Earticle

본 연구는 미하일 체홉(Michael Chekhov)의 가상의 신체(imaginary body) 이론을 연극 <진흙 2024>의 공연 창작 및 연출 과정에 적용하여, 배우의 인물 구축과 연출자의 공연 연출의 창조적 가능성을 탐구함 을 목적으로 한다. 체홉의 가상의 신체는 배우가 상상력을 활용하여 인물의 신체적·심리적 특성을 창조 하고 이를 무대에서 표현할 수 있도록 돕는 연기 테크닉이다. 본 연구자는 배우의 인물 구축 과정에서는 가상의 신체를 가상의 신체 상상, 가상의 신체 옷 입기, 가상의 신체 연기의 3단계로 분석하여 적용하였 다. 체홉의 이론을 토대로 본 연구자가 창안한 접근방식으로, 배우의 신체적 동작과 내면적 심리를 구체 화하는 데 초점을 맞추었다. 연출자의 공연 연출과 무대 구성 과정에서는 프레임, 장면 전환, 환생이라는 측면에서 가상의 신체를 적용하였다. 본 연구자는 가상의 신체의 이론적 분석과 <진흙 2024>에의 실천적 적용을 통해 배우의 신체 훈련, 인물 구축, 공연 연출, 무대 구성 등 연극 창작 전반에서의 활용 가능성을 검증하였다. 연구의 주요 결과는 다음과 같다. 체홉의 가상의 신체는 인물의 내적 심리와 신체적 동작을 구체화하는 데 효과적인 도구로 작용하여, 연기 훈련과 무대 연출에서 배우의 창의성과 표현력을 향상시 켰다. 둘째, 마리아 아이린 포네스(Maria Irene Fornes)의 원작 <진흙>을 현대적으로 재해석한 <진흙 2024>를 통해 인간의 결핍과 고립, 자유와 자기실현에 대한 보편적 메시지를 효과적으로 관객에게 전달 하였다. 셋째, 배우와 관객 간의 정서적 교감을 증진하며, 작품의 메시지가 관객에게 생생하게 전달될 수 있는 연극적 경험을 제공하였다. 넷째, 체홉의 이론을 창작 과정에 적용함으로써, 이론적 접근과 실천적 연구의 융합 가능성 측면에서 새로운 방향성을 제시하였다. 본 연구자는 체홉의 가상의 신체 이론이 연 극 교육 및 창작 현장에서 배우와 연출자에게 유용한 도구로 활용될 수 있기를 기대한다.

This study aims to explore the creative possibility of character building and stage direction by applying Michael Chekhov's theory of the Imaginary Body to the performance creation and direction process of the play <Mud 2024>. Chekhov's imaginary body is an acting technique that helps actors use their imagination to create physical and psychological characteristics of characters and express them on stage. In the process of actor's character building, the researcher analyzed and applied it in three steps: imagining the imaginary body, putting on the imaginary body, and acting through the imaginary body. Based on Chekhov's theory, this approach created by the researcher focused on embodying the actor's physical movement and inner psychology. In the process of director's performance direction and stage composition, the researcher applied it in terms of frame, scene transition, and reincarnation. Through the theoretical analysis of the imaginary body and practical application to <Mud 2024>, thes researcher verified the possibility of its use in overall theater creation, such as physical training, character building, performance directing, and stage composition. The main findings of this study are as follows. First, Chekhov's imaginary body served as an effective tool for embodying a character's inner psychology and physical movement, thereby enhancing the actor's creativity and expressive capacity in both acting training and stage performance. Second, through <Mud 2024>, a modern reinterpretation of Maria Irene Fornes's original play <Mud>, the production effectively conveyed universal messages about human deprivation, isolation, freedom, and self-realization to the audience. Third, it promoted emotional communication between actors and audiences and provided a theatrical experience in which the message of the work was vividly connected to the audience. Fourth, by applying Chekhov's theory to the creative process, a new direction was presented in terms of the possibility of convergence between theoretical approach and practical research. The researcher expects Chekhov's imaginary body to serve as a valuable tool for actors and directors in theater education and creative practice.

이 연구는 16세기 중반 이탈리아에서 시작되어 18세기 중반까지 유럽 전역에 걸쳐 유행했던 ‘코메디아 델라르테’공연 양식을 토대로 하였다. ‘전문 예술가의 연극’을 뜻하는 ‘코메디아 델라르테’는 전문 배 우로 구성된 전문 극단이자 상업적 극단이었으며, 시나리오만 있는 대본으로 즉흥적 연기를 펼치는 즉흥 극 극단이었다. 코메디아 델라르테 연기술을 이용한 연극이 현재도 공연되고 있으며 그 영향력이 여전히 살아있는 형식이라 할 수 있다. 몰리에르(Molière)는 코메디아 델라르테의 영향을 많이 받았다. 그의 희극 작품들은 프랑스 고전극의 유산이자, 오늘날까지도 활발히 공연되는 텍스트다. 그 중 ‘상사병 환자’는 몰 리에르가 살던 시대의 프랑스 의료 체계와 의사에 대한 불신을, 웃음을 통해 인간의 위선을 드러내는 사 회 풍자 작품이다. 이 연구는 몰리에르 희곡을 공연화 하기 위해서는, 전형적 인물에 대한 구체적 형상화 와 이의 실현을 위해 코메디아 델라르테 연기술의 핵심인 라찌에 대한 체계적 연기 훈련 및 체득이 필요 하다는 점을 심도 있게 살펴보았다. 대부분의 현대 연극은 이미 잘 짜인, 기승전결의 구조를 갖추고 있기 에 코메디아 델라르테의 연기술을 그대로 적용하기에 다소 무리가 따른다. 몰리에르의 희곡 또한 지금 시기에 공연되려면 희곡의 고전적 해석을 넘어, 코메디아 델라르테 연기술 핵심인 라찌의 창의적 적용이 기본적으로 요구되고 있다. 그러므로 이 연구는 코메디아 델라르테 연기의 핵심 요소라 할 수 있는 라찌 를, 몰리에르의 희곡 ‘상상병 환자’에 창의적으로 적용된 사례를 통해 희극 연기술의 실제적 방법론과 훈 련법을 제시한다. 더불어 코메디아 델아르테의 연기를 살펴볼 수 있는 연극이 지금도 공연되고 있고 그 영향력 또한 여전히 살아있는 형식이라 할 수 있다. ‘상상병 환자에 창의적으로 적용된 라찌의 사례를 통 해 희극 연기술의 방법론을 제공하고 관극의 재미와 더불어 사회 풍자성과 해학성이 뛰어난 작품 창작에 도움이 될 실제적인 자료를 제공하는 데 본 연구의 필요성과 목적이 있다.

This study is based on the "Commedia dell'arte” performance style, which originated in Italy in the mid-16th century and flourished throughout Europe until the mid-18th century. Meaning "professional artist's play,” "Commedia dell'arte” was a professional and commercial theater company comprised of professional actors, and was an improvisational troupe that performed improvisational performances based on scripts. Plays utilizing Commedia dell'arte acting techniques are still performed today, and its influence remains alive. Molière was deeply influenced by the Commedia dell'arte. His comedies are a legacy of classical French drama and remain popular texts even today. Among them, "The Lovesick” is a social satire that exposes the distrust of doctors and the French medical system of Molière's time, exposing human hypocrisy through humor. This study examined in depth the need for systematic acting training and acquisition of razzi, a core element of commedia dell'arte acting, to specifically portray and realize archetypal characters in Molière's plays. Similarly, contemporary performances of Molière's plays require not only classical interpretations but also the creative application of razzi, a core element of commedia dell'arte acting. Therefore, this study presents practical methodologies and training methods for comic acting through the creative application of razzi, a core element of commedia dell'arte, to Molière's play "The Imaginary Insane.” The method and scope of this study focus on the case of performance of "imaginary disease patients” in which Commedia dellarte acting theory and "Ratzi” were creatively applied. In addition, the researcher's teaching practice materials when he was educated at Boston University's Theater Department and the first Commedia dellarte workshop materials in Korea at the 2000 Gwacheon Madang Theater Festival with Professor Judith Chaffee, the researcher's teacher and Commedia dellarte major.

