Earticle

본 논문은 실존 공간인 선감원과 그곳에 수용되었던 피해생존자의 증언 및 기록 연구를 바탕으로 공 간의 이미지를 도출하고, 도출된 이미지가 공연에 어떻게 활용되었는지를 연극 <짐승의 시간>에 나타난 무대 공간분석을 통해 연구한 논문이다. 희곡 <짐승의 시간>은 일본의 나토리 사무소의 의뢰로 김민정 작가가 쓰고 이시카와 쥬리가 번역한 작품으로 2020년 10월 23일부터 11월 02일까지 일본 시모키타자와 에 있는 소극장 B1에서 시라이 케이타의 연출로 초연되었다. 희곡 <짐승의 시간>의 중요한 특징은 역사 속 실재했던 공간인 안산 선감도의 소년범 수용소 선감원을 공간적 배경으로, 1945년 05월을 시간적 배경으로 한다는 점이다. 실제 공간과 사건을 허구적 상상력으로 공연화하는 과정은 실제 공간과 사건에 대한 조사를 바탕으로 창작자의 감각을 일깨우는 일이 선행되어야 한다. 이 과정에서 검증되지 않은 내 용을 공연화한다면 불특정 다수의 관객이 역사적 사실을 왜곡하여 받아들일 위험이 있다. 반대로 작가의 허구적 상상력에 의한 이야기이지만 정확한 근거를 기반으로 공연화한다면 불특정 다수의 관객에 의해 사건은 이슈화되고 많은 사람들이 사건 자체를 새롭게 인식하게 되면서 더 나은 사회를 만들어갈 시사점 을 제공할 수 있을 것이다. 이에 본 연구자가 2021년 04월 29일부터 05월 09일까지 대학로 소극장 공유 에서, 2022년 10월 07일부터 08일까지 안산문화예술의전당 별무리극장에서 연출로서 참여한 연극 <짐승 의 시간>에 나타난 공간을 중심으로 실존 공간을 소재로 공연화할 때의 방법과 과정을 분석함으로써 공 연제작과정 중 대본분석이 어떻게 공연이라는 결과로 나타나는지를 공간을 중심으로 살펴본다. 이를 통 해 현장 작업자들에게 공간분석의 중요성을 상기시키고 공연제작과정에서 공간분석의 접근 방법을 제시 하는 데에 본 논문의 목적이 있다. 이를 위해 선행연구와 문헌조사를 통해 선감원의 형성 배경과 공간이 담고 있는 역사적 의미를 살펴보고, 피해생존자들의 증언과 기록 연구를 통해 공간의 주요 이미지를 도 출해 냄으로써 실제 공연에서 구현한 공간을 실제 사례를 통해 살펴보고자 한다.

This paper derives an image of space based on the testimony and documenraty studies of victims held in the actual Seongam concentration camp, the actual space and shows the derived image was used for the performance through stage space analysis appeared in the performance <Time of the Beast>. The play <Time of the Beast> was written by Kim Min-jung and translated by Juri Ishikawa at the request of the Natori office in Japan and it was premiered directed by Shiira Keita at the small theater B1 in Shimokitazawa, Japan, from October 23 to November 2 in 2020. The important characteristic of the play <Time of the Beast> is that it used Seongam concentration camp the juvenile detention center in Seongamdo Island, Ansan, a space that existed in history, as a spatial background and May 1945 as a temporal background. The process of performing real space and events through fictional imagination should be preceded by awakening the creator's sense based on an investigation of real space and events. If unverified content is performed in this process, there is a risk that an unspecified number of audiences will distort and accept historical facts. Conversely, it is a story based on the author's fictional imagination, but if it is performed based on accurate grounds, the event will become an issue by an unspecified number of audiences and provide implications for creating a better society by newly recognizing the event itself. Accordingly, this researcher studies how script analysis is performed during the performance production process by analyzing the method and process of performing based on actual space, focusing on the space shown in <Time of the Beast>, play participated as a director at Daehak-ro Small Theater ‘Gongyou’ from April 29 to May 9 in 2021 and October 7 to 8 in 2022 at Byeolmuri Theater in Ansan Culture and Arts Center. The purpose of this paper is to remind field workers of the importance of spatial analysis and to present an approach of spatial analysis in the performance production process. For this purpose, we will examine the formation background of Seongam concentration camp and the historical meaning of space through prior research and literature research, and also we will study the space embodied in the actual performance through actual cases by deriving the main image of the space through testimony and record research of the victims.

한국문화예술은 청년 중심으로 k-Pop, Netflix 등을 통해 한국 교유의 콘텐츠가 세계화되고 있다. 특히 연극예술은 몸이라는 기표를 통해 관객과의 특수 관계성을 통해 직, 간접적으로 피력하는 방식으로 배우 라는 실체적 존재를 통해 발전해왔다. 더 나아가 공연예술의 미래척도인 전국대학의 연극관련학과에 대 한 청소년들의 수요가 늘어나면서 연극의 확장적 개념 결과인 전국 규모의 대학연극제가 활성화되고 있 다. 본고(本稿)는 충청남도 예산군이라는 작은 소규모 도시에서 국제행사를 개최하고 있는 예당국제대학 연극제의 변천 과정과 경연작품의 특성을 연구하고자 한다. 본 행사는 제 11회를 맞이한 예당국제공연에 술제의 부대행사로 제 6회부터 예당전국대학연극제로 출발하였으며 제 7회부터 예당국제대학연극제로 명칭이 변경되어 현재까지 지속되고 있다. 예당이라는 명칭은 예당저수지의 약칭으로 천혜의 자연환경 을 보유한 예산군을 대표하는 공간을 중심으로 청년예술가들의 문화적 토대를 마련하고 정기적인 문화 공연을 활성화하여 관광객의 상품화를 극대화하는데 목적을 두었다. 특히 예당국제공연예술제와 대학연 극제를 개최하게 된 배경에는 예산군은 군 최초로 2016, 2019년 제 31회 전국연극제, 제 23회 전국청소년 연극제를 적극적으로 유치하여 개량적 성과를 보였다. 또한, 예산군 내 극단 예촌의 중심적 역할로 대한 민국연극제와 전국청소년연극제 대상을 수상하며 지역을 넘어 전국적인 성과를 발휘하였다. 이러한 노 력과 더불어 지속적인 연극발전을 위해선 당면과제로 인근 예술대학과의 적극적인 협력적 교류, 예당저 수지 소규모 공연장의 확충, 연극제를 통한 청년예술가들의 안정적 일자리 창출이 중요하다. 특히 연극 제를 기반으로 계절별 연극제를 개발하여 청년들의 안정적 예술환경을 제공하고 연극창조 활동에 전념 할 수 있는 분위기를 조성하여야 한다. 또한, 문화예술 청년들의 수도권 중심의 인재 유출을 막고 지역 예술의 문제점으로 대두되는 고령화된 극단 운영을 개선해야 한다. 또한 예당국제대학연극제의 변천 과 정과 연출특성을 연구하여 지역의 고유성을 통한 미래 연극제로 도약하기 위한 대안을 제시하고 천착하 고자 한다.

