Earticle

로버트 드 니로는 1970년대에서 80년대 미국의 헐리우드 배우의 아이콘이자, 미국 영화산업 및 영화배우의 연기 창조에 있어 명실 공히 인정받는 배우이다. 그는 <대부 Ⅱ>(God Father Ⅱ)에서 아카데미 최우수 남우조연상, <성난 황소>(Raging Bull)에서는 아카데미 최우수 남우주연상을 수상하였고, 기타 영화제에서 다수의 부분에서 수상하였으며, 현재까지 약 100여편에 이르는 작품에 출연하며 연기인생을 펼치고 있다. 로버트 드 니로는 아메리칸 액팅 메소드(American Acting Method)의 선구주자라 할 수 있는 스텔라 애들러(Stella Adler)의 콘서바토리(Conservatory)에서 수학을 하였다. 이후 리 스트라스버그(Lee Strasburg)의 액터스 스튜디오(Actors Studio)에서 연기훈련을 진행하고, 이를 통해 “훈련된 배우”라는 칭호를 받으며 현재까지도 계속적으로 작품을 통해 자신만의 독보적인 인물로 표현한다. 많은 배우들이 다양한 인물을 표현하기 때문에 많은 분석의 과정을 거치고 있지만, 특히 로버트 드 니로는 ‘드 니로 어프로치’(De Niro Approach)라는 새로운 연기적 개념이 생겨날 만큼 돋보적인 메소드 액팅을 통해 그만의 인물창조 및 인물 형상화 과정을 거치고 있다. 그는 연기 창조의 방식에 있어 결과보다는 과정을 중요시하고 있고, 순간순간의 집중을 통해 인물을 단순히 재현하거나 창조하는 것이 아니라 그 역할로 동화되고 흡수되는 연기를 펼친다. 그가 그만의 노하우로 인물을 창조하며 관객들에게 칭송 받을 수 있는 것은 인물창조의 전 과정에 있어 끊임없이 연구하고 노력하였기 때문이라고 사료된다. 이에 본 연구에서는 그의 인물 창조 과정을 관찰에 의한 인물 창조, 경험에 의한 인물 구축, 그의 ‘드니로 어프로치’를 통한 인물의 외적 조건 형성 등의 세 가지 측면을 중심으로 그가 실제로 연기했던 작품들 중 메소드 연기방식을 통해 인물창조를 한 작품을 중심으로 사례를 분석해 보고자 한다.

Robert De Niro is an iconic actor in American Hollywood in the 1970s and 1980s. Moreover, he is a renowned actor in the American film industry and recognized for his acting creation as a film actor. He won an Academy Award for Best Actor in a Supporting Role in “God Father II and an Academy Award for Best Actor” in “Raging Bull”. Moreover, he won numerous awards at other film festivals and has appeared in nearly 100 films, pursuing his acting career. Many actors go through a lot of analyses because they portray a variety of characters. Robert De Niro, in particular, goes through his own character creation and character formation process using his matchless Method acting, which even created a new acting concept, called “De Niro Approach.” Therefore, this study aimed to analyze cases focusing on films, in which he created characters through Method acting, emphasizing three aspects of his character creation process (i.e. character creating by observation, character construction by experience, and formation of a character’s external conditions through his “De Niro Approach”). Hope that the results of this study would be helpful for many researchers to understand Robert De Niro’s acting career or the character creation of Method acting. Performance is one of the oldest human artistic practices. It is not an exaggeration to say that all humans have DNA to act. Societies and cultures, such as sons, spouses, teachers, writers, etc, have defined individuals as diverse roles and humans have been educated to act according to their prescribed roles. We are acting and acting every day for the right behavior for each role. Therefore, movies and performances are closely related. Also, in the case of the non-verbal version, which is represented by the presenter, it is an extended performance movie format of Live Cinema which is a combination of cinema and performance.