본 연구는 요르고스 란티모스 감독의 영화〈더 페이버릿〉(The Favourite, 2018)에서 배우들이 수행하 는 신체 중심 연기 양식을 코메디아 델 아르테(Commedia dell’Arte)의 고전적 연기 전통과의 연관성 속에 서 분석하였다. 코메디아 델 아르테는 고정된 캐릭터 유형, 과장된 제스처, 반복과 정지의 리듬, 희극적 과잉과 신체 중심 표현을 핵심으로 하는 즉흥극 형식이며, 역사적으로 배우의 신체 움직임을 통해 감정 과 권력을 구체화해온 연기 전통이다. 본 논문은 고전적 연기 양식이 현대 영화 속에서 어떻게 해체되고 변형되며, 신체 중심 연기를 통해 어떤 새로운 미학적 구조로 재편되는지를 배우의 신체 수행을 중심으로 고찰하였다. 분석 대상은 주인공 앤 여왕, 사라, 애비게일 세 인물이며, 이들의 신체 리듬, 제스처, 시 선, 공간 점유 방식 등을 중심으로 인물 간 감정 흐름과 권력 역학이 어떻게 드러나는지를 살폈다. 각 인 물은 판탈로네, 도토레, 아를레키노와 같은 코메디아 델 아르테의 전형적 캐릭터를 기반으로 하되, 이를 현대적으로 해석하여 감정 억제, 내면화된 긴장, 리듬의 변화 등으로 변주한다. 반복과 정지, 리듬의 대조, 침묵과 시선의 지연 등의 전략은 단순한 희극적 효과를 넘어서, 인물 간의 심리적 관계와 권력 이동 을 섬세하게 표현하는 핵심 장치로 작용한다.〈더 페이버릿〉은 고전 희극 양식을 단순히 재현하는 데 그치지 않고, 그 형식적 외피를 해체하면서도 신체 표현의 핵심 원리를 현대적 맥락에 맞게 재구성한다. 이를 통해 배우의 신체는 감정적 강도와 사회적 권위, 심리적 거리와 서사의 긴장을 동시에 구현하는 미 학적 수행 공간으로 작동한다. 본 연구는 전통 연기 양식의 현대적 활용 방안을 제시하고, 연기 연구에서 신체성과 수행성의 중요성을 재조명함으로써 연기 이론의 확장에 기여하고자 한다.

This study examines how the classical acting principles of commedia dell’arte are creatively reinterpreted in Yorgos Lanthimos’s film The Favourite (2018) through the lens of embodied performance. Rather than merely replicating traditional archetypes, the film’s three main characters structurally echo the types of commedia dell’arte—the Dottore, Harlequin, and Pantalone—while simultaneously subverting their core traits within a modern context. By analyzing Sarah, Abigail, and Queen Anne’s distinct physical rhythms, gesture vocabularies, and spatial dynamics, this paper reveals how bodily performance operates as a central vehicle for negotiating power and identity. The study identifies two critical modes of physical expression ‘extended stillness’ and the ‘amplification of micro-expressions’which replace overt exaggeration with tension, restraint, and strategic emotional modulation. In The Favourite, power is not an abstract condition but a visibly enacted and contested force, shaped through gaze, posture, breath, and control of space. Ultimately, this research argues that The Favourite is not a period piece that mimics classical form, but a radical performative experiment that uses classical theatrical models to interrogate the instability of modern power, identity, and affect. The paper contributes a new methodological framework for analyzing embodied performance in film and expands the possibilities of acting theory by bridging traditional stylization and contemporary cinematic expression.

본 연구는 장 폴 사르트르의 대표희곡 『닫힌 방(Huis Clos)』을 현대적으로 재해석한 창작극 『이 방에는 에어컨이 없다』를 중심으로, 사르트르 연극의 철학적 토대를 오늘날의 연극 실천 속에서 어떻게 계승하고 재구성할 수 있는지를 고찰하였다. 사르트르가 강조한 ‘상황의 연극’은 관객으로 하여금 인간 존재의 본질, 타자와의 관계, 실존적 책임에 대한 윤리적 각성을 유도하는 데 중점을 두며, 연극을 단순한 재현의 도구가 아닌 변증법적 개입의 장으로 위치시켰다. 본 연구는 이러한 철학을 기반으로, 현대적 정체성과 사회적 윤리를 주제로 한 창작극의 각색 및 연출 과정을 분석하고자 하였다. 『이 방에는 에어컨이 없다』는 ‘닫힌 공간에 갇힌 세 인물’이라는 구조를 유지하면서도, 정치인·성소수자·연예인 지망생이라는 동시대 인물군 을 도입하여 오늘날의 미디어, 정체성, 자기기만의 문제를 전면화했다. 각색의 과정에서는 서사 구조의 재배 치뿐 아니라, 타자의 시선 속에서 정의되는 자아의 불안정성과 현대사회에서의 ‘자기 연출’ 욕망을 블랙코미 디적 요소를 통해 비판적으로 드러내고자 하였다. 연출 측면에서는 무대, 조명, 음향, 의상 등극 내적 요소뿐 아니라, 실제 극장 환경이 개입하여 관객이 동일한 불쾌한 환경을 체험하게 만드는 감각적 전략을 통해 연극의 수행성과 몰입을 극대화하였다. 본 연구는 사르트르 희곡의 철학과 미학을 단순히 인용하거나 해석하 는 데 그치지 않고, 연출자의 실천적 개입을 통해 그것이 동시대적으로 어떻게 재구성될 수 있는지를 구체적 으로 보여주었다는 점에서 실기 기반 연구(Practice Based Research)의 일례를 제시했다. 나아가 고전 희곡이 현대의 정치·사회적 맥락 속에서 어떻게 살아 숨 쉴 수 있는지, 그리고 연극이라는 장르가 철학적 사유의 매개체가 될 수 있음을 실천적으로 증명하고자 하였다. 다만 본 연구는 단일 작품 사례에 집중하여 분석을 진행하였기에, 사르트르 연극의 현대적 실천 가능성을 전반적으로 일반화하기에는 한계가 있으며 연출 방법 론 또한 특정 공연 환경과 창작 조건에 제약받을 수 있다. 그럼에도 본 연구는 실기 기반 연구의 구체적 사례를 제공함으로써, 후속 연구에서 다양한 공연 양식, 장르, 작가군을 포함한 폭넓은 비교 분석이 이루어질 수 있는 기초 자료로 기능할 수 있을 것이다.

This study investigates how the philosophical foundation of Jean-Paul Sartre’s theatre can be inherited and restructured within contemporary theatrical practice by analyzing the original play This Room Has No Air Conditioning, a modern reinterpretation of Sartre’s representative work Huis Clos. Sartre’s concept of the “theatre of situation” emphasizes the ethical awakening of the audience through existential themes such as the essence of human existence, the gaze of the Other, and personal responsibility. This research, grounded in Sartre’s theatrical philosophy, examines the adaptation and directorial process of a play that centers on contemporary identities and social ethics. This Room Has No Air Conditioning retains the structural motif of “three characters trapped in a closed room,” while introducing modern figures such as a politician, a sexual minority, and an aspiring celebrity. Through this transformation, the play brings forth current issues of media, identity, and self-deception. The adaptation process does not only restructure the narrative, but also critically addresses the unstable self shaped by external gazes and the performative desire for self-curation in contemporary society through the use of black comedy. On the directorial level, mise-en-scène, lighting, sound, and costume are employed alongside an immersive device in which the theatre’s air conditioning is turned off, making the audience physically experience the same discomfort as the characters. This strategy maximizes both the performativity and immersive quality of the play. This research presents a case of practice based research, not merely citing or interpreting Sartre’s philosophy and aesthetics, but embodying them through the director’s practical interventions. Ultimately, the study demonstrates how classical plays can come alive in the socio-political contexts of the present and how theatre can serve as a medium for philosophical inquiry.

