Earticle

이 연구는 영화연기에서 배우를 촬영하고 스크린에 재현시키는 가장 본질적 존재라 할 수 있는 카메 라의 프레임과 렌즈, 그리고 촬영 스피드에 대한 미학적 특성에 대해 논하고자 한다. 전통적인 연기가 제 의적이며 종교적인 행위에서 기원을 찾는 것과는 달리, 영화연기는 엔터테인먼트 산업으로 영화라는 근 대 발명품이 편입한 순간에 기원을 두고 있다. 연극 무대에서 연기가 배우 사이의 앙상블에 기초한다면, 영화연기는 배우와 카메라 사이의 앙상블이 중요하다. 카메라는 사람의 눈과 흡사하지만 기계적 복제를 하는 과정에서 필연적으로 프레임으로 선택되며, 카메라와 배우 사이의 거리로 인해 그 프레임이 포착하 는 배우 신체의 범위가 특정된다. 영화연기에서 배우는 자신이 하는 연기 행위의 범위를 카메라 프레임 에 의해 제한 받게 되고, 활동 폭이 더 큰 연기 혹은 더 작은 연기를 그 프레임으로 규정된다. 인간의 눈 동자는 빛의 변화에 민감하게 변화하는데 비해, 카메라 렌즈는 정해진 특성 범위 안에서만 연기를 물리 적으로 재현한다. 렌즈는 인간의 눈과 가장 유사한 시각 이미지를 보여주는 표준렌즈, 눈 보다 더 먼 사 물을 인지할 수 있는 망원렌즈, 눈 보다 큰 시야각과 초점 심도를 갖는 광각렌즈로 나눌 수 있다. 영화 연기는 이런 표준렌즈, 망원렌즈, 광각렌즈 중 어느 렌즈를 통해 촬영되고 재현되는 지에 따라 그 표현과 감정의 투사가 달라진다. 카메라 스피드 또한 그 기계적인 빠르고 느린 속도로 인해 연기를 보다 풍부하 게 담아 낼 수 있다. 본 논문은 이런 서구 영화연기 이론의 토대에서 카메라 프레임과 렌즈, 스피드라는 중요한 복제 장치의 요소가 어떻게 연기에 개입하고 해석하는지에 관한 중요한 미학적 요소를 다루고자 한다. 그리고 보다 실제적인 연구를 위해 연구자가 직접 연출하고 연기한 독립 장편영화를 토대로 그 미 학적 요소에 대해 분석하고자 한다.

This study aims to discuss the aesthetic characteristics of frames and lenses, as well as the shooting speed of the camera, which are essential elements in filming and representing actors on the screen. While traditional acting has its roots in ritual and religious acts, film acting was born with the introduction of a modern invention called film-making to the entertainment industry. Although it is similar to human eyes in many ways, the camera selects frames in the process of replication, and the distance between the camera and the actor limits the range of the actor’s body captured in the frame. In film acting, the actions are defined by the frame, whether the acting covers a greater or a smaller scope of movements. Human eyes are extremely sensitive to the change of light, but camera lenses represent the acting only in the range set by its specification. Lenses are roughly categorized as follows: normal lenses, showing visual images most similar to those of human eyes; telephoto lenses, perceiving far-off objects that human eyes cannot see; and wide-angle lenses, with a greater angle of view and focal depth than human eyes can capture. Depending on the lenses—standard, telephoto, or wide-angle—used to film and represent the scene, actors’ expression of emotions and its projection vary. The camera speed, high or low, is also used to show acting with vivid expressions. This essay discusses how the camera influences the acting of the film. The representation of acting through cameras studies how it changes in the process of mechanical re-production and re-mediation. This is an important research topic in film studies. The cinema was invented in 1895, and the film acting wasn't immediately the way it looks today. The acting in film has evolved over quite a long period of time after the invention of the motion picture industry. The job as a film actor was created and more professional film acting was established.