이 연구는 다양한 문화예술교육 현장에서 이루어지고 있는 학교 연극교육의 대상자에 따른 공연과정 중심의 연기지도방법을 알아보고 효과적으로 차용되고 있는 국어 교과 안 문학적 텍스트의 공연 텍스트 이해와 지도방법을 연구해 보고자 한다. 그리스 시대의 연극은 단순한 오락의 수단으로만 생각한 것이 아니라, 그들의 역사를 알고 인간을 배우는 수단으로 작용했다. 오늘날의 연극, 특히 학교 안에서 이루어지는 연극을 통해 배우는 교육은 매우 중요하다. 그리스 시대 국민 상호 간의 친화력을 기르고, 더 나아가 협동 정신을 고취하는 수단으로 활용된 연극은 오늘날까지도 그 맥락을 이어받아 직·간접적인 수단으로, 교육의 매개체로 응용되고 있다(이근삼, 2007). 2000년대 이후, 연극이 초·중·고등학교 교육 현장 안팎에서 다양하게 활용되고 있으며, 이밖에도 학교폭력·성폭력 예방, 인성·다문화 이해 등의 부문에서도 문화예술교육이 효과적인 수단으로 다양하게 활용되고 있다. 문화예술교육이 학교 교육 안에서 다양하게 수단으로 활용되고 있는 만큼, 그 교육의 방법이 공연제작과정을 통해 연령에 따라 어떻게 적용하고 지도할 것 인가에 대해 연구할 필요성이 있다. 교육연극은 새로운 결과물 창출보다는 만들어가는 그 과정 안에서 형성되는 교육적 측면이 주목된다. 오늘날, 다양한 기관에서 시행하고 있는 문화예술교육의 실태와 현황들을 살펴보고, 나아가 연극교육 안에서 공연제작과정의 적용 범위와 대상자에 따른 공연적용 양식에 대한 효과적인 방법론을 연구해 보고자 한다.

The objectives of this study were to evaluate the acting instruction methods centered on the performance according to the subjects of school theater education, conducted in various culture and arts education sites, and to examine the understanding of performance texts of literary texts in the Korean Literature textbooks, which have been effectively borrowed. The theater of the Greek era was used as a means of learning their history and knowing human beings, more than a simple entertainment tool. Education through theater, especially theater education conducted in schools, is very important. The theater was used as a means to cultivate sociability between people and further inspire the spirit of cooperation, and it is applied as a medium of education through direct and indirect means in the same context (Lee, 2007). Since the 2000s, the theater education has been used in various ways within and outside of elementary, middle, and high schools. Moreover, the culture and arts education has been used in various ways as an effective means in various areas including school violence and sexual violence prevention as well as humanity and multi-culture understanding. As the culture and arts education is used in various ways in school education, it is necessary to study how the methods of the education should be applied and used according to age through the performance production process. The educational play draws attention for the educational aspect that is formed in the process of making it, rather than creating new results. This study aimed to examine the (actual state and) current status of the culture and arts education conducted in various institutions, the application range of theater education, and the effective methodology of performance application style according to the subjects.

‘백사전’의 이야기와 캐릭터는 시대의 변천 및 문화 발전의 큰 흐름 속에서 서로 다른 심미적 가치를 지닌 창작자에 의해 새롭게 각색되었다. 특히 ‘백사' 와 ‘청사' 두 주요 인물의 캐릭터 묘사와 갈등의 충돌 역시 당시 사회적 배경 아래 사람들의 희비와 애증을 표현하고 있다. 본 논문은 여성중심시각으로, 문헌자료로부터 ‘백사와 청사’캐릭터의 연속성과 변천과정을 연구 한다. 당 전기 ‘이황’, 송원화본 ‘서호삼탑기’, 명나라 ‘백랑자 영진 뇌봉탑’, 청나라 ‘뇌봉탑’, 경극문본 ‘백사전’, 현대문학소설 ‘청사’ 등 명확한 문헌기록 자료를 비롯해, 경극 ‘백사전’, 무용극 ‘백사전’, 영화 ‘청사’, 연극 ‘청사’등 시각화된 작품의 분석을 통해, ‘백사’와 ‘청사’의 연기변화와 캐릭터 발전의 연속성과 변이성을 탐구한다. 연구와 분석의 과정 및 결론을 통해 시대의 변천과 문명의 발전에 따라, 여성의 의식과 사회적 지위에도 커다란 변화가 일어나고 있음을 알 수 있다. 여성의 사상, 사유, 행위, 개성, 그리고 언어의 변화는 여성의 의식의 각성과 해방이며, 이 변화의 발전 과정은 ‘백사전’의 시대별 여러 예술 형식의 작품에서도 잘 드러난다. 문화원형으로서 ‘왕성한 생명력’을 지닌 ‘백사전’은 여전히 정형화되지 않았으며, ‘백사전’을 재해석하고 해체해 전통 원형에 새로운 활력을 불어넣을 수 있는 창작자를 기다린다고 할 수 있다. 미래 ‘백사전’의 재구성과 각색은 현대 사회의 의식을 중심으로, 시대적 특색과 반성의 정신을 가지고, 각기 다른 각색자가 서로 다른 사고의 시각에서 해석해야한다. ‘백사전’의 다원화, 사회생활에 더 밀착된 스토리텔링 개발, 스토리 구조 충돌 및 캐릭터를 부각시키고, 작품에 새로운 의미를 부여해, 전통소재와 캐릭터의 전승과 발전을 촉진해야 할 것이다.