Korean culture and arts are being globalized through K-Pop, Netflix, etc., mainly for young people. In particular, theatrical arts have developed through a special relationship with the audience through the sign of the body, and through the substantial existence of the actor in a way that directly or indirectly receives power. In addition, there is an increasing demand among young people for theater-related departments at universities nationwide, which is the future measure of performing arts, and the nation-wide university theater festival, which is the result of an expansive conception of theater, is being activated. This paper attempts to study the process of change and the characteristics of the competing works of the Yeedong International University Theater Festival, which is an international event held in a small city called Bakcheong-gun, South Chungcheong Province. This event is a side event of the 11th Yeidang International Performance Institute, starting with the 6th Raedang National University Theater Festival, and from the 7th, the name was changed to the Raedang International University Theater Festival. in the process of. The name "Yedang" is intended to provide a cultural foundation for young artists through the geographical advantage of the Yeedang Reservoir, which possesses a natural environment representing the budget group, and to commercialize tourists by activating regular cultural performances. aimed at maximizing In particular, the budget army actively promotes nationwide theater events, holding the 2016 National Theater Festival and the 22nd National Youth Theater Festival for the first time in the military, and won the Korea Theater Festival and the National Youth Theater Festival Grand Prize. achieved nationwide success. In order to make the theater system sustainable despite these achievements, the immediate tasks are to actively cooperate with neighboring art colleges, expand the small-scale performance halls of the Reidong Reservoir, and sustain young artists through theater festivals. job creation is important. In this paper, I will study the transition process of the Reitang International University Theater Festival and the characteristics of the competition works, and propose an alternative plan to make a leap to a futuristic theatrical agent through the uniqueness of the region.

박물관은 매우 중요한 문화예술 기반 시설이다. 박물관의 소중한 전시물을 관람객들이 흥미 있게 바 라보고 박물관 전시물의 정보를 더 잘 이해하기 위한 다양한 문화예술 프로그램이 마련해야 한다. 이를 위한 방안으로 박물관 전시물을 활용한 이머시브연극(Immersive Theater)을 개발하여 박물관을 통해 지 역민들의 지역정체성을 일깨우고 문화기반시설로써의 활용도를 더욱 높여야 한다. 부천시립박물관은 부 천지역에서 출토된 화유옹주의 유물과 옛 옹기가마터를 재현한 전시물들을 전시하고 있다. 이번 연구에 서는 이머시브 연극 <화유옹주의 초대>의 창작과정과 공연 진행에 대한 이머시브 연극의 수행성과 공간 성에 대해 작성하였다. 이머시브 연극 <화유옹주의 초대>에는 두 명의 역사적 실존 인물이 등장한다. 조 선시대 영조의 10번째 딸인 화유옹주와 옹기 장인 이삼평이다. 그들은 이번 공연을 통해 하나의 서사로 연결되어 극을 이어주는 인물로 창작되었다. 본 연구는 이머시브 연극의 수행성과 공간성을 분석하는 것 을 바탕으로 박물관을 활용한 이머시브 연극 <화유옹주의 초대>의 개발 사례를 연구하였다. 연극은 관객 의 존재 유·무에 따라 실연하고 있다는 것으로 구분한다. 따라서 연극의 가장 중요한 표현 가치는 관객 과의 현장성과 즉시성이다. 그러나 지금까지 연극에서 관객은 공연의 외적인 영역에 속하는 것으로 이해 되어 왔으며, 내적인 영역에서는 공연에 참여하는 예술가를 중심으로 어떻게 분석하고 표현하는가를 주 로 연구하여 왔다. 따라서 이번 이머시브 연극 <화유옹주의 초대>에서는 관객이 극 속에서 하나의 역할 을 맡거나 중요한 순간에 사건을 결정하게 하는 등 다양한 형태로 공연에 참여하여 공연의 일부가 되는 것을 탐구하는데 목적을 둔다.

The museum is a very important cultural and artistic infrastructure. Various cultural and artistic programs should be prepared for visitors to see the museum's precious exhibits with interest and to better understand the information of the museum's exhibits. As a way to do this, we would like to develop an immersive theater using museum exhibits to awaken the local identity of local residents through museums and further increase its utilization as a cultural infrastructure. The Bucheon City Museum displays artifacts excavated from the Bucheon area and exhibits reproducing the old pottery kiln site. In this study, the performance and spatiality of the Immersive Theater <The Invitation of the Princess Hwa Yu> were written on the creative process and performance progress. Two historical real figures appear in the Immersive Theater <The Invitation of Princess Hwa Yu>. They are Princess Hwayu, the 10th daughter of King Yeongjo of the Joseon Dynasty, and pottery craftsman Lee Sam-pyeong. Through this performance, they were created as characters who connected to one narrative and connected the play. Focusing on them, museum visitors led to active immersion in museum exhibits through active performance as audiences of the play and understanding of space. Based on analyzing the performance and spatiality of the immersive play, this study studied the development case of the Immersive Theater <The Invitation of the Huayu Ongju> using a museum. The purpose of this emergent play <Invitation of Huayu Ongju> is to explore becoming a part of the performance by participating in the performance in various forms, such as allowing the audience to play a role in the play or to decide on an event at an important moment.