이 연구는 다양한 문화가 공존해 있는 현대사회에서 공연예술의 현재와 상황을 바라보고 현시대를 새 롭게 인식함으로 공연예술의 발전방향을 모색해 보고자 하는 목적으로 연구하였다 중요한 문화 예술적 인프라라는 점에서 전통 및 공연예술의 중요성은 이미 가장 핵심적인 가치로 인식되고 있고 지속적인 정 부, 기업, 개인적인 노력이 있어 왔다. 그럼에도 불구하고 사회적 환경변화, 생활양식의 변화 개인의 의 식변화, 나아가 과학기술의 발전 및 통신기술의 발달로 문화소비시장 에 많은 변화를 가져왔다 현대는 교류와 공유의 속도가 더하며 과학기술의 발달로, AI, VR 등 기술의 발전은 물론 감성까지를 포함한 트 랜스미디어(Transmedia)시대로 돌입하게 되었다. 그 사회의 문화는 한 국가의 경쟁력을 높이는 수단으로 작용하기도 한다. 또한 현대문화와 미래사회를 대변하는 트랜스미디어, 대중문화, 융･복합 문화, AI, 5G 통신시대 등 현대를 상징하는 새로운 개념, 새로운 가치들이 변화와 진화를 거듭하고 있다. 이러한 변화 에서의 공연예술의 발전방향은 무엇인지, 어떻게 이 시대에 기여하고, 어떠한 가치를 부여해야 하는지, 그래서 우리가 준비하고 연구해야 할 과제는 무엇인지?에 대해 좀 더 심도 깊은 논의가 필요하게 되었다. 기술과 과학의 발달은 지역과 민족을 초월하여 스포츠, 예술, 음식, 패션에 이르기까지 세계적 문화 공유 를 촉진하고 있다. 문화 예술의 대중화는 과학기술의 발달과 더불어 그 영역과 경계를 허물고 속도를 더 하게 되었고 1인 1미디어 시대를 맞이했다. 현대의 과학기술의 환경, 인터넷과 핸드폰 없는 생활을 생각 조차 할 수 없는 영상정보문화의 환경 속에서 공연예술은 어떻게 인간 본연의 가치를 실현해 가는 중요 한 수단으로서의 역할과, 이 사회에 좋은 영향력을 끼치며 발전할 수 있는가? 공연예술은 제한된 장소와 시간의 범위에서 관객과의 만남을 통해 공연예술이 문화소비재로서 소비되어진다. 즉, 제한된 환경에서 의 교환활동이 이루어지는 것이다. 관객은 대부분 관련전문가, 전공하는 학생, 공연애호가들이 중심이 되 는 관객층을 형성한다. 다양한 다른 문화소비재의 빠른 변화와 대량생산에 의해 문화소비재로서의 공연 예술을 선택하고 참여하는 관중은 점점 감소하고 있는 현실이다. 이러한 상황에서 공연예술의 문제점을 인식하고 현대의 문화현상을 이해하여 공연예술의 가치를 공유하며 발전할 수 있는 방향을 모색하고 공 유하고자 한다.

This study aims to look at the present and situation of performing arts in the modern society where various cultures coexist and to seek the direction of development of performing arts by newly recognizing the present age. In the sense of an important cultural and artistic infrastructure, the importance of traditional and performing arts has already been recognized as the most core value and there has been continuous government, enterprise, and personal efforts. Nevertheless, the change of social environment, the change of lifestyle, the change of individual consciousness, the development of science and technology and the development of communication technology have brought a lot of changes to the cultural consumption market The culture of the society also serves as a means of enhancing a nation's competitiveness. In addition, new concepts and new values symbolizing modern times such as transmedia, popular culture, fusion and complex culture, AI, and 5G communication age representing modern culture and future society are changing and evolving. What is the direction of development of performing arts in this change, how to contribute to this era, and what value should be given, and what tasks should we prepare and study? It is necessary to have a deeper discussion about this. The development of technology and science promotes sharing of global culture, ranging from sports, art, food, and fashion, transcending regions and ethnic groups. The popularization of culture and art has broken down the boundaries and speeds with the development of science and technology, and has reached the era of one-person media In the environment of modern science and technology, and the environment of image information culture that can not even think about life without the internet and cell phone, how can performing arts play an important role as an important means to realize human's original value and develop with a good influence on this society? The present study aims to examine the status of performing arts in the era of visual culture, which interacts, communicates and lives through the current video, to recognize the problems, and to examine the future direction of development and roles in modern society.

