Earticle

본 연구는 조지 타보리(George Tabori)의 희곡 『식인종들』을 중심 대상으로 삼아 트라우마라는 기억의 양태에 대하여 그 고통을 초극하고자 하는 연극적 시도의 지향점을 규명하고자 한다. ‘기억의 연극’이 라고 불리는 타보리의 연극 미학은 그의 제2차 세계대전 및 홀로코스트 경험을 원천으로 삼고 있는데, 미학적 기치의 이름과 모순되게도, 과거를 ‘망각’해야 한다고 주장한다는 점에서 여타의 연극적 접근 방 법과는 확연히 구별된다. 잘 알려져 있듯, 전후 독일에서 기억에 대한 사회적 논의가 활발했고, 그것은 연극에 있어서도 예외는 아니어서 많은 작가와 연출가들에 의해 기억의 연극화가 진행되었다. 특히 두드 러졌던 것은 대외적으로 알려지지 않았던 사실들의 존재를 다양한 기록 자료를 통해 폭로하고 역사적 실 체를 드러내는 르포르타쥬이기를 꾀했던 ‘기록극’의 경향으로, 이는 연극의 저널리즘적 속성에 특화하여 과거를 역사라는 공식화된 기억으로 고정시키는 쪽을 향한다. 반면 타보리의 ‘기억의 연극’은 기억의 공 식화를 경계한다. 과거에 대한 태도로서 기억이 고정될 때, 그것은 집단적 기억의 차원에서 관습화되어 버릴 위험이 있기 때문이다. 따라서 타보리의 연극은 기억에 대해 사적이고 주관적인 경로로 접근하기를 권장한다. 그리고 이 경로는 사적이고 주관적인 만큼 감각적 체험에 관련된다. 즉 ‘기억의 연극’은 몸으 로 체험된 기억을 통해 무의식적으로 억압되어 있던 고통스러운 과거를 트라우마의 원-광경으로서 소환 하고 그것을 다시 한번 소화해 내기를 목표로 하는 것이다. 그러므로 기억은 단순히 저장된 정보의 인출 로서만 이해될 수 없고, 기입되고 반추되는 과정으로서 시간적 간극을 고려한 것으로 재개념화되어야 한 다. 이렇게 기억에 연극적으로 과정성을 부여하게 될 때 망각은 과거를 현재적으로 재구성하는 긍정적 전유 방식으로 이해될 수 있으며 마침내 온전한 기억의 과정을 이루게 됨을 알 수 있다. 더불어 본 논문 은 타보리의 ‘기억의 연극’을 새로운 ‘기록’을 발견하고 연극이라는 예술로 승화시키는 일종의 뉴 다큐멘 터리 연극으로 읽으면서, 트라우마라는 기억의 양태에 대한 연극적 초극의 가능성을 타진해 보고자 한다. 그리고 이러한 과정을 통해서 연극이 과거를 사유할 수 있는 새로운 역량을 확인할 수 있을 것으로 기대 한다.

This study aims to identify the theatrical trial to conquest the agony of trauma, using George Tabori’s play The Cannibals as the central object. Tabori's theatrical aesthetic, dubbed “theater of memory,” draws on his experience of World War II and the Holocaust and, contradictory to the name of the aesthetic banner, is distinctly different from other theatrical approaches in that it insists on ‘oblivion’of the past. As is well known, the social discussion of memory in post-war Germany was very active, and this was no exception in the theatrical realm, so theatricalization of memory was carried out by many writers and directors. Particularly prominent was the tendency of 'documentary theater', which sought to expose the existence of facts publicly unknown, through various archival sources. To be a reporter of historical reality, it specialized in the journalistic nature of theatre and tended to fix the past as a formalized memory of history. Tabori's ‘theatre of memory’, on the other hand, is wary of the formalization of memory. When memory is fixed as an attitude towards the past, it risks becoming conventionalized at the level of collective memory. Therefore, Tabori's theatre encourages a private and subjective approach to memory. As much as it is private and subjective, it also involves sensory experience. That is, the “theater of memory” aims to recall the unconsciously repressed painful past as a traumatic archi-scene and to digest it once again through bodily experienced memories. Therefore, memory cannot be understood as a mere retrieval of stored information, but must be reconceptualized as a process of re-writing and reflection, taking into account temporal gaps. When memory is given a processual character, ‘oblivion’ can be understood as a unique appropriation of the past that reconstructs it in the present and finally constitutes a complete process of memory. This paper attempts to explore the possibility of a theatrical hyperplay on the aspect of memory called trauma, reading Tabori's 'play of memory' as a kind of new documentary play that discovers a new 'record' and sublimates it into the art of play. And through this process, it is expected that the play will be able to confirm new capabilities to think about the past.

영상 매체의 발달과 더불어 배우의 역영 및 역량 또한 지속해서 발전해 왔다. 이로 인해 배우의 작품 제작 전반에 걸친 영향력도 높아져만 갔으며 배우에 대한 사회적 관심도도 높아졌다. 할리우드의 스타시 스템 등장이 대표적인 사례가 될 것이다. 스타시스템의 발달로 인해 배우의 영역이 확대되는 순기능도 있었지만, 각종 사회적 문제가 발생하는 부정적인 영향 또한 존재했다. 대중들의 관심이 높아짐과 동시 에 그들에게 엄격한 잣대를 요구하기 시작했고, 과도한 관심은 배우들의 심리적 안정을 해치기도 했다. 지속해서 배우의 사회적 영향력이 확대되어 가고 있는 현시점에서 본 연구자는 매체연기 접근법의 방향 성에 대해 새로운 제안을 하고자 한다. 기존 세밀한 감정에 충실해 왔던 ‘메소드 연기’적 접근법에서 벗 어나 배우 본연의 자의식을 회복 및 확장하고자 함에 이 연구의 목표가 있다. 이를 위해서 문학과 영화 에서 발달해 온 ‘자기반영성’ 개념을 토대로 매체연기를 분석할 것이다. 먼저 자기반영성의 정의에서부터 시작해 연극과 영상매체에서 어떠한 방식으로 발달해 왔는지에 대해 다뤄볼 것이다. 자기반영적 연기 접 근법에 대한 이해를 돕기 위해 환영주의적 연기와의 비교를 토대로 설명할 것이며, 기존의 연기에 대한 문제 제기를 시작으로 배우의 자의식이 중심이 되는 연기 접근법을 제안하도록 하겠다. 또한, 기존의 사 례를 통해 그 근거를 제공해 구체적으로 어떠한 방식으로 역창조에 임해야 하는지에 대해 설명하도록 하 겠다. 이번 연구는 기존까지 논의해왔던 도구적 연기나 감정 중심의 메소드 연기법에 대한 문제 제기 및 재해석이 될 것이다. 또한, 배우의 심리-신체적 안정성을 확보하는 방향으로의 접근 방식에 대한 제안이 고, 배우의 중추적인 역할 및 자기반영성에 대한 필요성을 강조한다. 이는 매체연기 접근법에 대한 새로 운 제안이 될 것이며 이를 토대로 신체성을 강조한 연구를 지속해 나갈 것이다. 더불어 본 연구자는 스 타시스템과 함께 발전해 온 ‘메소드 연기’가 배우의 ‘정서’에 너무나 기대치를 두고 있기에 앞서 말한 많 은 부작용으로부터 배우 본연의 정서적 건강을 지키기에 어려운 부분이 있다고 판단했다. 이에 대한 보 완책으로 ‘자기반영성(self-reflexivity)’을 매체연기에 접목해 배우들이 안정적인 심리-신체 상태를 유지 할 수 있는 방법론을 제안하고자 한다.

