Earticle

오늘날 디지털 기술과 미디어 환경의 급속한 변화는 배우에게 창작·기획·융합적 사고 등 새로운 예 술적 역량을 요구하고 있다. 다양한 디지털 매체의 확산으로 예술의 생산과 소비 방식이 근본적으로 변 화하고 있으며, 관객은 수동적 소비자에서 능동적 참여자이자 공유자로 전환되고 있다. 이러한 변화에 따라 배우의 역할은 단순한 대본 해석중심의 수행자에서 벗어나, 창작 과정 전반에 능동적으로 참여하며 기획과 협업을 수행하는 창작 주체로 확장되고 있다. 그러나 국내 대학의 연기교육은 대본 중심의 실연 훈련과 전통적 제작 실습에 주로 초점을 두고 있어 창작 중심 교육의 체계적 기반은 아직 충분히 구축되 지 않았다. 본 연구는 이러한 문제의식을 바탕으로 국내 대학의 연기교육과정을 분석하고, 해외 주요 대 학의 창작자형 배우 양성 사례와 비교하여 창작자형 배우 교육으로의 패러다임 확장을 위한 방향을 모색 하였다. 이를 위해 국내 10개 대학(4년제 대학 8개와 전문대 2개)의 2025학년도 교육과정을 전수 조사 (2025년 07월부터 08월까지)하여 교과목 유형과 분포를 분석하고, 이를 해외 대학의 창작 중심 교과, 다 학제 협업, 창작 집중 기간, 기업가적 사고 등의 사례와 비교하였다. 또한 창작자형 배우 양성을 체계적 으로 운영하고 있는 한 국내 대학의 사례를 심층적으로 분석하여 교육 구조와 운영 방식의 특징을 도출 하였다. 분석 결과, 국내 연기교육은 실연·제작실습 중심의 구조를 보이고 있으며, 창작 및 융합 교과는 일부 과목에 한정되어 제한적으로 운영되고 있었다. 이러한 분석을 통해 본 연구는 배우의 창작 역량을 확장하기 위한 교육 방향과 단계별 접근의 가능성을 도출하였다. 본 연구는 해외 사례를 단순히 소개하 는 데 그치지 않고, 국내 교육 환경에 맞게 변형 가능한 방향을 제시했다는 점에서 학문적·실천적 의의 를 지니며, 향후 교육 현장 중심의 실증적 연구를 통해 그 효과를 검증할 필요가 있다.

The rapid transformation of digital technology and media has redefined the actor’s role, shifting it from text-centered training toward creative authorship and collaboration, and requiring broader competencies in devising, storytelling, and interdisciplinary practice. As new digital platforms continue to expand, the artistic environment demands that actors actively create and share original content across multiple media. However, actor training in Korean higher education remains largely focused on interpreter-centered models, providing limited opportunities for students to take initiative as creators. This study examines the structural limitations of current curricular frameworks and, through a comparison with international pedagogical models, explores strategies for cultivating the actor-creator. Curricula from ten Korean universities (eight four-year and two three-year programs) were analyzed between July and August 2025 to identify course types and distributions, and were compared with global practices that institutionalize creative practice, interdisciplinary collaboration, student performance festivals, and entrepreneurial learning. A domestic case study was also conducted to identify key features of creative training practices. Findings indicate that while Korean programs continue to emphasize traditional performance-based training methods, creative and integrative approaches remain limited. In response, this study proposes a three-stage developmental strategy: cultivating creative literacy, deepening interdisciplinary collaboration, and building sustainable environments for students’ artistic creation. This research contributes to a broader discourse on expanding actor training in the context of rapidly evolving media and performance cultures.

본 연구는 인공지능(AI)이 창작의 영역까지 확장된 현대 연기환경 속에서 배우의 존재와 역할이 어떠한 본질적 의미를 지니는지를 철학적 관점에서 고찰하는 데 목적이 있다. 특히 플라톤과 아리스토텔레스 가 제시한 ‘모방(mimesis)’ 개념을 중심으로, 인간 배우의 표현 행위와 인공지능이 구현하는 재현적 기능 을 비교·분석하였다. 플라톤에게 모방은 ‘이데아의 그림자’로서 진리로부터 한 단계 떨어진 허상에 불과 하지만, 아리스토텔레스에게는 창조적 행위에 해당한다. 이러한 철학적 대립을 현대적 맥락으로 확장하 면, 인공지능이 수행하는 ‘기술적 재현’은 플라톤적 모방의 영역에 머무르며, 인간 배우의 ‘감정과 의식의 체화’는 아리스토텔레스적 모방의 차원에 해당한다고 볼 수 있다. 본 연구는 홀로그램과 가상 배우를 활 용한 무대 공연, 딥페이크 기술을 활용한 영상 매체의 사례를 연구한다. 이를 통해 인공지능은 감정의 논 리적 구조를 계산적으로 재현할 수는 있으나, 인간 배우처럼 체화된 경험과 의식의 통합을 통해 ‘살아 있 는 존재로서의 진정성’을 구현하기는 어렵다는 결론에 도달하였다. 다만 본 연구는 인공지능 시대에서 배우의 예술적 창조성과 감성적 체험의 의미를 철학적으로 조명하였으나, 실제 무대 현장에서 인공지능 기술이 배우의 창조적 행위에 어떠한 변화를 일으키는지 실증적 분석이 이루어지지 못한 한계를 지닌다. 향후 연구에서는 기술적·예술적 변화를 종합적으로 탐구하여, 배우가 기술과 예술의 경계를 재정의하 는 창조적 실천자로 자리매김할 수 있는 구체적 방안을 모색할 필요가 있다. 따라서 본 연구의 목적은 인간 배우와 인공지능(AI)의 단순한 대립 구도를 논하는 데 있지 않으며, 인간 고유의 창조적 행위로서 연기의 본질을 규명하는 데 있다. 또한 이론적 논의를 넘어 실제 공연 현장에서 인공지능기술이 활용된 사례를 분석함으로써, 기술적 모방을 초월하는 창조의 가능성을 탐색하고자 한다.

This study aims to examine, from a philosophical perspective, the essential meaning of the actor’s existence and role in the contemporary performance environment, where artificial intelligence (AI) has expanded into the realm of artistic creation. Focusing on the concept of mimesis proposed by Plato and Aristotle, this research compares the expressive acts of human actors with the representational functions performed by AI. For Plato, imitation is a mere shadow of The Idea, a step removed from truth, whereas for Aristotle, it constitutes a creative and cognitive act. Extending this philosophical contrast to the present context, AI’s “technical representation” remains within the Platonic sphere of imitation, while the “embodied expression of emotion and consciousness” achieved by human actors aligns with the Aristotelian notion of creative mimesis. Through analyses of performances employing holograms, virtual actors, and deepfake technologies, this study concludes that although AI can computationally reconstruct emotional logic, it cannot embody the integrated consciousness and authenticity inherent in human performance. However, as this research is primarily philosophical in nature, it does not empirically examine the transformative effects of AI on acting practice. Future studies should therefore explore practical methodologies through which actors may redefine themselves as creative practitioners at the intersection of technology and art. Therefore, the purpose of this study is not to discuss the simple confrontation between human actors and artificial intelligence (AI), but to clarify the nature of acting as a creative act unique to humans. In addition, beyond theoretical discussions, we intend to explore the possibility of creation that transcends technological imitation by analyzing cases in which artificial intelligence technology was used in actual performance sites.