본 연구는 연극 연출 과정에서 ‘마스터 심벌(Master Symbol)’ 의 개념을 이론적으로 정립하고, 그것이 연출 개념의 시각화와 공연의 통일성 확보에 어떻게 기여하는지를 실천적으로 분석하는 데 목적이 있다. 기존 연출 이론서에서는 마스터 심벌을 명시적으로 다루는 경우가 드물며, 유사 개념이 암묵적으로 제시 되거나 상징적 장치의 기능이 구체화되지 않은 채 활용되고 있다. 본 연구는 이러한 이론적 공백을 보완 하고자 관련 문헌을 검토하고 유사 개념과의 비교를 통해 마스터 심벌의 정의와 기능을 고찰하였다. 또 한 실제 연출 사례인 연극 <불란서 특파단>(2025)과 <누에>(2024)를 중심으로 마스터 심벌이 공연 전체의 상징 구조에 어떻게 작용하는지를 분석하였다. 분석 결과, 마스터 심벌은 연출가의 중심 개념을 시각화 하여 무대 디자인, 장면 구성, 배우 디렉팅 등 연출 전반을 통합하는 구조적 축으로 기능했으며, 특히 제 한된 무대 조건 속에서도 복잡한 시공간의 흐름을 효과적으로 연결하고 주제를 응축하여 관객에게 직관 적으로 전달하는 데 기여했다. <불란서 특파단>에서는 ‘이음과 맞춤’이라는 전통 건축기술을 심벌로 설정 하여 문화적 충돌과 조화를 시각적으로 형상화했으며, <누에>에서는 ‘발[簾]의 다중 배치’를 통해 시선의 권력과 공간의 위계, 인물 간 긴장을 표현했다. 이러한 상징들은 그 자체로 하나의 미장센을 구성하며 무 대의 시각적 구조와 정서를 형성하는 핵심 요소로 작용했다. 이처럼 마스터 심벌은 무대 위에서 하나의 통합된 이미지로 연출의 방향성과 미학을 드러내며, 디자이너와의 협업을 통한 공연 제작 과정에서도 중 심 개념을 공유하는 실천적 도구로 작용했다. 결론적으로 본 연구는 마스터 심벌이 공연 전체의 의미망 을 조직하고 연출가의 해석을 관객과 연결하는 전략적 장치임을 밝히는 데 의의가 있다. 다만 두 편의 작품 분석에 한정되어 있어 장르·형식별 적용 검토와 실증 자료가 부족하다는 한계가 있으며, 향후에는 다양한 장르를 대상으로 한 분석 틀 구축과 관객 수용 관점의 실증 연구를 통해 개념의 범용성과 완성도 를 높일 필요가 있다.

This study aims to define the concept of the Master Symbol in theatre directing and to analyze its role in visualizing the director’s concept and achieving unity in performance. While most directing literature rarely addresses the term explicitly, related ideas are often presented without a clear functional definition. By reviewing relevant literature and comparing similar concepts, this research clarifies the theoretical foundations of the Master Symbol and examines its practical functions in stage production. Two original productions—The French Envoys (2025) and Silkworm (2024)—are analyzed to explore how the Master Symbol operates within the overall symbolic structure of a performance. The findings show that the Master Symbol functions as a structural axis that visualizes the director’s central idea, integrating stage design, scene composition, and actor direction. It effectively links complex temporal–spatial flows, condenses thematic meaning, and communicates it intuitively to the audience, even under limited stage conditions. In The French Envoys, the traditional construction technique of “joining and fitting” symbolized cultural conflict and harmony, while in Silkworm, the multiple arrangement of bamboo blinds represented the dynamics of gaze, spatial hierarchy, and tension between characters. These symbols shaped both the visual tone and the interpretive framework of the productions. Ultimately, this study identifies the Master Symbol as a strategic device that organizes the performance’s network of meanings and connects the director’s interpretation with the audience’s experience. However, as the analysis is limited to two works, further research across diverse genres and empirical studies from an audience-reception perspective are needed to enhance the concept’s universality and scholarly completeness.

본 연구는 연기전공 대학생들의 진로 스트레스와 진로 태도 성숙이 전공 지속 의사에 미치는 영향을 검토해 공연계의 미래를 긍정적이고 탄력적인 형태를 유지할 수 있도록 대학생들의 진로 태도 성숙과 진 로 스트레스의 정도를 파악하고 방안을 제시하는 것에 목적이 있다. 따라서 연기전공 대학생 105명을 대 상으로 일반적 특성(성별, 나이, 학교, 학년, 경력)을 파악하고, 진로 스트레스와 진로 태도 성숙이 전공 지속 의사에 어떠한 영향을 미치는지 확인하고자 하였다. 이를 위해 본 연구는 충남에 위치한 S대학과 C 대학의 연기학과와 뮤지컬학과를 대상으로 온라인 설문을 실시하였으며 105명의 학생이 설문에 참여하 였고 3부를 제외한 총 102부의 설문지를 분석하였다. 최종 통계 분석에 사용된 102부의 설문 데이터를 기초하여 ANOVA(Analysis of Variance) 프로그램과 T-test를 활용해 자료를 처리하였다. 이와 같은 연구 방법 절차를 통해 얻은 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 진로 태도 성숙(β=.53, p<.001)은 전공 지속 의사 에 정(+)적인 영향을 미친다. 이는 진로 방향성에 명확한 목표 의식과 적극적인 태도를 지닐수록 전공을 계속 이어가려는 의지가 강화되는 것을 의미한다. 둘째, 진로 스트레스(β=-.27, p<.01)는 전공 지속 의사 에 부(╶)적인 영향을 미친다. 이는 진로 준비 과정 중 생기는 압박감과 불안이 전공을 지속하고자 하는 의지를 약화시키는 것을 의미한다. 이상의 결과를 종합해 보면, 연기전공 대학생의 진로 태도 성숙은 수 준이 높을수록 전공 지속 의사가 높아지는 긍정적 영향을 나타내며, 진로 스트레스가 높을수록 전공 지 속 의사가 낮아지는 부정적인 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이러한 결과는 프로젝트 기반의 ‘PBL(Project-Based Learning)’ 접근법이 전공생들의 목표 의식을 명확히 하는 데 전향적인 효과를 불러 올 것을 보여준다. 본 연구는 지방에 소재한 연기전공 대학생만을 대상으로 하였기 때문에 연구 결과를 수도권을 포함한 전국의 연기전공 대학생 집단으로 일반화하는 데 한계가 있다.

This study aims to examines the impact of career stress and career attitude maturity on the intention to continue in the major of university students majoring in acting, and to identify the degree of career attitude maturity and career stress in order to suggest measure that can help maintain a positive and resilient future for the performance industry. A total of 102 valid responses were used for analysis, excluding 3 invalid responses. The survey data were processed using ANOVA (Analysis of Variance) and T-test for the final statistical analysis. The results obtained from the research process are as follows: First, career attitude maturity (β = .53, p < .001) had a positive effect on the intention to continue the major. This indicates that having a clear sense of career direction and an active attitude strengthens the willingness to persist in one’s major. Second, career stress (β = –.27, p < .01) had a negative effect on the intention to continue the major, suggesting that pressure and anxiety arising during the career preparation process weaken the motivation to maintain one’s major. Taken together, these results show that higher levels of career attitude maturity in acting-major university students are associated with stronger intentions to continue their major, whereas higher levels of career stress are associated with weaker intentions. These findings suggest that a project-based learning (PBL) approach could have a forward-looking effect in clarifying students’ career goals. This study was conducted exclusively with acting major students located in provincial areas, which limits the generalizability of the findings to the entire population of acting major students nationwide, including those in the metropolitan area.

