Earticle

본 연구는 최신 기술과 융합된 현대 공연에서 배우의 목소리에 내재한 실재성을 탐구함으로써, 현존의 지각 과정을 배우 목소리의 관점으로 바라보고자 한다. 그리하여 서사의 전달체로서 역할 하는 목소리가 아닌, 실재하는 에너지로서 배우의 목소리가 현존을 지각시키는 요소로서 기능하는 가능성에 관한 탐구를 목적으로 두었다. 최신 기술과 융합된 사운드 이머시브(sound immersive) 공연은 더 이상 ‘보는’ 것이 아니라 청각적 자극을 통한 ‘듣는’ 것으로 옮겨갔다. 시각적 차원의 공연 예술이 청각적 차원으로 이동하며 관객의 수용미학적 관점은 배우의 목소리가 지닌 새로운 가능성에 재조명한다. 배우 목소리의 실재성은 발화하는 주체의 존재를 청자에게 지각시키며, 배우와 관객과의 상호 관계를 생산한다. 몸을 통해 발화하여 청각기관을 지닌 관객의 몸으로 인식되고, 배우의 몸과 관객의 몸을 연결하는 매개로서 작용하는 것이다. 인지신경학적인 관점에서 현존은 단순한 시공간의 근접함에 영향을 받는 것이 아니라 이로 인한 ‘상호 관계’의 형성과 그들만의 ‘공유된 순간’을 통해 이뤄진다는 것을 밝혔다. ‘다크필드(Darkfield)’의 <고스트 쉽(Séance)>에 등장하는 ‘영매’는 관객에게 가까이 다가가 귓속말하고, 관객의 호흡 속도를 조절하며 대답을 끌어낸다. 영매의 목소리는 관객의 생리학적 반응에 영향을 미치고 그들만의 ‘공유된 순간’을 형성하여 관객으로 하여금 배우의 현존을 지각시킨다. 그리하여 배우의 신체가 존재하므로 관객이 지각하는 배우의 현존과 같이 배우의 목소리를 통해서 관객이 배우의 현존을 지각하는 과정을 탐구할 뿐만 아니라 배우가 무대 위에 존재하지 않는 현대 공연에서 배우의 목소리는 기의로서의 역할을 넘어서 부재하는 배우의 존재를 관객에게 지각시키는 실재하는 에너지로서 기능하는 배우 목소리의 가능성을 재조명시키고자 한다.

This study aimed to explore the inherent sense of existence conveyed through actors’ voices within contemporary performances integrated with the latest technology, examining the process perceiving presence from the viewpoint of the actors’ voices themselves. The objective was to investigate the potential for actors’ voices serving as tangible energy that facilitates the perception of presence. Sound immersive performances integrated with the latest technology no longer emphasize ‘seeing.’ Rather, they transition towards ‘listening’ through auditory stimulation, shedding new light on the potentials of actors’ voices. The existence of actors’ voices enables listeners to perceive the speaker’s being, thereby fostering a mutual relationship between the actors and the audience. From a cognitive neuroscience perspective, it was revealed that existence is not solely influenced by temporal and spatial proximity but is also shaped by the formation of ‘mutual relationships’ and the ‘shared moments’ they cultivate. In Darkfield's Séance, the ‘medium’ interacts with each audience member, whispering closely and engaging in conversation. The medium's voice influences the physiological responses of the audience, creating ‘shared moments’ and facilitating the audience’s perception of the actor’s existence. Therefore, this study will reassess the potential of actors’ voices as tangible energy within contemporary performances integrated with digital technology, enabling the audience to perceive the actors’ existence despite their absence on stage. This study is an exploration of the reality inherent in the actor's voice in the existing perception process, and attempts to look at the existing perception process from the perspective of the actor's voice. Therefore, since the actor's body exists, the process by which the audience perceives the actor's presence through the actor's voice is examined. In other words, it is to re-examine the possibility of an actor's voice that functions as energy to perceive an absent character, not a voice as a means of conveying a narrative.

본 연구는 동시대 공연예술에서 그 어떤 요소보다도 중요성의 측면에서 우위를 차지하는 관객에 관하여 고찰하는 연구로서 특히 아방가르드 연극 운동의 두 갈래를 중심으로 논의를 전개하였다. 이에 따라 본 연구자는 아방가르드 시대의 주요 사건 및 연출가를 중심으로 관객의 다양한 성격과 역할이 과거에서부터 지금까지 변화, 형성된 원인을 찾고자 한다. 즉, 연극의 기원에서부터 현대 공연예술에 이르기까지 관객성이 어떤 양상으로 계승을 이어오고 어떠한 이유로 어떻게 변화해 왔는지를 확인해 보는 것이 본 연구의 목적이다. 아방가르드 연극 운동은 2500년 이상의 연극사에 있어 가장 급진적인 변화를 보였던 시기라고 할 수 있을 만큼 영향력이 크다. 아방가르드 연극 운동은 발생 시기와 성격에 따라 역사적 아방가르드 운동 시대와 네오 아방가르드 운동 시대로 나뉜다. 본 연구는 관객성의 계승 양상과 그 변화 과정에 있어 역사적 아방가르드 운동이 지대한 영향을 주었고, 동시대 공연예술의 풍경이 되기까지 네오 아방가르드 연극 시대가 견인한 바가 매우 컸다는 사실을 확인하는 과정이라고 할 수 있다. 역사적 아방가르드 연극 운동 중에서도 미래주의와 다다이즘과 같은 예술의 흐름 시기에 관객성은 비약적인 변화가 있었다. 모든 역사적 아방가르드 연극 운동이 어떤 방식으로든 관객성에 영향을 끼쳤지만, 특히 미래주의와 다다이즘은 작품으로서는 예측 불가능성이라는 새로움에 도전할 수 있게 했다. 이는 실제로도 예술과 삶의 경계를 무너뜨림을 의미하며 관객성 변화에 직접적인 영향을 끼쳤을 것이라고 예측된다. 또한, 네오 아방가르드 연극 시대의 연출가인 리차드 셰크너(Richard Schechner, 1934-)가 이미 관객을 창조자의 개념으로 삼아 1960년대부터 관객을 무대 위로 끌어들이는 작품활동을 전개했다는 점이 본 연구에서 주장하는 바이다. 그 이유는 네오 아방가르드 연극 시대의 연출가나 창작집단중에서도 셰크너의 퍼포먼스 그룹만큼 관객의 위치를 우위에 둔 단체는 없었기 때문이다.