With the development of visual media, the skills and capabilities of actors have continuously evolved. Consequently, the influence of actors has significantly increased across all aspects of film production, accompanied by a heightened societal interest in actors. The emergence of Hollywood's star system serves as a prominent example. While the expansion of actors' domains was a positive outcome of the star system's development, it also brought about various societal issues and negative impacts. The growing public interest led to heightened expectations and, at times, excessive scrutiny, affecting the psychological well-being of actors. Recently, the world lost another renowned actor, underscoring the impact of the extension of actors' societal influence. Based on this influence, the researcher aims to propose a new direction for future approaches to media acting. The objective of this study is to move beyond the traditionally emotion-centric method acting and restore and expand actors' inherent self-awareness. Drawing on the concept of 'self-reflectivity' that has developed in literature and film, the study will analyze media acting. Starting with the definition of self-reflectivity, the research will explore how it has evolved in theater and visual media. To enhance understanding of self-reflective acting, a comparison with the method of acting rooted in empathy will be presented, addressing issues with traditional acting approaches. The study proposes an actor-centric approach, focusing on the actor's self-awareness, and provides a basis for the concept of retroactive creation through concrete examples from previous cases. This research challenges and reinterprets issues with conventional tool-based and emotion-centric method acting. It also suggests an approach to ensure the psychological and physical well-being of actors, emphasizing the necessity of self-reflectivity in the central role of actors in the changing landscape of visual media. This presents a novel proposal for media acting approaches, paving the way for continued research that emphasizes embodiment. The researcher judged that "method acting," which has been developed with the star system, has so much expectation for the actor's "emotion," that it is difficult to protect the actor's natural emotional health from the many side effects mentioned earlier. As a complementary measure to this, we would like to propose a methodology that can allow actors to maintain a stable psychological-body state by incorporating "self-reflexivity" into media acting.

중국 대학의 연기기초 교육단계에서 관찰 훈련의 개념이 모호하고 구체적인 조작 방법이 명확하지 않 은 문제가 수반됐다. 이에 따른 문제를 해결하기 위해 본 연구자는 발생학적 방법을 사용하여 관찰 훈련 의 원인을 분석했다. 선행연구를 검토한 결과 운영 수준에서 관찰 및 관찰 훈련의 특정 관찰 지표에 대 한 설명이 충분하지 않아 아쉬움이 뒤따랐다. 관찰 훈련은 배우의 연기훈련 체계에서 그 의미가 매우 크 다. 연기의 기초 교육 단계에서 관찰 및 관찰 훈련을 설정하면 학생들의 창작 능력이 향상되고 삶의 경 험을 쌓을 수 있다. 또한 반복적인 관찰 및 관찰 훈련에서 학생들은 연기교육 단계에서의 삶을 명확하게 관찰할 수 있으며 연기의 목표를 달성할 수 있다. 특히 관찰 훈련이 연기교육에 사용되는 것을 관찰하기 전에 중국 대학의 캐릭터 형상화 교육은 기존의 희곡을 통해서만 실현될 수 있었다. 그리고 학생들은 스 타니슬랍스키 시스템의 요소 훈련에서 캐릭터 형상화를 통해 캐릭터의 감정을 정확하게 이해하고 캐릭 터의 행동을 파악할 수 없었기 때문에 관찰 훈련은 이 문제를 해결하기 위한 교육방법이라는 것이다. 그 러나 관찰 훈련에도 많은 문제점이 나타났다. 관찰 및 관찰 훈련에 대한 교사의 교육 개념이 명확하지 않고 교육 과정만 표면화되어 학생들이 진정한 생활 관찰의 의미와 중요성을 이해하지 못하고 있다는 것 이다. 중국 대학의 배우 연기훈련은 일반적으로 기본 연기훈련, 불완전한 역할 형성 및 완전한 역할 형성 의 세 단계로 나뉘어 교육한다. 이중 완전한 역할 형성의 단계인 풀캐릭터메이킹(full character making) 은 교사의 지도하에 학생들이 하나의 풀캐릭터를 창작하는 것이다. 그러므로 체계적인 관찰 훈련방법을 제공하여 중국은 물론 한국의 배우 양성 훈련에 도움을 줄수 있다는 것이다.