본 논문은 연구자가 직접 제작·연출한 영화 작품의 창작 과정을 탐구한 실기기반 연구(PBR, Practice Based Research)이다. 단편영화 <응시(Gaze)>는 타인을 훔쳐보고자 하는 인간의 욕망적 시선을, 주체이자 동시에 타자인 극 중 인물과 관객의 시선을 통해 시각화함으로써 인간이 지닌 내재적이고 양가적인 욕망을 탐구한 작품이다. 본 연구의 목적은 창작 과정에서 시각화된 인물의 결핍되고 억압된 욕망, 그 욕망을 충족하 는 과정에서 발생하는 내적·외적 갈등, 그리고 인물을 타인의 시선으로 응시하는 관객의 욕망을 분석하는 데 있다. 이를 위해 주체의 욕망과 타자의 욕망이 어떻게 교차하는지를 정신분석학 이론을 바탕으로 고찰한 다. 인간의 내면에 결핍과 억압 속에서 무의식에 자리하는 욕망은 때로 의식적으로 표출되거나, ‘전위 (displacement)’ 과정을 거쳐 외면화된다. 이러한 욕망은 타인에게 피해를 주지 않는 범위에서 자기만족의 형태로 충족되기도 하지만, 때로는 자기 만족적이고, 폭력적이며 타인에게 해를 끼치는 방식으로 발현되기도 한다. 이와 같이 결핍된 욕망의 충족 과정은 객관적 진실을 왜곡하거나 은폐할 수 있으며, 이에 따라 진실을 파악하기 위해서는 주관적 시선에서 벗어나 관조적 태도를 유지하는 것이 필요하다. 이러한 문제의식 아래, 본 연구는 인간의 양가적 욕망과 주체·타자의 시선을 시각화하는 과정을 다음과 같이 고찰하였다. 첫째, 극 중 인물을 응시하는 타자인 관객의 시선을 시각화한 이미지의 상징적 함의를 지그문트 프로이트와 자크 라캉의 정신분석학, 그리고 베르톨트 브레히트의 ‘소격효과(Verfremdungseffekt)’ 이론을 통해 분석했다. 둘째, 극 중 인물이 지닌 양가적 욕망의 시각화를 색채가 내포하는 감성적 이미지를 중심으로 분석했다. 셋째, 욕망의 현실적 한계를 공간의 개방성과 폐쇄성이라는 상반된 공간적 특성을 통해 분석했다. 넷째, 사전제작, 제작, 후반제작의 단계로 나누어 전체 제작 과정과 캐릭터 및 공간 연출, 그리고 내재적 욕망의 시각화 과정을 분석했다. 본 연구는 주체이자 동시에 타자인 인간 욕망의 시각화 과정을 심층적으로 탐구함으 로써, 시각화 연출에 대한 실천적·이론적 통찰을 제시한다는 점에서 의의를 지닌다. 다만, 분석의 초점이 시각화된 이미지에 맞춰져 있어 촬영 및 편집 과정에 대한 기술적 분석에는 한계가 있다.

This study is a practice-based research (PBR) project that examines the creative process of a film directed and produced by the researcher. The short film <Gaze> explores the ambivalent and intrinsic nature of human desire by visualizing the voyeuristic gaze—the urge to observe others—through the perspectives of both the on-screen character, who embodies the dual position of subject and Other, and the audience. Grounded in psychoanalytic theory, the research analyzes the protagonist’s repressed and deficient desires, the conflicts arising in their pursuit, and the desires projected by the audience. It examines how the desires of the subject and the Other intersect and become visible. Rooted in lack and repression, these desires may surface consciously or through displacement, manifesting in harmless self-satisfaction or in narcissistic, violent, or harmful behaviors toward others. Such dynamics can distort or obscure objective truth, necessitating a contemplative stance beyond subjective viewpoints. The study employs four analytical approaches: (1) interpreting the symbolic meanings of images visualizing the spectator’s gaze—as the Other—through the psychoanalytic theories of Freud and Lacan, alongside Brecht’s concept of the Verfremdungseffekt (alienation effect); (2) analyzing the emotional symbolism of color in expressing the protagonist’s ambivalent desires; (3) investigating spatial metaphors of desire’s limits via openness and closure; and (4) examining the filmmaking process from pre-production to post-production, focusing on character direction, spatial design, and the visualization of latent desire. By critically exploring the visual articulation of human desire—where the subject is simultaneously the Other—this research offers a practice-informed and theoretically grounded perspective on cinematic visualization and directorial methodology. However, since the analysis centers primarily on visual interpretation, it has certain limitations regarding technical aspects of cinematography and editing.

본 연구는 연극예술 영역에서 생성형 인공지능의 프롬프트 엔지니어링을 활용한 드라마투르그의 창조적 우연성(Creative Serendipity) 확장 가능성을 심층적으로 고찰했다. 최근 AI의 도입은 창작자와 인공지능의 협업이라는 새로운 예술적 지형을 현실화하고 있으며 이에 따라 드라마투르그의 역량 또한 창작 현장에서 핵심 예술 주체로서 확장된 역할을 수행하고 있다. 이에 본 논문은 드라마투르그의 창의성 발현, 우연성 (serendipity) 개념에 기반한 창조적 우연성의 재정의 그리고 AI 프롬프트 엔지니어링의 연극예술 적용에 주목했다. 특히 드라마투르그와 AI의 상호작용이 ‘창조적 우연성’을 어떻게 구조적으로 설계하고 실현하는지 에 대해 규명했다. 이 과정에서 연구자는 드라마트루기적 창작 순환 모델을 이론적으로 제시하며 AI 프롬프트 엔지니어링에 기반한 주체적 드라마투르기의 구체적 기능을 의도적 질문의 개념화 – AI를 통한 비선형적 생성의 촉발 – 통찰적 의미의 재구성이라는 세 단계로 도출하였다. 본 연구에서 정의하는 창조적 우연성은 드라마투르그가 프롬프트 엔지니어링을 통해 창작 구조를 능동적으로 설계하고, AI의 예측 불가능한 생성 능력을 결합하여 우연성을 적극적으로 유발한다는 측면에서 기존 세렌디피티 개념을 넘어 새로운 응용예술 의 효용성을 갖는다. 이러한 창조적 우연성은 관객 참여 중심의 공연 현장에서 최적화된 라이브 프롬프트 엔지니어링으로 구현될 수 있다. 예를 들어 관객이 주도하는 플레이백시어터(Playback Theatre)와 같은 사례 에서 드라마투르그는 공연의 흐름과 관객, 배우 간 상호작용을 실시간으로 조율하며 몰입형 신체적 내러티브 를 구현하는 데에서 주체적 역할을 수행한다. 이를 통해 드라마투르그는 창작 실천의 설계자이자 예술적 선구자로서 주체적 역량 강화가 기대되는 바이다. 다만 본 연구에서는 이론적 고찰에 치중하여 실제 공연 현장에서 검증할 수 있는 실증 사례와 데이터 부족의 한계를 갖는다. 후속 연구에서는 현장 기반의 실증 분석에 따른 논의를 병행하여 실제 적용 가능성을 보완할 필요가 있다. 이를 고려하여 본 연구는 AI 시대 연극 창작의 패러다임 전환과 드라마투르그의 역할 재정립에 실질적인 시사점을 제공한다.

This study examines how dramaturgy in theatre can be expanded through the use of prompt engineering with generative AI, focusing particularly on extending the scope of creative serendipity. As human AI co-creation becomes tangible, the dramaturg’s role is shifting from primarily interpretive mediation to a core creative role within production. Focusing on three aims articulating the dramaturg’s creative agency, redefining creative serendipity from the classic serendipity concept, and specifying the application of AI prompt engineering to theatrical dramaturgy the article shows how dramaturg AI interaction can be intentionally structured to elicit and harness serendipity. The study advanced a dramaturgical creative cycle model and specifies AI assisted dramaturgical functions across three phases. conceptualizing intentional questions - triggering nonlinear generative variation through AI - reconstructing interpretive meaning. Within this framework, creative serendipity is defined as a deliberately orchestrated resource: the dramaturg designs the creative structure via prompts and couples it with AI’s epistemic unpredictability to actively induce beneficial surprises, thereby moving beyond passive or accidental serendipity. Audience participatory formats exemplified by Playback Theatre are identified as especially conducive to “live prompt engineering,” in which the dramaturg modulates flow and performer audience interaction in real time to realize immersive, embodied narratives. While the contribution is primarily theoretical and lacks empirical validation in live performance contexts, it offers actionable implications for repositioning the dramaturg as designer and pioneer of AI era theatre, and for advancing dramaturgy as an integrated framework for both theoretical discourse and creative practice. Subsequent research should test the model in live productions and gather performance and audience data to assess its practical efficacy.