이 연구는 1400년에 걸친 한일 연극 교류의 역사를 통시적으로 고찰하고, 그 변천 과정 속에서 미래의 상호 발전적인 교류 비전을 모색하는 것을 목적으로 했다. 고대 아스카 시대의 기악 전래로부터 시작하 여 중세, 근대를 거쳐 현대에 이르기까지, 양국의 연극 교류는 단순한 문화 전파를 넘어 상호 영향을 통 해 각자의 연극을 발전시키는 동력으로 작용해 왔다. 그러나 동시에 양국의 정치적, 사회적 관계 변화에 따라 교류가 왜곡되거나 단절되는 등 부침을 겪기도 했다. 이 연구에서는 문헌 연구와 사례 연구를 통해 각 시대별 교류의 특징과 역사적 의의를 분석하였다. 고대에는 백제의 기악이 일본 궁중 예능의 기틀을 마련했으며, 중세에는 고려와 조선의 예능이 일본의 전통 예능에 영향을 미쳤다. 근대에는 서구 연극의 수용 과정에서 신파극과 신극을 중심으로 복잡한 교류가 이루어졌으며, 현대에 들어서는 다양한 장르의 실험적이고 다각적인 교류가 활발히 진행되고 있다. 이러한 역사적 고찰을 바탕으로, 본 연구는 과거의 교류 성과를 계승하고 한계를 극복하기 위한 미래 비전을 제시한다. 상호 존중과 이해를 바탕으로 한 지 속적인 인적 교류, 공동 창작 및 제작 활성화, 미래 세대를 위한 교류 플랫폼 구축 등을 통해 한일 연극 교류가 동아시아 문화의 창조적 발전에 기여하는 새로운 연대기를 열어갈 것을 제안한다. 특히 2025년 한일 국교정상화 60주년은 과거를 성찰하고 미래를 조망하는 중요한 전환점이다. 이 기념비적인 해는 단 순히 과거의 조약을 기념하는 것을 넘어, 지난 60년간 축적된 갈등과 협력의 복합적인 유산을 바탕으로 새로운 관계를 설정해야 하는 현재적 과제를 안고 있음을 탐색하고자 한다. 더불어 연극이라는 문화적 프리즘이 어떻게 양국 관계의 복잡성을 드러내고, 나아가 미래의 상호 이해와 창조적 협력을 위한 실질적인 해법을 제시할 수 있는지를 탐색하는데 목적이 있다.

This study, “Chronicles of Encounters: 1400 Years of Korea-Japan Theatre Exchange, Its Transformation, and Future Vision,” aimed to provide a diachronic analysis of the 1400-year history of theatrical exchange between Korea and Japan, seeking a vision for future mutual development. From the introduction of Gigaku (伎樂) in the ancient Asuka period to the contemporary era, theatrical exchange has not merely been a one-way transmission of culture but a driving force for the development of each country’s theatre through mutual influence. However, this exchange has also experienced periods of distortion and severance, mirroring the fluctuations in the political and social relationship between the two nations. Through literature and case studies, this research analyzes the characteristics and historical significance of exchange in each period. In ancient times, Gigaku from Baekje laid the foundation for Japanese court entertainment. During the Middle Ages, performing arts from Joseon influenced Japanese traditional arts. In the modern era, complex exchanges occurred, centered on Shinpa (新派) and modern drama, in the process of accepting Western theatre. In the contemporary period, dynamic and multifaceted exchanges across various genres are actively underway. Based on this historical review, the report presents a future vision to inherit past achievements and overcome limitations. It proposes that by fostering continuous personnel exchange based on mutual respect and understanding, activating co-creation and co-production, and establishing exchange platforms for future generations, the theatrical exchange between Korea and Japan can open a new chronicle that contributes to the creative development of East Asian culture. In addition, the purpose of the cultural prism of theater is to explore how it can reveal the complexity of the relationship between the two countries and further suggest practical solutions for future mutual understanding and creative cooperation.

본 연구는 장 주네의 <하녀들>에 등장하는 ‘마담’과 외젠 이오네스코의 <수업>에 등장하는 ‘하녀’라는 인물을 비교 분석하여, 이들이 각 작품에서 어떤 방식으로 권력 구조와 극의 흐름에 영향을 미치는지를 고찰하는 데 그 목적이 있다. 이를 위해 막스 베버(Max Weber)의 카리스마 개념의 핵심인 지배자와 피지배자 간의 형성되는 관계성에 주목하여 두 인물의 카리스마적 특성과 극적 역학을 비교·분석해 보았다. 논의를 통해 드러난 바와 같이, 이들은 대사와 출연 분량은 많지 않지만, 각 작품의 권력 구도 및 극적 긴장과 흐름을 주도하는 핵심적인 인물로 기능함을 알 수 있었다. 연구 결과 첫째, 두 인물은 각기 작품에서 지배자 또는 전도된 지배자의 전형을 보여준다. <하녀들>의 마담은 우월성과 비범한 존재감을 통해 하녀들로 하여금 경외와 복종을 불러일으키는 상징적 질서를 창조한다. 반면, <수업>의 하녀는 그 직분상 피지배자에 불과하지만, 극이 점차 진행될수록 교수를 제압하고 명령할 만큼 강력한 카리스마를 발휘하고, 수업의 전 과정을 관장하는 실질적인 힘을 소유한 전도된 지배자로 드러난다. 둘째, 카리스마의 발현 방식에서 보이는 힘과 보이지 않는 힘의 대비가 드러난다. <하녀들>에서 마담의 카리스마는 그 화려한 외형만으로도 강렬한 존재감을 발산하며, 무대 전체를 장악하는 보이는 힘의 표상으로 기능한다. 반면 <수업>의 하녀는 극에서 보이지 않는 힘으로 작용하며, 극적 상황을 제어할 최적의 순간을 정확히 포착하는 동시에 교수와 학생의 관계를 결정짓는 배후의 권력으로 존재한다. 셋째, 두 인물은 극의 전개에서 흐름을 전복하거나 통제하는 주체로 작용한다. <하녀들>에서 마담은 하녀들이 구축해 온 극중극의 균열을 드러내고, 독살 기도를 무산시키며, 무슈의 석방 소식을 밝혀내는 등 극의 흐름을 근본적으로 전복한다. 반면 <수업>의 하녀는 집안일을 돕는 보조적 존재가 아니라, 수업의 시작과 끝을 상징하는 문의 개폐에서부터 교수와 학생의 행위를 감시하고, 결정적인 순간에 개입하여 흐름을 조율하는 통제자로 기능한다. 본 연구는 짧은 등장에도 극 전체를 좌우하는 서로 다른 작품 속 카리스마적 배역을 새로운 관점에서 비교·조명함으로써, 향후 희곡 및 인물 연구의 다각적 접근에 기여하고자 한다.

This study aims to compare and analyze the characters ‘Madam’ in Jean Genet’s <The Maids> and ‘Maid’in Eugène Ionesco’s <The Lesson>, focusing on how they influence the power structure and dramatic flow in each play. Based on Max Weber’s concept of charisma—particularly the relationship between ruler and subject—the study explores the charismatic characteristics and dramatic dynamics of the two figures. The analysis reveals that although their lines and stage time are limited, both characters serve as central figures who lead the plays’ power structures and dramatic tension. First, each represents a type of ruler or inverted ruler. In <The Maids>, Madam’s superiority and extraordinary presence create a symbolic order that evokes awe and obedience from the maids. In contrast, the Maid in <The Lesson>, though initially a subordinate, gradually reveals strong charisma, ultimately overpowering the Professor and commanding the entire lesson as an inverted ruler. Second, a contrast emerges between visible and invisible power. Madam’s charisma in <The Maids> radiates through her splendid appearance, embodying visible power that dominates the stage. Meanwhile, the Maid in <The Lesson> operates as an invisible force, manipulating the dramatic situation from behind and determining the relationship between Professor and Student. Third, both characters act as agents who overturn or control the dramatic flow. Madam disrupts the play-within-a-play constructed by the maids, foils their poisoning attempt, and discloses the release of Monsieur, fundamentally overturning the narrative. The Maid, on the other hand, is not a mere helper but a controller who supervises the lesson—from opening and closing the door that marks the beginning and end—to intervening at critical moments. In conclusion, by comparing these two charismatic roles that dominate their plays despite brief appearances, this study contributes to a multidimensional understanding of characters and dramaturgy in modern theater research.