This study examines the spectator, which is of greater importance than any other factor in contemporary performing arts, focusing particularly on two branches of the avant-garde theatre movements. Accordingly, the researcher investigated the major events and producers of the avant-garde period to understand how the characteristics and roles of spectators have evolved and been shaped over time. The purpose of this study is to trace the development and transformation of spectatorship from the origins of theatre to contemporary performing arts and to examine the reasons for these changes. The avant-garde theatre movements represented the most radical change, exerting a significant influence over 2500 years of theatre history. They are divided into the historical avant-garde movement and the neo-avant-garde movement, classified according to the period and nature of their emergence. This study aims to demonstrate that the historical avant-garde had a considerable impact on the modalities and transition process of spectatorship, and that the neo-avant-garde theatre era played a crucial role in this evolution. The researcher focuses on the dramatic changes in spectatorship during the era of Futurism and Dadaism in the historical avant-garde movement. All the historical avant-garde movements have influenced spectatorship in some way, Futurism and Dadaism in particular challenged the novelty of unpredictability as a form of artistic expression. This effectively shattered the boundaries between art and life, thus predicted to have a direct impact on the transformation of spectatorship. Moreover, this study argues that Richard Schechner(1934- ), a director of the neo-avant-garde movement, has already positioned the spectator as creators and has been engaging in artistic activities since the 1960s to draw the spectator onto the stage. These findings lead the researcher to conclude that these diverse avant-garde theatre experiments played a pivotal role in the succession and transformation of spectatorship, contributing to the formation of trends in contemporary performing arts.

공주 연극은 1990년대 초부터 수도권 중심의 기성 연극을 탈피하고 지역 연극의 고유성을 반영한 지역문화 운동으로 확산하면서 연극의 탈중앙화, 지역 분산 양상을 보였다. 더 나아가 도시화를 통한 지역 고유의 향토성이 부각되면서 연극 소재로 역사, 설화, 인물들을 발굴하는 단초가 되었다. 특히 공주 연극은 백제 시대의 문화적 유산의 근거지로 문화적 사료가 확인되었으며 대표적으로 백제기악 탈놀이가 고증을 통해 유래되고 있다. 역사적 근거를 통해 형성된 탈춤은 세부적으로 공주의 예술가들을 통해 연극성을 통해 배가되었으며 고유성을 통한 다양한 공연들이 펼쳐지고 있다. 특히 극단‘젊은 무대’는 공연 실연을 통해 백제의 역사성을 통한 작품들을 무대화하였으며 이를 통한 극단의 조직화는 연극제를 개최하는 계기가 되었다. 지역만이 고유한 문화와 스토리가 반영된 연극제는 지자체와 협력하여 지역문화 예술 활성화에 기여하고 공주라는 관광도시 활성화에 기여하는 바가 크다. 또한 연극제가 언어성에 국한되지 않고 다른 장르와의 다원적 실험을 통해 독창적 연극제로 창조되어야 할 것이다. 특히 지역 연극이 연극제에 기대어 관객의 눈높이를 외면하고 실험적 형태의 연극을 외면하는 것은 연극이 내포하고 있는 예술 생리학적 접근 방식에도 위배 된다. 지역의 설화나 역사성을 대두로 형성된 제1회 고마나루 향토연극제는 향토라는 슬로건으로 출발하였으며 이후 향토라는 언어적 한계성을 극복하기 위해 고마나루연극제로 변경하였으며 현재 고마나루국제연극제로 외향적 발전을 꾀하였다. 본고는 백제의 유산을 통한 발전한 공주 연극의 역사성을 규명하고 지역의 향토성을 계승한다는 목적으로 설립된 연극제의 변천 과정을 연구하여 미래 연극제로 발돋음하기 위한 대안을 제시하고자 한다. 더불어 선행연구로 공주 연극의 발전과정을 규명하고 연극제에 참여한 제1회~20회까지 극단 작품을 분석하였으며 지역 연극제의 문제점과 방향성을 연구하였다.