본 연구는 지역의 한 중학교에서 실시한 중학교 3학년 전체를 대상으로 한 윤봉길 의거 90주년 기념 ‘교과연계 음악·역사 교과 융합 뮤지컬 프로그램’과 연계하여 지역의 역사 인물인 윤봉길을 주제로 뮤 지컬을 만들어가는 과정을 체험하고 공연화 하면서 예술교육이 학생들의 인성과 협동 정신 함양에 미치 는 효과를 연구하고자 하였다. 이를 위해 예산군에 소재한 덕산중학교 3학년 전체 159명을 대상으로 연 기, 안무, 합창으로 3개 분야로 각 분야별 2명 총 6명의 교수자가 윤봉길의 생애와 사상을 지도하고, 해 당 내용을 바탕으로 한 뮤지컬 연습과 공연을 주도하였다. 연구결과 뮤지컬 연습과 공연 참여를 통해 학 생들은 윤봉길의 사상을 이해하고, 공동체의 중요성과 협동의 필요성을 깨달았으며, 서로의 능력을 존중 하고 협력하여 공동 목표의 달성을 경험했다. 또한, 모든 학생의 참여함으로써 균일성과 평등성을 유지 된다는 점과 전체 참여로 배려와 소통으로 인성교육에 도움이 되며 협동 정신이 함양된다는 점, 공연을 직접 경험하고 창작하는 과정을 통해 예술적 감각과 표현력 향상으로 창의성을 증진 시킬 수 있는 기회 를 제공했다는 점에서 교육의 효과를 고려한 교육 프로그램은 중학생들의 교육에 많은 도움을 줄 수 있 을 것이라 사료 된다. 그러나 몇 가지 한계점에 도달하였고 이후 연구를 위해 몇 가지를 제언하였다. 연 구 결과가 일반화가 가능한지에 대한 문제는 외부 타당성(external validity)과 관련된 중요한 이슈이다. 이를 극복하기 위해 다중 지역 연구(multi-site study)를 수행하거나, 다양한 학교 수준과 교육 체계에서 비슷한 유형의 프로그램을 진행하여 보다 긴 기간 동안 학습자들의 장기적인 변화를 추적하는 장기 연구 (longitudinal study)를 수행할 필요도 있다. 마지막으로 학생들의 인성과 협동 정신 함양에 국한되어 다양 한 변수를 고려한 포괄적인 결과를 도출할 수 있는 연구 설계의 개선이 요구된다. 더불어 본 연구는 지 역사회와 학교 간의 유기적인 연계를 통해 학생들의 지식과 인성을 함양하는 데 큰 도움이 되는 사례라 하겠다.

This research was conducted in collaboration with the 90th anniversary of Yoon Bong-gil Basic Musical and History Subject Integration Musical Program, which was implemented at a local middle school for all middle school third graders. I tried to study the effects of art education on students' tenacity and cooperative spirit, while making a musical with the theme of , experiencing the process and making it a performance. For this reason, 159 students from Deoksan Middle School located in Yesan-gun will study the life and thought of Yoon Bong-gil in three fields: acting, choreography, and chorus, with two professors in each field. Then, based on the content, he led the musical practice and performance. As a result of the research, we reached some breaking points and then made some recommendations for research. First, it is difficult to generalize because the study was conducted at a school. Second, it is difficult to measure long-term changes in learners because of what is done in the short term. Third, a comprehensive study that considers a variety of variables, limited to students' toughness and cooperative mental content, seems necessary. However, through musical practice and performance participation, students will understand Yoon Bong-gil's thought, recognize the importance of community and the need for cooperation, respect each other's abilities, and work together to achieve common goals. I experienced. This instills in students resilience and a collaborative spirit, important competencies in a modern society that requires cooperation with others as well as independence that is emphasized in the school curriculum. In addition, the participation of all students helps to maintain uniformity and equality, and the participation of all students contributes to resilience education through consideration and communication. It is judged that the education program considering the effect of education can give a lot of help to the education of junior high school students because it provided an opportunity to enhance creativity by improving artistic sense and expressive power. In the future, through organic cooperation between the local community and the school, it will be a great help in boosting the knowledge and resilience of the students.

이 연구는 청소년기 진로 탐색에 대한 문제를 근간으로 하여 예술 분야(연기) 진로를 희망하는 학생들 에게 도움이 되고자 한다. 학생들은 과정 드라마를 체험하면서 배우 스스로가 자신의 실제 경험을 바탕 으로 한 능동적인 연기를 구현할 수 있다. 과정 드라마의 주체자인 참여 학생은 제작과정에서 나 자신에 대한 깊이 있는 탐구 시간을 가진다. 학생들은 극 중 인물의 삶을 살아가면서 자신에 대한 끊임없는 질 문과 역할연기를 통해 자신의 삶의 방향에 대한 물음을 통해 연극 분야 진로 선택과 결정을 하는 데 발 판으로 삼을 수 있다. 연구자는 드라마 관습 중 극중극+나레이션 판토마임 THEME & ISSUE, STOP/PLAY +타블로 ZOOM IN&OUT, 핫시팅+빈 의자 ON&OFF라는 프로그램으로 융합 및 재구성한다. 구체적으로 일반 고등학교 취미동아리 학생들을 대상으로 워크샵 공연을 실행한다. 학생들은 연극의 주체가 되어 실 제 연극 프로덕션을 경험하는 과정에서 드라마 관습을 활용한 연기훈련 방법을 터득하기 위함에 있다. 위의 3가지 융합프로그램은 배우가 자신의 주관적 체험과 연결한 장면 연기를 통해 인물의 심리를 자신 의 관점에서 다양하게 해석할 수 있으며 궁극적으로 연기에 관심 있는 학생들의 진로 교육에 새로운 패 러다임으로 나아갈 수 있다. 공연이 끝난 후, 설문조사를 실시함으로써 참여 학생들과의 소통의 장을 마련하였다. 드라마 관습의 활용은 연극예술 진로 교육의 목표인 주체성을 근간으로 하는 진로 인식의 변 화와 적극적으로 자신의 진로 선택을 이끌어 내는 원동력을 심어주었다는 측면에서 소기의 성과를 보였 다고 할 수 있다. 또한 2025 고교학점제의 단계적 시행에 관련하여, 교육부에서 편성한 전문 예술 교과 중 특히 연기 활동과 관련하여 대표성을 띠는 ‘연기', ‘연극 제작 실습' 두 과목을 정규 예술 과목 교과로 편성하여 운영할 것을 제안한다. 이를 바탕으로 할 때, 연구자가 제시하는 드라마 관습 융합프로그램은 향후 연극예술 분야 진로 체험 교육의 발판이 되어줄 것을 기대해 본다.

