Earticle

이 연구는 영화 92회 아카데미 시상식 10개 부문 노미네이트에 올랐던 샘 멘데스 감독의 대작 <1917> 은 지식 기반 산업 시대의 영화, 혹은 지금까지의 영화적 기술을 모두 활용한 작품 이라고 표현 할 수 있 다. 제 77회 골든 글로브 작품상, 감독상을 받은 영화 <1917>은 <기생충>에 밀려 제 92회 아카데미 시상 식에서는 촬영 상, 음향 믹싱 상, 시각 효과상등 3관왕에 머물렀다. 하지만, <1917>에서는 영화 기술적으 로 완벽하다는 찬사를 보낼 수 있는 아주 잘 만들어진 영화이다. 이 영화에서는 ‘원 컨티뉴어스 쇼트(One Continuous Shot, 컷된 장면이 없게끔 일련의 장면들을 이어 붙여 하나의 연속촬영 장면처럼 만든 촬영 기법)’라는 기법을 사용하였다. 사실주의 입장에서는 ‘롱 테이크’의 시간은 곧 사건의 시간을 말한다. 원 컨티뉴어스 쇼트는 ‘롱 테이크’ 기법의 특징 중 하나이다. 훈련이 되어 있지 않은 배우를 감독은 처음부 터 신뢰를 하지 않는다. 디지털 미디어 시대에서 점점 늘어가는 기술의 발달은 배우에게 때로는 새롭고 이질적인 환경의 요건으로 난처함을 줄 수도 있다. 그래서 영화의 기술적 진보의 연구와 배우 훈련이 이 시대에 꼭 필요한 이유이다. 필름으로 영화를 찍었던 시대가 불과 오래전의 일이 아닌데 지금은 그 당시 표현하기 힘들었던 부분들이 이제는 더욱 쉬워지고 있고, 정교하며, 다양해지고 있다. 배우의 연기 표현 도 이 시대에 필요한 기술을 융합하여 충족 시켜질 경우 더욱 좋은 영화연기 결과를 기대 할 수 있다. 본 연구는 영화 <1917>의 영화 제작과 기술적 특징을 분석하고 영화 연기의 테크닉에 적용되는 특징을 찾아 내는 연구이다. 그래서 본 연구의 목적은 현장에서 연기를 지도받는 배우들과 신인 및 연기 지망자들에 게 꼭 필요한 기술을 작품에 비추어 설명 할 것이다.

This study can be said that Sam Mendes' masterpiece <1917>, which was nominated for 10 awards at the 92nd Academy Awards, is a work that utilizes both knowledge-based industrial films and cinematic techniques so far. The 77th Golden Globe Award and the director's award, <1917>, was pushed by “parasites” and stayed at the 92nd Academy Awards, including shooting awards, sound mixing awards, and visual effects. However, <1917> is a very well-made film that can praise the film technology as perfect. In this film, the technique of ‘One Continuous Shot (a shooting technique made like a continuous shooting scene by attaching a series of scenes so that there is no cut scene)’ was used. In realism, the time of ‘long take’ refers to the time of events. One Continuous Short is one of the characteristics of ‘long take’ technique. This is because the director does not trust the actor who is not trained from the beginning. The growing development of technology in the digital media era may embarrass actors with the requirements of a new and heterogeneous environment at times. So it is a very important reason why research and actor training of the technological progress of the film are essential. The era of film-making was not just a long time ago, but now the parts that were difficult to express at that time are becoming easier, more sophisticated, and more diverse. If the expression of an actor is satisfied by combining the necessary skills in this era, the better result of the movie performance can be expected.