본 연구는 스타니슬랍스키 후기 방법론과 마리아 크네벨의 행동 분석법(Active Analysis)에서 부각된 사건(event) 개념이 연극 텍스트 분석과 장면 형상화의 중심 수단으로 활용 가능한지를 검토하고, 연극 교육과 공연 제작 모두에서 활용 가능한 사건 중심 텍스트 분석 방법론을 제시한다. 기존의 연극 교육과 현장에서는 장면의 목적(objective), 초목적(super-objective), 주어진 상황(given circumstances), 행동 (action) 등을 텍스트 분석의 주요 수단으로 사용해 왔지만, 사건을 중심에 두고 ‘행동(action)’과 ‘대항 행 동(counteraction)’을 장면 전개의 주요 동력으로 삼는 스타니슬랍스키 후기 방법론은 상대적으로 간과되 어왔다. 또한 사건을 연기 교육과 연출 작업에 적극 활용하고 있는 후세대 연기 교육자와 연출가(샤론 마 리 카르닉, 샘 코건, 벨라 멀린, 케이티 미첼, 브라이언 큘릭)의 접근법에서도 ‘사건’ 개념과 그 활용 방식 은 일관되지 않다. 이에 사건을 연극 텍스트 분석과 장면 형상화에 활용할 수 있는 방법을 고찰하기 위해 그들의 이론과 작업 방법론을 다시 검토해 그 차이를 규명하고 장단점을 분석할 필요성이 생겼다. 본 고는 연기 이론과 실제의 비교 분석을 통해 스타니슬랍스키와 마리아 크네벨의 행동 분석법에서 사건을 정의하는 방식과 활용 방법을 고찰하고, 후속 세대의 연출가 및 연기 교육자들의 사건 적용 방식의 차이 를 규명해 각 접근법의 장단점과 유용성을 제시한다. 이를 통해 사건이 단지 극을 구성하는 서사적 단위 가 아니라 장면을 구분하는 확실한 기준으로 적용 가능하며, 목적이나 의도와 연계해 장면의 행동을 이 끌어내고, 행동-대항 행동-사건의 상호적 관계를 통해 장면을 살아있는 유기적 단위로 경험하게 만든다 는 사실을 밝힌다. 아울러 ‘핵심 순간(core moment)’이 사건과 연계되어 공연의 주제 형성과 인물 구축에 기여하는 방식을 탐색함으로써, 사건이 텍스트 분석과 장면 형상화의 중심 도구로서 연극 교육과 공연 제작 현장에서 유효하게 활용될 수 있음을 규명한다.

This study examines whether the concept of the “event”, which originated in Stanislavski’s late methodology (the Method of Physical Actions) and Maria Knebel’s Active Analysis, can function as a central instrument for theatrical text analysis and scene realization, and it proposes an event-centered analytic framework applicable to both theatre pedagogy and production practice. While objectives, super-objectives, given circumstances and actions have long served as primary tools of textual analysis in theatre education and practice, the late Stanislavskian approach, which centers the event and organizes scene development through action and counteraction, has remained comparatively neglected in mainstream pedagogy. Moreover, among later-generation acting pedagogues and directors who actively employ the event in their education, including Sharon Marie Carnicke, Sam Kogan, Bella Merlin, Katie Mitchell, Brian Kulick, the concept and its applications are used inconsistently. To address this, the article re-examines their theories and working methods, identifies the differences, and analyzes the strengths and weaknesses of each approach. Through a comparative analysis of acting theory and practice, this study examines how the “event” is defined and applied in the work of Stanislavski and Maria Knebel, and maps differences in its application among later-generation directors and acting pedagogues. In addition, it explores how the concept of the “core moment”, in conjunction with the event, contributes to thematic formation and character construction. This study confirms that the event is not merely a narrative unit in the composition of a play but serves as a clear criterion for demarcating scenes; that the event drives action in relation to objective or intention; and that the scene can be experienced as a living, organic unit through the reciprocal interplay among action, counteraction, and event. Furthermore, in conjunction with the “core moment”, the event reveals a character’s essence and shapes the play’s theme, thereby serving as a central instrument for textual analysis and scene realization in both theatre education and production practice.

본 연구는 넷플릭스 <소년의 시간>(Adolescence)의 리허설 방법론 연구를 바탕으로 현대 영화 및 OTT 시리즈 제작 현장에서 롱테이크(Long-take) 연출 시에 적용할 수 있는 연극적 리허설 방법론의 실천적 가능성 을 모색하는 데 그 목적이 있다. 넷플릭스 오리지널 시리즈 <소년의 시간>(Adolescence)은 공개 4일 만에 2430만 명의 시청자를 모았으며 10일 넘게 넷플릭스 스트리밍 1위를 차지하는 성과를 거두었다. 해당 작품이 보여준 ‘One Continuity Shot, One Episode’촬영 방식은 배우와 카메라·기술 스탭이 연극 무대 공연처럼 하나의 호흡으로 장면을 구현했다는 점에서 주목할 만하다. <소년의 시간>(Adolescence)은 12주간의 프로덕 션 기간에 에피소드별로 각기 2주간의 리허설, 1주간의 촬영 기간을 거쳐 총 4개의 에피소드를 완성하였다. 감독인 필립 바랜티니(Philip Barantini)는 2주 간의 리허설을 배우 중심과 기술 중심으로 구분하여 체계적인 리허설 작업을 진행하였다. 이는 연극 리허설 과정과 매우 유사한 방식을 띄고 있다. 이에 본 연구는 롱 테이크 연출의 미학적 특성과 연극 리허설의 단계별 구성 원리를 토대로 <소년의 시간>(Adolescence)의 리허설 과정을 연극 의 블로킹 리허설(Blocking Rehearsal)과 테크니컬 리허설(Technical Rehearsal)방법론을 적용하여 고찰하였다. 본 연구는 분석 대상이 하나의 작품에 국한되어 있어 여타 다른 작품의 제작 방식과 구체적 비교 분석이 이루어지지 않은 한계를 내포하고 있음을 밝힌다. 본 연구가 기술과 효율성 중심으로 운영되는 현대의 리허설 방식에서 벗어나 배우와 스탭 모두가 공동 창작의 창조적 기능으로 활용될 수 있는 리허설 방법론을 개발하는데 실질적인 기여를 할 수 있을 것으로 기대한다.

This study aims to explore the practical applicability of theatrical rehearsal methodologies to long-take direction in contemporary film and OTT series production, based on the rehearsal process of the Netflix original series Adolescence. The series attracted 24.3 million viewers within four days of its release and maintained the top position on Netflix’s global streaming chart for more than ten days. Its “One Continuity Shot, One Episode” production format is particularly notable in that the actors, camera operators, and technical staff performed in a unified rhythm similar to live theatrical performance. Adolescence was produced over a twelve-week schedule, during which each of the four episodes underwent two weeks of rehearsal followed by one week of filming. Director Philip Barantini divided the rehearsal period into actor-centered and technically focused stages, adopting a structured approach closely aligned with theatrical rehearsal practices. Accordingly, this study analyzes the series’ rehearsal process in relation to the principles of blocking rehearsals and technical rehearsals grounded in theatrical methodology, drawing upon the aesthetic characteristics of the long take and the structural stages of theater rehearsal. This study acknowledges its limitation in that the analysis is confined to a single work, and therefore does not include comparative examinations of other production models. Nevertheless, it is anticipated that the findings will contribute to re-situating rehearsal within contemporary film and OTT production contexts—not merely as a procedure for technical efficiency, but as a collaborative creative process shared by both actors and technical staff.

본 연구는 청소년을 대상으로 한 문화예술교육프로그램의 개발에 있어 응용연극(Applied Theatre)의 적용 가능성을 탐구하고, 그 시사점을 제안하는 것을 목적으로 한다. Applied Theatre는 참여자들의 직접 적인 경험과 과정을 중시하는 교육연극의 방법으로, 창작과정에서 참여자들의 능동적인 참여와 비판적 인 성찰을 자연스럽게 이끈다. 또한, 공연의 과정에서 참여자와 관객이 함께 지역사회의 문제를 성찰하 고 공동체적 가치를 인식하도록 돕는다. 연구자는 2024년 <경기틴즈 연극·뮤지컬> 하남 지역의 예술감 독으로 참여하여, Applied Theatre <너의 선택은?>을 기반으로 한 청소년 문화예술교육프로그램을 기획 하고 총괄하였다. <너의 선택은?>은 참여자들의 즉흥과 토론을 기반으로 주제와 장면을 구축하였고, 공 연 과정에서 관객과 주제에 대한 성찰과 대응 방안을 제시하며 소통하였다. 연구 방법으로는 수업 참여 관찰, 교육과정 분석, 교육 일지, 참여자 만족도 조사를 통해 문화예술교육프로그램의 효과를 다각적으로 분석하였다. 연구 결과, 참여 청소년들은 연극적 표현력의 향상, 협력적 태도의 형성, 무대 경험을 통한 성취감의 고양을 크게 경험한 것으로 나타났다. 또한, 다수의 참여자는 이후에도 유사한 문화예술교육프 로그램의 참여 의사를 밝히며 지속성과 개선 방향을 제안하였다. 이를 통해 Applied Theatre가 청소년 문 화예술교육프로그램으로써 효과적으로 활용될 수 있음을 확인하였다. 따라서 본 연구는 Applied Theatre 를 활용한 청소년 문화예술교육프로그램을 제시하며, 향후 교육 현장에서 적용 가능한 방안을 모색하는 데 기여하고자 한다.

