Earticle

한국에서 코로나 19의 영향은 사회적 거리 두기의 실현으로 일반 시민들의 사회적 활동과 문화적 활 동을 억제했다. 그중 영화관람은 여가나 취미활동을 묻는 설문에서 늘 우위를 점하고 있는 요소이지만 영화상영 시간의 제한으로 한국영화의 극장흥행은 급속히 위축되었다. 이렇듯 코로나 19의 제약으로 영 화관에서 영화를 관람하는 횟수가 줄어들자 자연히 집에서 편하게 영화를 즐길 수 있는 OTT 동영상 서 비스 콘텐츠 이용이 늘어나게 되었다. OTT는 기존 TV의 셋톱박스(set-top box)에서 시작된 용어지만 최 근에는 네트워크 발달과 함께 실시간 동영상 스트리밍(streaming)이 가능하게 되자 이러한 기능을 모바 일 디바이스와 결합함으로써 새로운 이동형 스트리밍 서비스로 정착하게 되었다. OTT는 동영상 서비스 업체인 유투브, 넷플릭스, 티빙, 웨이브 등에서 드라마와 영화, 오락, 연예 등을 자유스럽게 볼 수 있는 시스템을 말한다. 단 2년 정도의 코로나 19가 한국의 극장 산업을 20년 전으로 돌려놓았다는 것이 현재 상황이다. 따라서 본 연구의 목적은 지속해서 성장하는 OTT 플랫폼 시장이 극장 중심의 영화 산업의 미 래를 어떻게 변화시킬 수 있는지에 대해 파악해 보고자 한다. 영화 관련 업체나 관람객들은 코로나 19가 아직 끝나지 않은 현재 상황과 맞물려 앞으로 영화 산업은 어떻게 될지 OTT가 이끄는 미디어 트렌드를 주시하고 있기 때문이다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 영화제작 및 상영방식의 변화로 OTT 플랫폼 시 장의 확대는 콘텐츠 산업으로서의 영화, 드라마, 연예, 방송, 게임 등의 OTT 영상물에 e-커머스 (electronic commerce)까지 결합하여 영역의 변화를 꾀할 것이다. 둘째, 가격할인을 통한 영화관람 요금 의 변화를 가져올 것이다. OTT 플랫폼인 넷플릭스나 푹 또는 SKT 간 통합 OTT 서비스인 웨이브 등이 기존보다 저렴한 요금제를 통해 활용 가능한 콘텐츠를 확대함으로써 영화 산업 분야에 적잖은 영향을 끼 칠 것으로 본다. 셋째, 독립영화 및 다양성 영화의 활성화와 오리지널 콘텐츠 투자확대로 수평적 영화의 성장과 발전 및 영화 산업에 기여할 것으로 전망한다. 넷째, 실시간 스트리밍 증가로 인한 관람형태의 변 화와 영화홍보의 변화이다. OTT는 실시간 스트리밍으로 영화를 보게 하는데 이러한 영화 관람형태의 변 화는 OTT 서비스 홈페이지 등을 통해 홍보의 영역에도 변화를 가져올 것이다.

In Korea, the impact of COVID-19 has 'restricted the social and cultural activities of ordinary citizens through the realization of social distancing. Among them, watching a movie is a factor that always dominates the surveys asking about leisure or hobbies, but the theater performance of Korean films rapidly contracted due to the limitation of the movie screening time. OTT is a term that originated from the set-top box of an existing TV, but recently, with the development of networks, real-time video streaming became possible. OTT refers to a system that allows you to freely view dramas, movies, entertainment, and entertainment from video service providers such as YouTube, Netflix, TV, and Wave. The current situation is that the COVID-19 outbreak of just two years has brought the Korean film industry back to what it was 20 years ago. Therefore, the purpose of this study is to understand how the continuously growing OTT platform market can change the future of the theater-oriented film industry. This is because movie-related companies and visitors are watching the media trends led by OTT to see what will happen to the movie industry in the future in line with the current situation where Corona 19 has not yet ended. The research results are as follows. First, the expansion of the OTT platform market due to changes in film production and screening methods will change the field by combining OTT video products such as movies, dramas, entertainment, broadcasting, and games as a content industry, to e-commerce. Netflix, an OTT platform, and Wavve, an integrated OTT service between Pooq and SKT, are expected to have a significant impact on the film industry by expanding the contents that can be used through cheaper rate plans than before. Third, it is expected to contribute to the growth and development of horizontal films and the film industry by revitalizing independent films and diverse films and increasing investment in original content. Fourth, changes in viewing patterns and movie promotions due to the increase in real-time streaming. OTT allows you to watch movies through real-time streaming, and this change in movie viewing will bring changes to the area of publicity through OTT service homepages, etc.