In the basic acting education stage of Chinese universities, the concept of observation training was ambiguous and the specific manipulation method was not clear. In order to solve the problem, this researcher analyzed the causes of observation training using a embryological method. As a result of reviewing previous studies, it was followed by regret that the explanation of specific observation indicators of observation and observation training at the operating level was insufficient. Observation training is of great significance in the actor's acting training system. Setting observation and observation training at the basic education stage of acting improves students' creative ability and allows them to gain life experience. In addition, in repetitive observation and observation training, students can clearly observe life in the stage of acting education and achieve their goals of acting. In particular, before observing that observation training was used for acting education, character shaping education at Chinese universities could only be realized through existing plays. And because the students were unable to accurately understand the emotions of the characters and grasp the behavior of the characters through character shaping in the elemental training of the Stanislavski system, observation training is an educational method to solve this problem. However, there were also many problems with observation training. The teacher's educational concept for observation and observation training is not clear, and only the curriculum is surfaced, so students do not understand the meaning and importance of true life observation. Actor acting training in Chinese universities is generally divided into three stages: basic acting training, incomplete role formation, and complete role formation. Among them, full character making, which is the stage of complete role formation, is when students create a single full character under the guidance of a teacher. Therefore, by providing a systematic observation training method, it can help train actors in China as well as Korea.

본 연구는 배우의 목소리가 대사를 전달하는 기의로서의 역할을 넘어서 기표 그 자체로서 물질성을 드러내며, 나아가 시·청각적 공간을 구현하는 요소로서 기능할 수 있는 가능성에 대한 탐구를 목적으로 두었다. 관객의 인지 감각에서 청각은 시각과 같이 중요하며, 공연 예술에서 소리는 빛과 같이 중요하다. 텍스트 연극에서 배우의 목소리는 그 잠재력이 억압되어 서사를 위한 전달체로서 축소되었다. 하지만 현 대 공연 예술이 다양한 디지털 기기와 융합하며 배우의 목소리가 지닌 새로운 가능성에 대한 재조명이 이뤄지고 있다. 영국의 창작 집단 ‘다크필드(Darkfield)’는 360도 입체음향을 활용해 청각적인 자극을 극 대화하며 배우 목소리의 물질성을 강조한다. 기괴한 배역이 등장하는 ‘다크필드’의 작품에서 배우의 목 소리와 숨소리는 그 질감 자체로서 역할 하며 작품의 서사적 기능을 대체할 뿐만 아니라 작품의 주제가 되기도 한다. 이를 위해 배우는 단순히 볼륨을 올리며 소리의 질감만 흉내 내는 것이 아니라, 배역의 고 유한 성질에 다가가며 이에 요구되는 언어의 심상과 크기를 소리로 변환시킬 수 있어야 한다. 그뿐만 아 니라 바이노럴 사운드(binaural sound)를 위한 더미 헤드(dummy head)와의 작업은 배우에게 낮은 볼륨에 서도 에너지가 분산되지 않는 열린 감각을 요구하게 된다. 그리하여 배우의 목소리는 관객과 상호작용하 며 거리감과 공간 감각을 인지시키는 요소로서 작용한다. 이는 배우에게서 발화된 목소리가 사람의 머리 크기와 동일하게 제작된 더미 헤드의 양쪽 귀에 장착된 마이크에 도달하기까지 시간의 차이와 음향 강도 의 차이 그리고 레벨의 차이가 입력되어 음향 장비를 통해 현실감 있게 구현된다. 따라서 배우의 목소리 가 기의로서의 기능을 넘어 물질성을 드러내며 작품의 주제로서 역할 할 뿐만 아니라, 바이노럴 레코딩 (binaural recording) 기술과 입체음향 장비와 융합되어 시·청각적 공간을 구축하는 요소로서 기능하게 되는 가능성에 관한 고찰을 하고자 한다. 더불어 다양한 디지털 기기와 융합을 통해 공간의 변화를 시도 하는 현대 공연 예술에서 배우의 목소리의 가능성을 고찰하며, 새롭게 구축되는 시·청각적 공간 가운데 관객뿐 아니라 디지털 장비와도 상호작용하는 배우의 목소리의 다양한 가능성을 재조명시키고자 한다.

This study aims to explore the potential impact of actor’s voices in constructing audiovisual spaces, moving beyond the mere delivery of lines to actively demonstrate their presence. In shaping the perceptual experience of the audience, hearing is as crucial as visual elements, underscoring the equal importance of both sound and light in the realm of performing arts. In traditional text-based theaters, actor's voices have often been confined to serving as means for narrative delivery, thereby constraining their broader potential. However, contemporary performing arts, integrating diverse digital technologies, are reevaluating the inherent possibilities within the actor's voice. The UK-based creative group "Darkfield” maximizes auditory stimuli by employing 360-degree immersive sound to emphasize the physicality of the actor's voice. In Darkfield's productions featuring eerie characters, the actor's voice and breath not only contribute as textures but also assume the role of the subject of the narrative. In productions that restrict vision to maximize auditory perception, the actor's voice acts as an element that interacts with the audience and conveys a sense of distance and spatial awareness. Therefore, this study aims to examine the potential of these interactions and reflections, discussing how the actor's voice can not only embody physicality but also become a thematic element in the work. Additionally, it seeks to review how the voice contributes to the construction of audiovisual spaces through integration with the technologies and equipment of binaural recording. In addition, it examines the possibility of actors' voices in modern performing arts that attempt to change space through convergence with various digital devices and re-examines the various possibilities of actors' voices interacting with digital equipment as well as the audience in the newly established visual and auditory space.