This study aims to explore the applicability of Applied Theatre in developing youth Culture and Arts Education programs and to suggest its educational implications. Applied Theatre is a form of educational drama that emphasizes participants’ direct experiences and creative processes, encouraging active engagement and critical reflection throughout the creation process. Furthermore, it enables both participants and audiences to reflect on social issues and recognize communal values through the performance process. In this study, the researcher participated as the artistic director of the Gyeonggi Teens Theatre & Musical project in Hanam in 2024 and planned and supervised a youth arts education program based on Applied Theatre, titled Your Choice. The work Your Choice was developed through participants’ improvisations and discussions, constructing themes and scenes collaboratively. During the performance process, participants communicated with the audience by reflecting on the thematic issues and presenting possible responses. The research employed class participation observation, curriculum analysis, teaching journals, and participant satisfaction surveys to analyze the program’s educational effects from multiple perspectives. The results indicated that the participating youth experienced significant improvement in theatrical expression, development of cooperative attitudes, and a heightened sense of accomplishment through stage performance. Moreover, many participants expressed their willingness to participate in similar programs in the future and suggested directions for further improvement and sustainability. These findings confirm that Applied Theatre can be effectively utilized as a youth Culture and Arts Education methodology. This study thus proposes a practical model for youth cultural and arts education based on Applied Theatre, contributing to the search for applicable approaches in future educational contexts.

본 연구는 연극학자이자 연출가 아우구스또 보알(Augusto Boal, 1931-2009)이 제시한 ‘관객-배우(spect-actor)’ 개념에 나타난 관객성을 분석하고, 그 양상을 토론연극(Forum Theatre)과 욕망의 무지개 기법(Rainbow of Desire)을 중심으로 고찰하였다. 관객(spectator)과 배우(actor)의 합성어로 구성된 이 용어는 연극의 진행 과정에서 관객이 배우의 역할을 수행하여 스스로 자신의 경험을 바탕으로 한 집단적이고 개인적인 문제를 무대 위에서 재구성하는 참여자를 뜻한다. 이에 따라 본 연구의 방법으로는 보알의 주요 저작과 이론을 문헌 분석의 틀 안에서 검토하고 대표적인 실천적 사례인 토론연극과 욕망의 무지개 기법을 비교하여 분석하 였다. 그리고 이를 통해 관객-배우 개념이 사회적이고 심리적인 차원에서 어떻게 구현되는지를 구체적으로 탐색하였다. 보알이 제시한 욕망의 무지개 기법의 관객-배우는 개인의 내면적 억압과 내적 자기 검열을 다루는 심리적 갈등을 탐색하며 신체적 표현을 통해 잠재된 욕망과 감정을 자연스럽게 드러낸다. 이는 내면의 억압을 해소하고 자기 인식의 가능성을 확장하는 심리적 리허설의 성격을 지니며, 따라서 욕망의 무지개 기법에서의 관객-배우는 자신의 내면을 깊이 있게 분석하는 자이자 유연한 관계를 형성하는 공동 창작자라고 정리할 수 있다. 두 연극 모두에서 관객-배우는 스스로 문제를 인식하고 행동을 통해 새로운 변화를 만들어가 는 주체적 존재로 나타난다. 즉, 이러한 분석을 통해 본 연구는 보알의 관객-배우 개념이 관객과 배우의 이분법을 해체하고 예술적 참여와 관계의 미학을 토대로 한 새로운 관객성을 제시했다는 점에서 의의를 지닌다고 할 수 있다. 이는 연극이 사회적 변화와 개인의 내면적 성찰을 동시에 촉발할 수 있는 참여적 예술 형태로 확장될 수 있음을 시사한다.

This study analyzes the concept of spectatorship embodied in the idea of the spect-actor proposed by theatre scholar and director Augusto Boal(1931-2009) and examines its manifestations through Forum Theatre and the Rainbow of Desire technique. Boal argued that, in response to oppressive social realities, spectators must become spect-actors, active subjects who transform theatrical narratives through direct action rather than passive reception. The term spect-actor, a compound of spectator and actor, refers to a participant who performs the role of the actor during the performance, reconstructing collective and personal issues on stage based on their own experiences. In Forum Theatre, the spect-actor intervenes in the performance to replace the protagonist’s actions and propose alternative outcomes, thereby transforming the spectator from a passive observer into an active agent and co-creator. The theatre thus becomes a rehearsal space for social change, and the spect-actor emerges as a liberated participant who transcends the conventional dichotomy between performance and reception. In contrast, in the Rainbow of Desire technique, the spect-actor engages with internalized oppression and self-censorship, expressing latent desires and emotions through physical embodiment. This process functions as a psychological rehearsal that releases internal repression and expands the possibility of self-awareness. The spect-actor, in this sense, becomes both a self-analyst and a flexible co-creator who explores personal conflicts and relationships through performative interaction. In both forms of theatre, the spect-actor appears as an autonomous subject who recognizes problems and initiates transformation through action. From this perspective, Boal’s notion of spectatorship redefines not only the structure and content of theatre but also the positionality of the audience within contemporary performance art. By dismantling the binary opposition between actor and spectator, Boal’s concept of the spect-actor offers a new model of participatory spectatorship grounded in the aesthetics of interaction and relation, suggesting that theatre can serve simultaneously as a site of social transformation and personal introspection.

본 연구는 근대적 의식화가 감각과 이성을 분리하며 연극을 ‘효과의 장’으로 환원해 온 한계를 비판하고, 피터 브룩의 ‘빈공간’을 장소적 규범으로 재구성하여 관객의 감응을 공유 가능한 이유와 판정으로 전 환하는 충분조건을 제시한다. 핵심 논지는 배우를 매체가 아닌 매개(mediation)로 위치시키고, 배우의 헥 시스(hexis)—호흡·리듬·정지·시선에 새겨진 습성—를 통해 전‑언표적 표식이 관객의 판단 언어로 번 역되도록 무대를 설계해야 한다는 것이다. 방법적으로는 아리스토텔레스의 『시학』과 『니코마코스 윤리학』을 병행하여 읽고, 브룩의 ‘빈공간’과 셰크너의 ‘복원된 행위/스코어’를 상호 보완적으로 재배치하였다. 이를 통해 감각→기억→경험→테크네(technē)의 연쇄를 무대의 시간·배열 원리로 구성하고, 개연/필 연–전환–발견–반어를 행위의 규칙으로 재규정하였다. 이 이론적 결속 위에서 연구는 (1) 전‑언표적 스코 어 → 윤리적 문턱 → 판정‑집행으로 이어지는 운용 체계, (2) 관객의 ‘잘 볼 권리’(동의·유보·철회·퇴 장·기록·침묵)의 무대 내 접속, (3) 하마르티아의 재정의—개인 실수 아니라 구조화된 무지를 판정‑집 행의 문턱에서 가시화하는 메커니즘—를 제안한다. 특히 최소 장소 규칙(대비·지연·전이·경계)은 등 가적 선택의 가독성, 결정권의 실질적 행사, 응답/책임의 공개성을 확보하도록 설계된다. 배우는 신호자– 조정자–담지자로서 내부 형식(개연/필연의 인과, 전‑언표적 배열)과 외부 절차(관객 권리)를 메타‑소통(프 레이밍/키잉·큐·경계 표식)으로 접속시키며, 정동은 강도의 과시가 아니라 형식이 제대로 작동함을 알 리는 증거로 전환된다. 그 결과 무대는 증언의 전시가 아니라 증거가 성립하는 장소(topos)로 복구되고, ‘빈’은 결핍이 아니라 판정의 보류를 가능케 하는 문턱이 된다. 결론적으로 본 연구는 형식–권리–표식의 문법과 테크네–헥시스–프론에시스의 상호작동을 연극의 실천 언어로 정식화함으로써, ‘빈공간’을 계기로 공동 판단이 실제로 작동하는 예술로 이행하는 경로를 제시한다.