최근 국내 공연예술 시장의 규모가 전반적으로 확대되고 있는 가운데, 뮤지컬 공연은 가파르게 성장 하는 반면, 오페라 공연은 정체가 지속되고 있다. 국내 뮤지컬은 2001년 <오페라의 유령>의 성공 이후 급 속히 성장하여 공연예술 시장의 대표적인 문화 콘텐츠로 자리 잡았다. 그러나 뮤지컬의 모체가 되는 오 페라는 높은 예술성을 지닌 장르임에도 불구하고 공연시장 점유율에서 최하위를 면치 못하고 있다. 뮤지 컬이 차지하는 압도적인 비중은 국내 뮤지컬이 대중의 요구에 민감하게 반응하며 발전한 결과이다. 최근 세계 공연계에서는 뮤지컬과 팝(Pop)을 융·복합시킨 주크박스 뮤지컬(Jukebox Musical)이 인기를 끌고 있으며, 국내에서도 라이선스 주크박스 뮤지컬의 흥행을 시작으로 창작 주크박스 뮤지컬의 제작과 성공 이 잇따르고 있다. 이러한 주크박스 뮤지컬의 형식은 인접한 다른 공연예술 장르에서 활용됨으로써 또 다른 융·복합 작품의 재생산으로 이어지고 있기도 하다. 오페라 분야에서도 주크박스 뮤지컬 형식을 차 용한 콘텐츠 개발 시도가 이어지고 있지만, 아직 미숙한 단계이다. 주크박스 형식의 차용이 오페라 공연 의 부흥으로 이어지려면, 이러한 작업의 결과로 만들어진 작품이 기존의 오페라 관객만의 관심대상이 되 는 것을 넘어서, 새로운 관객 개발로까지 나아갈 수 있어야 한다. 이를 위해서는 주크박스 뮤지컬의 성공 요인을 살펴보고 오페라 작품에 맞게 응용할 필요가 있으며, 이를 통해 오페라에 대한 대중의 관심을 환 기하고 이목을 집중시킬 수 있도록 노력해야 한다. 이는 전통적인 순수예술 장르에 속하는 오페라가 타 장르의 형식에 대한 활용 등을 통해 새롭게 재탄생할 필요가 있음을 의미한다. 이처럼 오페라의 대중화 방안에 대한 연구는 국내 오페라 분야의 활성화를 모색하고자 하는 노력의 일환이며, 현재 일부 장르에 편중되어 있는 국내 공연예술 분야의 균형 있는 발전에도 도움이 될 것이다.

The local performing arts market has been growing continuously, posting sales of over 800 billion won for the past two consecutive years. The revenue from sales of performance tickets accounts for about half of the total performance market, with the revenue from ticket sales for the 2018 musical performance accounting for 64.1 percent of the total performance ticket sales revenue, while the revenue from the opera’s performance ticket sales accounts for only 1.5 percent. Local musicals have grown rapidly since the success of the Phantom of the Opera in 2001, becoming a representative cultural content in the performing arts market. On the other hand, the opera, which becomes the parent of a musical, remains at the bottom of the performance market share despite its high-quality music and artistry. The overwhelming proportion of musicals is the result of the development of local musicals, which are sensitive to public demand. In particular, Jukebox Musical is gaining popularity in the world's performance industry recently, and it has been leading to the production and success of creative jukebox musicals in Korea, starting with the success of licensed jukebox musicals. In particular, Jukebox Musical, which combines musical and pop, has gained popularity and dominated the stage of performing arts. The performance of these jukebox musicals is being mixed in a variety of ways by borrowing from other adjacent genres. The opera industry is also trying to develop content that borrows the form of a jukebox musical, but it is still immature. The development of opera works through the use of jukeboxes should go beyond being the focus of existing opera audiences, and be the foundation of the work that enables the development of new audiences. To this end, it is necessary to focus public attention on the opera by seeking out the success factors of the jukebox musical and applying it to fit the opera’s works. This could be a kind of trigger that leads the public to interest and enjoyment in opera. The study for popularizing opera sets the foundation on which the local opera sector will be activated in the future, and serves as an important foundation for balanced development in the performing arts sector.

SNS를 활용한 교육콘텐츠는 시청각을 통해 정보를 전달하고 PC뿐 아니라 모바일에서도 궁금한 정보 나 내용이 검색 가능하다는 점에서 학습적 효과가 있다. 본 연구자는 그 중에서도 가장 대중적인 인기를 얻고 있는 유튜브 콘텐츠가시청자와 학습자들에게 어떠한 영향을 미치는지에 대해서 연구하고자 한다. 이는 연기교육 유튜브 콘텐츠를 일반인들도 시청하기에 적절하도록 하며, 학습자에게 학습동기와 흥미 를 유발시키고 더 나은 유비쿼터스적인 환경을 제공한다. 본 연구는 다음의 문제점을 제시한다. 1. 유튜 브에서 제공하는 연기교육콘텐츠의 수용시기와 현황은 어떠한가? 2. 유튜브에서 제공하는 연기교육콘텐 츠의 내용과 구성적 특징은 어떠한가? 3. 교수자와 학습자의 소통 방식은 어떠하며, 교육적 효과가 있는 가? 그에 따른 연구 방법은 다음과 같다. 높은 조회수와 구독자수, 연기교육 내용, 교수자 -학습자의 관 계성을 보여주는 유튜브 3개 채널에 게시된 약 347개 영상이 연구대상이 되어 분석하였다. 분석 기준은 연기교육 영상 콘텐츠의 ‘제작의도', ‘콘텐츠가 다루는 주요 내용’, ‘구성 및 특성', ‘교수자_학습자와의 소 통방식’ 등을 중심으로 연구를 실시하고자 한다. 교수설계 평가표에 의해 각 콘텐츠의 적절성, 편리성, 상호작용성, 영상의 디자인 및 기술적 효과, 명확성, 창의성, 전문성 등의 평가문항을 제시하였다. 학습자 의 성공적인 자기주도 학습을 이끌어 나가기 위한 적절하고 체계적인 학습과정이 제시되었는지, 교수자 와 학습자간의 신속하고 정확한 피드백이 이루어졌는가 등에 중점을 두고 분석하였다. 유튜브에서의 연 기교육 콘텐츠는 점점 늘어나고 있으며, 관심도도 함께 높아지고 있다. 그것이 과연 연기학습 자료로서 어떠한 내용을 다루고 있는지와 학습자와의 소통 방식, 특징 등을 분석하여 앞으로 지속가능성이 있는지 를 밝히는 연구가 될 것이다.