이 연구는 연극 <아주 잔인한 실종>의 연습과정 속 배우들의 연기지도 방법론에 대한 고찰이다. 이 연극은 소포클래스의 작품 <오이디푸스 왕>을 각색, 재창작 한 작품으로 그리스비극을 현대적으로 재구성했다. 시대적 배경은 현대로, 공간적 배경은 한국을 바탕으로 변화되었지만 배우의 신체와 텍스트에 대해 의존도가 큰 것은 그리스 비극의 요소와 동일하다. 사실주의적 표현을 기반으로 하지만 작품의 특성상 신체성과 물질성 이 많이 강조되어 있다. 이에 아리스토텔레스의 ｢시학｣에서 다루었던 기본적인 요소들로 회귀를 추구하였으 며 리얼리티를 추구하되 신체성을 필두로 한 일루젼의 확장, 이로 인한 관객들의 미학적 경험의 확대에 중점을 두었다. 무대 또한 개방감이 크기 때문에 배우들이 연극적으로 채워야 하는 부분들이 많았고, 자연스 러운 연기를 바탕으로 하면서도 강력한 물질성을 보여주어야 했다. 본 연구자는 미카엘 체홉의 ‘심리제스처’ 와 바르바의 ‘몸-정신’을 활용해 연기지도에 임했으며 연습과정 속에서 몸성을 깨우고 이를 공연에서의 창발의 순간에 이르도록, 배우의 신체적 활동을 통한 ‘행동’을 끌어내기 위해 노력했다. 기존의 심리제스처에 대한 활용은 배우로 하여금 연습과정에서 배역과 상황에 걸맞는 감정을 느끼게 하기 위한, 외적인 접근방식의 훈련용도로 여겨져 왔다. 이를 다르게 접근하여 본 연구자는 배역의 심리상태를 관객에게 보여 줄 수 있는 적극적인 표현 용도로 활용하고자 했으며 배우들이 가진 신체적 물질성을 강하게 드러낼 수 있는 방법론으로 작용할 수 있도록 했다. 또한 몸-정신을 바탕으로 배역의 세분화 된 움직임에 사유적 지각이 표현될 수 있는 방법론을 강구했으며 이를 토대로 사유의 시각화를 이루고자 노력했다. 이러한 신체적 훈련 과정을 토대로 배우와 인물 사이의 경계를 허물어 수행성의 영역에 이를 수 있도록 시도했고 이러한 과정에서 배우의 몸성을 깨워 즉흥의 순간을 경험하게 하였다. 이는 그 과정에 대한 연구이며 향후 신체적 훈련법의 영역이 더욱 확장, 발전하는 계기가 되길 바란다.

This study explores the acting coaching methodology during the rehearsal process of the play "A Very Cruel Disappearance." The play is a contemporary reinterpretation of Sophocles' "Oedipus Rex" within the framework of the lower class, with a modern setting and a spatial background based in Korea. Despite the shift in temporal and spatial contexts, there is a significant reliance on the actor's body and text, mirroring elements found in Greek tragedy. While grounded in naturalistic expression, the work places a strong emphasis on corporeality and materiality. Drawing inspiration from Aristotle's "Poetics," the study seeks a return to fundamental elements, pursuing realism while focusing on the expansion of illusion, particularly emphasizing the audience's aesthetic experience. The researcher employed Michel Chekhov's 'Psychological Gesture' and Eugenio Barba's 'Body-Mind' in acting coaching, aiming to awaken corporeality during the rehearsal process. Efforts were made to guide actors in embodying 'action' through their physical activity, leading to emergent moments in performance. Departing from the conventional use of psychological gestures as a training tool for actors to feel appropriate emotions during the rehearsal process, this study sought to actively utilize it for expressive purposes, showcasing the psychological state of the characters to the audience. Additionally, building on the Body-Mind approach, the study sought a methodology where the nuanced movements of the characters could reflect reasoned perceptions. This approach aimed to visualize thought processes and break down the boundaries between the actor and the character. Through this physical training process, the study attempted to dissolve the boundaries between the actor and the character, leading to performative spontaneity. This research serves as an exploration of this process, and it is hoped that it will contribute to the further expansion and development of physical training methods in the future.

본 연구자는 <해피 꽈배기> 희극의 미학적 특성을 제시하여 사회 문화적으로 중국의 청년층과 거리를 좁히는데 있어서 보편적 효용성을 통하여 도움을 주고자 했다. 연구 결과 선행논의 <해피 꽈배기> 극단 은 중국 최초의 상업 코미디를 제안한 극단으로 20년 동안 중국 관객의 연극 관람을 활성화하였다. 본론 의 주요 분석은 첫째, 중국 희극은 점차 상징적 특성을 나타내면서 사회적 정화 작용의 공기 역할로 작 용했다. 그리고 중국 유링의 진(秦) 이전 시대 제사 의식이 거행될 때 유링은 노래, 춤, 농담을 사용하여 신들을 즐겁게 한다는 의미지만 본질은 사람들을 즐겁게 하는 것으로 분석됐다. 당시의 공연은 연극적 요소를 포함한 노래와 춤, 재치 있는 언어 구사와 우스꽝스러운 표현으로 보여주었다. 이는 이후의 연극 공연을 위한 토대로 축적되었으며 중국 희극의 독창적인 미학적 기초를 다졌다. 둘째, 중국 전통 연극 형 식의 발전과정에 따른 희극의 미학적 특징은 두 가지 관점 즉 ‘공공 미학적 관점’과 ‘예술 미학적 관점’으 로 나타났다. 2021 <해피 꽈배기>는 미국에서 기네스 세계 기록에 등재된 고전 연극 <크레이지 이발소> 를 선보였다. 상업 코미디'라는 용어는 2003년 중국에서 해피 트위스트 극단에 의해 제안되었으며 드라 마 내용과 공연 형식은 주로 언어의 유머와 상황 유머를 통해 코미디의 예술적 특성과 상업성으로 구성 하여 관객들에게 오락적 기능과 예술적 감각을 불러일으키는 이중의 효용성을 제공했다. 셋째, 중국연극 계의 시대변화에 부응하여 청년층의 공감을 불러일으킬 수 있는 문화 요소를 융합하는 것은 <해피 꽈배> 기 희극의 중요한 내적 미적 특징으로 제시됐다. 이는 중국 청년층들의 감각에 부응하는 문화 요소를 지 닌 대사와 줄거리를 사용하여 코미디의 미적 효과를 만들어냈다. 언어적 유머는 풍자적 내용의 유머러스 한 언어 처리에서 나타났다. 이에 따른 상업적인 코미디의 연기 행동은 캐릭터를 형성하는 근본적인 목 적에서 벗어날 수 없었고 관객의 미학적 수용성에 따라 미적 욕구를 충족시켰다.