This study analyzed based on the problem of career exploration in adolescence, this study aims to be helpful to students who wish to pursue a career in the art field (acting). Students can experience process dramas and realize active acting based on their own actual experiences. Participating students, who are the subject of the process drama, have in-depth exploration of themselves in the production process. Students can use it as a stepping stone to make career choices and decisions in the theater field through constant questions about themselves and questions about their direction of life through role acting while living the life of the character in the play. The researcher suggests the following convergence program of drama customs. It will be fused and reconstructed into a program called play + narration pantomime TEME & ISSUE, STOP/PLAY+ Tablo ZOOM IN&OUT, and hot sitting + empty chair ON&OFF. Specifically, workshop performances are conducted for students of general high school hobby clubs. The purpose of this is to learn acting training methods using drama customs in the process of becoming the subject of the play and experiencing actual theater production. The above three convergence programs allow actors to interpret the psychology of characters in various ways from their perspective through scene acting linked to their subjective experiences, and ultimately move into a new paradigm in career education for students interested in acting. After the performance, a survey was conducted to provide a place for communication with participating students. The use of drama customs has shown the desired results in that it has instilled a change in career perception based on subjectivity, which is the goal of career education in theater art, and a driving force to actively lead one's career choice. In addition, regarding the phased implementation of the 2025 high school credit system, it is proposed to organize and operate two representative arts subjects, acting and theater production practice, which are organized by the Ministry of Education, as art subjects. We hope that the drama custom convergence program presented by this paper will serve as a stepping stone for career experience education in the field of theater and arts in the future.

본 연구는 1993년부터 1996년까지 본 연구자가 러시아 쉐프킨(М.С Щепкин)연극대학에 재학하며 체득 한 화술훈련의 실제적 방법론을 바탕으로, 연구자의 화술 스승인 예브게니 알렉산드로브나 라리오노바(Е вгеия Алксандрова Ларионва) 선생님과의 작업을 통해 그녀의 화술훈련 교수법을 함께 정리한 내용 을 근간으로 하고 있다. 또한, 한국 연극무대와 영화, 드라마 등의 활동을 통하여 얻은 실천적 경험을 바탕 으로 훈련법의 한국적 수용에 대한 모색을 담고 있다. 스타니슬랍스키는 시스템을 통해 ‘체험의 연기 예 술’로 가는 연기자의 작업 과정을 크게 ‘자기 자신에 대한 작업’과 ‘역할에 대한 작업’ 두 과정으로 나누어 제시하고 있다. 본 연구는 화술훈련 과정에서 연기자가 ‘자기 자신에 대한 작업’에서 ‘역할에 대한 작업’으 로 전이하는 과정의 어려움을 돕고, ‘자신으로부터 출발하여’ 획득한 자발성과 자유로움을 상실하지 않고 작가에 의해 주어진 대본으로 유연하게 진입하기 위해 설계된 화술 훈련법 대한 실증이라 할 수 있다. 이 러한 의미로 본 연구에서 제시하는 화술훈련은 대본에 비해 자유로운 해석이 가능하여 ‘나 자신으로 출발 한다.’ 라는 전제를 적극적으로 수행할 수 있고, 다양한 묘사와 정서 표현이 가능한 시를 그 텍스트로 가져 온다. 자기 자신과의 작업 과정에 다룬 ‘제시된 상황’, ‘만일 내가’, ‘상호 교류’, ‘언어 행동’, ‘사건’ 등의 다양한 스타니슬랍스키 시스템의 연기술(스타니슬랍스키 연기용어)을 시의 텍스트에 대입하여 해석하는 기회를 얻음으로써, 암호 같은 대사들로만 구성된 희곡과 시나리오를 대면하기 전 연기자가 자연스럽게 자신의 충동을 읽어내며 생성된 정서를 주어진 텍스트로 발화하게 이끄는 능력을 갖추게 유도한다. 또한 그 실제적 훈련 과정을 통해 스타니슬랍스키 시스템의 근간을 이루는 연기술(연기용어)을 더욱 깊이 있게 활용하고 체득할 수 있도록 설계되어있으며, 이 과정의 경험을 통해 전형적이고 형식적인 틀을 부수고 자 신만의 고유한 해석으로 역할 창조에 다가서는 첫 걸음으로 무척이나 유용할 것이다.