Education contents using SNS have a learning effect in that they can deliver information through audiovisual viewing and search for information or contents that they are curious about not only on PCs but also on mobile devices. This study will study how YouTube content, which is the most popular among acting education content using SNS, affects viewers and learners. This makes acting education YouTube content appropriate for the general public to watch as well, arousing learners with learning motivations and interests and providing a better ubiquitous environment. 1. What is the timing and current status of acting education content provided on YouTube? 2. What are the contents and composition features of acting education content offered on YouTube? 3. What is the mode of communication between professors and learners and has educational effect? Research methods for the three research problems are as follows. About 347 videos posted on three YouTube channels showing the high number of viewers, subscribers, acting education content and the relationship between professors and learners were studied. The analysis criteria are to be focused on ‘production intent’ of the video content of the acting education, ‘main contents handled by the contents’, ‘configuration and characteristics’ and ‘how to communicate with professors_learners’. The professor design assessment table presented assessment questions such as appropriateness, convenience, interactivity, design and technical effects of images, clarity, creativity and expertise of each content. The emphasis was placed on whether appropriate and systematic learning processes were presented to lead to successful self-directed learning by learners, and whether quick and accurate feedback was made between professors and learners. The content of acting education on YouTube is growing, and attention is growing as well. What it covers as acting learning materials, characteristics, and communication with learners. It will be a study to determine whether there is sustainability in the future by analyzing expressions and others.

지역축제가 지속적으로 성장하고 지역사회의 브랜드로 자리매김하기 위해서는 관람객 만족이 매우 중요하다. 축제방문에 만족한 관람객은 지속적인 방문과 구전으로 축제를 발전시켜 지역경제를 활성화 시키고 더욱 가치 있는 축제로 발전시킬 가능성이 크다. 그러므로 축제현장을 관람하는 관람객 중심으로 축제현장을 바라보고, 관람객들의 만족을 고려한 동선에 관한 연구는 큰 의미가 있다고 본다. 성공적인 축제는 관람객의 만족을 통해서 가능하다. 관람객은 축제 콘텐츠에서 만족감의 대상을 발견하지만, 해당 콘텐츠를 구현하는 방법에도 관심을 둔다. 축제의 성공은 스토리텔링과 내러티브를 통한 공간의 재구성 과 그것을 통한 관람객 동선의 참신성에서 발견될 수 있다. 본 연구에서는 건축물과 같이 폐쇄된 실내공 간에 한정된 동선연구가 광장과 같이 개방된 축제공간에서도 적용이 가능하다는 것을 보여주고자 한다. 실내 공간 중심의 관람객 동선연구 중에서 중심공간의 발견, 사인 시스템을 통한 동선의 유도, 길 찾기 이론에 의한 동선유도장치의 개발, 그리고 관람동선의 분류 등을 축제공간의 동선에 적용하였다. 본 연 구에서는 축제의 공간을 스토리텔링에 맞춰서 엄격하게 분할하고 중심공간을 통해 이어지는 다양한 주 변공간의 설계 방안을 제안하였다. 그리고 공간과 공간을 연결하는 적절한 사인 시스템을 활용하여 안내 -유도-정점 순서로 목표 공간을 찾기 쉽게 하고, 각각의 공간으로 관람객을 분산시키는 방법을 제시하였 다. 마지막으로 스토리와 내러티브가 있는 다양한 동선을 통해서 매년 동일한 콘텐츠라 할지라도 새로운 공간경험을 가능하게 할 수 있음을 확인하였다. 그러므로 축제공간의 설계에서 축제 관람객 동선연구가 활용되어야 할 것이다. 따라서 이 연구는 축제의 다양한 이론들을 심도 있게 살펴보고, 축제를 준비하는 입장에 있는 모든 사람들이 축제의 준비과정에서 공간분할, 동선유도장치, 스토리와 내러티브에 대한 중 요성과 준비과정에 대한 정보를 제공하는데 중점을 둔다.