The shaping of the two main characters, i.e. “White Snake” and “Green Snake”, and the transformation of conflicts, in particular, have depicted the sorrows and joys, as well as love and hatred in the world. From the female-centered perspective and based on the storyline, this thesis studies the continuation and evolution of “White Snake” and “Green Snake”, and through the explorative analysis of not only the exact written record, such as the legend of Tang Dynasty Li Huang, the Song-Yuan script Three Pagodas of West Lake, the Ming Dynasty The White Snake Kept In Leifeng Tower Forever, the Qing Dynasty Leifeng Tower, Peking Opera text The Legend of White Snake, Modern literary novel The Green Snake, but also the classic visual works of Peking Opera and dance drama The Legend of White Snake, movie and drama Green Snake, this thesis sorts out and expounds the evolution of the characters of “White Snake” and “Green Snake” so as to explore the continuity and variability of the character development. As a cultural prototype, The Legend of the White Snake “has a strong vitality, and it is not yet finalized. It is still waiting for creative revolutionaries. By revolutionizing and decoding the legend, the thesis aims to inject new vitality into the traditional prototype.” Reconstructing and adapting the legend in the future should focus on the modern social consciousness with the characteristics of the times and the spirit of reflection. It will also give new meaning to the script and promote the inheritance and development of classic stories and characters.

영화배우는 현장에 있으므로 빛이 나야 되는 존재이다. 그러기 위해서 현장에 들어가기 전에 준비해야 되는 사항이 매우 많다. 우선 연기자로서의 기본 훈련은 꼭 필요하다. “출연만 시켜 주신다면 최선을 다해서 무슨 역이든 다 하겠습니다.” 라고 생각을 하는 초보자들이 의외로 많다. 이는 당연한 그들의 바램 일 것이다. 그러나 현실은 신인일지라도 이미 갖추어 진 전문 연기자를 원하는 것 또한 엄연한 제작자들의 확고한 생각이다. 그래서 연기자는 끊임없는 연기훈련과 연기외의 다양한 지식을 습득하는 것은 평생 가지고 가야할 배우의 의무이다. 영화연기의 예를 들어보자. 연극 연기와 다르게 영화의 연기자는 영화에 대한 다양한 지식을 이해해야 한다. 영화배우의 영화연기 요소가 때로는 오브제나 미장센으로서 감독이 표현 하고자 하는 선택 수단에 불과 할 수 있다. 이는 촬영현장에서의 조명, 촬영, 편집 등의 변화에 따라 연기의 감정이나 내용이 달라지는 것을 통해서도 확인 할 수 있다. 배우의 설정이 감독이 원하는 방향의 캐릭터인지, 그 인물과 감정을 감독이 바라는 방향으로 이끌어 가는지, 상대와 스태프들의 의견과 동일하게 진행 되는지 확인 하여야 한다. 준비가 다 되면 촬영장에서 리허설을 하고 본 촬영에 들어가게 되는데 이때 본인의 연기가 다양한 각도에서 같은 장면을 촬영할 때 이질감이 없는지도 고려해야 하는 것이 배우의 역할이다. 하지만 신인배우들은 이러한 현장에 대한 경험과 지식이 부족하기 때문에 현장에 대한 어려움이 생기는데 이때 생기는 현장에 대한 문제들이 왜 생기는지, 그리고 현장에 오기 전 인식은 무엇인지 인터뷰와 설문의 비교 연구를 통해 감독과 신인배우에 대한 인식의 간극을 줄이고자 한다. 현장에서의 시간은 곧 작품의 질적 관계와 깊은 연관을 가지고 있다. 이 연구는 원활한 현장의 진행의 도움과 좋은 작품의 결과를 위해 필요한 가치가 있는 연구라고 생각한다.