이 논문은 극단 신작로의 연극 <비평가>를 사례로 동시대 젠더프리 연극의 제작 및 수용 양상을 분석 했다. 크로스 젠더 캐스팅이 도입된 <비평가> 재연 프로덕션은 사실주의 드라마 텍스트와 배우-배역 간 성별 불일치 조건이 결합할 때 어떤 수행적 변화가 발생하는지 보여준다. 발화 리듬, 시선, 제스처, 동선 등 무대 위에서 구현된 젠더 수행 양상을 분석한 결과, 공연 층위의 자기지시성이 사실성과 조건성을 병 치하는 데 기여했음이 드러났다. 배우들은 자기지시적 무대 행위를 통해 자신의 신체 현존을 강조함으로 써 텍스트의 여성 부재를 보완·전복했으며, 성별불일치라는 이화 조건에 노출된 관객을 반복적으로 응 시·지시함으로써 적극적 해석자로 초대했다. 관객 수용 양상은 관객 후기, 트위터 담론, 팬덤 커뮤니티 와 관객 모임 등에서 나타난 능동적 해석과 2차 창작 양상을 조명했다. 이를 통해 성별일치와 심리적 사 실주의를 기본값으로 전제해온 기존 관행에 의문을 제기하고, 성별불일치를 중심에 둔 공연 전략이 동등 하게 유효할 수 있음을 제시했다. 또한 공연 이후에도 지속된 관객 담론과 공동체적 기억 형성 과정을 검토하며 젠더 감수성에 기반한 연극 실천이 산출한 능동적 해석자라는 새로운 관객성을 고찰했다. 비록 크로스 젠더 캐스팅 사례에 집중함으로써 젠더프리 연극의 다른 국면을 다루지 못했고 <비평가> 재연 공 연과 관객의 팬덤 행위에 초점을 맞춤으로써 더 넓은 제작-수용 상호관계를 포괄하지 못한 한계가 있으 나, 젠더 수행성, 팬덤, 관객 해석 실천이라는 개념을 접목한 이 사례 연구가 향후 젠더프리 공연의 분석 틀 정립과 관객의 행위 주체성 연구에 기여할 수 있을 것으로 기대한다.

This paper analyzes the production and reception of El Crítico by the Korean theater company Shinjakro as a case study of contemporary “gender-free theater,” an umbrella term here encompassing gender-blind, gender-bending, and cross-gender casting practices where the actor’s gender does not match the character’s. The 2018 revival, the first featuring a cross-gender cast, shows how gender incongruity, combined with a drama text grounded in psychological realism, produces distinctive performative shifts. Through performance analysis, the study examines gendered embodiments on stage —vocal qualities, speech rhythms, gaze, gestures, and blocking. Shinjakro juxtaposed realism and conditionality through self-referential strategies. By self-referential stage actions, the actors foregrounded their own physical presence to compensate for and subvert the text’s absence of female representation, and by repeatedly gazing at and addressing the audience under gender incongruity, they invited spectators to become active interpreters. The reception analysis highlights active interpretation and collective creation in audience reviews, Twitter discourse, fan communities, and organized gatherings. These findings challenge the assumption that gender conformity and psychological realism are theater’s defaults, proposing that performance strategies centered on gender incongruity can be equally valid. Examining post-performance audience discourse and collective memory shows how gender-conscious theater can produce new spectatorship grounded in active interpretation. While focusing on a single cross-gender case limits scope regarding other aspects of gender-free theater, and while analysis centers on the revival and fan reception rather than broader dynamics, integrating gender performativity, fandom, and audience interpretive practice here offers an analytical framework for future research on gender-free performance and audience agency.

본 연구는 현대사회에 만연한 ‘나르시시즘’을 주제로, 무용 작품 ｢거울(Mirror)｣의 창작 과정을 통해 자아 성찰의 의미를 탐색하고자 하였다. 안무의 구성 단계에서 설정된 나르시시즘의 의미를 살펴보고, 그 토대가 되는 나르시스 신화의 상징성을 분석하여 작품으로 구현하였다. 이를 기반으로 나르시스 신화 를 매개로 한 예술 창작이 현대인의 나르시시즘을 비판적으로 성찰하고, 인간 존재에 대한 인식과 ‘자기 객관화’를 통한 자아 성찰의 가능성을 제시할 수 있는지 고찰하였다. 작품은 움직임의 구성과 오브제의 유기적 결합을 통해 구현되었으며, 이러한 통합적 접근은 창작 방법론으로서 하나의 사례가 될 수 있을 것이라 사료된다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 구조화된 움직임과 집단 구성의 활용은 주제 전 달을 명료하게 하였다. 둘째, 즉흥성과 자유로운 구성은 미학적 확장성을 도출하였다. 셋째, 반복된 멈춤 과 오브제의 유기적 결합은 관객의 몰입도를 심화시켰다. 이러한 연구를 통해 무용 예술이 창작 과정을 통해 철학적 개념을 시각화하고, 사유를 확장하는 예술적 매개체로 기능할 수 있음을 확인하였다. 향후 본 연구가 예술 창작 과정의 실천 자료로써 활용될 수 있기를 기대한다. 다만, 창작 과정에서는 나르시시 즘의 이론적 해석과 오브제의 예술적 표현 방식 사이에 해석의 간극이 존재하며, 이를 작품에 직접적으 로 적용하고 구현하는 데에는 한계가 있었다. 본 연구를 통해 무용이라는 비언어적 예술이 단순한 움직 임의 표현을 넘어, 새로운 예술적 가능성을 모색하는 데 실질적으로 이바지하길 기대한다. 더불어 예술 과 신화의 상징적 의미를 연구하고 새로운 움직임 계발과 자신만의 독창적 춤 방법론을 구성해서 작품으 로 가시화함으로써 구현되는 예술적이고 철학적 의미를 살펴보는 데 목적이 있다.

This study explores the theme of the pervasive phenomenon of narcissism in contemporary society through the creative process of the dance piece Mirror. The research examines the meaning of narcissism established during the choreographic development phase and analyzes the symbolic significance of the Narcissus myth as its foundation, translating these concepts into the work. Based on this framework, the study investigates whether an artistic creation mediated by the Narcissus myth can critically reflect on modern narcissism and present the possibility of self-reflection through “self-objectification” as a means of deepening human self-awareness. The piece was realized through the organic integration of movement composition and objects, and such an integrative approach is considered to represent a viable case of choreographic methodology. The findings of this study are as follows. First, the use of structured movement and group composition clarified the delivery of the work’s theme. Second, improvisation and free composition contributed to the aesthetic expansiveness of the piece. Third, the repetition of stillness, combined with the organic incorporation of objects, heightened audience immersion. Through this research, it was confirmed that dance art can function as an artistic medium that visualizes philosophical concepts and expands the realm of thought through the creative process. It is hoped that this study will serve as a practical resource for artistic creation. However, a gap was identified between the theoretical interpretation of narcissism and the artistic methods of object expression during the creative process, which posed limitations in directly applying and realizing these concepts within the work. Nevertheless, this research aspires to make a substantive contribution to exploring new artistic possibilities, demonstrating that dance, as a nonverbal art form, can extend beyond the mere expression of movement. In addition, the purpose is to study the symbolic meaning of art and mythology and to examine the artistic and philosophical meaning realized by developing new movements and constructing one's own original dance methodology and visualizing it as a work.