Visitor satisfaction is very important for local festivals to continue to grow and to become a local brand. Visitors who are satisfied with the festival are more likely to revitalize the local economy and develop more valuable festivals through continuous visits and word-of-mouth. Therefore, it is important to look at the festival site centered on the audience who visit there and to study the visitor’s movement considering their satisfaction. Successful festivals are possible through the satisfaction of visitors. Visitors find the object of satisfaction in the festival contents, but they are also interested in how to implement the content. The success of the festival can be found in the reconstruction of space through storytelling and narrative, and the novelty of the audience's movement. The purpose of this study is to show that the study of visitor’s movement limited to indoor spaces such as buildings can be applied to open festival spaces such as plazas. Among the researches on the movement of spectators in the indoor space, the discovery of the central space, the derivation of the movement through the sign system, the development of the induction system using the path finding theory, and the categorization of the view line were applied to the movement of the festival space. In this study, the space of the festival is strictly divided according to the storytelling, and various design schemes for the surrounding spaces are proposed. Also, by using the appropriate sign system connecting the space and the space, it was easy to find the target space in the order of guide-induced-vertex and presented the method of distributing the audience to each space. Lastly, it was confirmed that through the various lines with stories and narratives, new spatial experiences can be made possible even with the same contents every year. Therefore, it is necessary to use festival visitors' movement research in the design of festival spaces.

형초 지역 관련 악무의 고대문헌자료와 민간유풍활동 등의 연구에 관한 형초 악무의 미학적 특징, 동 작특징, 양식(스타일)의 특징을 추출하고 형초 악무 문화 역사를 발굴하고 악무의 양식과 특성을 정리하 며 지역문화악무의 심층 비교연구에서 미학적 특징을 총결산하였다. 중국고대궁정악무의 배경 밎 형성기 원과 그 시대를 문헌자료와 민속채집, 관찰 그리고 정리를 통해 정리하고 이를 통해 오늘날 초지의 춤에 서 고대 초무의 심미적인 교차 공통성의 미를 연구하였다 초 문화는 다민족, 다 지역 등, 다문화적 혼합 체이다 그러한 상황에서 초무는 자연스럽게 독특한 예술적 특징을 가지게 되었다. 이 특징들은 크게 세 가지로 요약 할 수 있는데, 바로 소박한 춤 스타일, 가볍고 부드러운 춤태, 그리고 열광적인 감정이다. 초 무문화는 후세의 무용예술발전에 깊은 영향을 주었으며 그 범위 또한 크다 초무 문화의 연구는 중화민족 고대무용 신미의 원천 중 하나를 탐구하는 일이며 초무의 신미근원을 알게 되는 것이며 나아가 초문화의 독특한 기질을 발굴하는 기회가 되었다. 본 연구는 벽화, 암석화 및 소수민족의 가 악 무에서 발견된 직 접적인 시각적 자료와 후베이지역 소수민족의 생활 풍습가운데 초지문화의 신미성, 벽화 암석화에 나타 나있는 민족 초무에 전승되어 남아있고 계속 진행되고 있는 문화의 관찰과 학습을 통해 자료를 채집하였 다. 서적, 논문 등을 통해 선행 연구된 자료를 통해 초무의 예술적인 특색과 주로 현존하는 민간 가무를 중심으로 오늘날 초지의 춤에서 고대 초무의 심미적인 교차 공통성의 미를 연구하였다. 이에 본 연구에 서 종적, 횡적 교차점에 집중하여 전통문화 계승에서의 초무 심미 문화의 근본을 찾아보고자 한다. 이를 통해 중국무용교육 및 무대공연발전의 기반으로 활용하며 중국의 우수한 전통무용문화를 계승, 발전시키 는데 그 목적이 있다.

The aesthetic characteristics of the Hyangchu music and dance were extracted, and the characteristics of the aesthetic characteristics, movement characteristics, and style were extracted, and the culture history of Hyangchu music and dance was discovered, the style and characteristics of the music were summarized, and the aesthetic characteristics were calculated in the in-depth comparative study of the local cultural music. These features can be summarized in three major categories: simple dance style, light and soft movement, and enthusiastic emotion. Chu dance culture had a profound influence on the development of later dance art and its scope was also large. Research on Chu dance culture was to explore one of the sources of ancient Chinese dance aesthetics, to learn the origin of Chu dance new beauty, and to further discover the unique temperament of Chu dance culture. Not only is Chu Dance endowed with the euphemistic and flowing artistic beauty and the characteristic of romantic reverie, but it is even also provided with the witchcraft color of excitement, simplicity, enthusiasm and fanaticism. The important position of Chu Dance in the history of the ancient Chinese dance is established due to the open and compatible blending mechanism. It is also a miracle in the history of the ancient dance. It plays a profound role in the development of dance in later generations. Through the research and discussion on Chu Dance, it is possible to appreciate the great charm of the music and dance art of the Chu nationality. More importantly, it can provide an important reference for the construction on the contemporary classical dance in China.