Since the early 1990s, the Gongju Theatre has emerged as a regional cultural movement reflecting the uniqueness of regional theater, resulting in the decentralization and regional decentralization of theater. In addition, urbanization has brought to light the unique regional characteristics of the region, which has led to the discovery of history, folklore, and characters as material for theater. In particular, Himeyu is regarded as a base of cultural heritage in the Baekje period, and the representative Baekje Lu Tarnori is derived from historical evidence. Born from a historical background, the masked dance is a unique production that enhances the theatricality of the princess artist to the smallest detail. In particular, the theater company "Young Stage” staged works through the historicity of Baekje through performances, and the organization of the theater company through this was an opportunity to form a theater festival. Theater festivals, which reflect the unique culture and stories of the region, contribute to the revitalization of local culture and art in cooperation with local governments, and contribute greatly to the revitalization of the tourist city of Gongju.In addition, theater festivals should be created not only in linguistics, but also as unique theater festivals through pluralistic experiments with other genres. In particular, the inclination of regional theater toward theater festivals and the neglect of the audience's point of view and experimental theatrical forms is contrary to the artistic physiological approach of theater. Starting with the slogan "Hometown”, it was later changed to "Gomamaru Theater Festival” after overcoming the linguistic limitation of "gokanaru”, and now it is the "1st Komanaru Local Theater Festival” formed as the Gomanaru International Theater Festival, based on local folklore and history. This paper explores the historicity of the Hime Theater that developed through the heritage of Baekje, studies the transformation process of the theater festival, which was established for the purpose of inheriting the regional character of the region, and proposes an alternative to develop it into a future theater festival.

연극에서 배우의 목소리는 캐릭터를 만들 때 중요한 창구다, 그리고 시각적 연기가 관객에게 미적 즐거움을 주는 동시에 관객에게 의미있는 청각적 쾌감을 제공한다는 것이다. 이와 동시에 캐릭터마다 나이, 성격, 생활경력, 직업 등에 따라 캐릭터 특유의 목소리 이미지가 결정된다. 중국 연극 공연에서 캐릭터의 연기와 연출에 관한 연구는 학계에서 지속적으로 연구되고 있다. 하지만 캐릭터의 목소리 이미지 창조에 대한 다양한 연구는 상대적으로 미약하다. 기존의 선행논의 중 중국의 연극연구는 공연 예술 연구, 특히 연극의 역사, 공연 예술 이론 및 배우의 공연 기술에 대한 많은 연구 결과가 대다수다. 연구의 주요 결과는 다음과 같다. 첫째, 연극공연의 캐릭터 목소리 창조에서 무대에서 모든 캐릭터의 탄생은 배우의 심리적 활동, 신체 움직임, 목소리 상태 및 기타 측면을 형성하는 체계적이고 복잡한 창작 과정을 거친다. 그 중 배우의 목소리는 공연예술의 창작 도구로서 캐릭터를 만드는 과정에서 매우 중요하다. 둘째, 목소리로 대사의 매력에서 배우들은 목소리를 최대한 활용하여 감정 표현을 풍부하게 할 수 있다. 그리고 배우는 정확한 발음과 또렷한 발음은 관객들에게 편안한 청각 경험을 선사해 캐릭터를 더욱 입체적으로 만들어 준다. 그러므로 악센트 정지의 운용에 유의해야 한다. 셋째. 좋은 연극공연 효과를 위해서 배우는 더 나은 공연 효과를 얻기 위해 관객이 잘 들을 수 있도록 발음이 분명하고 목소리가 크고, 집중력이 있어야 한다. 배우가 무대에서 연기할 때 관객은 한 각도에서만 볼 수 있다. 이는 관객이 잘 볼 수 있도록 배우의 동작 폭이 크고 과장된 것을 요구한다. 셋째. 소리와 신체 연기의 관계적 측면에서 소리의 톤, 리듬, 강도 및 멈춤과 같은 특성은 캐릭터의 심리 상태, 감정 변동 및 성격 특성을 반영할 수 있다. 넷째, 바디랭귀지는 배우는 바디랭귀지로 자신의 이미지를 더욱 풍성하게 만들며 캐릭터에 생명력을 부여하고 개성 있는 매력을 발산할 수 있다. 올바른 호흡 기술은 더 안정적이고 표현력 있는 사운드 출력을 지원할 뿐만 아니라 배우가 더 나은 신체 제어와 표현력 있는 동작을 수행하도록 도와준다.

In a play, the actor's voice is an important window when creating a character, and visual acting gives the audience aesthetic pleasure while providing meaningful auditory pleasure. At the same time, the voice image unique to the character is determined for each character according to age, personality, life experience, and occupation. The main results of the study are as follows. First, the birth of all characters on the stage in the voice creation of characters in a theater performance goes through a systematic and complex creative process that forms the actor's psychological activity, body movement, voice state, and other aspects. Among them, the actor's voice is very important in the process of creating characters as a creative tool of performing arts. Second, in the charm of dialogue with the voice, actors can make the most of their voices to enrich emotional expression. And the actor's accurate pronunciation and clear pronunciation make the character more three-dimensional by providing a comfortable auditory experience to the audience. Therefore, one should pay attention to the operation of accent stop. Third, for a good theater performance effect, the actor must have clear pronunciation, loud voice, and concentration so that the audience can hear well. When an actor acts on stage, the audience can only see it from one angle. This requires that the actor's movement width be large and exaggerated so that the audience can see well. Third, in terms of the relationship between sound and physical acting, characteristics such as tone, rhythm, intensity, and stopping of sound can reflect the character's psychological state, emotional fluctuations, and personality characteristics. Fourth, body language is an actor's body language that can enrich one's image, give life to the character, and give off unique charm. Correct breathing techniques not only support more stable and expressive sound output, but also help actors perform better body control and expressive movements.

