to find a connection to verify the participant's acting and dance performance, and it is difficult to use it as an educational medium for nurturing actors due to the limitations of mobile metaverse technology, which is not efficient for immediate interaction. On the other hand, there was an opinion that there is a possibility of an educational medium through voice training such as voice acting and vocal imitation during acting training. Furthermore, compared to acting and dance classes, singing classes are insufficient as a teaching tool that combines theory and practice in major fields including play, but musical It showed the possibility of actor training. In addition, in that personal information set with a nickname rather than a real name can be evaluated only by singing by excluding prior information about the participant, it also presented a meaningful task for fairness and anonymity that may arise.