본 연구는 대전웃다리농악의 연희적 요소에 대한 연구를 통해 농악연구의 다양성을 확보하고 연희적 요소로서 장단 및 판제에서 나타나는 특징들을 파악하였다. 연희에서 나타나는 음악적․ 무용적 요소와 연 극적 요소를 확인하여 기예적 요소를 통해 관객과 어떻게 소통하는지를 학문적으로 검토하였다. 이를 통 해 대전웃다리농악의 연희적 전통성과 우수성을 확인하고, 이를 통해 농악이 공연예술로 대중에게 사랑 받고 대중문화로의 발전가능성을 모색하였다. 연구 결과 대전웃다리농악의 연희적 요소는 크게 음악적, 무용적, 연극적, 기예적 요소로 나타나고 있다. 음악적 요소로는 칠채의 기경결해와 칠채속에 삼채를 붙 여서 연결하는 것, 그리고 풍년굿(굿거리춤)에 쓰이는 장단이 4장단으로 되어 있고, 기승결해의 구조를 가지고 있는 점과 삼채장단이 기경결해의 구조로 반복 연주되고 있으며, 이 장단들은 상모짓과 일치가 되고 있는 음악적 특징을 가지고 있음을 알 수 있었다. 무용적 요소들은 기수·앞치배·뒷치배들이 공연 중에 벌이는 상모놀음과 춤 등을 찾아볼 수 있었다. 연극적 요소로는 버나와 살판 그리고 잡색들의 재담 에서 시대를 풍자한다던지 비속어를 사용함으로써 흥미를 유발하고 관객들을 놀이판으로 유도하는 것을 알 수 있다. 기예적 요소로는 버나와 살판의 개인놀이에서 나타나며, 재담이 곁들여진 것이 특징이다. 또 한 소고 판굿놀이와 무동꽃받기에서도 기예적인 부분이 나타난다. 본 연구는 대전웃다리농악의 연희적 요소인 음악, 무용, 연극, 기예의 성격이 어떻게 나타나고 있는지에 대하여 규명하였다. 그러나 대전웃다 리농악은 대전광역시 무형문화재 제1호로서 전통을 계승하고 보존하는데 그 목적을 두고 있으며, 이는 현대 대중예술의 관점에서 연희적 요소가 왜곡될 수 있는 개연성이 존재하는 것도 사실이다. 따라서 시 대별 대전웃다리농악의 연희적 요소를 분류하고 시대적 흐름에 따른 연희형태를 분석한다면 연희농악으 로서 대전웃다리농악의 지속가능한 발전방안을 도출할 수 있을 것이다.

This study secured diversity in the study of nongak and grasped the characteristics of the rhythm and nongak form as a playful element through the study of the play elements of Daejeon Udari nongak. Through the elements of music, dance, play, and circus in Yeon-hee, the audience was examined academically. This confirmed the traditional and excellent performance of Daejeon Utdari Nongak. Udari Nongak was loved by the public as a performing art and sought the possibility of developing into a popular culture. The study found that the elements of Daejeon Udari Nongak's performance are largely music, dance, theater and circus elements. As for musical elements, Chilchae rhythm is connected to Samchae rhythm, and there are four rhythms used for Gutgeori dance, and this structure is repeated. These rhythms have musical features that match sangmo nori. The dance elements were found in musical instruments in front of the rider and procession, and sangmo nori and dance performed during the performance after the procession. The theatrical elements show that the use of satire and slangs in the jokes of the banns, salpan and miscellaneous colors creates interest and leads the audience to the playground. The circus is featured in individual games of Verna and Salpan, and is characterized by jokes. The circus part also appears in Sogo pangut nori and Mudong flower stand. This study identified the characteristics of music, dance, theater, and circus, which are the playful elements of Daejeon Woodari Nongak. However, Daejeon Utdari Nongak is the No. 1 intangible cultural asset of Daejeon Metropolitan City and aims to inherit and preserve tradition, and it is also true that there is a possibility that the elements of entertainment can be distorted from the perspective of modern pop art. Therefore, if we classify the elements of Daejeon Woodari Nongak and analyze the form of the play according to the times, we can come up with a plan for sustainable development of Daejeon Woodari Nongak as a Yeonhui Nongak.