함세덕은 그에게 찍힌 ‘월북작가’라는 타이틀과 친일이라는 색채를 풍기는 그의 작품들로 인해 당대 다른 작가들에 비해 연구가 활발히 이루어지지 않았다. 그러나 다른 작가들과 다른 눈에 띄는 행보를 보이는 것과 동시에 그의 작품에서 드러나는 차별점 또한 주목할 필요가 있다고 판단하여 그의 작품 <산허구리>를 살펴보고자 한다. <산허구리>를 바라볼 ‘비극성’이라는 개념은 그 기준이 명확하지 않기에 테리 이글턴의 비극론을 빌어 비극적 상황과 내면적 갈등, 비극적 의식의 발현이라는 관점에서 접근하였다. 이에 <산허구리>는 근대화의 물결에 휩싸여 고통받던 어촌 주민들의 고통을 바다라는 자연적 요소와 사회적 구조의 모순이라는 요소가 얽힌 시공간적 상황을 통해 묘사했음을 알 수 있었다. 나아가 그 안에서 살아가는 인물들의 내면적 갈등과 그에 부여된 비극적 결함에 의해 펼쳐지는 사건을 통해 비극적 양상을 드러내고 있음을 살펴보았다. 이것이 첫 번째 비극적 양상이라면 두 번째 양상은 처와 석이가 추구하는 삶에 대한 태도의 대비를 통해 마주한 상황 속에서 무너지는 것이 아닌 죽음과 고통에 의미를 부여하며 새로운 생명력을 추구하는 근대적 주체 의식을 드러내는 것이다. 이성과 개인적 자유를 추구하는 근대적인 주체는 비극성을 동반할 수밖에 없는데 이는 스스로 확신하기 위해 세계가 필요하지만, 확신 이후의 실현은 세계 속에서의 자기소외를 동반하기 때문이다. 이러한 점에서 함세덕의 <산허구리>는 근대적 주체가 동반하는 소외감과 앞서 언급한 변증법적 합리성을 기반으로 근대적 비극관에 대한 의식을 묘사하는 것이라 볼 수 있다. 이에 본 연구는 비극 이론의 전통적인 쟁점에 대해 반박하며 우리 시대에 적절한 새로운 비극 개념을 제시한 영국의 문학 이론가 테리 이글턴의 비극론을 빌어 <산허구리>를 바라보고자 한다. 이를 위해 우선 이글턴의 비극론에 대해 살펴본 후 이를 바탕으로 <산허구리>에서 드러나는 비극성의 양상을 파악해 볼 것이다. 또한, 작품분석에 대한 기준을 설정하기 위해 비극적 상황과 내면적 갈등, 비극적 의식의 발현이라는 두 가지 측면을 통해 접근하고자 한다.

Ham Se-deok's research was not actively conducted compared to other artists of his time due to the title of a ‘Writer Who defected to North Korea’ and his works that exude the color of pro-Japanese. However, I would like to examine his work <Sanheoguri>, judging that it is necessary to pay attention to the differences revealed in his work at the same time as showing a remarkable move different from other artists. The concept of ‘tragedy’ to look at <Sanheoguri> was approached from the perspective of tragic situations, inner conflicts, and expressions of tragic consciousness using Terry Eagleton's theory of tragedy because the standards were not clear. Therefore, it can be seen that <Sanheoguri> describes the suffering of fishing villages in the wave of modernization through a spatio-temporal situation in which the natural element of the sea and the contradiction of social structure are intertwined. Furthermore, it was examined that the tragic aspect was revealed through the events unfolding by the inner conflicts of the characters living in it and the tragic defects assigned to it. If this is the first tragic aspect, the second aspect reveals a modern subjective consciousness that pursues a new life force by giving meaning to death and pain rather than collapsing in the situation faced by contrasting the attitudes toward life pursued by his wife and son. The modern subject pursuing reason and personal freedom is bound to be accompanied by tragedy because the world is needed to be sure of itself, but realization after conviction is accompanied by self-alienation in the world. In this respect, Ham Se-deok's <Sanheoguri> can be seen as a description of the consciousness of the modern view of tragedy based on the sense of alienation accompanied by the modern subject and the dialectical rationality mentioned above. Therefore, this study aims to look at "Sanheoguri" using the tragedy theory of Terry Eagleton, a British literary theorist who refuted the traditional issues of tragedy theory and suggested a new concept of tragedy appropriate for our time. To this end, we will first look at Eagleton's theory of tragedy, and based on this, we will grasp the aspect of tragedy revealed in "Sanheoguri". In addition, in order to set the standard for work analysis, we will approach it through two aspects: tragic situation, inner conflict, and expression of tragic consciousness.

2024년 현재까지 <파수꾼>에 관한 대다수의 연구들은 1970년대의 시대상황과 우화적 알레고리 및 형식미학과 연결 지어 작품을 해석해 왔다. 반면에 <파수꾼>을 상연을 전제로 배우의 행동, 오브제의 활용, 공간성의 탐색, 관객입장에서의 의미 등을 파악한 연구는 거의 없는 것으로 드러났다. 이처럼 이강백 <파수꾼>에 대한 연구는 대체로 텍스트의 허구에 머물며, 상연되었을 때의 가상은 고려하지 않고 있다. 이와 같은 연구의 편향은 비단 이강백 연구에만 나타나는 현상이 아니다. 일반적으로 기존의 희곡분석은 소설이나 시를 분석할 때 사용했던 방법과 큰 차이점을 두지 않고 있다. 이는 현대희곡 연구가 희곡에서 배우의 재현을 고려하지 않고, 책 위에 인쇄된 문자언어로서 극예술을 인식했기 때문으로 보았다. 본 연구는 이러한 빈틈에서 출발해, <파수꾼>의 인물과 맞닿아 있는 배우의 상상력을 가상성으로 확장해 텍스트의 연구방법론으로 새롭게 제시한다. 아울러 이강백이 <파수꾼>을 창작했을 당시의 가상성은 70년대의 독재정권의 암울한 고통을 상징하는 작품이었지만, 독재정권이 종식된 오늘날의 관객입장에서는 가상성의 의미가 확연히 달라진다. 따라서 <파수꾼>의 희곡 텍스트 분석 또한 시대 변화에 따른 관객의 감수성을 감지하며 가상성을 새롭게 해석해야 할 필요성을 낳는다. 이에 본 논문은 배우와 텍스트 사이에서 생성되는 희곡의 가상성을 살펴보는 것을 연구 목적으로 하며, 이 연구는 그동안 희곡의 텍스트 분석에서 중요하게 다루지 않았던 배우의 가상영역을 고찰할 필요성을 드러낸다. 이와 같은 목적과 필요성을 기반으로 그간 논의 되지 않았던 <파수꾼>의 등장인물 분석에 초점을 맞춰 인물의 행동, 인물과 무대공간, 인물과 오브제, 인물과 관객 등의 상호작용에 맞닿아 있는 가상성에 대해 논의하고자 한다.