본 연구는 한국 드라마 산업의 위기 속에서 드라마 작가들이 어떻게 생존전략을 구성하고 실행하는지 를 분석한 질적 연구이다. 최근 치솟는 제작비로 인해 드라마 제작이 위축되어 2022년을 정점으로 드라 마 제작 편수가 급격하게 줄고 있으며, 그 원인으로는 배우들의 고액 출연료, 주 52시간제로 인한 인건비 상승, 방송사의 광고 축소, 드라마 작가들의 양극화 현상 등이 있다. 이러한 제작 환경 변화는 작가의 생 계와 창작의 지속 가능성을 심각하게 흔들고 있다. 본 연구는 이러한 구조적 위기 상황 속에서도 드라마 작가들이 단순히 수동적으로 적응하는 것이 아니라, 적극적으로 생존전략을 찾기 위해 노력하고 있음을 구체적으로 보여준다. 연구 방법으로는 현업 드라마 작가 6인을 대상으로 심층 인터뷰를 진행하고, 이들 의 진술을 바탕으로 연구 주제 중심의 분석을 통해 네 가지 범주로 도출하였다. 분석 결과 첫째, 드라마 작가들은 드라마 생산과정 안에서 단순한 창작자로 머물지 않고 미디어 산업 내 능동적 행위자로서 드라 마 산업이 위축된 원인을 정확하게 파악하고 있었다. 둘째, 드라마 작가들은 현재의 드라마 시장을 소위 ‘간 보는 시장’이라고 진단을 내리고 일부 순응하기도 하고 저항하기도 하면서 생존전략을 모색하는 것 으로 나타났다. 셋째, 연구 대상 작가들은 ‘동시에 여러 우물 파기’, ‘장르의 변환’, ‘원작의 확보’, ‘AI 형 제작’, ‘각색 전문 작가’, ‘협업 체계 구축’ 등 생존전략을 구사하며 어려운 시장에 대응하고 있었다. 넷째, 연구 대상 작가들은 드라마 제작의 불황에 어려움을 겪으면서도 ‘드라마를 통해서 세상에 하고 싶은 이 야기가 있는 사람이 드라마 작가’라는 정체성을 보여주며 보람과 성취감을 느끼고 있었다. 이와 같이 드 라마 작가들은 드라마 생산과정에서 단순한 수동적 창작자가 아니라 변화하는 산업 환경 속에서 능동적 으로 기획하고, 돌파하며, 창작의 주체로서 생존전략을 실행하는 문화 생산자로 기능하고 있었다. 본 연 구는 드라마 작가를 능동적 행위자로서 ‘전략을 짜는 드라마 생산자’로 조명함으로써 미디어 생산자 연 구의 외연을 넓히고 드라마 산업의 지속 가능성에 대한 담론을 새롭게 구성하는 데 의의를 둔다. 드라마 산업 내 다양한 생산 주체들의 상호작용을 종합적으로 분석하는 후속 연구의 필요성을 제시한다.

This study explores how Korean drama writers develop and implement survival strategies amid the structural crisis facing the national television drama industry. Since 2022, the number of drama productions has sharply declined, mainly due to rising production costs, including high actor fees, increased labor expenses under the 52-hour workweek regulation, reduced advertising revenue, and the growing polarization among drama writers. These shifts in the production environment have significantly undermined both the livelihood and creative sustainability of writers. Rather than passively adapting to the changing conditions, drama writers are actively seeking ways to survive within the current media ecology. To examine their responses, this study conducted in-depth interviews with six professional drama writers and identified four categories through theme-based qualitative analysis. First, writers demonstrated an active understanding of the causes behind the industry downturn and positioned themselves not as passive creators but as proactive participants within the media production process. Second, they diagnosed the current drama market as a “market of hesitation,” engaging in both compliance and resistance as they navigated uncertain conditions. Third, writers adopted diverse strategies such as working on multiple projects simultaneously, shifting genres, securing original stories, adapting to AI-based production, specializing in adaptation, and establishing collaborative writing systems. Fourth, despite facing a prolonged production downturn, they maintained a strong professional identity as storytellers with messages to convey, finding meaning and fulfillment in their work. These findings reveal that drama writers serve not only as creative workers but also as cultural producers who actively plan, respond, and exercise agency in the face of structural change. This study aims to reframe drama writers as strategic media actors and contribute to broader discussions on the sustainability of drama production and the expanding scope of research on media creators. It also highlights the need for future studies that analyze the interactions among various creative agents within the drama industry.

본 연구는 지역 커뮤니티와 연계하여 운영된 청소년 뮤지컬 교육 프로그램의 실행 사례를 분석하고, 그 교육적 효과와 정책적 시사점을 도출하는 데 목적이 있다. 청소년기는 정체성과 사회성을 형성해 가 는 중요한 시기로, 감정 표현과 공동체 경험이 가능한 예술교육은 이 시기의 발달 과업을 지원하는 효과 적인 수단이 된다. 특히 뮤지컬은 음악, 연기, 안무가 통합된 예술 형식으로, 청소년의 자기 표현력 증진, 협업 능력 향상, 진로 탐색 자극 등 다면적 교육 효과를 기대할 수 있는 장르이다. 본 연구는 수도권 지 역의 청소년 기관들과 민간 예술단체가 협력하여 약 4개월간 공동 운영한 뮤지컬 교육 프로그램을 사례 로 삼아, 교육과정 운영 구조, 실습 및 공연 중심의 통합예술교육 방식, 참여자 피드백 등을 중심으로 질 적 사례 분석을 수행하였다. 교육은 프로젝트 기반 학습으로 구성되었으며, 지역 커뮤니티 기반 공연 공 간을 활용하여 실기 수업과 무대 실현이 연계된 구조로 진행되었다. 분석 결과, 본 프로그램은 청소년들 에게 자기표현의 기회와 예술적 몰입의 경험을 제공하였으며, 또래와의 협업을 통해 공동체적 유대감과 책임감을 형성하는 긍정적 교육 효과를 나타냈다. 일부 참여자는 공연 기술과 예술 직무군에 대한 관심 을 드러내며 진로 탐색의 가능성을 확인하였고, 강사진과 실무진은 결과 중심 프로젝트형 예술교육이 학 습자의 참여도와 성취감을 높이는 효과적인 구조라고 평가하였다. 특히 동일한 커리큘럼이 기관별 여건 에 맞게 유연하게 조정되며 운영된 점은 지역 기반 예술교육이 각 기관의 환경과 참여자 구성에 따라 융 통성 있게 실행될 수 있음을 보여주는 사례라 할 수 있다. 다만 본 연구는 단일 지역과 제한된 기간, 참 여자 수에 기반한 분석이므로, 프로그램 효과의 장기적 지속성과 다른 지역·연령대에 대한 일반화에는 한계가 있다. 따라서 향후 연구에서는 다양한 지역과 연령, 장기 추적을 포함한 비교 분석을 통해 지역 기반 청소년 예술교육 모델의 확장성과 지속 가능성을 심층적으로 검토할 필요가 있다.

This study analyzes the implementation process of a community-based youth musical education program and identifies its educational effects and policy implications. Adolescence is a critical developmental stage in which identity and social skills are shaped, and arts education that enables emotional expression and community engagement serves as an effective means to support these developmental tasks. Musical theater, in particular, is an integrated art form that combines music, acting, and dance, offering multifaceted benefits such as enhancing self-expression, improving collaboration skills, and motivating career exploration. This study examines a four-month program jointly operated by youth institutions and a private arts organization in the metropolitan area, employing a qualitative case study approach focused on curriculum structure, integrated practice-and-performance methods, and participant feedback. The program, designed as a project-based learning model and implemented in a community-based performance venue, provided opportunities for artistic immersion and fostered a sense of community and responsibility through peer collaboration. Some participants expressed interest in stagecraft and artistic professions, and instructors and staff evaluated the performance-centered model as effective in increasing engagement and achievement. The flexibility in adapting a common curriculum to each institution’s conditions demonstrated the responsiveness of community-based arts education. However, the study’s focus on a single region, short duration, and limited participant scope constrains the generalizability of its findings. Future research should include longitudinal and comparative studies to further examine the scalability and sustainability of such models.