This study explores the practical methodology of speech training acquired by the researcher from 1993 to 1996 while attending the Russian Shevkin (М.С Щепкин) University of Theater and provides a summary of the speech training teaching method of the researcher’s speech teacher, Yevgeny Alexandrovna Larionova (Евгеия Алксандрова Ларионва), that was developed through their work together. In addition, it contains the search for the Korean acceptance of this training method based on practical experiences gained through the researcher’s work in Korean theater, film, and television. Through his system, Stanislavski separates the actor's process of reaching the ‘art of experiencing’ largely into two parts: ‘working on the self’ and ‘working on the role.’ This study is a demonstration of a speech training method designed to help actors transition from ‘working on themselves’ to ‘working on their roles’ during the speech training process and explore the script presented by the writer without losing the spontaneity and freedom acquired by ‘beginning as themselves.’ In that sense, the speech training presented in this study allows for a freer interpretation compared to a script, thus actively encouraging the premise of ‘beginning as oneself’, and introduces poems that can inject various descriptions and emotions into the text. By substituting into the text of the poem various Stanislavski system acting techniques (Stanislavski acting terms) such as ‘presented situation,’ ‘if I,’ ‘mutual exchange,’ ‘language behavior,’ and ‘events’ that the actor goes through during the process of working with oneself and having a chance to interpret them, the actor can naturally read his impulses and intended emotions in a given text before tackling plays and scenarios that consist of lines that seem like cryptic codes. This practical training process is also designed to further utilize and acquire the actingtechniques (acting terms) that form the basis of the Stanislavski system, and experiencing this process will serve to be very useful as the first step in breaking down the typical and formal framework and approaching the role creation process with a unique interpretation.

본 연구는 영화 속 몸짓인 춤의 역할과 기능을 고찰하는데 목적을 둔다. 영화<룸바(Rumba)>의 춤의 내러티브(narrative)를 통해 서사의 전개를 파악하여 춤의 몸짓이 영화 속 어떠한 표현을 하고 있는가를 연구한다. 영화 <룸바>는 춤이 영화의 중요한 소재가 되기도 하며 춤을 빼놓고는 영화의 이야기를 이해 하기 어렵다. 극도의 절제된 표현으로 대사가 많지 않고 인물의 몸짓과 춤으로 극의 서사를 이끌어가고 있다는 점에서 연구 대상으로 선정한다. 영화 속 춤은 영화가 탄생한 순간부터 그 역사를 함께 하여 영 화에 등장하기 시작한다. 초기 무성영화 시대부터 이어진 영화 속 춤의 표현으로 나타나는 작품들은 현 재까지 이어지고 있다. 대부분의 뮤지컬영화나 댄스 영화의 경우 춤이 스펙터클이 되어 그 장면의 시각 적 요소를 중점적으로 다루었지만, 이 작품은 미학적 기능뿐 아니라 몸짓과 춤으로 극의 내러티브를 이 끌고 있다. 극도의 절제된 대사에 반해 과장된 몸짓과 춤으로 설득력이 극대화 되어 있는 지점이 무성영 화의 형태와 많이 닮아있다. 무성영화 시대의 연기법은 인간의 감정과 정신을 대담하게 표현하는 델사르 트(Francois Delsarte)의 영향을 받았다. 영화 속 춤의 언어가 영화의 서사속으로 그리고 관객안으로 들어 오는 극의 내러티브 형성은 등장인물의 춤에서 어떻게 드러나는지에 관해 델사르트의 연기법을 통해 분 석한다. 영화에 춤 장면이 나오면 관객은 춤을 통해 대사나 이미지 이상의 상상력과 몰입을 더할 수 있 으며 감독이 의도한 메시지를 다각적으로 해석함으로써 작품 감상에 흥미를 얻을 수 있다. 또한, 춤의 내 러티브를 따라가며 인물의 심리를 느끼고 말로 표현하지 못한 배가의 감동을 받을 수 있다. 본 고에서는 <룸바>의 특정장면들의 내러티브를 분석하여 영화 속 몸짓의 기본적 고찰과 함께 영화 속 춤에 관한 해 석과 기능을 분석하고 연구한다.

This study investigates the roles and functions of dance in movies. The study examines what expressions are made through dance motions in movies by figuring out the development of The Film Rumba through the dance narrative. In Rumba, dance is its main form of communication. It is difficult to understand the story without understanding its dance. The movie offers extremely controlled expressions with a limited number of lines. Its narrative is led by the gestures and dances of characters. These are the reasons why this movie was chosen for this research. Dance has appeared in movies since movies were created, making them part of their history. Even early silent movies used dance for expressions, and such movies have continued to be produced until today. Most musical and dance movies present dance as a spectacle and focus on the visual elements of the scenes. Rumba develops its dramatic narrative with gestures and movement in addition to the aesthetic functions of dance. Exaggerated gestures and dances opposite to extremely controlled lines maximize persuasive power, which resembles the silent movie format. The role playing methods during the silent movie era were affected by Delsarte, who boldly expressed human emotions and spirits. This study analyzed the ways in which the narrative of drama was formed, in which dance language entered the movie narrative and audience, and in which way this was revealed in the dances of characters through Delsarte's role playing method. In the dance scenes in a movie, the audience can further add imagination and immersion in addition to lines and images through dance and take interest in appreciating the movie by interpreting the messages intended by the director at multiple angles. They can also feel the psychology of characters and get touched more than words can express by following the dance narrative. By analyzing the narratives of certain scenes in Rumba, the study basically examines the gestures in movies and analyzes the interpretations and functions of dance in movies.