Until now in 2024, most of the studies on "Watchmen" have interpreted works in connection with the situation of the times in the 1970s and the allegorical allegory and formal aesthetics. On the other hand, it turned out that few studies have grasped the actor's imagination, the use of objects, the search for spatiality, and the meaning of the audience's position on the premise of performing "Watchmen". As such, studies on Lee Kang-baek's "Watchmen" generally remain in the fiction of the text and do not take into account the imagination when it was performed. This bias of research does not appear only in Lee Kang-baek's research. In general, existing drama analysis does not make much difference from the method used to analyze novels or poems. This was considered to be because the study of contemporary plays recognized only as written language printed on the book without considering the actor's representation. Starting from these gaps, this study examined the virtuality created in the connection pattern of the character 'Da' in "Watchmen" in "The Watcher" in relation to the actor's representational imagination. In addition, the virtuality at the time Lee Kang-baek created "Watchmen" was a work that symbolized the grim pain of the dictatorship in the 1970s, but the meaning of virtuality changed significantly from the perspective of today's audiences, after the dictatorship ended. The purpose of this paper is to examine the virtuality of plays created between the actor and the text, and this study reveals the necessity of examining the virtual domain of actors that has not been treated as important in the text analysis of plays. Based on such a purpose and necessity, we will focus on the analysis of characters in "Watchmen", which has not been discussed so far, and discuss the virtuality that is in contact with the interaction of characters, characters and stage spaces, characters and objects, and characters and audiences.

이머시브 연극은 연극의 주요 요소인 무대, 관객, 배우, 희곡 중 공연 공간이 되는 무대에 제한을 두지 않고 관객의 적극적인 참여로 이루어진다. 이머시브 연극은 특정한 공간에서 벌어지는 사건에 따라 진행되기 때문에 공연 공간과 소재를 중심으로 구성하여 제작한다. 따라서 이머시브 연극은 공연 공간이 주는 특성을 강화하고 관객의 수행을 통해 공연의 주제를 더욱 적극적으로 관객에게 제시하게 된다. 이런 이머시브 연극의 특성을 잘 표현할 수 있는 창작 소재로 역사 문화콘텐츠를 꼽을 수 있다. 역사 문화콘텐츠는 일정한 시간과 공간 안에서 쌓은 인간의 삶의 축적물로 구성된 역사 문화 자원을 교육, 스토리텔링, 공연, 축제, 전시, 관광 등의 소재로 활용하는 것이다. 특히 인천 중구의 개항장 문화지구는 지역의 역사 문화콘텐츠를 대표하는 공간으로 근대 문화유산이 잘 보존된 곳이다. 여기서 인천 개항장 문화지구의 근대 문화유산이란 1883년 인천 개항 후 현재까지 당시의 모습이 잘 보존된 근대 역사문화의 명소로 정치, 경제, 사회, 예술 등 당시 시대의 문화를 반영하고 있어 상징적인 가치를 지닌 유·무형의 문화유산을 말한다. 근대 문화유산을 간직한 공간에서는 해당 공간이 가지고 있는 역사적 사건들에 대해 생동감과 현장감이 크게 느껴지게 된다. 특히 관객들에게는 공간이 주는 분위기와 공연 장면을 통해 공연 속 관객의 적극적인 수행을 가능하게 해준다. 이번 연구에서는 근대 문화유산의 대표적인 인천 개항장 문화지구를 공연 공간으로 설정하여 역사 문화콘텐츠로써 바라보고 이곳을 배경으로 창작한 이머시브 연극 <고종의 밀사> 사례를 통해 이머시브 연극의 개발 사례를 연구하였다. 더불어 본 연구자는 인천 개항장 문화거리의 공간적 특성에 대해 이머시브 연극의 공연 공간이자 관객들이 자연스럽게 수행할 수 있는 몰입의 공간으로 바라보았다. 따라서 본 연구는 인천 개항장 문화지구를 배경으로 창작한 이머시브 연극<고종의 밀사>를 통해 이머시브 연극의 개발 사례를 연구하는데 목적이 있다.

The Immersive Theater are made up of the active participation of the audience without limiting the stage, which is the main element of the play, which becomes a performance space among the stage, audience, actors, and plays. Since Immersive Theatre are conducted according to events occurring in a specific space, they are produced by organizing them around performance spaces and materials. Therefore, Immersive Theatre reinforce the characteristics of the performance space and more actively present the theme of the performance to the audience through the performance of the audience. History and culture contents can be cited as creative materials that can express the characteristics of Immersive Theatre well. Historical and cultural content is the use of historical and cultural resources composed of accumulations of human life accumulated in certain times and spaces as materials such as education, storytelling, performances, festivals, exhibitions, and tourism. In particular, the cultural district of the port in Jung-gu, Incheon, is a place where modern cultural heritage is well preserved as a space representing local historical and cultural contents. Here, the modern cultural heritage of the Incheon Port Cultural District refers to a tangible and intangible cultural heritage with symbolic value as it reflects the culture of the time, such as politics, economy, society, and art, as it is a modern historical and cultural attraction that has well preserved its appearance until now since Incheon opened in 1883. In a space that retains modern cultural heritage, the sense of vitality and realism is greatly felt about the historical events of the space. In this study, the cultural district of the Incheon Port, a representative modern cultural heritage, was set as a performance space, viewed as historical and cultural content, and the development of Immersive Theatre was studied through the case of <Kosong's Secret History> created against the backdrop of this place.