본 연구는 현대 문화 콘텐츠 시장에서 두르러지는 체험형 콘텐츠의 성장세와 더불어 곳곳에 산재한 지역 유휴 공간, 특히 군사적 기능을 상실한 벙커와 같은 특수 공간의 잠재적 가치를 문화 콘텐츠 관점 에서 심층적으로 살펴본다. 이러한 맥락에서 청주 당산벙커에서 성공적으로 기획 및 운영된 몰입형 체험 콘텐츠인 ‘좀비 인 더 벙커’사례를 연구 대상으로 하여 벙커라는 독특한 환경이 참여자의 경험을 어떻게 고도화하고 콘텐츠의 몰입도를 극대화 하는지에 대해 알아보고자 한다. ‘좀비 인 더 벙커’의 기획의도와 철학, 벙커의 폐쇄적이고 미로 같은 물리적 특성을 활용한 공간 설계방식, 참여자와 좀비 역할을 수행하 는 스태프 간의 상호작용 방식 그리고 체험의 성공을 견인한 핵심 요인들을 다각적으로 분석하였다. 당 산벙커가 지닌 어둡고 습함, 복잡한 미로 구조와 같은 물리적 특성 그리고 과거 군사시설로서의 역사적 잔재들을 문화공간으로 바꾸고 벙커 안에의 일부 구간을 활용한 ‘좀비 인 더 벙커’ 체험은 긴장감과 현실 감을 비약적으로 증폭시키는 요소가 되었다. 참여자들은 벙커라는 비일상적이고 제한된 공간 속에서 좀 비를 피해 미로 속에서 탈출구를 찾아 나서는 과정을 통해 생생한 위기감과 성취감을 직접적으로 경험하 였음을 알 수 있다. 이는 유휴 공간이 단순히 콘텐츠의 배경을 제공하는 수동적인 역할에 머무르지 않고, 서사의 핵심적인 구성 요소이자 참여자의 오감을 자극하며 스토리텔링을 강화하는 능동적인 장으로 기 능을 할 수 있음을 보여준다. 본 연구는 향후 유사한 유휴 공간 기반 체험프로젝트의 기획 및 실행에 필 요한 실질적인 지침을 제공하고, 유휴 공간의 창의적 활용 및 문화기획의 새로운 방향성을 제시하며, 유 휴 벙커 공간의 문화 콘텐츠로 활용되었을 때 발생하는 지역시민의 체험형 문화콘텐츠 향유 향상과 지역 유휴 공간의 문화콘텐츠 발전 기여에 대한 성과를 말하는데 그 목적을 둔다.

This study examines the rapid growth of experiential content in the contemporary cultural content market and explores the potential value of underutilized regional spaces—particularly unique spaces such as bunkers that have lost their military functions—from the perspective of cultural content. Within this context, the study focuses on Zombie in the Bunker, an immersive experiential content project successfully planned and operated at the Cheongju Dangsan Bunker. The research investigates how the distinctive environment of the bunker enhanced participants’ experiences and maximized content immersion. The analysis covers the conceptual intent and philosophy behind Zombie in the Bunker, the spatial design strategies leveraging the bunker’s closed and maze-like physical characteristics, the interaction dynamics between participants and staff performing zombie roles, and the key factors contributing to the success of the experience. The physical attributes of Dangsan Bunker—its darkness, dampness, and complex labyrinthine structure—as well as historical remnants of its former role as a military facility were transformed into cultural assets. Utilizing sections of the bunker for the Zombie in the Bunker experience significantly amplified tension and realism. Participants engaged in a scenario where they navigated through the maze-like bunker to escape from zombies, allowing them to directly experience vivid feelings of urgency and accomplishment. This demonstrates that idle spaces can transcend their passive role as mere backdrops and function as active stages that stimulate the senses, reinforce storytelling, and become core narrative components. Ultimately, this study provides practical guidelines for planning and implementing future experiential projects utilizing underused spaces and suggests new directions for creative spatial utilization and cultural planning.

본 연구는 존 로건(John Logan)의 희곡 <Red>(붉은색, 2009)를 대상으로 공간 구조를 체계적으로 분석 하여 상징, 사회, 세대, 철학의 네 차원에서 의미 생성 과정이 어떻게 작동하는지를 규명하였다. 분석 틀 은 마이클 이사카로프(Michael Issacharoff)와 하나 스콜니코프(Hanna Scolnicov)의 극 공간 이론에 기반을 두었으며, 텍스트 세밀 독해와 2018년 런던 윈덤스 극장(Wyndham’s Theatre) 재연 자료 분석을 병행해 <붉은색>가 단일 화실을 고도화한 사상적 긴장 지대로 구축되는 방식을 탐색하였다. 연구 결과, ‘붉은색’ 은 작품의 핵심 기호로서 무대 시각, 인물 간 변증적 대화, 주요 사건 전개마다 활성화되어 예술과 정신 성 사이의 상징적 긴장을 증폭하였다. 사회적 차원에서는 예술과 자본, 모더니즘과 포스트모더니즘 간 구조적 갈등이 드러났으며, 세대 차원에서는 두 세대 예술가가 신념 체계와 문화 적응을 둘러싸고 직면 한 긴장이 부각되었다. 철학적 차원에서 ‘붉은색 공간’은 ‘헤테로토피아’(heterotopia)에 가까운 관람 환경 을 조성해 근대성의 문화 논리를 비판하고 예술의 부정성과 정신적 소명을 재조명하였다. 결론적으로, <붉은색>의 공간은 정적인 무대 배경이 아니라 서사 전개와 관객-공연 상호작용 속에서 유동적으로 재 편되면서 사상, 구조적 충돌, 미학적 비판을 추동하는 인지 장치이자 서사 추진 동력으로 기능하였다. 본 작품은 극히 제한된 물리적 장소에서 다차원 공간 논리를 작동시켜 복합 의제를 효과적으로 담아내는 표 현력을 입증하였다. 본 연구는 단일 작품 분석과 이론 중심의 접근에 한정되어, 서로 다른 문화권의 연출 맥락이나 관객 수용 과정에 대한 실증적 검토를 포함하지 못했다. 향후 연구는 문화 간 번역적 연출 맥 락과 관객 수용 과정을 실증적으로 검증함으로써 극장 공간이 사회적 인지 플랫폼이자 문화 생산 매개체 로서 지니는 이론적·실천적 함의를 한층 심화할 수 있을 것이다.

This study systematically analyzes the spatial structure of John Logan’s play Red(2009), investigating the multidimensional meaning-making mechanisms across symbolic, social, generational, and philosophical spaces. Grounded in the theatrical spatial theories of Michael Issacharoff and Hanna Scolnicov, the research distills four analytical dimensions—symbolic, philosophical, social, and generational space—and combines close textual reading with performance analysis of the 2018 Wyndham’s Theatre revival. It explores how Redtransforms a single artist’s studio into a highly concentrated field of ideological tension. The findings reveal that the motif of ‘red’ operates as the play’s central symbol, repeatedly activated in stage visuals, dialectical dialogues, and pivotal plot developments, intensifying the symbolic tension between art and spirituality. At the social level, the play exposes structural conflicts between art and commerce, modernism and postmodernism; the generational dimension highlights tensions between two generations of artists grappling with belief systems and cultural adaptation; philosophically, the ‘red space’ creates a heterotopic theatrical environment that critiques modern cultural logic and accentuates art’s negational and spiritual mission. In conclusion, the spatiality of Redfunctions not as a static backdrop but as a dynamic cognitive apparatus and narrative driver that evolves through narrative progression and audience-performer interaction, propelling ideological discourse, structural conflict, and aesthetic critique. Theplay demonstrates expressive power by activating multidimensional spatial logic within a minimal physical setting to carry complex thematic agendas. However, this study is limited to a single-work, theory-centered analysis and excludes empirical studies of intercultural performance or audience reception. Future research may extend to such studies, deepening the theoretical and practical significance of theatrical space as a platform for social cognition and cultural production.