Movie stars shine when they are on the scene. In order to do so, there are a lot of things to prepare before entering the field. First of all, basic training as an actor is essential. There are surprisingly many beginners who think, "I'll do my best and do my best if you let me."This would be their natural wish. But the reality is that even a rookie wants a professional performer who is already in place, too, is the firm idea of the grim producers. So it is the actor's duty to take with him a lifetime to acquire a variety of knowledge other than constant acting training and acting. Take an example of movie acting. Unlike theater acting, actors in movies must understand a variety of knowledge about movies. In addition, roles should be given to understand the flow of the entire scenario, identify character tendencies and personalities, and quickly acquire story composition. It should be checked whether the actor's settings are characters in the direction the director wants, whether he leads the character and emotions in the direction the director wants, and whether they go in the same way as the opinions of the opponents and the staff. However, new actors lack experience and knowledge on these sites, which creates difficulties in the field, and they want to reduce the gap between director and new actors' perception through interview. The time at the filming site is soon associated with the quality relationship of the work. I think this is a study that is worth the effort for the help of the smooth progress of the field and the results of good work.

이 논문에서는 거문고 병창의 아동 전통음악 참여동기에 대한 콘텐츠 활용방안 고찰을 적벽가 중 새타령의 노래선율과 거문고 선율의 연주구조를 중심으로 살펴보았다. 통상적으로 노래선율과 반주선율의 관계에 있어서 거문고의 역할은 노래선율의 반주 역할 외에도 장단, 지휘의 기능을 할 뿐 아니라 노래의 선율을 강조하기 위한 역할을 한다. 따라서 가야금병창에서 가야금의 역할과 동일하게 다양한 역할을 하고 있음을 확인 할 수 있다. 그러나 가야금 병창과 달리 거문고 병창은 활성화되지 못하고 있는 실정이다. 신쾌동에 이어 김영재에게 전해지는 것은 3곡밖에 되지는 않으나 최영훈이 남도 민요와 판소리의 새로운 레퍼토리로 거문고 병창을 했다는 것은 거문고 병창의 새로운 가능성을 보여주고 있다. 따라서 앞으로 거문고 병창이 성악양식의 한 장르로 활성화될 뿐 아니라 전통음악의 전수를 위한 아동의 전통음악 참여동기에 대한 콘텐츠로도 지속적인 개발이 필요할 것이다. 또한 전통음악의 전수를 위하여 남도 민요와 판소리 뿐만 아니라 경기민요와 서도소리 등의 다양한 노래 선율과 창법에 맞춰 거문고 연주의 주법을 다양하게 개발하고 이를 아동의 전통음악 참여동기로 활용하는 방안에 대한 지속적인 콘텐츠 개발 연구가 필요하다. 이러한 방안은 향후 거문고의 문화적 가치를 함양하고 후손에게 예술적 문화전승에 기여하는 바가 클 것이라 사료된다. 이에 본 논문이 거문고의 세대 간 문화전수 및 콘텐츠 개발에 도움이 되었으면 한다.

In this paper, the study on the use of contents for children's traditional music participation motivation in Geomungo Byeongchang has been focused on the performance structure of the singing melody and the lyric of the saetaryeong among the red-walled streets. Usually, Geomungo's role in the relationship between song melody and anti-mainstream rate is not only to play the role of accompaniment, but also to emphasize the melody of songs as well as to play the role of rhythm and direction. Therefore, it can be confirmed that the gayageum is playing the same role as the gayageum in the Gayageum Byeongchang. Unlike Gayageum bars, however, Geomungo bars are not activated. There are only three songs to be passed on to Kim Young-jae following Sinheung-dong, but the fact that Choi Young-hoon had a military funeral for Geomungo with a new repertoire of Namdo folk songs and pansori shows new possibilities for Geomungo Byeongchang. For the transfer of traditional music, it is necessary to develop diverse methods of playing Geomungo in accordance with various singing melodies and singing styles such as Gyeonggi folk songs and Seodo sori, as well as continuous content development research on how to use it as a child's motivation to participate in traditional music.