박찬욱은 한국의 유명한 감독이며, 영화 ‘올드 보이’에서 과감한 창의를 보여주었을 뿐만 아니라 많은 작품을 훌륭하게 창작하여 한국과 해외에서 큰 관심과 토론을 일으켰다. 영화 <친절한 금자씨> 창작 후 그의 작품에서 점차 독특한 페미니즘 스타일이 나타났으며, 또한 이는 박찬욱의 창작이 새로운 단계에 접어들었 다는 것을 의미하는 것이다. 박찬욱 영화에서 여성은 항상 인류의 본성과 관련된 비밀을 가지고 있으며, 여성의 복수 이유가 매우 중요할 뿐만 아니라 이유 없는 욕망과 쾌감이 특히 돋보인다. 또한 박찬욱이 창작한 영화 <스토커>와 <아가씨>, 그리고 최신 작품 <헤어질 결심>에서도 짐작할 수 없는 여성의 신비감과 모든 것을 버릴 수 있는 능력이 명쾌하게 표현되었다. 그는 항상 영화에서 일종의 낯설게 하기 효과를 구축하고, 서사 구조에서 과거 흔히 사용하던 고전적인 3막극 형식을 점차 해체하고 2단식 서사 구조로 전환하여 관객에게 무한한 상상의 공간을 제공하며, 이를 통해 자신의 영화 세계와 독특한 상상의 원천을 보여주었다. 동시에 박찬욱 영화에서 점점 더 발전하는 여성 캐릭터의 욕망 설정은 여성 캐릭터에 많은 변화를 초래하였고, 작품의 서사 시점이 원래의 남성 응시에서 여성을 주체로 하는 반응시로 전환됐으며, 이를 통해 작품의 여성 캐릭터가 진정한 의미의 정신적 해방을 얻게 되었다. 그에 따라 박찬욱의 영화 스타일뿐만 아니라 기존의 일반적인 상식을 뛰어넘는 동(動)과 정(靜)의 결합으로 영상 언어가 변화되었고, 많은 히치콕식 주밍 샷과 180도 원칙을 깨뜨린 가상선을 넘은 샷을 사용하여 영화가 원래 서사의 선행 특징에서 벗어났으며, 샷을 통해 여성 캐릭터에 자아 인격 변화와 성장의 내재적 의미를 불어넣었다. 또한 색채 측면에서 고전주의 스타일과 현실주의 스타일을 결합하고, 영화 은유 기법을 반복적으로 사용하며, 미술 수단과 색채를 결합하여 더욱 깊은 의미가 담긴 여성 캐릭터 이미지를 구축하였다. 따라서 본 연구는 페미니즘 시각에 따라 박찬욱 감독의 작품을 대상으로 서사 방식과 시청 언어 등 측면에서 그가 구축한 남녀 캐릭터의 놀라운 표현과 여성 의식의 각성을 새롭게 고찰하고, 그의 영화 창작 스타일 전환을 귀납하였다.

Park Chan-wook is a renowned director in South Korea, whose bold creativity as an “Old Boy” in filmmaking has made almost every one of his works exceptional, attracting broad attention and causing extensive discussion at home and abroad. After creating Sympathy for Lady Vengeance, a unique feminist style that had gradually emerged from his works also announced the arrival of a new creative stage for him. In his films, women always have secrets, which are close to human nature. At the same time, there is also a corresponding transformation of the audiovisual style of his films. He changed the former unconventional film language combining the dynamic with the static to the extensive use of Hitchcock style zoom lenses and over-axis lenses, making the film break away from the original feature of narrative first to explore the inherent connotations of personality transformation and growth of the female characters assigned by the lenses instead. With regard to color, he combines classical style with realist style, and continues to apply the filmmaking technique of using repetitive props as metaphors, outlining more profound images of female characters through the interaction of art props and color. Therefore, this paper will take director Park Chan-wook's works under the female perspective as the object of study to look anew his subversive portrayal of male and female characters and presentation of the awakening of female consciousness from the aspects of narrative method and audiovisual language, and summarize the evolution of his filmmaking style.

본 연구는 연극학자 리차드 셰크너(Richard Schechner, 1934- )의 퍼포먼스 이론을 토대로 그의 학문적 기여를 고찰하고자 한다. 퍼포먼스라는 용어는 오늘날 한 가지로 정의하기 어려울 정도로 매우 광범위하게 쓰이고 있다. 퍼포먼스라는 용어를 적극적으로 알린 셰크너는 퍼포먼스를 인간이 ‘행동(action)’ 또는 ‘행위 (behavior)’하는 것이라고 정의하며, 이것을 연구하는 것이 퍼포먼스 이론의 주된 목표라고 하였다. 즉, 셰크너는 퍼포먼스를 단순한 예술적 표현이 아닌, 인간의 행동과 사회적 상호작용을 아우르는 광범위한 개념으로 정의하였으며 퍼포먼스 이론을 통해 공연의 결과보다 과정에 중점을 두며, 준비 과정과 관객과의 상호작용을 예술적 행위로 인정받게 했다. 이처럼 기존 공연 형태와는 차별적으로 공연의 개념에 접근하여 퍼포먼스를 재해석함으로써 셰크너는 독보적인 명성을 얻었으며, 실제로 그의 퍼포먼스 이론은 특히 1960년대부터 1990년대 까지의 공연계 전반에 큰 영향을 미쳤다. 그의 환경연극은 관객과의 직접적인 소통을 중시하며, 공연의 새로운 패러다임을 제시했다. 끝으로 거기서 그치지 않고 셰크너는 퍼포먼스 이론을 더욱 체계화하기 위해 연극 인류학자이자 사회학자로서 퍼포먼스 이론을 사회문화적 맥락으로 확장하며 제의적 행위와 공동체적 경험의 중요성을 강조했다. 셰크너의 이론과 실천은 공연예술의 형태를 넘어, 인간의 일상적 행동까지 예술의 영역에 포함하는 기반을 마련했다. 이 연구는 셰크너의 퍼포먼스 이론이 학문적 분야로 자리 잡는 과정을 분석하고, 현대 공연예술과 사회적 행동에 미친 영향을 평가한다. 이를 통해 퍼포먼스 이론의 확장성과 문화적 함의를 재조명하고자 한다. 그 결과 본 연구는 셰크너의 다양한 관점과 실천을 근간으로 퍼포먼스 이론이 갖는 사회문화적 의미를 깊이 있게 분석하는 기회를 제공한다. 셰크너의 작업은 현대 공연예술과 사회 연구에 지속적인 영향을 미치며 새로운 예술적 지평을 열어가는 데 중요한 역할을 한다고 본다.