코로나19 팬데믹을 거치면서 관객들은 정해진 시간에 공연장에 함께 모여 공연을 관람하는게 아니라 온라인을 통해 공연을 즐기고 서로 상호 소통하는 데 익숙해지고 있다. 이런 흐름 속에서 메타버스 뮤지 컬은 가상현실의 무한한 가능성과 함께 시간적⋅공간적 제약 없이 다양하게 즐길 수 있다는 측면에서 많 은 관심을 끌고 있다. 본 연구의 목적은 가치기반수용모델을 바탕으로 메타버스 뮤지컬의 특성 요인이 지각된 가치와 관람 의도에 미치는 영향을 파악하는 것이다. 이에 선행연구를 토대로 메타버스 뮤지컬의 특성 요인으로 추출한 콘텐츠 품질, 유희성, 실재감, 상호작용성이 지각된 유용성과 지각된 편이성에 미 치는 영향을 분석하였으며, 아울러 지각된 유용성과 지각된 편이성이 지각된 가치와 관람 의도에 어떠한 영향을 미치는 지를 실증적으로 분석하였다. 연구를 위한 설문조사는 온라인으로 진행하였고, 메타버스 서비스 이용 경험이 있는 309명의 응답자를 연구대상으로 하였다. 연구 결과, 첫째, 메타버스 뮤지컬의 콘텐츠 품질과 상호작용성은 지각된 유용성과 지각된 편이성에 긍정적인 영향을 미친다. 둘째, 메타버스 뮤지컬의 유희성은 지각된 유용성에 긍정적인 영향을 미치는 반면 지각된 편이성에는 영향을 미치지 않 는다. 셋째, 메타버스 뮤지컬의 실재감은 지각된 유용성과 지각된 편이성에 영향을 미치지 않는다, 넷째, 메타버스 뮤지컬에 대한 사람들의 지각된 유용성과 지각된 편이성은 지각된 가치에 긍정적인 영향을 미 치고, 지각된 가치 또한 관람 의도에 긍정적인 영향을 미친다. 향후 메타버스 뮤지컬이 새로운 형태의 공 연으로 발전하는데 있어서 본 연구 결과가 실무적인 시사점을 제공하기를 기대하며, 아울러 본 연구에서 다룬 메타버스 뮤지컬 특성 요인과 조사 대상이 제한적이었음을 고려할 때 보다 더 정교하고 광범위한 후속 연구가 필요함을 제언한다.

Throughout the COVID-19 pandemic, audiences are getting used to enjoying performances online and interacting with each other, rather than gathering together at the concert hall at a fixed time. In this trend, Metaverse musicals are attracting a lot of attention in that they can be enjoyed in various ways without time and space constraints along with the infinite possibilities of virtual reality. The purpose of this study is to investigate the effect of the characteristic factors of metaverse musicals on perceived value and viewing intention based on the VAM(Value-based Adoption Model). Based on previous studies, the impact of content quality, playfulness, reality, and interaction extracted as characteristic factors of metaverse musicals on perceived usefulness and perceived convenience was analyzed, and how perceived usefulness and perceived convenience affect perceived value and viewing intention was analyzed. The survey for the study was conducted online, and 309 respondents with experience using the metaverse service were studied. As a result of this study, first, the content quality and interaction of metaverse musicals have a positive effect on perceived usefulness and perceived convenience. Second, the enjoyment of metaverse musicals has a positive effect on perceived usefulness, while not on perceived convenience. Third, the presence of metaverse musicals does not affect perceived usefulness and perceived convenience. Fourth, people's perceived usefulness and perceived convenience of metaverse musicals have a positive effect on perceived value, and perceived value has a positive effect on viewing intention. It is hoped that the results of this study will provide practical implications for the development of metaverse musicals into new types of performances in the future, and it is also suggested that more sophisticated and extensive follow-up studies are needed considering the limited characteristics of metaverse musicals and survey target covered in this study.

코로나19의 펜더믹을 통해 사회 전체에 비대면 문화가 심화되면서 공연예술계에서도 비대면 공연문 화가 조성되기 시작하였다. 이러한 공연예술계는 온라인 공연의 발전에 집중하였으며, 특히 온라인 공연 중 효율성을 극대화하기 위해 현실과 가상의 경계를 무너트린 메타버스에 집중하였다. 즉 공연예술산업 은 비대면 문화가 성행된 사회에서 새로운 돌파구를 찾기 위해 온라인 공연예술에 집중하고 있으며, 메 타버스라는 기술에 집중적으로 주목하고 있다. 본 연구는 이러한 배경을 인지하여 메타버스 공연에 대한 이용의도를 연구주제로 설정하였다. 연구대상은 메타버스 공연에 대한 장벽이 낮은 예술 계열 대학생을 선정하였으며, 예술계열 대학생의 메타버스 공연 이용의도와 관계성이 있는 요인들에 대해 양적연구를 하였다. 즉 메타버스를 활용한 공연 품질, 특성, 매타버스 공연에 대한 정서적 특성이 메타버스 공연 이 용의도에 어떤 관계를 갖는지, 또한 이러한 관계에서 예술계열 대학생의 혁신성은 매개효과를 일으키는 지에 대해 연구하였다. 연구결과를 살펴보자면 첫째, 메타버스를 활용한 공연 특성과 메타버스 공연에 대한 정서적 특성은 메타버스 공연 이용의도에 유의한 영향을 끼쳤다. 둘째, 예술계열 대학생의 혁신성 은 메타버스 공연에 대한 정서적 특성과 메타버스 공연 이용의도를 부분 매개하는 것을 보여주었다. 연 구 결과내용을 바탕으로 본 연구는 예술계열 대학생의 메타버스 공연 이용의도와 관계성 있는 변수들을 증명하였고, 예술계열 대학생의 메타버스 공연 이용의도를 높일 방안에 대해 시사하였다.

As "Untact" culture spreads among communities throughout pandemic from COVID-19, performances without contact have been built newly in fields of arts & performances as well. Such change in performance arts has developed on-line performances, especially focusing on Metaverse that has removed boundaries between reality and virtual world, and maximizing online performances' efficiency. The industry of art and performances is putting more weight on online art performances to make a breakthrough this new society with untact culture especially by focusing on Metaverse technology. With acknowledging such background, we have studied about art performances based on Metaverse technology by choosing art-major undergraduates as subject, for having lowest entry to the metaverse-related art performances. We have also made quantitative study for the factors related to these students' intention to attend metaverse performances. To summarize, our study is made upon how quality, characteristic and emotional traits of metaverse performances are related to people's intention to attend these performances, and analyzing if personal innovativeness of art-major undergraduates can have mediator effect in this relationship. As a first result of study, characteristic of performances based on metaverse and emotional traits to this performance has valuable effect on peoples' intention to attend metaverse performances. Secondly, innovativeness of art-major undergraduates was shown to have partially mediate people's emotional trait and their intention to participate to the metaverse performances. Our study has proved variants related to students' intention to participate metaverse performances, and implied plan to improve their intention to attend to such performances based on this result of analysis.