현대 공연에서 뉴 미디어의 출현으로 공연 예술의 환경 또한 많은 변화를 가져왔다. 변화된 환경으로 인해 그 표현 방법까지 다양해져 ‘기본 원칙이 새롭게 정의되어야 할 필요성이 있는’(김형기, 2014) 뉴 미디어 예술의 시대가 도래 한 것이다. 표현방법에 따라 진화해 온 공연의 역사에서 뉴 미디어의 활용은 지금의 공연 문화는 물론 미래의 공연 문화까지도 주도할 것이라는 예측이 지배적이다. 그럼에도 불구하고 현재 뉴 미디어의 기술을 활용한 공연 예술의 표현방법은 그 대중화를 이루지 못하고 있다. 여러 가지 이유를 들 수 있겠지만 우선적으로 정형화되고 싶지 않은 예술의 분야와 정형화되기를 원하는 IT기술 분야 간의 충돌이라 할 수 있을 것이다. 각 기술 간의 이해가 부족하고 그 기술 간의 융합 모델도 많지 않으며 각 기술 간의 융합적인 시도와 그 구체적인 사례연구도 부족하기 때문이다. 따라서 본 논문에서는 선행학습으로 뉴 미디어의 개념과 공연 예술에 표현된 뉴 미디어의 활용사례를 연구하고 뉴 미디어의 한 분야라 할 수 있는 리얼타임 애니메이션 기법을 기반으로 새로운 공연 예술 표현의 방법을 제안하고자 한다. 그 제안의 내용으로는 첫째 공연의 구체적인 모델을 제시하고, 둘째 그 모델의 구현 방법에 관해 이론적으로 설명하며, 셋째 그 모델로 구현된 공연의 활용방법에 대해 이야기 하고자 한다. 특히 활용방법에서는 본 저자가 직접 기획하고 연출한 공연 사례를 중심으로 리얼타임 애니매이션 기법을 이용한 구체적인 공연 모델을 소개하고 향후 활용 계획을 이야기 한다.

With the advent of new media in contemporary performances, the environment of performing arts has also changed a lot. The new media arts have come to the age when ‘the basic principles need to be newly defined' (Kim, 2014). The use of new media in the history of performances that have evolved according to the way of expression is predominantly predicted that it will lead not only the present performance culture but also future performance culture. Nevertheless, the way of expressing the performing arts using the new media technology has not been popularized. There are many reasons for this, but it can be said that it is a conflict between the field of art that does not want to be stereotyped first and the field of IT technology that wants to be stereotyped. The lack of understanding between technologies and the lack of convergence models among the technologies make it difficult to integrate each technology and its specific case studies. In this paper, we propose a new method of expressing new performing arts based on real - time animation technique which can be considered as a field of new media by studying the concept of new media and the use cases of new media expressed in performing arts by prior learning I want to. The contents of the proposal are to present a concrete model of the first performance, secondly to explain the method of implementation of the model theoretically, and thirdly to talk about how to use the performance implemented in the model. In particular, we will introduce concrete performance models using real-time animation techniques, focusing on performances produced and directed by the author, and discuss future plans for use.

최근에 한국의 영화가 빠르게 발전하면서 질 높은 작품들이 집단적으로 나타났다. 사회 현실을 주제로 하는 예술 영화, 할리우드 영화를 따라하는 작품 등, 다양한 스타일을 통해 큰 관심을 받게 되었으며 아시아와 전 세계적으로 영향을 미치기 시작했다. 범죄 영화는 한국에서 자주 다루는 장르이다. 1999년부터 지금까지 해마다 7-8개의 범죄 영화가 출시되고 있다. 이중에서 2-3개의 작품이 그해 한국 10대 영화에 들어갔다. 범죄 주제는 한국 관객들의 많은 사랑을 받게 되었고 다른 나라들과 다른 새로운 범죄 영화 장르가 생겨났다. 중국에서 한국 영화 <블라인드(2011)>를 리메이크한 <나는 증인이다(2015)>, 한국 영화 <숨바꼭질(2013)>를 리메이크한 <숨바꼭질(2016)>, <끝까지 간다>(2014)를 리메이크한 <파국>(2017) 등 영화는 좋은 반응을 얻어내지 못했다. 2019년 설 시즌에 상영된 <베테랑>(2015)를 리메이크한 <대인물>은 “현지화 전략”을 사용하여 원작을 재건했다. 주제, 배경, 줄거리, 캐릭터 등을 중국 사정에 맞게 재편하여 높은 평가를 받고 많은 관객 수를 획득했다. 이 영화는 한국 범죄 영화를 리메이크하는 중국 영화 제작사의 높은 수준을 보여주었다. 본문에서는 <베테랑>을 리메이크한 <대인물>을 사례로 분석했다. 현지화와 그 나라의 사회 현황, 그리고 대중들의 심미에 부합하는 리메이크가 성공의 관건적인 요소이라는 점을 발견했다. 중국의 영화 제작자들이 한국 영화를 리메이크하는 과정에서 어떤 상상력을 발휘하고 어떻게 현지화를 진행했는지를 분석했다. 서로 다른 문화 배경이 들어있는 한국 영화를 어떻게 개편하여 중국의 현황과 관객들의 심미에 부합한 영화로 재탄생시키는 것이 중국 리메이크 작품들이 해결해야 하는 문제이다.