이 연구는 문학 작품을 기반으로 한 드라마틱 발레의 구성요소를 탐구하여 문학의 서사를 무용수 몸의 감각에 집중하여 표현하는 방법을 찾고자 함이다. 이 연구는 실기기반연구(Practice Based Research)를 기반으로 무용 작품 “레 미제라블”의 전 창작 과정과 공연된 작품의 분석을 시행하였다. 무용 대본, 안무, 음악의 조화가 작품과 무용수에게 미치는 영향을 소메틱 자료를 근거로 분석하였다. 이를 작품 제작에 도입하여 드라마틱 발레의 발전을 도모한다. 안무자로서 드라마틱 발레에 실기기반연구를 적용하고 새로운 창작 방법을 탐구한다. 이 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 원작 문학의 방대한 서사가 함축적으로 표현되는 과정에서 각색, 시간의 재구성 및 축약, 장면축소, 집중을 유도한 단막극으로 차별화하였다. 둘째, 작품에 사용한 음악은 인물 심리묘사를 위하여 다양한 음악 장르를 가진 로베르트 슈만의 음악 세계를 고찰하여, 사용의 적합성을 연구하고 음악 편집 기술을 적용하였다. 셋째, 발레 안무유형에서 안무자가 주도적으로 움직임을 만들 때 나타나는 현상을 관찰하고 장면과 드라마에 맞게 안무법의 변화가 필요함을 알 수 있었다. 또한, 안무자로서 새로운 도전을 하고 전통을 중요시하며 새로운 시대에 맞는 창작 과정과 안무 방법을 찾고자 한다. 안무자와 무용수 사이의 관계에서 시간의 관리과 평등한 관계가 중요함을 인식하였다. 이 연구는 문학, 안무, 음악을 조화롭게 사용하여 작품을 창작하고 문학의 서사를 무용수 몸의 감각에 집중하여 표현하는 방법을 찾고자 함이다. 무용수가 문학의 내러티브를 체득하고 고유수용감각의 움직임으로 몸의 의식을 통하여 표현되는 실기기반연구와 드라마틱 발레를 연결하길 바란다. 실기기반연구와 문학을 접목한 발레 안무가들에게 하나의 참고가 되길 바란다. 더불어 공연된 작품을 분석하고 그 제작 과정을 밝혀 장편 문학을 바탕으로 실기기반연구법을 적용한 창작 방법의 제시에 목적을 두었다. 더불어 이 논문이 움직임에 의식을 집중하는 것을 넘어서 스토리텔링을 담아내어 무용수와 관찰자 혹은 관객이 교감하는 방법을 찾아내는 연구가 되고자 한다.

This study aims to explore the components of dramatic ballet based on literary works, focusing on expressing the narrative of literature through the sensory perception of dancers. This research is conducted based on Practice Based Research, analyzing both the entire creative process and the performance of the ballet "Les Misérables." The harmony of dance script, choreography, and music and its impact on both the work and the dancers were analyzed using somatic data. This integration was introduced into the production process to foster the development of dramatic ballet. As a choreographer, I applied practice-based research to dramatic ballet and explored new creative methods. The results of this study are as follows: Firstly, in the process of implicitly expressing the vast narrative of the original literary work, we differentiated it into a one-act play through adaptation, restructuring and abbreviation of time, scene reduction, and focus. Secondly, the music used in the work was examined for its suitability by exploring the musical world of Robert Schumann, who has various music genres, for character psychological portrayal, and applying music editing techniques. Thirdly, observing phenomena that occur when choreographers create movement autonomously in ballet choreography types, we identified the need for changes in choreographic methods to suit scenes and dramas. Additionally, as a choreographer, I aim to challenge tradition and seek new creative processes and choreographic methods suitable for the modern era, recognizing the importance of time management and equal relationships between choreographers and dancers. This study aims to create works by harmonizing literature, choreography, and music and to find ways to express the narrative of literature through the sensory perception of dancers. We hope to connect practice-based research and dramatic ballet, where dancers acquire the narrative of literature and express it through the unique sensory movements of their bodies. We hope this study serves as a reference for ballet choreographers who integrate practice-based research and literature.