This study critiques the modern project of “conscientization,” which separates sense from reason and reduces theatre to a “field of effects,” and rearticulates Peter Brook’s “empty space” as a place‑norm that provides sufficient conditions for converting spectators’ affect into shareable reasons and adjudication. It positions the actor not as a medium but as mediation and designs the stage so that pre‑utterative indices become spectators’ judgment language through the actor’s hexis—breath, rhythm, pause, line of sight. Methodologically, Aristotle’s Poetics and Nicomachean Ethics are read in tandem with Brook and Schechner; sense→memory→experience→technē is configured as principles of stage temporality and arrangement, and eikos/anankē–peripeteia–anagnōrisis–irony are recast as rules of action. On this basis the study proposes (1) an operational system linking pre‑utterative score → ethical threshold → adjudication/execution; (2) on‑stage integration of the spectator’s right to look well (consent, reservation, withdrawal/exit, documentation, silence); and (3) a redefinition of hamartia as structured ignorance made visible at the adjudication–execution threshold. Minimal place rules (contrast, delay, transition, boundary) secure the readability of equivalent choices, substantive decision rights, and public responsibility. As signaler–coordinator–bearer, the actor connects internal form with external procedures via meta‑communication (framing, cues, boundary markers), converting affect from intensity into evidence. Thus the stage is restored as a topos where evidence is constituted, the “empty” becomes a threshold for suspending adjudication, and a grammar of form–rights–indices together with technē–hexis–phronēsis delineates a practicable path toward shared judgment.

본 연구는 코로나19 팬데믹 이후 국내에서 발표된 음악 중심 공연예술 연구를 대상으로 체계적 문헌 고찰을 수행하였다. KCI와 RISS에서 한·영 복합 검색하고, PRISMA 절차에 따라 최종 74편을 포함하였다. 포함 문헌은 온라인 공연과 디지털 전환, 공연 생태계 변화와 관객 참여, 공연 제작 방식 및 기술 도 입, 전통–현대 공연의 융합, 융복합 및 복합적 특성 영역으로 코딩하였다. 대표 연구 20편을 선정한 뒤, 각 논문을 ‘연구–대상/방법–핵심결과–시사점’의 표준화 항목으로 정리한 구조화 비교표로 정리·분석하 였다. 주요 결과는 다음과 같다. 첫째, 온라인 공연은 보완 채널로 정착하였고, 스트리밍 안정성·음향· 영상 품질·플랫폼 편의성 및 실시간 상호작용이 만족–몰입–재관람 의도의 핵심 경로로 작동하였다. 장 르별로는 온라인에서 오프라인으로의 전환 의도 결정 요인이 상이하여 맞춤형 전환 전략이 요구되었다. 또한 조건부가치평가(CVM)를 통해 온라인 공연 플랫폼의 공공재 가치가 정량적으로 제시되어 정책적 근 거가 강화되었다. 둘째, 팬데믹과 디지털 전환은 단체–예술가–관객–플랫폼–공공지원이 얽힌 하이브리드 생태계를 형성했고, 이머시브·참여형 포맷의 확산과 함께 관객이 공동 창작자로 이동하는 경향이 뚜렷 해졌다. 셋째, XR·AR·VR·홀로그램 등 실감 기술은 현존감·몰입·인게이지먼트를 고도화하지만, 비 용·인프라 불균형, HMD 피로, 세대별 수용 격차, 표준화 부재가 확산의 제약 요인으로 지적되었다. 넷 째, 전통–현대 융합은 접근성과 국제성을 확장하되, 원형 보존과 현대화 간 규범적 균형과 거버넌스 정립 이 필수적이라는 논의가 확인되었다. 시사점으로는 온라인·대면 성과지표 표준화와 지속 가능한 수익 모델(BM) 설계, 온·오프라인 통합 티켓팅 및 데이터 인프라 구축, 제작 프로세스 표준 및 저작권·윤리 프레임 정비, 융합형 인재 양성과 세대별 수용 격차를 고려한 관객 교육을 제안하였다.

This study aims to review music‑centered performing arts research published in Korea from January 2023 to February 2025. Using Korean–English search strings in KCI and RISS and following PRISMA, 74 studies were finally selected. The corpus was coded into five domains: online performance and digital transformation; ecosystem change and audience participation; production practices and technology adoption; tradition–modernity fusion; and convergent/mixed characteristics. Twenty representative studies were selected by domain representativeness and research density and mapped with a standardized comparative matrix (study–context/method–findings–implications). Findings show: online performance has stabilized as a complementary channel; streaming stability, A/V quality, platform usability, and real‑time interactivity drive satisfaction, immersion, and re‑attendance, with genre‑specific online‑to‑offline conversion determinants; a hybrid ecosystem has emerged linking organizations, artists, audiences, platforms, and public support, while immersive/participatory formats position audiences as co‑creators; XR/AR/VR/hologram technologies heighten presence, immersion, and engagement but face diffusion constraints; and tradition–modernity fusion expands accessibility and international reach yet requires balanced governance between preservation and innovation. The implications include standardized online/offline performance metrics and sustainable business models; integrated ticketing and data infrastructure; production‑process standards aligned with IP and ethics frameworks; and hybrid‑talent training together with audience education calibrated to generational differences.

본 연구는 졸업 무용 작품 <Beyond Beauty>의 창작과정과 공연한 작품을 분석한 것이다. 본 작품은 소매틱스(Somatics)의 몸공부(Somatic learning)를 통해 고유수용감각(Proprioceptive sense)을 깨워 창작한 무용 작품이다. 한국의 발레계는 러시아 고전 발레 레파토리와 스타일이 주를 이루고 있으며, 무용 작품 의 창작과 향유 방식이 지나치게 시각 중심적이다. 본 연구의 목적은 다음과 같다. 첫째, 시각 중심의 무 용 관행을 넘어 감각을 통한 춤의 가능성을 제시하고자 한다. 둘째, 보편적인 미의 개념에 도전하여 새로 운 미의식을 제시하고자 한다. 셋째, 본인이 직접 안무한 작품을 제1자적 관점에서 연구하여 텍스트로 기 록하고, 이를 통해 본 연구자만의 안무 메소드를 구축해 향후 창작활동을 향상하는데 기반을 마련하고자 한다. 본 연구방법은 실기기반연구법(Practice Based Research in Dance)을 사용하였다. 5분 25초 길이의 본 작품은 발레와 소매틱 메소드(Somatic method)를 융합하여, 컨템포러리 발레 작품을 창작하였다. 작품 은 제1장 '방황의 시작', 제2장 '아름다움의 탐구', 제3장 '아름다움 초월'로 구성된다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 시각 중심의 무용에서 놓치기 쉬운 감각을 회복하여 몸의 자연스러운 흐름과 새로운 움직임 을 발견하였다. 둘째, 기존의 미의식에서 벗어나 자연스러운 몸의 아우라와 개성 있는 춤을 아름다움이 라 발견하였다. 셋째, K.소매틱 메소드(K.Somatic method)와 발레를 융합한 독창적인 발레 작품을 창작하 여 나만의 발레 안무법을 정립하였다. 본 연구는 관객 연구를 수행하지 못한 점과 공연과 연구 시점에 시간 차이가 있다는 제한점이 있으나, 작품을 연구 텍스트로 기록했다는 의의가 있다. 본 작품은 한국의 클래식 발레에 대한 조용한 도전이자 장르 융합을 통한 발레 지평 확장의 시도이다. 본 연구가 한국 컨 템포러리 발레 활성화와 발레 안무가들에게 창작의 참고가 되기를 기대한다.