청주는 교육, 문화의 도시에서 영상문화도시로서 중심에 서 있다. 청주영상위원회 자료에 따르면 2019 년을 기준으로 약 53편의 상업 영화와 드라마가 청주에서 촬영되고 있다. 청주시민이라면 누구나 도로 주변에 붙어 있는 촬영협조 현수막을 볼 수 있을 것이다. 극장과 TV에서 보는 영화와 드라마가 청주에서 촬영되는 것은 반가운 일이 아닐 수 없으며 그만큼 청주가 지역적으로 자연적으로 매력적인 도시라는 게 증명된 것이라고 볼 수 있다. 한국예총 충청북도연합회에서 1959년부터 매년 “예술의 생활화 생활의 예 술화”라는 주제에 부합해 충북예술제가 운영되고 있다. 충북예술제는 충북예총을 포함한 청주, 충주, 제 천, 영동, 음성, 옥천, 증평, 괴산, 단 양, 진천 총 10개의 예총과 건축가협회, 국악협회, 무용협회, 문인협 회, 미술협회, 사진작가 협회, 연극협회, 연예예술협회, 영화인협회, 음악협회 10개의 협회가 협력하여 운 영하고 있다. 충청북도는 문화예술의 발전을 위해 다양한 문화예술 사업에 예산을 지원하고 있다. 지역 주민의 문화향유를 위해 지역축제, 생활문화예술동아리 그리고 다양한 예술 장르를 지원하고 있는데 <충 북세계가족영화제>는 충북예술제에 충청북도가 지원하는 예산의 일부를 지원받아 청주에서 운영되는 지 역영화제이다. 2017년 제1회 영화제 개최를 시작으로 2020년 제4회 영화제를 준비하고 있다. <충북세계 가족영화제>는 청주시에서 활동하는 영화인을 중심으로 활동하고 있는 한국영화인협회 충북지부 회원 및 청주대학교 영화학과가 주체적으로 운영하고 있다. <충북세계가족영화제> 기획 및 성과로 지역영화 제가 지역주민의 문화예술 향유를 위해 나아갈 방향에 대해 살펴보고 지역문화예술 발전을 위한 지역영 화제의 역할에 대해 알아보고자 한다.

Cheongju stands at the center as a video and cultural city in the city of education and culture. according to data from the Cheongju Film Commission, About 53 commercial films and dramas are being filmed in Cheongju as of 2019. Anyone in Cheongju will be able to see a banner of cooperation for filming, which is attached around the road. It is a good thing that movies and dramas on theaters and TV are filmed in Cheongju, which proves that Cheongju is a naturally and regionally attractive city. Chungcheongbuk-do is funding various cultural and art projects for the development of culture and art. It supports local festivals, life, culture and arts clubs and various arts genres to promote the culture of local residents. And The Chungbuk World Family Film Festival is a local film festival run in Cheongju with part of the Chungcheongbuk-do-funded budget for the Chungbuk Arts Festival. Starting with hosting the first film festival in 2017, it is preparing for the fourth film festival in 2020. The Chungbuk World Family Film Festival is run by members of Chungbuk branch of the Korean Filmmakers Association and Cheongju University's Department of Film. Chungcheongbukdo of the Korean Filmmakers Association is providing members with the production costs needed for filmmaking through a pre-production support project after receiving support from a local cultural foundation and a regional video committee to help movies be produced in Chungcheongbuk-do. Films produced through a pre-production funding project will be shown at the Chungbuk World Family Film Festival. With the planning and achievements of the Chungbuk World Family Film Festival, we will research the direction that local film festivals move toward the cultural and artistic enjoyment of local residents and learn about the role of local film festivals for the development of local culture and arts.