The objective of this study is to examine the academic contributions of theatrical scholar Richard Schechner(1934- ) through his performance theory. In the present era, the term “performance” is employed in a multitude of contexts, rendering the task of defining it with a single meaning a challenging one. Schechner, who was instrumental in popularizing the term, defined performance as human “action” or “behavior,” and asserted that the primary objective of performance theory is to examine this concept. Schechner thus broadened the definition of performance to encompass not only artistic expression but also human behavior and social interaction. By reinterpreting performance in a manner that differs from traditional forms, Schechner gained a unique reputation, and his performance theory significantly influenced the performing arts from the 1960s through the 1990s. As the founder of the neo-avant-garde theatre movement, Schechner was instrumental in expanding the boundaries of theatre through his commitment to a performance theory based on the concept of performativity. He introduced the concept of environmental theatre, which extended performances beyond traditional theatre spaces and into various environments where spectators actively participate, making him a living witness to process-based theatre. This ironmental theatre emphasized direct interaction with the spectator, providing a new perspective on the relationship between performer and spectator. Moreover, Schechner did not rest on his laurels. As a theatre anthropologist and sociologist, he developed a systematic approach to performance theory within a socio-cultural context, emphasising the importance of ritualistic acts and communal experiences. His theoretical and practical contributions broadened the conceptual boundaries of performance art to encompass everyday human actions within the domain of artistic expression. This study examines the process by which Schechner's performance theory gained academic recognition and evaluates its impact on contemporary performing arts and social behavior. In doing so, it seeks to elucidate the expansive nature and cultural implications of performance theory.

디지털 기기의 보급으로 언제 어디서나 동영상을 시청할 수 있게 되면서 현재 동영상 콘텐츠 시장은 큰 성장을 이루고 있다. 특히, 유튜브는 세계 최대 동영상 플랫폼으로 콘텐츠가 올라오고 공유된다. 그 중에서도 어린이를 대상으로 한 키즈 콘텐츠 채널이 유튜브 구독자 수 랭킹에서 상위를 차지하고 있다. 키즈 크리에이터가 직접 등장하는 키즈 콘텐츠가 유튜브 구독자 수 상위권을 차지하게 되면서 초등학생 들의 장래 희망 순위에서 유튜버와 같은 크리에이터가 대세로 자리 잡게 되었다. 유튜브는 유튜브 키즈 콘텐츠와 키즈 유튜버 보호를 위한 방안을 마련하였다. 본 연구는 유튜브 키즈 콘텐츠와 키즈 유튜버 현 황을 중심으로 키즈 유튜버 보호가 제대로 이뤄지고 있는지 살펴보고자 한다. 키즈 유튜버를 중심으로 키즈 콘텐츠 현황을 살펴보고, 아동 보호 강화를 위한 방안이 과연 적절한지에 대해 해외사례와 함께 비 교·분석하고자 한다. 유튜브 키즈 콘텐츠 연구는 여러 영역에서 이뤄지고 있지만 어린이가 직접 출연하 는 키즈 유튜브 채널의 이면과 보호 방안에 대해 짚고 넘어가야 할 과제는 여전히 남아있다. 이들을 보 호하기 위한 올바른 정책 확립의 필요성이 매우 중요하다. 이는 아이들이 건강하게 성장할 수 있도록 도 움을 주는 역할을 해줄 것이다. 유튜브는 키즈 유튜버와 영상에 출연하는 아동을 보호하기 위한 정책 변 화를 가져왔다. 하지만 국내뿐만 아니라 해외에서 실행하고 있는 키즈 유튜버 보호를 위한 지침은 강제 성이 없는 권고 조치라는 점에서 한계점을 지닌다. 키즈 시장이 점점 커져가고 있고, 유튜브 키즈 콘텐츠 를 넘어 모든 키즈 콘텐츠 관련 가이드라인이 제대로 실행되어야 할 것이다. 이를 계기로 앞으로 새로운 변화가 나타나는지 주목해볼 필요가 있다. 따라서 본 연구에서는 많은 인기를 얻고 있는 키즈 유튜버를 중심으로 키즈 콘텐츠 현황을 살펴보고, 아동 보호 강화를 위한 방안이 과연 적절한지에 대해 해외사례 와 함께 비교·분석하고자 한다.