In recent years, south Korean films are becoming more and more mature, with frequent excellent works, presenting a creative upsurge of “collective power”. Whether it is an art film that reflects social reality or a local Korean film that imitates Hollywood blockbusters, it has won wide praise for its diversified style and exerted a profound influence in Asia and even the world. Crime film is often taken by Korean movie type, starting in 1999, South Korea, on average, 7-8 crime films every year, of which two to three annual top 10 box office tends to occupy Korea, crime films was deeply loved by south Korean audience, and many are different from other countries are derived from the traditional crime films of new type. South Korean films, especially the crime genre as main object of Chinese movie remake in recent years, for example: “I am the witness” (2015) remake Korean movie “blind card” (< 블라인드 > 2011); “Hide and seek” (2016) remake Korea movie "hide and seek” (< 숨바꼭질 > 2013); Remake “broken” (2017) “the end” (< 끝까지 간다 > 2014) If the three film remake of Korean movie disappointing result, in 2019 New Year file's latest movie “big man” remake “veteran” (< 베테랑 > 2015) acquired the audience with more successful localization based on common recognition. The remake of “big man” deconstructs and reconstructs the original work, and localizes it in the aspects of theme, plot background and character shaping. This paper will focus on the remaking of “veteran” of “big man” as an example to argue that only the local adaptation in line with the national social situation and popular aesthetic taste is the important basis for the success of remaking. How Chinese creators can exert their creativity in the process of remaking Korean films and make more beneficial local adaptations of the original works; It is the most urgent problem to be solved in the process of remaking Chinese films to more effectively shape and disseminate Chinese screen images in cross-cultural texts.

이 연구는 문화예술 관련법을 통해 지역의 문화계술을 발전시킬 수 있는 방안을 탐색하고자 한 것이다. 연구방법은 문헌연구로 이루어졌다. 문화는 과거 ‘예술이나 문화유산 등 특수영역’이라는 협의의 개념이 아닌 ‘정신적·물질적·지적·감성적 특성의 총체’라는 광의의 개념을 전제로 하고 있다. 그러므로 예술교육은 예술가를 육성하는 교육만이 아닌 ‘함께 사는 방법으로써의 생활영식·인간의 기본권·가치·전통과 신앙 등을 포괄’하는 문화예술교육으로 전환되고 있다. 이러한 문화예술의 교육이 지속적인 활동을 위해서는 보다 다양한 문화예술 거점 공간 마련이 필요하며 만들어진 공간 스스로 자생 가능한 여건 개발이 뒤따라야 할 것으로 생각된다. 지역의 문화예술을 발전시키기 위한 방안을 제시하면, 첫째, 문화예술지원 관련법의 확대 실시에 따른 지역 문화예술 공간 확대가 필요하다. 둘째, 문화예술향유에 대한 대중의 수요 증가와 대중의 문화예술 능력 향상이 요구된다. 셋째, 사회에서 생겨나는 복합적 문제의 해결을 위한 문화예술 활용이 이루어져야 한다. 이를 달성하기 위해서는 첫째, 광역지자체의 지역문화진흥법(조례)을 만들어야 한다. 둘째 지역문화다양성위원회와 문화다양성센터의 건립이 이루어져야 한다. 셋째, 예술가 또는 전문가 중심의 문화예술 활동에서 벗어나야 한다. 문화예술은 시민들이 향유할 때 그 가치를 인정받을 수 있다. 예술가들은 생산자 기능을 중심으로 하되 행정가 기능에서 벗어나야 하고, 시민들이 주체가 되는 문화예술을 향유할 수 있도록 지원하는 역할을 해야 한다.