This study analyzes the creative process and performance of the graduation dance work Beyond Beauty. The work was created by awakening proprioceptive sense through Somatic learning in Somatics. The Korean ballet scene is dominated by Russian classical ballet repertoires and styles, with dance creation and appreciation being excessively visual-centered. Consequently, dancers often neglect their other senses, and their bodies become objectified and alienated. Additionally, aesthetic consciousness is often standardized. This study challenges these standardized concepts of beauty and explores the unique beauty of individual dancers, implementing and analyzing this process through the work. The purposes of this study are as follows. First, to present the possibilities of dance through sensory awareness beyond visual-centered dance practices. Second, to challenge universal concepts of beauty and present a new aesthetic consciousness. Third, to study the work choreographed by the researcher from a first-person perspective, document it as text, and establish the researcher's own choreographic method to lay the foundation for improving future creative activities. The research method employed was Practice Based Research in Dance. The 5-minute 25-second work fused ballet and Somatic method to create a contemporary ballet piece. The work consists of Chapter 1 "The Beginning of Wandering," Chapter 2 "The Exploration of Beauty," and Chapter 3 "Transcending Beauty." During the creative process, movements naturally derived from proprioceptive sense were composed into dance, focusing on discovering one's own beauty. This study has limitations in not conducting audience research and having a time gap between performance and research, but holds significance in documenting the work as research text. This work represents a quiet challenge to classical ballet in Korea and an attempt to expand ballet's horizons through genre fusion. It is expected that this study will contribute to the activation of Korean contemporary ballet and serve as a reference for ballet choreographers' creative work.

영화 『친절한 금자씨』에 등장하는 비발디 음악은 단순히 장면의 분위기를 조성하는 배경적 요소가 아니라 인물·사건·공간을 정서적으로 연결하며 영화의 감정 구조와 내러티브를 확장시키는 핵심 장치로 작용한다. 본 연구는 박찬욱 감독의 영화 『친절한 금자씨』(2005)에 삽입된 비발디 음악의 특성과 요소들 이 영화의 내러티브 구조에 어떠한 영향을 미치는지 규명하는 것을 목적으로 한다. 먼저 영화음악의 보 편적 기능을 일곱 가지로 정리하고, 이를 바탕으로 영화음악의 기능을 ① 정서적 분위기의 형성, ② 주제 와 내러티브의 강화, ③ 캐릭터의 심리 표현, ④ 미학적 가치 및 영화적 예술성 향상으로 범주화하였다. 연구자는 영화 󰡔친절한 금자씨󰡕에 삽입된 다섯 곡의 비발디 음악을 조성, 선율, 리듬, 화성, 음색, 빠르기, 악기편성 등의 음악의 요소로 분석하였고, 그 내용을 영화의 장면·감정·대사·공간과 맺는 관계성을 창출하여 위의 네 가지 기능으로 설명하였다. 특히 ‘A. Vivaldi Bassoon Concerto RV. 484’는 복수의 절정 에서 긴장감을 고조시키고, ‘A. Vivaldi Concerto RV. 310’의 Largo 악장은 복수에서 모성으로의 감정 전 환을 표현하며, ‘Cantata Cessate, omai cessate RV. 684’는 금자의 내면과 외면의 괴리를 대비시킨다. 결 국 비발디의 음악은 영화 『친절한 금자씨』의 복수와 구원이라는 주제 의식을 미학적으로 재구성하며 감 정·주제·인물·미학을 유기적으로 결합하는 영화적 언어로 기능한다. 따라서 본 연구는 비발디 음악 이 영화 『친절한 금자씨』에서 정서적 완성도와 내러티브 확장을 이끄는 중심적 요소임을 동의할 수 있다. 비발디 음악을 통해 드러나는 내러티브 확장과 그 효과를 위의 네 가지 범주 안에서 음악적으로 분 석하는 데에는 한계가 존재한다. 그러나 본 연구가 향후 영화음악 연구에서 정서 중심의 접근을 넘어, 구조적·서사적 기반 음악 분석 개발에 참고점이 되기를 기대한다.

Antonio Vivaldi’s music in <Sympathy for Lady Vengeance> functions not merely as a background element for creating atmosphere of the scene, but as a core device that emotionally connects characters, events, and spaces, thereby expanding the film’s emotional structure and narrative depth. This study aims to examine how the musical characteristics and elements of Vivaldi’s works in Park Chan Wook’s <Sympathy for Lady Vengeance> (2005) influence the film’s narrative. First, the general functions of film music were reviewed and classified into seven categories, and based on these, the functions were redefined as four analytical dimensions: (1) formation of emotional atmosphere, (2) reinforcement of theme and narrative, (3) expression of character’s mentality, and (4) enhancement of aesthetic and cinematic artistry. The researcher analyzed five Vivaldi compositions featured in the film—focusing on tonality, melody, rhythm, harmony, timbre, tempo, and instrumentation—and interpreted their relationships with cinematic scenes, emotions, dialogue, and spatial contexts as in these four functions. Specifically, ‘Vivaldi’s Bassoon Concerto RV. 484’ intensifies a tension at the climax of revenge; the Largo movement of ‘Vivaldi Concerto RV. 310’expresses the emotional transition from vengeance to maternal compassion; and the aria ‘Cessate, omai cessate RV. 684’ contrasts Geum Ja’s internal anguish with her external façade. Ultimately, Vivaldi’s music aesthetically reconstructs the intertwined themes of revenge and redemption, functioning as a cinematic language that integrates emotion, theme, character, and aesthetics. Therefore, this study reveals that Vivaldi’s music serves as a central role enhancing both the emotional completeness and narrative expansion of <Sympathy for Lady Vengeance>. Nevertheless, this study aims to offer a reference for future research, contributing to a shift from emotion-focused perspectives toward the establishment of structurally and narratively based musical analysis in film music studies.

본 연구는 경기대학교 교수학습개발센터의 ‘변화 교육 공동체’에 참여한 문화 예술 4개 전공 교수 협 업 결과물이다. 융합전공 실습 교육의 질 제고 필요성을 문제의식으로, 각 전공 교수 네트워크 구축과 창 의적 교수법 개발을 연구 배경으로 삼았다. 연구 목적은 미디어융합콘텐츠 융합전공 실습 과목의 효과적 운영 및 개선 방안 제시이다. 연구 방법으로 교수 4인의 협의 및 사례 중심 질적 접근, 플립러닝 등 선행 학습 기반 교수법 적용 과정을 활용했다. 연구 과정에서 각 전공별 실습 역량 요구와 학습자 중심 교육 방안을 도출하였다. 결과적으로, 맞춤형 실습 교수법과 선행학습 콘텐츠 개발이 학생의 자기주도 학습 및 교육 효과를 높이는 데 기여함을 확인했다. 본 연구는 융합전공 실습 교육에서 실천적 교수법과 협업 모델을 제시한 의의가 있으며, 후속 연구와 교육 현장 개선의 기초자료로 활용될 수 있다. 국내외 융합예 술교육에 대한 연구는 주로 기술·예술의 통합적 발전과 학습자 중심의 실습교육 강화 방향에 집중되어 있다. 김태겸·신영섭(2024)은 관객 참여형 자기반영적 연기의 필요성을 제시하며 예술교육의 수평적 상 호작용을 강조하였다. 정하니(2019)는 문화예술교육에서 효과적인 연기지도 방법을 탐색하였고, 정현준 (2025)은 장르 융합 공연의 협업과정에 대한 사례를 제시하였다. 이들 연구는 예술 간 융합의 필요성과 교육적 접근의 다면성을 보여주지만, 타전공 학생을 대상으로 한 실습 중심 융합교육의 구체적 교수법 연구는 상대적으로 부족하다. 따라서 본 연구는 미디어융합콘텐츠 융합전공의 실습 수업을 중심으로 교 수법 개선 및 적용 방안을 실증적으로 제시한다는 데 연구의 의의가 있다.

This study is the result of collaboration between professors of four majors in culture and arts participating in the ‘Change Education Community’ of the Gyeonggi University Teaching and Learning Development Center. The necessity of improving the quality of practical education in convergence major was taken as the background of the study, and the establishment of a teaching network for each major and the development of creative teaching methods were set as the background of the study. The purpose of this study is to present effective operation and improvement plan for the practice course of media convergence content convergence major. As a research method, the process of applying prior learning-based teaching method such as consultation with four professors, case-oriented qualitative approach, and flip learning was used. In the research process, the demand for practical competency for each major and learner-centered education plan were derived. As a result, it was confirmed that the development of customized practical teaching method and prior learning content contributed to enhancing the effectiveness of students' self-directed learning and education. This study is meaningful in presenting practical teaching method and collaborative model in convergence major practical education and can be used as basic data for follow-up research and improvement of the educational field. Research on convergence arts education at home and abroad is mainly focused on the integrated development of technology and arts and the direction of reinforcement of learner-centered practical education. Park Jin-tae (2018) emphasized the utility of role acting in realizing creativity-based convergence talents, and Seo Sang-gyu (2023) discussed the possibility of expanding art through the case of convergence of digital technology and acting art. These studies show the necessity of convergence between arts and the multifacetedness of an educational approach, but research on specific teaching methods of practice-oriented convergence education for other major students is relatively insufficient. Therefore, this study is meaningful in that it empirically presents a plan to improve and apply teaching methods, focusing on practical classes for media convergence contents convergence majors.