본 연구에서는 국민 모두가 어떤 이슈는 고려하면서 다른 것은 고려하지 않는가 하는 것을 이해하려 는데 목적을 두고 있다. 처음 아시아권에서 한류열풍이 불었을 때 국민들은 자랑스러웠다. 그 전에는 영 미권이나 일본을 따라가기 바쁜 한국이었는데 이제는 한국이 아시아권에서 큰 영향력을 보이고 있다. 최 근에는 K-POP이 유럽까지 진출했다는 소식이 중요 뉴스로 떠오르면서 그에 따른 다큐멘터리도 방영 되 면서 직접 그 현장에 찾아가 인터뷰를 하는 장면까지 여러 매체를 통해 우리 눈에 보이게 되었다. ‘유럽 에서는 한류열풍이 통하지 않는 구나’라는 생각은 단숨에 깨지고 국민들은 K-POP을 응원하고 지지했다. 그러나 반대로 한류를 반대하고 좋지 않은 시선으로 보는 ‘혐한류’가 등장해 뉴스를 타기 시작했다. 우리 는 ‘혐한류는 과연 무엇이고 왜 생겨나게 되었을까? 그렇다면 개선할 수 있는 방법은 무엇일까?’ 본 연구 는 정책의 창(policy window) 모형을 통해 어떻게 K-POP을 지속시키고 성장시켜 국가의 브랜드로 자리매 김 하기 위해서 정부, 기업, 개인 즉 국민 모두가 어떤 이슈는 고려하고 다른 것은 고려하지 않는가 하는 것을 이해하려는데 목적을 두고 고찰하였다. K-POP은 문화관련 산업 중 하나로 국가에 많은 도움이 되 고 있다. 이에 정부에서 K-POP으로 인한 수익성 등을 고려해 K-POP을 더욱 발전시키기 위해 K-POP과 같은 문화관련 산업 발전에 걸림돌이 되는 규제를 개선하고 있다. 또한 법과 시행령의 개선, 대중문화예 술인을 지원하기 위한 체계적인 지원시스템 마련, 대중문화예술 진흥과 위상 제고를 위한 민·관 공동의 협력체제 구축 등이 있다. 앞으로 정부는 대중문화예술 발전을 위해 다양한 복지제도를 마련해야 하며, 대중문화예술 발전에 힘써 K-POP을 더욱 발전시켜야 한다. 한 국가의 창조혁신력 및 과학 기술력은 IT 기반의 현대 사회에서 중요한 요인이다. 현대사회에서 이와 같은 능력은 다양한 컨텐츠의 개발에 있어서 매우 중요한 변화의 원동력이 될 수 있을 것이다.

This study outlines what should be considered and not in the diffusion of K-POP. In fact, the people in Korea were genuinely excited and proud of such Korean Wave boom, but frequent negative articles and news about “Aversive Korean Wave” raised concerns. So what is “Aversive Korean Wave” and why did it came about? What can we do about this? This study analyzes how the government, enterprises and individuals can contribute to the prolonged growth of K-POP and how it can be placed as a national brand. There are many ways in which we can take K-POP to the next level. It could be through public-private dialogues such as the government meeting with You Tube Korea, or it could be a specific system that can be materialized. It may be the enterprise investing heavily in creating valuable contents, or at the individual level supporting the K-POP via boycotting illegal down loads. Creation science and technology innovative ability of a country is an important factor in modern society. In particular, this ability in IT society is becoming major driving forces behind the changes in the development of various content. It is a important reality in the area of the country and administrative systems of the various training courses that meet important changes.

2016년 1월 스위스 다보스 세계경제포럼(WEF, World Economic Forum) 에서 처음 언급된 4차 산업혁 명은 사회변혁을 예고하고 있으며 다양한 분야에서 이러한 과정들이 진행이 되고 있다. 세계경제포럼에 서 발간된 보고서인 ‘일자리의 미래(The Future of Jobs)’에서는 2020년까지 인공지능, 로봇, 사물인터넷, 등의 혁신적인 기술로 인해 710만 개의 일자리가 사라지는 대신 210만 개의 새로운 일자리가 생길 것이 라고 한다. 이와 같이 4차 산업혁명은 일자리의 종류와 숫자까지 언급되고 있으며 우리들의 삶의 질도 바뀔 것으로 예상이 되고 있다. 4차 산업혁명이 예술분야에 주는 변화가 긍정 또는 부정적인지에 대한 논쟁도 있지만 거스를 수 없는 대세라는 점에서는 이론의 여지가 없으며 4차 산업혁명으로 인한 변화에 어떻게 적응할 것인가가 중요한 문제로 남는다. 기술의 발전은 예술을 기계화 하려 하고 있지만 예술은 기계 시대 인간의 존속을 유지시키는 대안이기도 하다. 감성과 직관에 의한 창의적 활동이 작품으로 표 현되는 예술이야말로 4차 산업혁명시대에 우리가 추구해야 할 가치 중에 하나이기 때문이다. 오늘날 우 리는 세계경제포럼(WEF) 회장인 클라우스 슈밥(Klaus Schwab)이 “인간에게서 심장과 영혼을 앗아가고 인류를 로봇으로 만들어 버릴 수 있는 위험을 안고 있다”고 얘기한다. 우리는 기술혁명의 소용돌이 속에 있다. 변화를 슬기롭게 수용하고 새로운 예술콘텐츠로 문화부흥(Culture Renaissance)을 일으킬 수 있도 록 시대 변화에 대응하는 방안을 고민해야 할 시점이다. 본 연구는 최근 화두가 되고 있는 4차 산업혁명 시대를 맞아 기술 환경의 변화를 중심으로 현재 진행되고 있는 문화예술 트렌드의 변화와 공연예술 콘텐 츠의 생산과 소비, 유통구조의 변화 양상과 함께 예술과 기술이 결합한 융·복합 공연 사례를 살펴본 다 음 급변하는 문화예술 환경에 대응하기 위한 방안을 모색하는 데 목적이 있다.