With the spread of digital devices, the video content market is currently growing significantly as videos can be viewed anytime, anywhere. In particular, YouTube is the world's largest video platform where content is uploaded and shared. Among them, the Kids Content Channel for Children ranks high in the YouTube subscriber count. Kids content, which features kids creators themselves, has topped the YouTube list, making creators like YouTubers a trend in elementary school students' future hope ranking. YouTube has come up with measures to protect YouTube Kids content and kids YouTubers. This study aims to examine whether the protection of kids YouTubers is properly carried out, focusing on YouTube Kids content and the status of kids YouTubers. We would like to examine the current status of kids' content, focusing on kids YouTubers, and compare and analyze whether measures to strengthen child protection are appropriate with overseas cases. YouTube Kids content research is being conducted in various areas, but there are still challenges to address behind and protection measures for kids' YouTube channels starring children themselves. The need to establish the right policy to protect them is very important. This will help children grow up healthy. YouTube has brought about policy changes to protect kids YouTubers and video-starters. However, the guidelines for protecting children's YouTubers implemented not only in Korea but also abroad have limitations in that they are recommended measures without coercion.The kids market is growing, and guidelines for all kids' content beyond YouTube Kids content should be implemented properly. It is necessary to pay attention to whether there will be new changes in the future.

코로나_19가 불러온 유례없는 팬데믹 사건을 기점으로, 극장을 찾는 관객들의 수는 급격하게 줄어들 었으며, 이는 영화산업에 있어 예전과 같은 위치로의 회복에 대해서 쉽게 장담할 수는 없는 상황이 되었 다. 이와는 상대적으로 온라인 스트리밍을 통해 언제 어디서든 접근용이 한 OTT 플랫폼 시장은 급속도 로 성장하고 있으며, 다수의 공급자와 수요자가 OTT 플랫폼을 통해 판로를 개척하고 있는 현실이다. 1996년 김대중 정부의 영화 검열 철폐를 기점으로 대한민국 영화산업은 다양한 주제적 접근을 통한 발전 을 이룩하고 있다. 대한민국이 그간 축적한 다양한 콘텐츠들의 긍정적인 결과물들이 Korea를 의미하는 ‘K-’라고 하는 고유한 영역으로 자리를 잡게 되었으며 브랜드화 되고 있으며, 이는 전 세계의 제작사들로 부터 K-Pop, K-Drama, K-Movie, K-webtoon 등 다양한 방면에서 그 능력을 인정받고 주목받고 있다. 이 러한 상황 속에서, 2021년 공개된 <오징어 게임>은 Netflix라고 하는 세계 최대의 OTT 플랫폼을 통해 약 1조 원 이상의 경제적 가치로 평가받고 있으며, 이는 대한민국의 K-콘텐츠가 세계시장 속에 문화콘텐츠 강국으로 인정받으며 나라의 위상을 높이는 긍정적인 효과로 작용하고 있다. 하지만, 지식재산권 부분에 있어 Netflix라고 하는 세계 최대의 기업과의 사이에서 발생한 수익료 분배와 관련된 문제점들이 언론에 부각되기도 하며, 앞으로 K-콘텐츠의 글로벌 시장 타겟을 향한 OTT플랫폼의 공급적인 측면에서 발전방 안을 논해 봐야하는 중요한 상황이기도 하다. 이에 본 연구자는 <오징어 게임>을 중심으로 현재 K-콘텐 츠가 가지고 있는 의미와 가치 그리고 앞으로의 나아가야 할 방향성에 대하여 분석하고, 이를 통해 대한 민국 중심의 K-OTT 플랫폼의 중요성과 필요성을 바탕으로 발전 방안에 대하여 분석하고자 한다.

Starting with the unprecedented fandom incident brought about by COVID_19, the number of audiences visiting the theater rapidly decreased, which made it impossible to guarantee the recovery to its former position in the film industry. In contrast, the OTT platform market, which is relatively easy to access anytime, anywhere through online streaming, is growing rapidly, and many suppliers and consumers are pioneering markets through OTT platforms. Starting with the abolition of film censorship by the Kim Dae Jung government in 1996, the Korean film industry has been developing through various thematic approaches. The positive results of various contents accumulated by the Republic of Korea have become a unique area called "K-", which means Korea, and are being branded, which is recognized and drawing attention from production companies around the world in various fields such as K-Pop, K-Drama, K-Movie, and K-webton. In this situation, <Squid Game>, released in 2021, is valued at more than KRW 1 trillion through the world's largest OTT platform, Netflix, which is a positive effect of enhancing the country's status as Korean K-content is recognized as a cultural content powerhouse in the global market. However, in terms of intellectual property rights, problems related to the distribution of profits between Netflix and production conpamy had been issued. In this situation, the nessercerty of the K-OTT platform development plans for K-contents targetting for global market is needed. Therefore, this thesis aims to analyze the meaning and value of current K-content, and the direction to be moved forward, focusing on <Squid Game>, and to analyze the development plan based on the importance and necessity of the K-OTT platform centered on Korea.