현재 뉴노멀이라는 용어는 코로나 팬데믹으로 인해 생겨난 새로운 기준을 뜻하는 말로 사용되고 있 다. 코로나는 우리의 생활에 많은 영향을 끼쳤다. 무엇보다 대면과 비대면이라는 용어가 생겨나게 되었 는데 이는 직접적 접촉으로만 살아왔던 아날로그 시대에서 비접촉으로도 가능한 디지털 시대로의 전환 이 일어났다고 볼 수 있다. 새로운 기준이 생겨난 것이다. 이는 공연예술계에도 영향을 미치며 비대면 공 연이라는 형태가 생겨났으며, 첨단 기술과의 융합으로 발전적 형태의 공연을 시도하게 되었다. 코로나가 완화되는 지금의 시점에도 지속되고 있으며, 이제는 일반적 공연형태인 대면 공연뿐 아니라 비대면 공연 도 가능한 것으로 인지하게 되었고, 관객들도 비대면 공연을 쉽게 접할 수 있는 기회들이 생겨나기 시작 했다. 코로나는 이제 엔데믹을 향해 가고 있다. 거리두기는 사라졌고 마스크 착용은 의무에서 권고로 바뀌었다. 이에 따라 공연계도 다시 활성화되고 있으며, 공연시장도 점차 회복세를 보이고 있다. 이제는 코 로나 감염으로 인해 공연을 못 하게 되는 경우가 다소 줄어든 것이 사실이다. 그러나 우리는 잊지 말아 야 한다. 과거 인류는 치명적인 바이러스들로 인해 심각한 타격을 입었고, 이는 코로나와도 연결되어 있 음을 말이다. 전문가들은 앞으로도 충분히 이러한 불가항력적인 상황이 생길 수 있음을 경고하고 있다. 본 연구에서는 코로나가 창궐하였던 시기에 공연 예술인들은 실제로 어떤 어려움을 겪었으며 어떻게 극 복하였는지에 대한 사례를 분석하고, 공연예술산업과 정책이 어떻게 변화되어 왔는지를 다각적 관점에 서 확인하여 앞으로 공연예술계가 나가야 할 방향성을 도출하였다. 본 연구가 앞으로 다가올 미래사회로 진입하고 있는 예술계를 위해 과거를 재확인하고 재정립하여 미래 지향적인 공연예술계의 발전에 이바 지하기를 바란다.

Currently, the term new normal stands for the new standard originated by COVID-19 pandemic. Pandemic have a significant impact on our life. On top of that, it generated the term ‘contact’ and ‘non-contact’, which could make the transition from ‘analogue’ that means direct contact to interact with to ‘digital era’ connecting to others with contact-free. A new standard was born. This could carry over into the performing arts, which resulted in new and advanced type of performing art, so-called non-contact performance with high technology. It has been going through the presence and audience got an opportunity to watch not only contact, general format of performance, but also non-contact performance easily, recognizing the possibility of new trend of performing arts. Corona pandemic is now heading to endemic. Distancing rules came to an end and wearing mask is not mandatory. Thus, performing arts are becoming revitalized and the performance market is being recovery phase. It is true that COVID 19 is not an obstacle any longer to performance arts. However, we should remember that the mankind has been hurt by fatal viruses and Corona virus in not an exception. Experts warn that these uncontrollable situations could happen again at any time. This study analyzed cases of what challenges the performing artists have faced and how they could win through the adversities during COVID-19 outbreak, identified how performing art industry and policy have been changed with multilateral standpoint, and drew the directionality for performing arts to go forward for the future. With this study, the performing arts going into the future society will make way to its future-oriented performing industry by reconfirming and reestablishing the past.

메타버스의 열풍과 함께, 가상 아이돌은 메타버스의 독특한 텍스트 형식으로서 유행하기 시작했다. 지 금까지 여러 나라에서 가상 아이돌에 대한 창작이 많이 이뤄지고 있으며 각기 창작 방법이 다르다. 가상 아이돌의 창작은 국가마다 문화적 특성에 따라 국가별로 고유한 창작 방식을 형성하고 있다. 그 중 색채 는 시각요소의 하나로써 기초 창작요소에 속하며, 가상 아이돌의 창작과 문화적 의미 전달에 매우 중요 한 역할을 하고 있다. 본 연구는 찰스 피어스(Charles Sanders Santiago Peirce)의 기호학과 결합하여 색채 의 관점에서 IRI 컬러 시스템으로 중국과 한국의 가상 아이돌의 컬러를 체계적으로 분석하고자 한다. IRI 컬러 시스템에서 이미 관련된 컬러와 감정의 형용사를 대응시켰고, 컬러를 감정 형용사의 기호로 만들었 다. 따라서 사례에서 정확한 컬러를 찾으면 IRI 컬러 시스템을 통해 관련된 컬러 이면의 기호 의미를 정 확하게 알 수 있다. 이러한 방법으로 중국과 한국의 문화 차이에 기인한 컬러 사용 차이를 연구하고, 두 나라가 자국 문화에서 컬러에 대한 독특한 이해를 바탕으로 차별적인 컬러 사용 방법을 발견하고자 한 다. 본 연구는 한중 양국의 창작자는 빨간색과 노란색의 문화 의미에 대한 차이가 있고, 중국 창작자는 빨간색으로 경사의 의미를 표현하고, 노란색으로 엄숙하고 장언한 의미를 표현하지만 한국의 창작자는 빨간색으로 열정의 의미를 표현하고, 노란색으로 밝고, 낙천적인 의미를 표현하는 습관이 있는 것을 발 견하였다. 본 연구는 한중 양국이 가상 아이돌을 만드는 과정에서 색채를 다르게 사용하는 이유를 분석 하고 이에 대한 제안을 하고자 한다. 특히 가상 아이돌의 국제 교류는 문화적 배경에 따라 해당 색채를 사용하여 문화적 정체성을 실현함으로써 현지 문화 시장에 더 잘 통용될 수가 있을 것으로 예상된다.