본 연구는 안무가 김보라와 국립현대무용단의 작품 <내가 물에서 본 것(What I Sense in the Matter)> 을 물질성에 따른 시노그라피(scenography)와 수행적 애도(performative mourning)의 드라마투르그로 재 해석하였다. 구체적으로 말할 수 없는 것의 현현(顯現)을 관객의 수행적 애도의 감각적 체험으로 모색하 였다. 앞서 이 공연은 안무가의 개인적 경험에서 출발하여 안무가 스스로의 몸으로 지각한 난임 시술 과 정을 ‘물(water)’의 감각적 모티프에서 착안하여 ‘물질, 물의를 빚는(matter)’으로 개념의 층위를 확장하였 다. 여기서 기호화된 물의 해석에 따른 안무가의 시선은 퍼포머의 체화된 신체에서 발현되는 물질성의 비선형적 감각의 해체를 수행적 애도로 연결하였다. 특히 가변적 속성을 띠는 오브제로서의 물은 파편화 된 감각을 왜곡된 몸의 의미와 와해된 질서로 형상화된 태아의 탄생과 죽음의 경계를 묘사하였다. 다시 말해 ‘존재하지 않음’의 상태를 끊임없이 ‘존재함’의 시노그라피와 퍼포머의 몸을 중립적인 상태(Neutral state)로 현전할 때, 관객에게 구체화된 퍼포먼스 텍스트의 감각을 제공하였다. 첫째, 무대 위의 물은 퍼 포머의 신체와 충돌함으로써 관계 맺는 타자적 존재로 기능하며 사건의 불연속적인 전개로 구성된다. 둘 째, 모든 퍼포머는 통제 불가능한 물질성과의 시공간에서 정해진 안무를 벗어남으로써 비재현적 수행성 으로 귀결된다. 셋째, 반복과 지연, 파편화된 시간 구조는 서사의 선형성을 해체하고, 날것의 공감각에 따른 물의 메타포의 다층적 해석을 시도한다. 퍼포먼스를 관통하는 생명의 탄생과 죽음의 경계에 머물러 있는 여성의 난임 시술 과정은 낯섬(uncanny)의 추상적 감각을 다소 거칠고 난해한 음향(sound)과 기괴한 몸의 시노그라피로 드러냄으로써 발화되지 못한 경험과 상실을 공유하는 수행적 애도의 장을 마련하였 다. 물론 단일 작품 분석이라는 한계가 있으나 신체의 현상학, 트라우마의 현현, 정동적 전이, 물질적 몽 상과 같은 동시대 퍼포머의 몸이 갖는 퍼포먼스 텍스트로의 전환이 연극적 장치로 재조명함으로써 연극 적 의의를 도모할 수 있다. 나아가 무용공연을 연극적 드라마트루그로 재해석함으로써 융합예술의 감각 적 체험의 관계를 새롭게 정의하는 학문적 기여를 제공할 것으로 기대한다.

This study reinterprets What I Sense in the Matter, choreographed by Kim Bora and produced by the Korea National Contemporary Dance Company, through the dramaturgical framework of scenography informed by materiality and performative mourning. It explores how the performance manifests the “unspeakable” as a sensory experience of mourning shared between the performer and the audience. Originating from the choreographer’s personal experience with infertility treatment, the work expands the conceptual dimension of “matter” beyond its sensory motif of “water” from a physical substance to a metaphor for material agency and affective disturbance. Within this dramaturgical structure, Kim’s interpretive engagement with the semiotics of water connects the nonlinear disintegration of material sensations embodied by the performer’s body to an act of performative mourning. Water, as an object of mutable agency, materializes fragmented sensations, distorted corporeal meanings, and disordered images at the threshold between birth and death. First, water on stage functions as an othered entity that collides and negotiates with the performer’s body, generating a discontinuous dramaturgical flow. Second, within the unpredictable temporality of material resistance, the performers deviate from predetermined choreography, resulting in non-representational performativity. Third, repetition, delay, and fragmented temporal structures dismantle narrative linearity, suspending the audience’s interpretive desire and inviting instead a multilayered, synesthetic engagement with the metaphor of water. Situated at the threshold between birth and death, the performance reveals the abstract sensation of the uncanny through harsh, fragmented soundscapes and grotesque corporeal scenography. It thereby constructs a space of performative mourning that enables the sharing of unspoken experiences and loss. Although limited to a single case study, this research illuminates the theatrical significance of the performer’s body as performance text by engaging with contemporary discourses on the phenomenology of the body, manifestation of trauma, affective transmission, and material imagination. Ultimately, by reinterpreting contemporary dance through a theatrical dramaturgical lense, this study contributes to redefining the relational and sensory dimensions of interdisciplinary performance art.

콘텐츠산업의 급성장 속 국내 원천 IP의 다각화는 취약한 구조를 보인다. 이러한 상황에서 단일 IP가 다양한 분야로 확장한 사례에 관한 연구는 매우 부족한 상황이다. 이러한 학문적 공백을 메우기 위한 연 구의 필요성을 찾을 수 있다. 본 연구는 단일 IP의 성공적인 확장 사례로 판단되는 포켓몬스터를 중심으 로 IP 확장의 단계별 과정을 분석하고 핵심 성공요인을 규명하여 국내 IP 사업 다각화를 위한 가이드 제 시를 목적으로 한다. 이를 위하여 콘텐츠진흥원 등의 공식적인 자료와 언론 기사 등의 자료를 수집 및 분석하여 포켓몬스터의 확장을 연대기적 서술과 범주화하여 성공요인을 도출했다. 이후 나 혼자만 레벨 업, 캐치! 티닝핑 등 국내 사례와의 비교 분석을 통해 적용 가능성을 검토하였다. 결과 포켓몬스터 IP 확 장은 미디어믹스 기초 구축, 해외 진출 및 전략적 파트너십 구축, 비즈니스 모델 혁신, 디지털 혁신과 글 로벌 플랫폼 확장으로 구분되었다. 이러한 과정에서 동시다발적 기획, 다양한 희소성 이벤트, 전략적 제 휴 등의 다양한 성공요인을 확인하였다. 이를 바탕으로 국내 IP 확장을 위해 기획부터 고려한 다채널 동 시 전개, 전략적 파트너십 구축, IP 관리 체계 및 플랫폼 전략 수립 등의 필요성을 확인하였다. 본 연구는 단일 사례 기반의 연구 결과를 일반화하는 것에 대한 한계와 기존 연구의 부족으로 인한 자료 수집에 한 계를 노출하였다. 하지만 단일 IP가 동시다발적으로 다양한 분야로 확장하는 포켓몬스터의 사례를 체계 화하고 이론적 모델을 제시함으로 학문적 공백을 메웠다. 또한 국내의 콘텐츠 IP 생태계 구축을 촉진하 기 위한 다양한 시사점을 제시함으로 실무적 관점의 전략 수립을 위한 가이드라인을 제시하였다.