21세기는 20세기의 정보화 시대를 지나 문화의 시대로 발전하고 있으며, 삶의 질을 향상시키기 위한 것에 관심이 높아지면서 문화 향유를 위한 창조성에 주목하고 있다. 이처럼 삶의 질을 향상시키기 위해 기존의 다양한 것들을 합치고 융합하여 새로운 결과물들을 도출해 내는 융·복합(融復合) 문화의 상호작 용이 여러 분야에서 다각적으로 시도되고 있다. 융·복합은 “융합”과 “복합”이 합성되어진 말로 여러 성 능과 기술이 하나로 합쳐져 융합되어 새로운 무언가를 창출해낸다는 뜻이다. 과학, 기술, 교육뿐만 아니 라 미술, 음악, 문학, 연극, 영화, 무용 등 예술계에서도 융·복합 현상이 전 방위에 걸쳐서 다양하게 일 어나고 있다. 21세기의 시대적 흐름으로 여러 분야에서 일어나고 있는 융·복합 현상들 중에서 본 연구 자의 활동분야인 공연예술 분야의 융·복합 현상에 특별히 초점을 맞추어 국내 융·복합 공연예술의 문 헌적 연구현황에 대하여 살펴보고 한 눈에 정리하고자 한다. 본 연구의 연구주제와 관련된 연구의 검색 대상으로 국내 융·복합 공연예술에 관한 단행본, 석,박사 학위논문, 학술논문을 중심으로 살펴보았다. 연도별 현황과 분야별 현황으로 나뉘어 연구되었으며, 표로 정리하여 융·복합 공연예술의 국내 연구현 황을 한 눈에 볼 수 있게 하였다. 또한 관련 키워드를 추출하여 융·복합 공연예술이 추구하는 바를 도 출해 내었다. 국내 융·복합 공연예술 연구의 연도별 현황은 2011년에 시작되었으며, 분야별 연구 현황 은 무용교육, 무용, 국악, 연극 분야에서 이루어지고 있었고, 매년 발표되는 논문의 수는 많지 않았다. 공 연현장에서는 융·복합 공연들이 지속적으로 만들어지고 있는 만큼 이론적 연구와 기록은 소중한 자료 가 될 것이다. 이 연구는 융·복합 공연예술의 국내 연구현황을 통해 2020년 현재 국내 융·복합 공연예 술의 범위와 층위를 살펴보고, 발전과정과 향후 나아갈 방향을 파악하여 4차 산업시대의 문화적 패러다 임과 공연예술에 대한 미학적 발전의 방향성을 위한 연구에 도움이 되는 것을 목적으로 한다.

The 21st century is developing into an era of culture past the information age of the 20th century, and with growing interest in improving the quality of life, attention is being paid to creativity for cultural enjoyment. In order to improve the quality of life like this, the interaction of the convergence and convergence culture that combines and fuses various existing things to derive new results has been attempted in various fields. Convergence is a compound word of “convergence” and “complex,” meaning that various technologies or functions are fused or combined into one, creating something new rather than the existing one. In addition to science, technology, education, as well as art, music, literature, theater, film, and dance, convergence and convergence are taking place in various fields. Among the convergence phenomena occurring in various fields due to the trend of the 21st century, we will focus on the convergence of the performing arts field, which is the field of activity of this researcher, to examine and summarize the literary research status of the Korean convergence performing arts at a glance. The research subjects related to the research subjects of this study were looked at mainly books, degree papers (a master's degree, doctoral dissertation), and academic papers on domestic convergence performing arts. The research was divided into annual and field-specific statuses, and the table was compiled to give a glimpse of the current state of domestic research of convergence performing arts. In addition, related keywords were extracted to derive what convergence performing arts pursued. The annual status of domestic convergence performing arts research began in 2011, and the current status of each field was being conducted in the fields of dance education, dance, Korean traditional music, and theater, and there were not many papers published every year. Theoretical research and records will be valuable materials as convergence performances are continuously being made at the performance site. The purpose of this research is to help research on the cultural paradigm and direction of aesthetic development in the 4th industrial era by examining the scope and level of convergence performing arts in Korea as of 2020 through the domestic research status of convergence performing arts.