As metaverse gets popular, a lot of virtual idols, which are taken as a unique textual form of metaverse, have been created in various countries. The creators in each country have their own ways to create virtual idols, which is attributable to the country-specific characteristics. As one of the fundamental visual elements, color is of an essential significance. This paper uses IRI color system to systematically analyze the colors of Chinese and Korean virtual idols, combined with Charles Sanders Santiago Peirce's semiotics. Due to the fact that the IRI color system already corresponds colors to symbols of related emotional adjectives, researchers can determine the symbolic meanings of related colors through the IRI color system as long as they find the accurate color in cases. It is found that China and South Korea use colors differently based on their unique understanding of color in their own culture in the study of color usage differences caused by cultural differences between these two countries through this method. This study finds that Chinese and Korean creators have different understandings of the cultural meanings of red and yellow. Chinese creators use red to express festive meanings and yellow to express serious and solemn meanings, while Korean creators are accustomed to using red to express passionate meanings and yellow to express sunny and optimistic meanings. The paper summarizes and analyzes the differences between and the reasons for China and South Korea in the use of colors in creating virtual idols, and provides some recommendations for the use of colors. For instance, adjustments can be made to the virtual idol for audiences in different cultural environments as appropriate, such as using the color meanings unique in a cultural environment. In particular, when performing international exchanges with the other country via virtual idol, the unique colors of the other country can be used to achieve cultural identity between both sides. In this way, it will be easier to get access to their cultural market.

본 연구는 평창 동계패럴림픽의 개폐회식의 무대 구성과 연출 분석을 통해 국가 주요 이벤트의 문화 와 가치를 재조명하고 향후 장애인 대상 메가 이벤트의 무대 연출 연구의 기반을 마련하는 것에 연구의 목적으로 두었다. 이에 개폐회식의 무대 공간에서 이루어진 문화공연의 무대구성에 따른 각 장면별 연출 을 살펴보고 공간에서 이루어진 주제와 스토리, 표현요소와 무대연출을 통해 향유자가 경험한 의미와 가 치를 도출 하였다. 평창 동계패럴림픽의 문화 공연은 장애인 퍼포먼스와 비장애인 퍼포먼스, 다양한 장 르별 문화예술의 창의적이고 현대적인 무대 공간 연출을 스토리텔링 하면서 향유자에게 능동적 경험을 제공하였다. 향유자가 경험한 의미와 가치의 시사점을 다음 세 가지로 정리할 수 있다. 첫째, 다양한 장르의 문화예술을 무대 공간에 창의적이고 현대적으로 표현함으로써 개최국의 다양성을 선보이고 고유한 문화적 가치와 능력을 선보였다. 둘째, 장애인 퍼포먼스와 비장애인 퍼포먼스가 함께 무대 공간을 표현 하면서 경계를 무너뜨리고 다름을 인정하며 공존하는 세상을 만들겠다는 꿈과 비전을 전달하는 메시지 를 통해 패럴림픽의 정신과 평창 동계패럴림픽만의 정체성을 획득하였다. 셋째, 평창 동계패럴림픽이 개 최된 평창에서 평창의 문화자원 전통 아리랑과 새로운 아리랑을 인력자원 지역주민들과 함께 만들었다. 이것은 단순한 메시지 전달 뿐만 아니라 평창의 스토리텔링을 통해 새로운 공간의 이야기를 만든 것이 다. 그러므로 본 연구를 통해 평창 동계패럴림픽은 자국의 다양하고 고유한 문화적 가치의 위상을 높이 고 장애와 비장애의 경계를 무너뜨리고 공존하는 세상을 만들겠다는 꿈과 비전을 제시함으로써 정체성 을 획득하였음을 확인할 수 있었다. 그리고 평창의 문화자원 전통 아리랑과 새로운 아리랑을 인력 자원 지역주민을 퍼포먼스로 참여시키며 평창의 공간에 새로운 자원들을 융합하여 창조적 공간의 스토리텔링 을 완성하였음을 알 수 있었다. 이에 본 연구 결과를 토대로 장애인 대상의 메가 이벤트 문화 공연이 진 행 될 시 공간에 다양한 자원들을 융합하고 활용하여 새로운 스토리를 만들고 문화의 고유성과 메시지의 정체성을 재창조 하며 문화콘텐츠로서 범위를 확장하고 저변을 확대하면서 지속적인 개발과 발전을 위 한 지속적인 연구가 이어져야 함을 제언하며 본 연구를 마무리하겠다.

The purpose of this study is to shed light on the culture and value of major national events through the analysis of the stage composition and directing of the opening and closing ceremonies of the PyeongChang Winter Paralympic Games, and to lay the groundwork for future stage directing research for mega events for the disabled. Accordingly, the production of each scene according to the stage composition of the cultural performance performed in the stage space of the opening and closing ceremony was examined, and the meaning and value experienced by the enjoyer was derived through the theme, story, expression element, and stage direction made in the space. First, by creatively and modernly expressing cultural arts of various genres on the stage space, the diversity of the host country was showcased and unique cultural values and abilities were showcased. Second, the spirit of the Paralympic Games and the identity of the PyeongChang Winter Paralympic Games were acquired through a message conveying the dream and vision of creating a world where disabled and non-disabled performances express the stage space together, breaking down boundaries, acknowledging differences, and coexisting. Third, in Pyeongchang, where the Pyeongchang Winter Paralympics were held, Pyeongchang's cultural resources, traditional Arirang and new Arirang, were created together with human resources and local residents. I will conclude this study by suggesting that continuous research for continuous development and development should be continued while doing so.