By presenting the aesthetic characteristics of the comedy "Happy Twisted Bread" this researcher attempted to help through universal utility in narrowing the distance from the youth in China socially and culturally. As a result of the study, the preceding discussion "Happy Twisted Bread" theater company was a theater company that proposed China's first commercial comedy, and it activated Chinese audiences to watch plays for 20 years. In addition, by newly presenting the aesthetic joy of comedy plays to Chinese audiences, it showed a great driving force in the development of comedy. The performances at that time were shown with song and dance, witty language skills, and ridiculous expressions, including theatrical elements. This was accumulated as the basis for subsequent theater performances and laid the original aesthetic foundation of Chinese comedy. Second, the aesthetic characteristics of comedy according to the development process of traditional Chinese theater form were found to be two perspectives: a ‘public aesthetic perspective' and an ‘artistic aesthetic perspective'. 2021 <Happy Twisted Bread> presented the classic play <Crazy Barber Shop> registered in Guinness World Records in the United States. The term ‘commercial comedy' was proposed by Happy Twisted Theater in China in 2003, and the drama content and performance format were mainly composed of the artistic characteristics and commerciality of comedy through language humor and situational humor, providing the audience with dual utility that evokes entertainment functions and artistic senses. Third, the fusion of cultural elements that can arouse sympathy from young people in response to the changes of the times in the Chinese theater industry was presented as an important inner aesthetic feature of the comedy of <Happy Twisted Bread>. Verbal humor emerged from the humorous language processing of satirical content. Accordingly, the acting behavior of commercial comedy could not escape from the fundamental purpose of forming a character and satisfied aesthetic needs according to the aesthetic acceptance of the audience.

본 연구는 ‘아브라모비치 메소드'의 실천과 그 효과를 분석하는 데 목적을 둔다. 초고속의 시대인 현 재, 긴 시간 동안의 명상이나 자기 신체를 완전히 인지하고 조절하는 것은 상당한 도전이다. 이러한 활동 은 자기의 신체에 대한 깊은 이해뿐만 아니라 현재 순간에 집중하는 것을 포함한다. 따라서 고도의 집중 력을 유지하면서 예술적 움직임 자체에 의해 이끌리는 방법을 찾는 것이 매우 중요하다. 이러한 맥락에 서 아브라모비치 메소드는 효과적인 대안을 제시한다. 아브라모비치 메소드는 ‘집 청소' 워크숍에서 비롯 되었다. 이 워크숍은 아브라모비치가 여행 중 접한 다양한 문화적 의식과 실천에서 영감을 받아 금식, 정 좌, 신체 통제 등 일련의 훈련으로 구성되었으며, 참여자들의 몸과 마음에 대한 의식과 예술의 수행적 경 험을 변화시킨다. 그 결과 전 세계 예술가들에게 퍼포먼스 창작 훈련을 제공하는 역할을 하였다. 2012년, 아브라모비치는 워크숍의 훈련을 더욱 발전시켜 ‘아브라모비치 메소드'라는 이름으로 공식화했다. 아브 라모비치 메소드는 예술가와 참여자 사이의 상호작용을 통하여 참여자가 예술 작품의 일부로서 느끼고, 생각하고, 반응하게 한다. 즉 퍼포먼스 행위를 매개체로 사용하여 참여자들의 자아 인식의 탐색 과정과 인간의 감정과 존재를 깊이 이해할 기회를 제공하는 것이다. 이 과정에서 아브라모비치는 예술가의 역할에서 퍼포먼스 이념의 전달자이자 인도자로 변모했다. 이러한 변화는 퍼포먼스 예술 수용 및 참여를 단 순한 관람에서 양방향 및 동적인 상호작용 과정으로 발전시켰으며, 전통적인 관객과 예술가의 역할을 변 화시켰다. 본 연구는 문헌 연구, 사례 분석 및 인터뷰 분석을 통하여 아브라모비치 메소드가 내포하고 있 는 그녀의 예술 이념을 이해하고, 메소드 훈련이 실제로 어떻게 실천되었으며, 그것이 참여자들에게 어 떤 효과를 불러일으켰는지를 규명하고자 한다. 이러한 분석으로 아브라모비치 메소드에 대한 유용한 이 해와 참고를 제공하기를 기대한다. 더불어 본 연구에서는 아브라모비치 메소드에 내재되어 있는 예술 가 본인의 이념을 이해하고, 메소드 훈련이 실제로 어떻게 실천되었으며, 그것이 참여자들에게 어떤 효과를 불러일으켰는지를 구체적으로 논하고자 한다.

The purpose of this study is to analyze the practice and effectiveness of the ‘Abramović method' exercises. In modern society, meditating for a long time or fully recognizing and controlling one's body is a considerable challenge. The task includes focusing on the present moment as well as a deep understanding of one's body. Therefore, it is very important to maintain a high level of concentration, promote individual immersion, and find a way to be led by the art itself. In this context, the Abramović method presents an effective alternative. The Abramovich method originated from the ‘Cleaning the House' workshop. The workshop provides performance art creation training to artists around the world, and is inspired by the various cultural rituals and practices Abramović encountered during his trip, and changes the participants' mental and physical consciousness and art experiences with a series of exercises. In 2012, Abramović formulated it under the name ‘The Abramović Method'. The Abramović method emphasizes the interaction between the artist and the participant, and by allowing the participant to feel, think, and react as part of the work of art. Abramović transformed himself from an artist's role into a messenger and leader of the performance ideology. These changes have evolved performance art from simple viewing to a two-way and dynamic interaction process, changing the roles of traditional audiences and artists. By adopting a methodology that includes literature research, case analysis, and interview analysis, this study aims to understand the artist's own ideology behind the Abramović method practice, how the method exercises was actually practiced, and how it evoked the effects on the participants. I hope that this analysis will provide a useful understanding and reference to Abramović method. In this study, we would like to understand the artist's own ideology inherent in the Abramovich method, discuss in detail how method training was actually practiced, and how it influenced the participants.