The purpose of this study is to explore ways to develop local cultural arts through the law related to arts and culture. The method of training was based on literature review. Culture presupposes the broad concept of 'the total of mental, material, intellectual, and emotional characteristics', not the concept of 'special area such as art or cultural heritage' in the past. Therefore, art education has been transformed into a culture and arts education that encompasses lifestyle, human rights, values, traditions and beliefs as a way of living together, not just the education that fosters artists. It is thought that such education of culture and arts will require more diverse cultural and artistic strongholds for continuous activities, and that the created space will need to be developed with self-sustaining conditions. First, it is necessary to expand the space of local culture and arts according to the implementation of the Act on Culture and Arts Support. Second, increasing public demand for cultural and artistic tastes and improving the public's cultural and artistic abilities are required. Third, the use of culture and arts should be made to solve complex problems arising from society. In order to achieve this, the Act on Promotion of Regional Culture (Article) of the Metropolitan Government should first be enacted. Second, the establishment of the Regional Cultural Diversity Committee and the Cultural Diversity Center should be made. Third, we must move away from artist- or expert-oriented cultural and artistic activities. Culture and art can be appreciated when citizens enjoy it. Artists should focus on the function of the producer, but the administration should move away from the function and play a role in helping citizens enjoy the cultural arts that are the main players.

2012년에 한국예술인복지재단이 설립되면서 진행된 사업 중의 하나가 예술인들을 위한 심리상담이었다. 2014년도부터 2018년도까지(5년 동안) 1,750명의 예술인들이 심리상담을 받았다. 그동안 심리상담을 받은 예술인들은 우울감, 불안감이 많고 주변의 시선에 대해 예민하여 사소한 자극에도 쉽게 좌절하거나 과민하게 행동하는 경향이 있고 감정조절이 어렵고 감정을 해소하는 데에도 어려움이 있었다. 또한 직업의 불안정성으로 인한 심리적인 문제들이 많고 대인관계가 어려운 편이었다. 이외에도 일반인들에 비하여 각종 스트레스를 많이 받는 등 심리적으로 어려움이 많다는 보고가 있었다. 따라서 예술인들의 이러한 심리적인 문제들을 해결하기 위하여 5년 동안 개인상담(개인당 최대 12회기), 집단프로그램, 및 추후 집단상담 등이 진행되었다. 이 프로그램에 참여한 사람들은 여성이 남성보다 2.5배 이상 많았고 30대와 40대순이었으며 미술에 종사하는 직군이 제일 많았고 연극인, 영화인, 음악인 순이었다. 그리고 예술인들이 신청한 개인 심리상담의 주요 내용으로는 자기이해 및 성장이 제일 많았고 우울이나 불안, 수면장애 등 정신건강, 그리고 대인관계, 진로 및 직장, 부부 및 가족문제, 경제문제, 생애위기사건 순이었다. 또한 심리상담 전문가들에게 예술인을 잘 이해하기 위한 교육 등 역량강화를 위한 워크샵도 여러 차례 진행하였다. 5년 동안 심리상담에 참여한 모든 예술인들이 거의 다 매우 높은 만족감을 표시하였다. 본 연구에서는 5년 동안 진행되어온 예술인 심리상담 현황을 파악하고 향후, 예술인들을 위한 심리상담의 효과가 증진될 수 있는 방안을 모색해 보고자 하였다.

One of the projects that was carried out with the establishment of the Korea Artists Welfare Foundation(KAWF) in 2012 was psychological counseling for artists. From 2014 to 2018 (for five years), 1,750 artists who are members of KAWF received counseling services. Most of them had depression and anxiety. They tended to be sensitive to their surroundings which they were easily frustrated or hypersensitive to minor irritations that it caused them to have difficulty in controlling their emotions or temper. Also, due to their low stability of a job, many of them contained several psychological problems and tended to have trouble in interpersonal relationships. In contrast to non-artist people, artists who received counseling services reported they are under more stress and have much more psychological difficulties. Thus, to resolve their psychological difficulties, personal counseling (up to twelve sessions per person), group counseling, and afterward group counseling were decided to carry out for five years. Moreover, to let the counselors understand the artists better, several workshops were held to enhance capacity, such as education. As a result of five years, most of the artists who decided to participate in counseling service displayed satisfaction. However, since, most psychological problems will not completely solve in a short time of 12 sessions, methods for solving the psychological problems of artists must be sought. After apprehending the current state of artist psychological counseling service in KAWF, it is important to seek a way to enhance the Psychological counseling effect for artists.