The Fourth Industrial Revolution, first mentioned at the World Economic Forum in Davos, Switzerland in January 2016, foreshadows social change, and these processes are taking place in various fields. In The Future of Jobs, a report published by the World Economic Forum, 2.1 million new jobs will be eliminated by 2020 due to innovative technologies such as artificial intelligence, robots, the Internet of Things, etc. It is said to occur. As such, the Fourth Industrial Revolution mentions the types and numbers of jobs and is expected to change our quality of life. Although there is debate about whether the Fourth Industrial Revolution is a positive or negative change in the arts, there is no debate in that it is irrefutable and how to adapt to the changes caused by the Fourth Industrial Revolution remains an important issue. The advancement of technology seeks to mechanize art, but it is also an alternative to maintaining human existence in the machine age. This is because art in which emotion and intuition's creative activities are expressed as works is one of the values we must pursue in the Fourth Industrial Revolution. Today we are in the whirlpool of a technological revolution that Klaus Schwab, president of the World Economic Forum, said, “They are taking the risk of taking heart and soul from humans and making humans robots.”. It is time to think about how to respond to the changes of the times so that we can accept change wisely and induce cultural renaissance with new art contents.

중국 영화산업 진출에 있어서는 중국 관객들의 선호 콘텐츠를 알고 그의 차이를 우선적으로 해결하는 것이 절실하며 국제적 합작 영화산업의 메카로서 우리나라가 나아가야 할 방향을 설정하는 데 필수적인 요소라고 할 수 있다. 하지만 이는 한국 영화 콘텐츠의 특성이 개별 국가의 관객층에 선호도에 대해서 분석하기는 어렵다는 점이 한계로 작용한다. 따라서 이에 대한 전략의 첫 단계로 중국 영화산업과 영화 정책, 영화문화에 대한 전반적인 정보 수집이다. 위에서 언급한 콘텐츠 기획의 어려움에 대한 문제를 해 결하기 위한 정보 수집이다. 중화권 관객들에 대한 문화 콘텐츠 등의 선호도 조사와 중화권의 영화의 기 획, 제작, 후반 작업, 마케팅, 배급 등의 제작 전반적인 과정에 따라 상세한 정도가 필요하다. 즉 중국 관 객에 대한 문화적 이해 중국 정부의 영화 정책에 대한 기본적이 지식이 바탕이 있어야 할 것이다. 중국 은 우리나라와 매우 인접해 있고 같은 한자 문화권이지만 문화적, 역사적 배경이 크게 다르며 관람객의 기호가 서로 크게 다르기 때문에 중국 관람객에 대한 자료 수집으로 중국 지장에 맞는 콘텐츠를 기획할 수 있을 것이다. 특히 한국의 역사와 특수성을 강조하는 지역성이 드러나는 콘텐츠는 중국 관람객에게 장벽으로 작용할 수 있다. 이러한 지역적 특수성은 사전에 배경에 대한 지식이 있어야하므로 다른 나라 의 관객의 호응을 얻어내기는 매우 어렵다. 이러한 점을 잘 인지하고 소재를 선정하여 제작을 추진한다 면 흥행 실패의 위험을 크게 줄일 수 있으며 앞으로는 더욱더 많은 교류의 기회와 합작 작품이 탄생될 수 있을 것이다. 또한 중국과의 이러한 교류의 경험을 바탕으로 세계의 더 많은 영화 시장에 우리나라 영화가 진출할 수 있는 기회를 얻을 수 있을 것으로 본다.

In the twenty-first century globalization, the boundaries between nations are being broken down and wider exchanges in various fields of culture are increasing. In particular, the film business including dual films is an area where culture-related technologies are concentrated, and the range of exchange is gradually increasing. The Korean film market has made great strides based on the technological prowess of the market economy. With the long market economic development of the Korean film market, there is a specialized and technical accumulation. Movies are trying to produce financial resources that can be put out of the domestic production market of each country and put into global international film production business, which is aimed at the film industry of all countries. At this time, Korea should first promote international joint film production projects with more countries, starting with China, and foster the film industry, which is the center of the new 4th Industrial Revolution. However, Korea and China faced various difficulties in the filmmaking process due to differences in policy and historical and cultural background. Therefore, it is urgent to resolve this first in the Chinese film industry, and it is an essential element to set the direction of Korea as a mecca of the international joint film industry. The first step in this strategy is to gather general information about the Chinese film industry, film policy, and film culture. As a concrete strategy, it is necessary to approach general materials and narrative-oriented stories rather than local materials in cultural representation. If you are aware of these issues and select materials, you can greatly reduce the risk of box office failure, and in the future, more opportunities for exchange and joint works will be created. In addition, based on this experience of exchange with China, it is expected that Korean films will have the opportunity to enter the world's more film market.