본 연구는 무대 위의 ‘빛’의 존재가 공연예술의 역사 흐름 속에서 ‘무대를 비추는 것’, ‘보이게 하는 것’ 의 광학적 기능을 넘어 빛의 개념과 의미를 부여받은 독립적 요소로 발전하기 시작한 19세기 이후, 무대 조명의 역할과 기능의 범주를 확장시킨 선두 인물인 아돌프 아피아(Adolpe Appia, 1862-1928)의 조명연 출 이론에 관하여 연구한다. 아피아는 우선 무대 공간에 새로운 형태의 구조물을 배치하여 종전의 재현 을 통한 사실적이고 자연주의적인 2차원의 무대를 탈피하여, 추상적이고 정서적이며 심미적 표현이 가능 한 입체 구조물이 강조된 3차원의 무대로 재구성 했다. 이 공간에서의 생동하는 배우와 배우의 신체는 입체 구조물들과 대비와 조화를 거듭하며 ‘살아있는 공간’을 창조하고, 조명 역시 이와 조화를 이루기 위 해 밝음과 어둠, 확산과 집중 등 조명의 융통성과 가변성을 더하여 변화하며 ‘살아있는 빛’을 만들어 내 었다. 아피아는 조명이 만들어내는 이러한 미장센이 새로운 상황과 환경, 뜻과 암시를 만들어낸다고 보 았고, 형태의 변화에 따른 의미를 부여한다. 따라서 이 조명들의 활용은 극의 드라마를 대사나 배우의 연 기, 비언어적 행동, 음악으로 전달하는 형식에서 벗어나 관람객 개인의 경험과 사유를 통한 자율적인 해 석이 가능하게 하며, 그로써 관객에게 정서적인 공감과 사유의 기회를 제공하는 것이다. 본 논문에서는 이러한 아피아의 조명 이론의 실제적인 사례로서 <오르페우스와 에우리디체>의 1, 2, 3 막의 조명 분석을 제시한다. 아피아의 혁신적 노력을 통해 빛은 상징성과 강조성, 예술성을 획득하게 되었으며, 오늘날 새 로운 미학적, 시적인 경향을 표현하고 있다. 아피아의 조명연출 이론에 대한 본 연구는 공연 내에서 우리 가 경험하는 빛의 예술적 기능과 그 의미 해석에 이바지함으로써 그 의의를 지닐 수 있을 것이다.

This study aims at investigating the lighting effect theories of Adolphe Appia (1862-1928), a pioneering figure who expanded the scope and function of stage lighting, evolving it from its optical functions of ‘illuminating the stage’ and ‘making things visible’ to an independent element with its own conceptual and symbolic significance within the history of performing arts, especially since the 19th century. Appia departed from the traditional two-dimensional stage associated with realism and naturalism, typically realized through conventional stage sets. Instead, he introduced innovative architectural elements within the theatrical space, fundamentally transforming the stage into a three-dimensional environment. In this dynamic setting, actors and their physical presence engaged with the three-dimensional structures, giving rise to a ‘vibrant space’ marked by the interplay of contrast and harmony. To augment this immersive environment, lighting played a pivotal role by introducing adaptability and versatility regarding illumination levels, shadows, diffusion, and concentration. This adaptability allowed the lighting to evolve, ultimately contributing to the generation of ‘dynamic lighting’ that harmonized with both the actors and the three-dimensional stage elements. Appia believed that the lighting created such mise-en-scène, which give rise to new situations, environments, meanings, and implications. He attributed meaning according to changes in form. As a result, the use of this lighting goes beyond the traditional format of conveying drama through dialogue, actors’ performances, non-verbal actions, and music, allowing for autonomous interpretation through the personal experiences and thoughts of the audience, thereby providing them with opportunities for emotional resonance and contemplation. Appia’s innovative endeavors have bestowed symbolism, emphasis, and artistic qualities upon light, and to this day, it remains a conduit for contemporary aesthetic and poetic expressions. This study on Appia’s lighting effect theories is expected to contribute to our understanding of the artistic function of light and its interpretive significance within the context of performances, thereby giving it meaning and relevance.

본 연구의 필요성은 중국전통 고대 귀 희곡<서상기>와 <모란정>의 ‘꿈나라' 설정의 합리성, 기능성 및 예술적 특성을 연구함으로써 중국 전통연극에서 ‘꿈나라’의 상징적 의미를 분석하고 이를 통하여 중국 고대사회 문화와 삶의 현상을 제시하여 ‘꿈나라’가 사람들의 행동에 미치는 영향이 어떠한지를 고찰하여 독자들에게 제공하는 것이다. 주요분석 결과는 다음과 같다. <서상기>에 나타난 사성몽의 꿈의 구조에서 아름다운 꿈이 이루어진다(美梦成真) 아름다운 꿈이 깨진다(美梦破碎) 놀라서 깨어난다(惊惧而醒)라는 현 실 꿈의 구조와 유사하다. 연극 구조는 이야기를 기반으로 하고 작가는 실생활의 모순에서 출발하는 것 이다. <서상기>와 <모란정>의 두 꿈은 서정성이 강하고 다른 스토리라인을 구성하는 방식으로 극 전체에 서 과도기와 전환, 복선의 역할을 하며 인물을 보다 입체적으로 만들고 이야기의 전개를 촉진시켜 극의 완결성을 향해 나아갔다. 동시에 <모란정>을 통해 반봉건적 예교 사상을 심화시켰다. <서상기> 중국 문 학사에서 처음으로 ‘천하의 연인이 마침내 가족이 되기를’이라는 아름다운 염원을 정면으로 표현한 작품 이다. <모란정>은 두리랑의 사랑에 대한 집착은 탕현조 본인의 아름다운 사랑에 대한 환상을 반영하는 것이다. 특히 극작가는 극단적으로 변형된 예술적 방식으로 사회 갈등을 해결한다. 꿈나라 세계의 주제 는 현실에서 없거나 불가능한 이야기와 환상을 표현하는 작가의 기법이다. 무한성의 예술적 시공간을 개 척하고 주로 현실과 허황된 시공간을 연결하고 연극의 신비로운 색채와 상징적 의미를 더하며 연극의 ‘낯설기’ 무대 효과를 풍부하게 나타냈다. ‘낯설기'의 연극에서 구현 효과는 예술적 조형물로 관객을 변형 시켜 작품과 현실의 미적 거리를 만들고 독자의 미적 사고를 불러일으키는 것이다. 그리고 꿈으로만 새 로운 가상공간을 만들어내고 가상공간의 무질서함과 불확실성을 현실 이해의 범주를 넘어서게 함으로써 무대의 ‘낯설기’의 효과를 두드러지게 낼 수 있었다.