Amid the rapid growth of the content industry, the diversification of domestic source IP shows a weak structure. In this situation, research on cases where a single IP has been expanded to various fields is insufficient. The necessity of research to fill this academic gap can be found. The purpose of this study is to present a guide for diversifying domestic IP businesses by analyzing the IP expansion process step by step, focusing on Pokémon, which is judged to be a successful expansion case of a single IP, and identifying key success factors. To this end, by collecting and analyzing publicly available data such as the Korea Creative Content Agency and media articles, the expansion of Pokémon was chronologically described and categorized to derive success factors. After that, I was the only one who reviewed the applicability through comparative analysis with domestic cases such as level-up, catch! Tining, etc. As a result, the expansion of Pokémon IP was divided into media mix foundation construction, overseas expansion and strategic partnership construction, business model innovation, digital innovation, and global platform expansion. In this process, success factors such as simultaneous planning, various scarcity events, and strategic alliances were identified. Based on this, the necessity of simultaneous multi-channel deployment, strategic partnership establishment, IP management system, and platform strategy establishment was confirmed from planning to expanding domestic IP. This study exposed the limitations of generalization based on a single case and the limitations of data collection due to the lack of existing studies. However, it filled the academic gap by systematizing the cases of Pokémon in which a single IP expands to various fields simultaneously and presenting a theoretical model. In addition, by presenting various implications for promoting the establishment of a domestic content IP ecosystem, guidelines for establishing strategies from a practical perspective were presented.

본 연구는 예술계 대학생을 대상으로 4차 산업혁명에 대한 인식이 창업행동에 미치는 영향을 실증적으로 분석하고, 이 과정에서 대학 창업지원프로그램과 창업의지를 매개변수로 설정하여 각 변수 간의 구조적 관계를 규명하고자 하였다. 특히 4차 산업혁명이라는 시대적 변화에 대응하여 예술 전공 학생들이 갖는 인식이 창업행동으로 이어지는 과정을 다차원적으로 분석함으로써, 창업 행동을 설명하는 이론적 모형을 제안하였다. 연구의 대상은 지난 2025년 1월 1일 부터 ~ 2025년 4월 1일 까지 전국의 예술계 대학에 재학 중인 대학생 103명이며, 수집된 데이터를 바탕으로 구조방정식모형을 통해 변수 간의 직접효과, 단일 매개효 과, 이중 매개효과를 검증하였다. 연구 결과, 첫째, 4차 산업혁명 인식은 창업의지와 창업행동에 모두 유의미 한 정(+)의 영향이 나타났다. 둘째, 대학 창업지원프로그램은 4차 산업혁명 인식과 창업행동 간의 관계에서 매개변인으로 유의미하게 작용하였으며, 셋째, 창업의지도 역시 창업행동을 유의미하게 예측하는 요인으로 작용하였다. 마지막으로, 대학 창업지원프로그램과 창업의지를 동시에 고려한 이중매개모형 분석 결과, 두 변수 모두 유의한 간접효과를 가지는 것으로 나타나, 4차 산업혁명 인식이 창업행동으로 전이되는 과정에서 외적 요인과 내적 요인이 복합적으로 영향을 미친다는 점을 시사하였다. 본 연구는 예술계 대학생을 중심으로 창업행동에 영향을 미치는 다양한 요인을 통합적으로 검토하고, 특히 4차 산업혁명 기술 인식과 관련된 창업행동의 다차원적 접근을 실증적으로 제시하였다는 점에서 이론적 및 실천적 의의를 갖는다. 또한 대학 내 창업교육의 방향성 정립과 제도적 지원체계 개선을 위한 정책적 시사점을 제공할 수 있을 것으로 기대된 다. 다만, 연구대상 수의 한계로 창업지원프로그램의 질적 수준이나 실행 강도를 충분히 반영하지 못하였고, 4차 산업혁명 인식 측정이 인식 수준에 국한된 점은 한계로 남는다.

This study empirically examined the effect of perceptions of the Fourth Industrial Revolution on entrepreneurial behavior among arts major university students, and identified the structural relationships among the variables by specifying university entrepreneurship support programs and entrepreneurial intention as mediators. In particular, by analyzing how arts students’ perceptions formed in response to the paradigm shift of the Fourth Industrial Revolution are translated into actual entrepreneurial behavior, the study proposes a theoretical model that explains entrepreneurial behavior in a multidimensional manner. The results showed, first, that perceptions of the Fourth Industrial Revolution had a significant positive effect on both entrepreneurial intention and entrepreneurial behavior. Second, university entrepreneurship support programs functioned as a significant mediator in the relationship between perceptions of the Fourth Industrial Revolution and entrepreneurial behavior. Third, entrepreneurial intention also significantly predicted entrepreneurial behavior. Finally, the analysis of the dual mediation model that simultaneously included university entrepreneurship support programs and entrepreneurial intention revealed significant indirect effects for both variables, indicating that both external factors and internal factors operate in combination when perceptions of the Fourth Industrial Revolution are transferred into entrepreneurial behavior. It is also expected to provide policy implications for establishing the direction of entrepreneurship education within universities and for improving institutional support systems. However, the study is limited in that, due to the relatively small sample size, it could not sufficiently reflect the qualitative level or intensity of entrepreneurship support programs, and the measurement of perceptions of the Fourth Industrial Revolution was confined to the level of perception.

본 연구는 급변하는 문화예술 산업 환경과 고등교육의 구조적 전환 속에서 음악대학 교육과정에 공연 예술 기획 교육을 도입하기 위해 수행되었다. 기존 음악교육은 연주·이론 중심 혹은 창작·실연 중심으 로 이원화되어, 공연 기획과 운영에 필요한 실무 역량을 충분히 제공하지 못했다. 그러나 현대 공연예술 산업은 단순한 연주 능력을 넘어 기획, 예산, 홍보·마케팅, 성과 분석 등 복합적 능력을 요구하며, 학생 들의 진로도 연주자에서 기획자, 행정가, 창작자 등으로 다변화되고 있다. 이러한 상황 속에서 S 대학은 음악학부와 실용음악과의 통합을 추진하였고, 이는 전공을 넘어 모든 학생이 공통적으로 기획역량을 습 득할 수 있는 교과목 개발을 필요로 하였다. 본 연구는 ‘문화예술 공연 기획 실습’ 교과목을 사례로 융합 적 음악교육의 필요성과 가능성을 검증하였다. 연구는 문헌연구, 요구분석, 교과목 설계, 활용방안 제시 의 네 단계로 진행되었다. 문헌연구에서는 공연예술 기획과 융합 교육 관련 선행연구를 검토하였고, 요 구분석은 재학생·산업체·전문가 설문을 통해 핵심 역량을 확인하였다. 교과목 설계에서는 단계적 심 화 구조(scaffolding)와 프로젝트 기반 학습(PBL)을 적용하여 학습자가 기초 개념 이해에서 실무 적용과 성과물 산출에 이르도록 구성하였다. 마지막으로 활용방안에서는 교과과정 로드맵과 모듈·트랙 구성을 통해 학과 차원의 확장 가능성을 모색하였다. 분석 결과, 공연예술 기획 교육은 학문적·실천적 측면 모 두에서 필수적이며, 요구분석을 반영한 교과목 설계는 학생들에게 현장성과 학문성을 결합한 학습 경험 을 제공할 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 특정 대학 사례와 실제 운영 전 단계라는 한계를 가지나, 학 과 통합 맥락에서 개발된 교과목이라는 점에서 정책적 의의가 크다. 나아가 제안된 교과목은 단일 과목 을 넘어 학과 차원의 융합 교육 모델로 발전할 수 있으며, 공연예술 산업 전반에서 요구되는 인재 양성에 기여할 것이다.

This study examines the development of a convergent performance planning course within music education, addressing rapid changes in the cultural industries and structural shifts in higher education. Traditional music programs, often divided between performance and theory or between composition and practice, have not sufficiently reflected the demand for practical and interdisciplinary skills. Today, the performing arts field requires students to acquire competencies not only in music-making but also in planning, budgeting, digital promotion, and evaluation. Career pathways for music majors have similarly diversified, extending beyond performers and educators to roles as planners, administrators, content producers, and entrepreneurs. Within this context, the integration of the Department of Music and the Department of Applied Music at S University underscored the importance of creating a course through which all students, regardless of specialization, could build convergent competencies essential to the performing arts. The research was conducted in four stages: literature review, needs analysis, course design, and application strategies. Needs analysis included surveys of students, industry practitioners, and experts to identify key skills required in practice. The course was then designed using scaffolding and project-based learning (PBL), allowing students to progress from conceptual understanding to practical project execution. A curriculum roadmap and modular track system were further proposed to expand the course into a sustainable framework for convergent education. Although limited to a single institutional case and prior to classroom implementation, the study shows that performance planning can serve as a core competency in music education. It provides academic and practical insights that may inform curriculum reform and contribute to training versatile professionals capable of innovation in the performing arts sector.