문화기본법 제5조에 따르면, 국가는 국민의 문화권을 보장하기 위하여 문화진흥에 관한 정책을 수립·실행하고, 지역 간 문화 격차의 해소를 통하여 균형 잡힌 문화 발전이 이루어지도록 노력해야 할 것이며, 문화적 가치가 사회적 확산이 될 수 있도록 해야 하다고 제정 되어있다. 이에 따라 정부에서는 문화예술정책을 수립하여 모든 국민이 혜택을 받고, 문화예술을 향유 할 수 있도록 지속적인 노력을 하고 있다. 지역 문화 콘텐츠 개발은 문화·예술적 측면만이 아니라, 지역의 경제 활성화 및 지역의 특수성과 차별성에 대한 기반을 다질 수 있는 콘텐츠로, 각 지자체에서는 지역 문화 콘텐츠의 대표 콘텐츠의 구성을 통해 하나의 브랜드를 만들고 있다고 할 수 있다. 청주는 기록문화 창의 도시로, 문화예술 콘텐츠 개발뿐만 아니라 동네를 중심으로 한 기록관의 운영 등을 운영하며 기록 문화도시로의 초석을 다지고 있다고 할 수 있다. 이에 본 연구에서는 청주의 안덕벌의 설화와 역사적 사실, 그리고 이를 이겨낸 사람들의 동네의 기록을 중심으로 문화예술 콘텐츠로서의 실제적 공연제작사례를 연구하고자 한다. 본 연구의 중심이 되고 있는 공연 <안덕벌 삶 이야기>는 지난 2018년 초연되어 2022년까지 매년 작품에 대한 다양한 예술적 요소를 접목하여 관객들에게 다가가고자 지속적으로 개발되어지는 동네기록을 기반으로 한 공연콘텐츠라고 할 수 있다. 이와 같은 실기기반연구를 통해 지역 브랜드의 가장 작은 단위인 동네를 중심으로 한 콘텐츠를 개발하고, 이를 통한 동네 주민들의 삶을 공유하고, 향유함으로서 새로운 지역의 문화예술 콘텐츠로 자리 잡을 수 있으며, 급변하는 사회에 있어 디지털 콘텐츠로서도 부상할 수 있는 가능성이 높다고 사료되는 바, 동네 기록을 통한 문화 콘텐츠의 개발을 통해 다양한 문화예술 콘텐츠로서의 확장 가능성이 크다고 할 수 있다.

According to Article 5 of the Framework Act on Culture, the state must establish and implement policies on cultural promotion to guarantee the cultural rights of its citizens, strive to achieve balanced cultural development by resolving cultural gaps between regions, and ensure that cultural values are promoted to social and social communities. It is enacted that it must be allowed to spread. Accordingly, the government is making continuous efforts to establish culture and arts policies so that all citizens can benefit and enjoy culture and arts. And also, the development of local cultural content is not only about cultural and artistic aspects, but also content that can revitalize the local economy and lay the foundation for regional specificity and differentiation. Each local government creates a brand through the composition of representative local cultural content. It can be said that it is being created. Cheongju is a creative city of documentary culture, and it can be said that it is laying the foundation for becoming a city of recording culture by not only developing cultural and artistic contents but also operating a local archive center. Accordingly, this study aims to study actual cases of performance production as cultural and artistic content, focusing on the tales and historical facts of Andeokbeol in Cheongju, and the records of the neighborhoods of those who overcame it. The performance <Andeokbeol Life Story>, which is the center of this study, was performed for the first time in 2018 and is a performance content based on neighborhood records that is continuously developed to reach audiences by incorporating various artistic elements into the work every year until 2022. It can be said. Through such practice-based research, content centered on the neighborhood, the smallest unit of a local brand, can be developed, and through this, the lives of neighborhood residents can be shared and enjoyed, thereby establishing itself as a new regional cultural and artistic content, and responding to rapidly changing situations. It is believed that there is a high possibility that it can emerge as digital content in society, and it can be said that there is great potential for expansion into various cultural and artistic content through the development of cultural content through neighborhood records.

본 연구는 2013년 톈친신(田沁鑫)의 연극 <청사(靑蛇)>를 연구 대상으로 하여 중국 고전 속 캐릭터의 현대적 재현을 탐구하고, 중국 공연예술 형식의 변화를 분석한다. 연극 <청사>는 중국 전통 민담 백사전(白蛇傳)을 재구성한 것이다. 이 연구는 백사전과 같은 중국 고전을 소재로 한 현대 공연예술에서, 연출자가 작품의 전통적 여성 캐릭터를 어떻게 재창조하는지 알아보는 것에 목적이 있다. 주로 페미니즘적인 관점에서 문헌분석과 공연 관람의 실제적 사례를 통해 인물 형태에 대한 접근을 시도하였다. 먼저 고전 백사전의 역사와 공연 형식의 변화를 정리했다. 과거 다양한 양식의 백사 전설 속에 등장하는 뱀의 이미지는 ‘사람을 잡아먹는 요괴’라는 부정적인 인식에서 출발했다. 그러나 오늘날 중국 공연예술에서 재현되는 뱀의 이미지는 <청사>에서 볼 수 있듯이 이러한 고정관념에 대항하는 반항자로 변화했음을 알 수 있다. <청사>는 백사전을 여성의 관점으로 접근한 첫 번째 시도다. 여성 연출로서 톈친신은 새로운 시각에서 이야기를 재창작했다. 연극 <청사>를 여성 캐릭터 중심으로 분석한 결과, 다양성의 대두, 인물의 전복성, 연출자의 자아투영 등 세 가지 특징을 찾아볼 수 있었다. <청사> 속 여성인물들은 중국의 전통 여성과 반전통 여성을 대표하고 있다. 중국 고대 여성의 이미지는 주로 남성을 망치는 악(惡)으로 나타나나 현대에 여성은 남성을 도와주는 선(善)의 이미지로 점차 변모하고 있는 것으로 파악했다. 중국 고전 캐릭터의 현대적인 재창조는 현대 중국 공연예술의 변화를 보여준다. <청사>는 전통사상과 현대사상이 대립과 동시에 융합할 수 있다는 것을 보여주는 사례다. 이 연구는 중국 고전 민담인 백사전 속 여성 인물의 변천과 현대연극으로의 재현 양상을 통해 중국 페미니즘 연극의 창작과 발전에 대한 시사점을 제공하고자 했다.