By studying the rationality, functionality, and artistic characteristics of the setting of "Dream Country" in traditional Chinese plays“Seo sang-ki” and “Moran-jeong”, this study analyzes the symbolic meaning of "Dream Country” in traditional Chinese theater and presents ancient Chinese social culture and life phenomena, and examines the impact of “Dream Country” on people's behavior and provides it to readers. The main analysis results are as follows. It is similar to the structure of a dream of a four-star dream shown in “Seo sang-ki” in which a beautiful dream is realized and a beautiful dream is awakened. The theatrical structure is based on a story, and the author starts from the contradiction of real life. Through the setting of “Dreamland”, the story is recreated and described outside the real space, and then gradually approaches and fuses in the real plot. The two dreams of “Seo Sang-ki” and “Moran-jeong”have strong lyricism and compose different storylines, playing the role of transition, transition, and double line throughout the play, making the character more three-dimensional and promoting the development of the story, moving toward the completeness of the play. The theme of the dream world is the artist's technique of expressing stories and fantasies that are impossible or exist in reality. It pioneered the artistic time and space of infinity, mainly connected reality and imaginary time, added the mysterious colors and symbolic meaning of the play, and richly expressed the stage effect of “Stranger” of the play. In the play of “Stranger”, the realization effect is to transform the audience into an artistic sculpture to create an aesthetic distance between the work and the reality and to arouse the reader's aesthetic thinking. By creating a new virtual space only with dreams and making the disorder and uncertainty of the virtual space beyond the scope of real understanding, the effect of “Stranger” of the stage could be remarkable.

본 연구는 예술단체들의 자립적 수익구조 마련과 지역축제 활성화에 대한 방안 모색을 위해 2023년 제11회 GAF 공연예술제의 사례를 살펴보고 지역축제와 예술단체의 융합과 상생을 위한 방향성을 제시 하고자 하였다. GAF 공연예술제는 서울시장상 유치를 통해 서울시 지역축제로서 공신력을 높이고 장막 극 8편, 단막극 12편 총 20편을 선정하여 경연방식으로 진행하였다. 약 400여명의 예술가들이 참여했으 며 단체 6개 팀과 개인 10명에게 수상하였다. GAF 공연예술제는 금천구 지역과 협업 진행하며 참여 예 술단체들의 작품 홍보 기회를 높이고 다양한 콘텐츠 소재 개발을 위한 기회 제공을 통해 지속적인 예술 활동의 토대를 마련하였다. 또한, 금천 시민뮤지컬단의 개막식 초청 공연과 금천 시민 대상‘움직임 워크 숍’을 통해 지역주민들 중심으로 지역 이야기 자원의 리인밴트(reinvent) 된 문화모델을 선보이며 지역 축제 활성화의 가능성을 높였다. 그러나 참여 예술단체들의 지역문화자원 소재의 활용이 부족하였고, 자 발적 관객관람의 수치가 낮은 것은 앞으로 풀어가야 할 과제이다. 그러므로 GAF 공연예술제는 지역사회 의 발전과 지속적인 지역 축제로 자리매김하기 위해서는 지역주민 대상의 워크숍 프로그램을 확대하고 지역주민의 자발적 관람을 증대시킬 필요가 있다. 이를 위해 지역홍보에 더 중심을 두고 진행해야 한다. 또한 지역기반 한국 연기예술의 정체성을 확립하고 예술단체들의 지속적이고 실험적인 도전을 격려할 수 있는 지역 예술 플랫폼 역할로 확대되어야 한다. 이에 GAF 조직위원회는 지역문화자원을 활용한 다 양한 콘텐츠 소재 개발을 위한 지속적인 연구와 지역이해를 위한 세미나 개최 등 다른 지역과 구별된 지 역의 특수성과 고유성을 기반한 지역성을 갖춘 축제로 성장할 수 있는 후속연구들이 이어져야 한다.

This study examines the case of the 11th GAF Performing Arts Festival in 2023 in order to establish a self-reliant profit structure for regionally-based arts organizations and revitalize local festivals, and determines the direction for convergence and coexistence of local festivals and arts organizations. In addition, through the Geumcheon Citizen Musical Troupe's invitational performance at the opening ceremony and the 'Movement Workshop' for Geumcheon citizens, a reinvented cultural model of local storytelling resources centered on local residents was presented, increasing the possibility of revitalizing local festivals. However, the participating arts organizations' lack of use of local cultural resources and the low number of voluntary audience attendance remain issues that need to be solved in the future. We will have to move on. In addition, it should expand its role as a regional art platform that can establish the identity of regionally based Korean acting art and encourage and support the continuous and experimental challenges of art organizations. Accordingly, the GAF organizing committee is carrying out follow-up research to grow as a festival with regional characteristics based on the specialness and uniqueness of the region differentiated from other regions, such as continuous research to develop various. content materials using local cultural resources and holding seminars for regional understanding. It will have to continue. In addition, this study examines the case of the GAF Performing Arts Festival to seek ways to revitalize local festivals and independent profit structures of art organizations, and aims to establish a direction for convergence and coexistence of local festivals and art organizations in the future.

정부는 지난 2023년 지역문화 발전을 통해 인구 절벽으로 인한 지방 도시의 소멸을 막고, 인구를 유입시 킬 수 있는 지역문화 도시들을 만들어 내겠다고 발표하였다. 지역의 문화적 가치를 통해 사회적 문제의 해결점을 찾아내는 것이다. 지역 고유의 문화 가운데에도 역사적 소재의 문화 발굴과 매력화는 그 지역의 문화적 가치를 높이는 일임이 틀림없다. 연구에서는 지역 역사 소재 공연콘텐츠 가운데 3.1운동의 영향을 받은 화성의 만세운동과 함께 일어난 제암리 학살 사건을 다룬 공연콘텐츠를 조사하였다. 연구를 통해 제 암리 학살 사건 소재의 공연콘텐츠들이 많이 개발되고 있지 않았을 뿐 아니라 지속성도 떨어진다는 점을 확인하였다. 이에 뮤지컬<키가 다른 기념비>를 통해 제암리 학살 사건을 재조명하고 역사적 사실을 어떻 게 고증하여 극으로 만들어졌는지를 확인하며, 음악의 개발과 적용이 어떻게 이뤄졌는지 그리고 역사적 사실의 이야기를 시간과 공간의 제한이 있는 무대에서 어떻게 실제화했는지를 살펴보았다. 이를 통해서 다음과 같은 결론을 얻었다. 첫째, 지역 역사 소재 공연콘텐츠는 교육적인 가치가 있다. 역사적 고증에 의 해 극을 재해석하여 실제 역사 사건을 다시금 확인하고 상기시켜 주기 때문이다. 둘째, 공연 제작과정의 시스템화이다. 일반적 공연 프로덕션 시스템에서 역사적 소재의 공연콘텐츠가 어떻게 개발되어 가는지에 대한 과정을 통해 프로덕션 시스템을 재정립할 수 있었다. 셋째, 지역 역사 소재 공연 과정 및 결과에 대한 데이터화가 필요하다. 이러한 데이터화를 바탕으로 공연이 최초 만들어진 이후에도 지속적으로 발전시켜 나간다면 점차 지역의 문화 콘텐츠로 자리 잡을 수 있을 것이다. 본 연구가 지역 역사 소재를 공연콘텐츠 로 개발하고 만들어 가는 공연예술 단체 및 관련 종사자들에게 중요한 연구 자료가 되어 지역을 대표할 뿐 아니라 세계로 나가는 공연콘텐츠로 확장되는데 밑거름이 되기를 기대해 본다.