본 연구는 평택을 기반으로 활동하는 지역극단인 극단 배다리와의 연출 작업 경험을 사례로 삼아, 창 작과 운영 과정에서 나타난 특성을 고찰하고, 지역극단의 지속 가능성과 발전 방안을 탐색하고자 하였다. 지역극단은 지역 사회의 문화적 기반이자 주민의 문화 향유권을 실현하는 핵심 기관으로 기능하지만, 창 작 시스템, 리더십 구조, 제작 인프라, 지역사회와의 연계 등 다양한 과제에 직면하고 있다. 본 연구는 연 구자가 2023년부터 2025년까지 극단 배다리의 상임연출로 활동하며 연출한 다섯 편의 공연 경험을 중심 으로 진행되었으며, 이 현장 경험을 연구의 기초 자료로 삼았다. 연구 방법으로는 해당 기간 동안 공연에 참여한 배우 및 스태프(전공자와 시민 참여자를 포함)를 대상으로 설문조사와 심층 인터뷰를 병행하였다. 총 39명의 설문 응답과 6명의 인터뷰 내용을 바탕으로, 창작 및 운영 구조, 참여자 인식 변화, 공동체 형 성과 한계 요인 등을 다층적으로 분석하고, 그로부터 지역극단의 지속성과 발전을 위한 실천적 방안을 도출하고자 하였다. 분석 결과, 극단 배다리는 전공자와 비전공자의 협업 구조, 장기적이고 반복적인 연 습 과정, 연출자 중심의 제작 시스템, 관객 및 커뮤니티와의 정서적 관계 형성이라는 네 가지 특성을 통 해 시민예술의 작동 방식을 보여주었다. 동시에 스태프 인력의 취약성, 지역성 반영의 부족, 역할 분산의 어려움은 극단의 지속 가능성에 위협 요인으로 작용하고 있었다. 이에 본 연구는 순환형 제작 구조의 실 험, 지역성 기반 창작의 확대, 유통 중심의 공공 지원 체계 개편, 지역 간 교류 확대 등을 발전 전략으로 제시하며, 시민이 창작 주체로 참여하는 공동체 예술의 가능성과 조건을 제안하고자 한다. 특히 시민 참 여자의 실제 목소리를 반영한 실천적 제언은 향후 지역문화정책과 시민예술 활성화를 위한 기초 자료로 서 의의가 클 것으로 기대한다. 다만, 본 연구는 평택이라는 특정 지역과 하나의 극단 사례에 한정되었 고, 설문과 인터뷰의 규모가 제한적이어서 연구 결과의 일반화에는 한계가 있다.

This study investigates the characteristics and sustainability strategies of local theater companies through a case study of Baedari Theater, a community-based theater group in Pyeongtaek. Local theater companies serve as key cultural institutions that guarantee residents’ cultural rights and foster community engagement, yet they face various challenges in areas such as creative systems, leadership structures, production infrastructure, and community connections. Based on the researcher’s experience as the resident director of Baedari Theater from 2023 to 2025, this study draws on practical insights from directing five productions during that period. The research employed surveys and in-depth interviews with a total of 39 participants, including both trained theater professionals and citizen participants, to examine the creation and operation systems, changes in participants’ perceptions, community formation, and structural limitations. The analysis results showed that the Baedari Theater Company shows how citizen art works through four characteristics: a collaborative structure between majors and non-majors, a long-term and repetitive practice process, a director-centered production system, and the formation of emotional relationships with the audience and the community. At the same time, the company faced obstacles such as a lack of technical staff, limited incorporation of local identity, and challenges in distributing responsibilities. To address these issues, this study proposes several strategies for sustainability: experimenting with circular production systems, expanding regionally rooted creative content, restructuring public support systems toward distribution and outreach, and promoting interregional exchange. By incorporating the voices of citizen participants, this research offers practical recommendations that can serve as a foundation for future cultural policy and the development of community-based arts. However, this study is limited to a specific region, Pyeongtaek, and a single theater company case, and the small scale of the survey and interviews restricts the generalizability of the findings.

영화의 탄생 이후, 제작자와 관객은 토머스 에디슨 표준(Thomas Edison Standard)과 아카데미 비율 (Academy Ratio) 같은 초기 규격에서부터 현대의 와이드 스크린과 세로형 화면 포맷에 이르기까지 다양 한 화면비를 경험해왔다. 화면비의 선택은 시대적 기술 한계와 문화적 배경에 의해 수동적으로 이루어지 기도 하고, 감독의 미학적·서사적 의도에 따라 능동적으로 결정되기도 했다. 그러나 그 변화의 이면에 는 항상 미디어 재생 장치와의 밀접한 상호작용이 존재했다. 전통적인 필름 영사기에서 텔레비전, 스마 트폰, 그리고 스트리밍 플랫폼에 이르는 재생 기술의 발전은 영화 소비 방식에 국한되지 않고, 영화 이미 지의 형식과 기능 자체에 심층적인 변화를 야기했다. 디지털 촬영 시대로의 전환 이후, 화면비의 발전은 크게 두 가지 경향으로 나뉜다. 첫째, 에디슨 표준과 아카데미 비율에서 출발한 가로형 화면은 1.85:1과 2.35:1 와이드 스크린을 거쳐 오늘날 텔레비전과 컴퓨터에 적합한 16:9 비율로 확산되었다. 둘째, 스마트 폰 중심의 세로형 미디어 소비가 대중화되면서 9:16을 표준으로 하는 새로운 형태의 세로형 영화가 등장 했다. 특히, 세로형 화면비는 기존 영화 문법과 다른 시각적 구성을 요구하며, 인물의 표정과 세부 묘사 에 집중하는 등 새로운 연출 가능성을 열었다. 반면, 가로형 화면은 여전히 공간적 확장성과 장면 전환의 유연성에서 강점을 유지하며, 대규모 제작 환경에서 표준적 지위를 지키고 있다. 두 경향은 기술적 진화 와 미학적 실험이 맞물려 형성된 결과로, 화면비의 선택이 단순한 형식적 요소를 넘어 영화의 서사 구조 와 관객 경험을 재정의하고 있음을 시사한다. 결과적으로, 재생 장치의 형태와 기능이 다양화될수록 화 면비 역시 창작과 기술의 상호작용 속에서 끊임없이 진화하고 있으며, 이는 앞으로의 영상 문화 전반에 도 중요한 영향을 미칠 것으로 전망된다.

Since the advent of cinema, filmmakers and audiences have experienced a wide range of aspect ratios, from early standards such as the Thomas Edison Standard and the Academy Ratio to contemporary formats including widescreen and vertical screen compositions. The choice of aspect ratio has at times been shaped passively by the technological limitations and cultural contexts of a given era, and at other times determined actively by the director’s aesthetic or narrative intentions. Underlying these choices has always been a close interaction with the media playback devices of the time. Technological advancements in playback—from traditional film projectors to television, smartphones, and streaming platforms—have not only transformed modes of film consumption but have also brought profound changes to the very form and function of cinematic images. Since the transition to the digital filmmaking era, the evolution of aspect ratios has followed two primary trajectories. First, the horizontal format, originating from the Edison Standard and the Academy Ratio, evolved through 1.85:1 and 2.35:1 widescreen to the now-prevalent 16:9 ratio suited to television and computer displays. Second, the rise of smartphone-centered vertical media consumption has given birth to a new form of vertical cinema, standardized at a 9:16 ratio. The vertical format, in particular, demands a visual composition distinct from conventional film grammar, enabling new expressive possibilities such as greater emphasis on facial expressions and fine details. Conversely, the horizontal format continues to retain advantages in spatial expansiveness and flexibility in scene transitions, maintaining its standard status in large-scale productions. Ultimately, as playback devices diversify in form and function, aspect ratios will continue to evolve through the dynamic interaction between creative vision and technological development, with significant implications for the future of visual culture.