This study explores the modern reproduction of characters from Chinese classics, using Tian Qinxin's 2013 play <Green snake> as the subject of study, and analyzes changes in Chinese performing arts forms. The play <Green snake> is a reconstruction of the traditional Chinese folk tale The Legend of the White Snake. The purpose of this study is to find out how directors recreate traditional female characters in modern performing arts based on Chinese classics such as The Legend of the White Snake. Mainly from a feminist perspective, we attempted to approach the character form through literary analysis and actual cases of performance viewing. First, we summarized the history of the classic White Snake and changes in performance format. The image of the snake that appeared in various forms of the White Snake Legend in the past started from the negative perception that it was a ‘human-eating monster.’ However, the image of the snake reproduced in today's Chinese performing arts has changed into a rebel against such stereotypes, as seen in <Green snake>. <Green snake,> is the first attempt to approach The Legend of the White Snake from a woman’s perspective. As a female director, Tian Qinxin recreated the story from a new perspective. As a result of analyzing her play <Green snake> focusing on female characters, three characteristics were found: the emergence of diversity, the subversiveness of the characters, and the director's ego projection. The female characters in <Green snake> represent traditional and anti-traditional women in China. The image of women in ancient China was mainly shown as evil that ruined men, but in modern times, women were gradually transformed into images of good that helped men. The modern re-creation of classical Chinese characters shows changes in modern Chinese performing arts. <Green snake,> is an example that shows that traditional and modern ideas can be opposed and fused at the same time. This study sought to provide implications for the creation and development of Chinese feminist plays through the transformation of female characters in the classic Chinese folktale The Legend of the White Snake and their reproduction in modern plays.

정보통신기술의 발전으로 온라인 미디어를 통한 의사소통 플랫폼이 다양해지면서 문화예술산업의 진입과 방식의 방법도 점차 다양해지고 있다. 문화예술계는 창작 작품의 제작을 위한 재원조성의 다양한 방법들을 시도하고 있으나 대부분 순수예술과 순수예술교육 지원에 그쳐 대중음악의 재원조성은 미흡한 실정이다. 코로나 19 이후 비대면 사회가 가속화됨에 따라 온라인을 활용한 크라우드 펀딩의 재원조성은 창작자들과 후원자들에게 새로운 소통의 기회를 제공하며‘가치공유’를 형성하고 예술의 가치를 함께 이루어내고 있다. 그러나 예산 편성을 위한 재원조성보다는 소액의 홍보용 수단으로 쓰이고 있어 그 방식과 시스템이 구체적이지 못하다. 이에 본 연구는 대중음악의 창작을 위한 재원조성으로서의 크라우드 펀딩의 가능성을 살펴보고 활성화 방안 모색을 위해 타 예술 분야 중 연극과 뮤지컬 분야의 크라우드 펀딩의 사례를 살펴보고, 실용음악을 전공하는 학생들에게 설문 조사와 대중음악 현장에서 10년 이상 창작 및 교육 활동을 한 전문가들의 심층 인터뷰 설문 조사를 2023년 05월 30일부터 06월 10일까지 인식 조사 내용으로 구성하여 진행하였다. 그 결과 다음과 같은 시사점을 확인할 수 있었다. 첫째, 재원조성을 위한 다양한 방식과 제도가 필요하며, 크라우드 펀딩의 활용을 위한 제도적 마련과 시스템 구축이 필요하다. 둘째, 크라우드 펀딩의 성공과 음악 제작에는 밀접한 상관관계가 있음을 인정하고 인식 개선과 홍보를 통해 적극적인 활용 방안의 모색이 필요하다. 셋째, 여러 장르의 음악을 대중과 소통하기 위하여 재원조성의 목적과 계획을 명확히 하고 그에 따른 전략 개발과 크라우드 펀딩의 유형에 따른 다양한 보상방식을 구체화해야 한다. 이를 위해 대중음악 창작자들은 크라우드 펀딩의 성공과 음악 제작의 밀접한 상관관계에 있다는 인식을 인지하고 다양한 활용 방안이 모색될 수 있도록 지속적인 연구와 시도가 필요하다. 이러한 노력으로 대중음악에서 크라우드 펀딩의 적극적인 활성화를 기대한다.

With the development of information and communication technology, communication platforms through online media have diversified, Institutional preparation and system construction are necessary for the use of de-funding. Second, it is necessary to acknowledge that there is a close correlation between the success of crowdfunding and music production, and actively seek ways to utilize it through awareness improvement and publicity. Third, in order to communicate various genres of music with the public, it is necessary to clarify the purpose and plan of financing, develop strategies accordingly, and materialize various compensation methods according to the types of crowdfunding. For the purpose of exploring For more than 10 years in the field of popular music , creating and teaching.I n-depth interviews with experts who engaged in meat activities were conducted as a survey method to conduct a perception survey as follows. s. First, various methods and systems are needed to raise financial resources. With the development of information and communication technology, communication platforms through online media have diversified, Institutional preparation and system construction are necessary for the use of de-funding. Second, it is necessary to acknowledge that there is a close correlation between the success of crowdfunding and music production, and actively seek ways to utilize itthrough awareness improvement and publicity. Third, in order to communicate various genres of music with the public, it is necessary to clarify the purpose and plan of financing, develop strategies accordingly, and materialize various compensation methods according to the types of crowdfunding. Therefore, crowdfunding is active In order to become a global leader, various methods of crowdfunding and compensation The formula should be specific, and in the close correlation between the success of crowdfunding and music production, continuous research is needed so that awareness can be improved through active publicity and various utilization methods can be explored suggest.