In 2023, Korean government announced it policy plan that it would pursue the preservation of provincial cities’ status through regional culture’s development, generating cities with their own regional culture which can attract more population. Such aim can be deemed as the attempt to solve social problem through the value of regional culture. But among all regional-culture elements, the discovery and attraction of historical materials shall be the shortcut for enhancement of regional cultural value. In this study, among regional-history performance contents, that of Jeam-ni massacre — the event having occurred in line with Hwaseong’s independence movement, which had been influenced by March First Independence Movement —, was analyzed. Through this study, Given that, focusing on the musical “The Monuments Differing in Heights”, I revisited the case of Jeamni massacre, and explored how its historical facts were ascertained and were made as the play. Doing so, I reviewed how its musical elements were developed and applied, and how the historical narrations were realized in the stage with limited time and space. With all those, the following conclusions were drawn out. First, the regional-history performance contents do have education values, because they re-interprete narration based on historical ascertaining, making people recognize again about real historical events. Secondly, the production process of those performances needs to be more systemized. That is, I could re-establish the production system by reviewing the process through which the historical performance contents were developed within the frame of general performance production. Thirdly, the processes and results of performances which deal with regional history should be more dataficated. If such datafication is achieved, the continuous development of initially-made performances can be facilitated, by which those works will be able to settle as regional cultural contents. With all those, it is expected that this research shall serve as an important material for groups and individuals who are engaged in performance contents on regional history, by which our historical performance contents can have more globalized effect.

정부는 지난 2023년 지역문화 발전을 통해 인구 절벽으로 인한 지방 도시의 소멸을 막고, 인구를 유입시 킬 수 있는 지역문화 도시들을 만들어 내겠다고 발표하였다. 지역의 문화적 가치를 통해 사회적 문제의 해결점을 찾아내는 것이다. 지역 고유의 문화 가운데에도 역사적 소재의 문화 발굴과 매력화는 그 지역의 문화적 가치를 높이는 일임이 틀림없다. 연구에서는 지역 역사 소재 공연콘텐츠 가운데 3.1운동의 영향을 받은 화성의 만세운동과 함께 일어난 제암리 학살 사건을 다룬 공연콘텐츠를 조사하였다. 연구를 통해 제 암리 학살 사건 소재의 공연콘텐츠들이 많이 개발되고 있지 않았을 뿐 아니라 지속성도 떨어진다는 점을 확인하였다. 이에 뮤지컬<키가 다른 기념비>를 통해 제암리 학살 사건을 재조명하고 역사적 사실을 어떻 게 고증하여 극으로 만들어졌는지를 확인하며, 음악의 개발과 적용이 어떻게 이뤄졌는지 그리고 역사적 사실의 이야기를 시간과 공간의 제한이 있는 무대에서 어떻게 실제화했는지를 살펴보았다. 이를 통해서 다음과 같은 결론을 얻었다. 첫째, 지역 역사 소재 공연콘텐츠는 교육적인 가치가 있다. 역사적 고증에 의 해 극을 재해석하여 실제 역사 사건을 다시금 확인하고 상기시켜 주기 때문이다. 둘째, 공연 제작과정의 시스템화이다. 일반적 공연 프로덕션 시스템에서 역사적 소재의 공연콘텐츠가 어떻게 개발되어 가는지에 대한 과정을 통해 프로덕션 시스템을 재정립할 수 있었다. 셋째, 지역 역사 소재 공연 과정 및 결과에 대한 데이터화가 필요하다. 이러한 데이터화를 바탕으로 공연이 최초 만들어진 이후에도 지속적으로 발전시켜 나간다면 점차 지역의 문화 콘텐츠로 자리 잡을 수 있을 것이다. 본 연구가 지역 역사 소재를 공연콘텐츠 로 개발하고 만들어 가는 공연예술 단체 및 관련 종사자들에게 중요한 연구 자료가 되어 지역을 대표할 뿐 아니라 세계로 나가는 공연콘텐츠로 확장되는데 밑거름이 되기를 기대해 본다.

In 2023, Korean government announced it policy plan that it would pursue the preservation of provincial cities’ status through regional culture’s development, generating cities with their own regional culture which can attract more population. Such aim can be deemed as the attempt to solve social problem through the value of regional culture. But among all regional-culture elements, the discovery and attraction of historical materials shall be the shortcut for enhancement of regional cultural value. In this study, among regional-history performance contents, that of Jeam-ni massacre — the event having occurred in line with Hwaseong’s independence movement, which had been influenced by March First Independence Movement —, was analyzed. Through this study, Given that, focusing on the musical “The Monuments Differing in Heights”, I revisited the case of Jeamni massacre, and explored how its historical facts were ascertained and were made as the play. Doing so, I reviewed how its musical elements were developed and applied, and how the historical narrations were realized in the stage with limited time and space. With all those, the following conclusions were drawn out. First, the regional-history performance contents do have education values, because they re-interprete narration based on historical ascertaining, making people recognize again about real historical events. Secondly, the production process of those performances needs to be more systemized. That is, I could re-establish the production system by reviewing the process through which the historical performance contents were developed within the frame of general performance production. Thirdly, the processes and results of performances which deal with regional history should be more dataficated. If such datafication is achieved, the continuous development of initially-made performances can be facilitated, by which those works will be able to settle as regional cultural contents. With all those, it is expected that this research shall serve as an important material for groups and individuals who are engaged in performance contents on regional history, by which our historical performance contents can have more globalized effect.