본 논문은 무용 작품 ｢Query｣을 안무하는데 있어서 무용과 AI기술의 협업을 통해 어떻게 표현되었는 지를 연구하였다. 안무의 구성 단계에서 설정된 ‘상생’의 주제를 생성형 AI와 협업을 통해 이뤄진 창작과 공연 과정을 바탕으로 연구하였다. 무용과 AI의 협업을 통해 새로운 창작 과정을 탐구하며, 전통적인 무 용의 경계를 허물고 기술과 예술이 융합된 새로운 예술적 경험을 제시하고자 하였다 이에 본 연구는 다 음과 같은 결과를 도출해 내었다. 첫째, 본 안무자는 작품 내용구성에서 생성된 AI 이미지를 인격화시켜 작품의 주제를 여러 관점으로 제시하였다. 둘째, 본 작품의 내용적 구성으로 만들어진 생성형 AI의 텍스 트와 이미지는 새로운 차원의 시각적 확장성을 통해 환경의 진보를 가지고 왔다. 셋째, 무용 작품에서 무 용수의 움직임과 생성형 AI 기술의 도입을 통한 내용적 구성은 새로운 형태의 예술적 경험을 제공하였 다. 넷째, 무대 공간의 창의적 활용 방법을 통한 무대 디자인과 AI 기술을 결합하여 가상공간과 현실 공 간의 경계를 허물어 무대 경계의 해체를 가지고 왔다. 본 연구는 상생의 철학적 의미와 AI와의 협업을 통 한 새로운 무용창작의 가능성을 탐구한 하나의 사례로서, 이후의 예술 창작 과정에서 다양한 기술적, 철 학적 확장을 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다. 다만 AI의 가상 기술과 무용 예술의 현실 사이에 는 괴리가 존재하며, 이를 직접 작품에 적용하고 실행하는 데는 현실적인 한계를 지닌다. 이 연구가 무용 창작 현장에서 무용 예술이 단순한 움직임을 넘어서 예술과 기술의 협업이라는 새로운 예술 방법론을 확 장시켜 나가는데 기여하길 바라며 본 연구는 무용과 기술의 협업이 어떻게 이뤄져야 하는지 방향성에 생 각하고 다양한 표현 방법을 통해 작품으로 어떻게 구현되어야 하는지를 연구하고자 한다. 무용 작품에서 하나의 도구가 아닌 인간과 기술 사이의 소통과 상호작용으로 하나가 되어 작품으로 어떻게 나타났는지 의 과정을 연구함으로써 하나의 사례가 될 것으로 생각한다.

This study examines how the collaboration between dance and AI technology was expressed in the choreography of the dance piece ｢Query｣. The research is based on the creative and performance process achieved through collaboration with generative AI, focusing on the theme of "coexistence” set in the choreography development stage. By exploring a new creative process through the collaboration of dance and AI, this study aims to break the boundaries of traditional dance and present a new artistic experience that integrates technology and art. The findings of this study are as follows. First, the choreographer personified AI-generated images in the composition of the work, presenting the theme from multiple perspectives. Second, the AI-generated texts and images based on the work’s narrative structure contributed to the advancement of the creative environment by offering a new dimension of visual expansion. Third, the integration of dancers’ movements and generative AI technology in the composition of the dance piece provided a novel artistic experience. Fourth, the creative use of stage space, combined with AI technology in stage design, blurred the boundaries between virtual and real spaces, leading to the dissolution of conventional stage boundaries. This research serves as a case study exploring the philosophical concept of coexistence and the potential for new dance creation through collaboration with AI. It can be used as foundational material for further technological and philosophical expansion in future artistic creation processes. However, there remains a gap between AI's virtual technology and the reality of dance art, posing practical limitations when directly applying and implementing such collaborations in actual performances. It is hoped that this study contributes to the expansion of dance creation beyond mere movement, fostering a new artistic methodology that embraces the collaboration between art and technology. In addition, this study intends to think about the direction of how dance and technology collaboration should be carried out and study how it should be implemented as a work through various expression methods. I think it will be an example by studying the process of becoming one through communication and interaction between humans and technology rather than a tool in a dance work.

본 논문은 리차드 셰크너의 작업에 나타난 수행성의 미학적 특징을 고찰한 연구이다. 오늘날 수행적 공연의 형태는 한국연극뿐 아니라 세계 여러 나라 공연예술에서 그 중요성이 더욱 확대되고 있다. 그 배 경에는 여전히 프로시니엄 무대가 세계를 장악하고 있을 때 ‘퍼포먼스 그룹’을 창단해 독자적인 길을 걸 었던 셰크너의 영향이 적지 않다. 수행성이라는 용어는 1955년 존 오스틴에 의해 처음 알려진 개념이다. 초기에 수행성은 발화행위와 관련되어 ‘행위를 이행하다’는 의미로 쓰였다가 1990년대 연구대상이 언어 철학적 관점에서 문화의 수행적 성격으로 시각이 변화하기 시작하면서부터 문화 이론을 통해 새롭게 거 듭나게 되었다. 에리카 피셔 리히테는 공연을 하나의 ‘사건’으로 해석하고, 몸의 ‘자기지시성’을 강조하며 수행성을 설명했다. 피셔 리히테에 의하면, 몸이 그 자체로 존재하고 그에 대한 관객의 지각에 의해 연극 의 수행성이 작동된다는 것이다. 이렇게 세계적으로 수행성에 대한 이론이 발전하는 가운데 예술 장르간 경계는 점차 모호해졌으며 퍼포먼스 아트가 주목받고 예술 장르가 융·복합적으로 발전하기 시작했다. 연구자는 현대공연예술의 발전에 셰크너의 역할이 컸고 특히 그의 작업 속에 이러한 수행성 미학의 특징 들이 나타난다고 보았다. 셰크너는 연극을 일방적인 대사 전달이 아닌 총체적인 경험의 예술로 인식되기 를 바랬기 때문이다. 또한, 그의 작업은 전통 연극의 공간을 파괴한 공간의 변화와 관객 참여에 중점을 두었는데, 그는 이를 ‘환경연극’이라고 제시하고 연극에서 관객이 보다 능동적이기를 바랬으며, 견고했던 제 4의 벽을 허물었다. 이를 통해 공연자와 관객이 진정으로 하나가 되면서 자연스럽게 삶과 예술의 경 계를 허물고 일상에서 예술적인 요소를 찾는 일상성을 추구했다. 그러므로 본고의 연구자는 이러한 미적 논의의 발전으로써 세크너의 수행성을 다음의 네 가지로 구분하였는데 그 첫째는 탈 장르성, 둘째는 환 경연극적 공간성, 셋째는 능동적 관객성 그리고 넷째는 일상성이다. 많은 현대공연예술의 흐름이 있지만, 연구자는 도출된 네 가지의 특징이 셰크너의 공연미학으로 일관되게 보여지는 수행적 미학이라고 보고 이러한 특징들을 고찰하고자 한다.

This paper is a study on the aesthetics of performativity in Richard Schechner’s work. These days the form of performative performance is becoming more important not only in Korean theater, but also in performing arts in many countries around the world. The term performativity has been studied for a long time, but it has been shown as an experimental aspect in performances produced since the 1960s. Behind the scenes is the influence of Schechner, who founded the “Performance Group” and took his own path when the proscenium arch still dominated the world. The term performativity was first known by John Austin in 1955. Initially, performativity was used to mean ‘to perform’ in relation to the act of pronouncing. Erica Fischer-Lichte interpreted the performance as an ‘event’ and explained its performativity, emphasizing the body’s ‘self-referential’. According to Fischer-Lichte, the body exists in itself and the performativity of the play is driven by the audience's perception of it. That is because Schechner wanted the play to be perceived as an art of total experience, not as a one-sided delivery of lines. His work also focused on changing the space that destroyed the space of traditional plays and on audience participation. He presented it as an ‘environmental theatre’ and hoped the audience would be more active in the play, breaking down the solid fourth wall. Through this, he hoped that performers and audiences would truly unite and naturally break down the boundaries between life and art, and sought to find artistic elements in everyday life. Thus, as an advance in this aesthetic discussion, This paper researcher divided the performance of Schechner into four categories. The first is decategorization, the second is environmental theater space, the third is active audience, and the fourth is dailiness. This paper researcher would like to consider these four characteristics, considering that they are performativity aesthetics that are consistently shown by Schechner's performing aesthetics. Furthermore, this paper researcher wants to help Korean theatre make a leap forward globally by suggesting expansion and development potential in plays through this study.

본 연구는 배우의 감정 표현 과정을 현대 뇌과학이 밝혀낸 감정 이론을 통해 살펴봄으로써 자연스러 운 감정에 대한 효과적인 접근 방법을 모색했다. 이를 통해 배우의 감정 접근 방법에 대한 새로운 시각 을 제시한다. 감정은 조절하기 어렵고, 직접적인 접근 방법은 오히려 역효과를 초래할 수 있다. 하지만, 연기의 최종 목적지는 감정의 영역이며, 이러한 감정의 특성 때문에 배우들은 감정을 표현하는 과정에서 오류에 빠지거나 어려움을 겪을 수 있다. 배우들은 감정을 억지로 만들어 내는 것이 아니라, 자연스럽게 조절하고 활용하는 방법을 익혀야 한다. 고전적 심리학에서는 인간의 감정이 타고난 것이라고 믿어져 왔 다. 하지만, 리사 펠드먼 배럿의 구성된 감정 이론에 따르면 인간의 감정은 선천적으로 정해진 보편적 반 응이 아니라, 우리의 뇌가 과거 경험, 신체 감각, 언어적 개념, 그리고 상황적 맥락을 통합하여 구성해 낸 결과이다. 또한, 현대 뇌과학은 감정이 생존과 적응을 위해 진화한 신경 회로 시스템의 결과임을 밝혀냈 다. 감정은 과거 경험을 바탕으로 현재 상황에 대한 적절한 반응을 유도하며, 이는 신경전달물질과 호르 몬 작용을 통해 이루어졌다. 예를 들어, 공포를 느낄 때 편도체가 활성화되어 ‘투쟁-도피’ 반응을 촉진하 고, 이는 심박수 증가와 근육 긴장 등의 신체 변화를 일으켜 위험에 대비하게 만든다. 이러한 생존 메커 니즘이 배우들의 감정 표현에도 중요한 역할을 할 수 있다. 따라서 본 연구는 현대 뇌과학에서 밝혀낸 감정 이론을 이해하고 구성된 감정 이론에 근거하여 배우의 감정 표현 과정을 뇌과학적으로 고찰했다. 이를 통해 배우의 감정 표현에 대한 과학적 접근 방법을 제시했다. 이 연구를 통해 연기 분야에도 과학 적인 접근 방법이 도입될 것으로 기대된다. 더불어 이러한 과학적 발견을 배우 훈련에 적용한다면, 보다 체계적이고 실증적인 연기 방법론을 구축할 수 있을 것이다. 따라서 현대 뇌과학이 제시하는 감정 이론 에 근거하여 배우의 자연스러운 감정 표현을 위한 새로운 접근 방안을 찾을 필요가 있다.

This study examined actors’ emotional-expression processes through the lens of contemporary neuroscience theories of emotion, in order to identify effective approaches for achieving naturalistic emotional performance. The research offers a fresh perspective on how actors approach emotion. Emotions are notoriously difficult to regulate, and direct, forceful techniques often backfire. Yet the ultimate aim of acting is to inhabit the emotional realm, and these very characteristics of emotion can lead performers into mistakes or emotional blocks. Rather than fabricating feelings from the outside, actors must learn to modulate and harness their emotions organically. Classical psychology assumed that human emotions are innate, hardwired responses. In contrast, Lisa Feldman Barrett’s Theory of Constructed Emotion posits that emotions are not universal, preordained reactions but the brain’s on-the-fly constructions—integrating past experiences, bodily sensations, linguistic concepts, and situational context. Moreover, modern neuroscience has shown that emotions arise from evolved neural circuits designed for survival and adaptation. Emotions guide appropriate responses to current situations based on past learning, mediated by neurotransmitters and hormones. For example, when fear is experienced, the amygdala activates the fight-or-flight response-raising heart rate and tensing muscles to prepare the body for danger. Such survival mechanisms also underpin actors’ emotional expression. Accordingly, this study first clarifies the neuroscientific underpinnings of emotion, then, drawing on the Theory of Constructed Emotion, investigates actors’ emotion-generation processes from a brain-science perspective. By doing so, it proposes a scientific approach to training emotional expression in performance-and anticipates that acting pedagogy will increasingly embrace such evidence-based methods. In addition, if these scientific findings are applied to actor training, a more systematic and empirical acting methodology can be established. Therefore, it is necessary to find a new approach for expressing actors' natural emotions based on the emotional theory proposed by modern brain science.

최근의 공연예술은 작품 속 배경 또는 인물이 살아 움직이는 방식 등을 활용하여 관객의 오감을 자극 하고 관객과 작품 간의 적극적이면서 몰입도 높은 참여를 이끌어낸다. 공연예술 변화의 흐름과 미디어아 트에 대해 구체적으로 확인해보고, 미디어아트가 접목된 공연예술을 기준으로 관객의 관람에 어떤 영향 을 미치는지 연구가 필요하다. 본 연구는 공연예술과 미디어아트 융합이 관람에 어떠한 영향을 미칠 수 있는지 논의하는데 목적을 둔다. 공연예술 변화의 흐름과 미디어아트에 대해 구체적으로 확인해보고, 미 디어아트가 접목된 공연예술을 기준으로 관객의 관람에 어떤 영향을 미치는지 확인해보고자 한다. 융· 복합형 콘텐츠들은 관객들에게 새로운 경험을 제공해줌으로써 대중문화 소비층뿐만 아니라 문화예술 향 유층까지 확대시키고 있다. 공연예술에 있어서 기술융합에 대한 다양하고 적극적인 태도는 공연예술의 한계를 뛰어넘어 새로운 장르를 개척해나가는 계기가 되었다. 매체 간 경계가 허물어지면서 모든 영역에 서의 통합현상이 두드러지게 나타나고 있다. 또한, 시시각각 변화하는 화려한 디지털 퍼포먼스는 무대를 장악하며 관객의 시선을 사로잡는다. 이러한 변화는 공연예술 산업의 확산과 새로운 시장으로의 확대 등 잠재된 가능성을 탐색할 수 있는 기회를 제공할 수 있다. 예술 분야의 대표적인 융·복합 통합현상은 첨 단기술과 아트가 결합 된 미디어아트라고 말할 수 있다. 미디어아트의 활성화를 위해서는 무엇보다도 미 디어아트에 대한 인식 개선이 필요하다. 이를 위해 미디어아트 작가들을 지원하고 교육 프로그램을 마련 하며, 미디어아트 전용 공간을 확보하는 등 다각적인 노력이 요구되어야 할 것이다. 공연예술과 미디어 아트 간 하나의 분명한 목적을 가지고 예술로서 승화시킨다면 공연예술분야에 새로운 한 획이 될 수 있 을 것이다.

Recent performing arts stimulate the audience's five senses and induce active and immersive participation between the audience and the work by utilizing the background of the work or the way the person moves alive. It is necessary to check the flow of changes in performing arts and media art in detail, and to continue to study how it affects the audience's viewing based on performing arts incorporated with media art. Convergence and complex contents are expanding not only to popular culture consumers but also to cultural and artistic enjoyment by providing new experiences to the audience. Various and active attitudes toward technological convergence in performing arts have served as an opportunity to explore new genres beyond the limits of performing arts. As the boundaries between media are broken down, the phenomenon of integration in all areas is remarkable. It can be said that the representative convergence and complex integration phenomenon in the art field is media art that combines high-tech and art. In order to revitalize media art, above all, it is necessary to improve the perception of media art. To this end, various efforts should be required, such as supporting media art writers, preparing educational programs, and securing space dedicated to media art. If it is sublimated as an art with one clear purpose between performing arts and media art, it could be a new milestone in the field of performing arts. The spectacular digital performance, which changes from time to time, dominates the stage and catches the audience's attention. These changes can provide opportunities to explore potential possibilities such as the spread of the performing arts industry and the expansion of new markets.

2024년 현재까지 <파수꾼>에 관한 대다수의 연구들은 1970년대의 시대상황과 우화적 알레고리 및 형 식미학과 연결 지어 작품을 해석해 왔다. 반면에 <파수꾼>을 상연을 전제로 배우의 행동, 오브제의 활용, 공간성의 탐색, 관객입장에서의 의미 등을 파악한 연구는 거의 없는 것으로 드러났다. 이처럼 이강백 <파 수꾼>에 대한 연구는 대체로 텍스트의 허구에 머물며, 상연되었을 때의 가상은 고려하지 않고 있다. 이와 같은 연구의 편향은 비단 이강백 연구에만 나타나는 현상이 아니다. 일반적으로 기존의 희곡분석은 소설 이나 시를 분석할 때 사용했던 방법과 큰 차이점을 두지 않고 있다. 이는 현대희곡 연구가 희곡에서 배 우의 재현을 고려하지 않고, 책 위에 인쇄된 문자언어로서 극예술을 인식했기 때문으로 보았다. 본 연구 는 이러한 빈틈에서 출발해, <파수꾼>의 인물과 맞닿아 있는 배우의 상상력을 가상성으로 확장해 텍스트 의 연구방법론으로 새롭게 제시한다. 아울러 이강백이 <파수꾼>을 창작했을 당시의 가상성은 70년대의 독재정권의 암울한 고통을 상징하는 작품이었지만, 독재정권이 종식된 오늘날의 관객입장에서는 가상성 의 의미가 확연히 달라진다. 따라서 <파수꾼>의 희곡 텍스트 분석 또한 시대 변화에 따른 관객의 감수성 을 감지하며 가상성을 새롭게 해석해야 할 필요성을 낳는다. 이에 본 논문은 배우와 텍스트 사이에서 생 성되는 희곡의 가상성을 살펴보는 것을 연구 목적으로 하며, 이 연구는 그동안 희곡의 텍스트 분석에서 중요하게 다루지 않았던 배우의 가상영역을 고찰할 필요성을 드러낸다. 이와 같은 목적과 필요성을 기반 으로 그간 논의 되지 않았던 <파수꾼>의 등장인물 분석에 초점을 맞춰 인물의 행동, 인물과 무대공간, 인 물과 오브제, 인물과 관객 등의 상호작용에 맞닿아 있는 가상성에 대해 논의하고자 한다.

Until now in 2024, most of the studies on "Watchmen" have interpreted works in connection with the situation of the times in the 1970s and the allegorical allegory and formal aesthetics. On the other hand, it turned out that few studies have grasped the actor's imagination, the use of objects, the search for spatiality, and the meaning of the audience's position on the premise of performing "Watchmen". As such, studies on Lee Kang-baek's "Watchmen" generally remain in the fiction of the text and do not take into account the imagination when it was performed. This bias of research does not appear only in Lee Kang-baek's research. In general, existing drama analysis does not make much difference from the method used to analyze novels or poems. This was considered to be because the study of contemporary plays recognized only as written language printed on the book without considering the actor's representation. Starting from these gaps, this study examined the virtuality created in the connection pattern of the character 'Da' in "Watchmen" in "The Watcher" in relation to the actor's representational imagination. In addition, the virtuality at the time Lee Kang-baek created "Watchmen" was a work that symbolized the grim pain of the dictatorship in the 1970s, but the meaning of virtuality changed significantly from the perspective of today's audiences, after the dictatorship ended. The purpose of this paper is to examine the virtuality of plays created between the actor and the text, and this study reveals the necessity of examining the virtual domain of actors that has not been treated as important in the text analysis of plays. Based on such a purpose and necessity, we will focus on the analysis of characters in "Watchmen", which has not been discussed so far, and discuss the virtuality that is in contact with the interaction of characters, characters and stage spaces, characters and objects, and characters and audiences.