이 연구는 배우 양성을 위한 교육 시스템이 어떻게 작용하고 있으며, 이에 대한 개선점을 무엇인가를 탐색하고자 하였다. 연구방법은 문헌탐색을 통한 질적 연구로 이루어졌다. 이 연구에서 검토한 내용들을 토대로 다음과 같은 내용으로 결론을 대신하고자 한다. 배우란 연기를 배워서 작품에서 주어진 배역을 표현하는 사람이다. 시나리오에서 제공되는 배역은 배우의 역량에 따라 그 표현수준이 달라지며, 작품의 완성도가 달라질 수 있다. 그러나 그 외의 또 다른 변수는 문화권에 있다. 인간의 감성을 자극하는 정도 는 문화권에 따라 달라질 수 있다는 것이다. 따라서 배우에게 주어진 배역을 어떻게 소화하여 표현할 것 인가에 대한 문제는 배우가 주어진 배역뿐만 아니라 특정 작품을 보는 대중들이 어떤 문화권에 속해 있 는지, 어떤 언어를 사용하고 있는지를 파악할 필요가 있다. 따라서 배우는 시나리오에서 제공되는 대사 뿐만 아니라 해당지역의 문화적 특성을 이해하고, 언어적 표현방식을 학습해야 한다. 동일한 내용이라도 어떻게 표현하느냐에 따라서 대중에게 정감을 주기도 하고, 부정적 인식을 주기도 한다는 점이다. 이렇 듯 특정 지역의 언어와 문화, 생활양식까지 모두 사전에 습득하고, 주어진 배역을 소화하기 위해서는 체 계적인 교육시스템이 기반이 되어야 한다. 결국 배우의 성공이나 작품의 성공은 모두 배우의 역량에 따 라 결정된다고 볼 수 있지만, 그 토대는 교육시스템에 달려있다는 점을 간과해서는 안 된다. 결국 교육이 배우와 작품의 성공을 결정짓는 토대가 된다는 것이다. 좋은 작품이 만들어지기 좋은 배우 즉, 훌륭한 배 우가 있어야 하고, 훌륭한 배우는 태어나는 것이 아니라 만들어진다는 것이다. 다시 말하면, 배우 양성 교육시스템이 훌륭한 배우는 만들어 내는 토양이 된다는 것이다. 따라서 배우 양성시스템에 대한 분석과 문제점에 대한 해소를 위한 노력은 아무리 해도 지나치지 않는다. 더욱 적극적으로 이루어져야 한다고 볼 수 있다. 따라서 이 연구는 배우 양성을 위한 교육시스템의 문제점을 탐색하여 시대 상황과 선제적 대응을 위한 방향제시와 인식의 변화를 가져오는데 목적을 둔다.

The purpose of this study is to investigate how the educational system for actor training works and how to improve it. The research method was qualitative research through literature search. Based on the findings of this study, the following conclusions should be made. An actor is a person who learns acting and expresses the role given in the work. The roles provided in the scenario vary according to the ability of the actor, and the completeness of the work may vary. Yet another variable is in the culture. The extent to which human emotions are stimulated depends on the culture. Therefore, the problem of how to express the role given to an actor needs to be understood not only in the role given to the actor but also in what culture the public who is watching a particular work belongs and what language they are using. Therefore, it is necessary to understand not only the dialogue provided in the learning scenario, but also the cultural characteristics of the area, and learn how to express it. It gives the public a feeling of appreciation and negative perception depending on how they express the same contents. Thus, a systematic educational system must be based on learning the language, culture, and lifestyle of a specific area in advance and digesting the given role. In the end, both the success of the actor and the success of the work can be seen as determined by the actor's ability, but it should not be overlooked that the foundations depend on the educational system. Eventually, education becomes the basis for deciding the success of the actor and the work. A good actor to make a good work, that is, a good actor must be there, and a good actor is not born but made. In other words, the actor training system becomes the soil that good actors make. Therefore, the analysis of the actor training system and efforts to solve the problems are not excessive. This study aims to explore the problems of the education system for actor training and to bring about changes in the direction and awareness for the situation of the times and preemptive response.

연기에 있어 배우들은 자신들만의 특별한 행동 양식, 연기적 접근 방법, 연기의 특성 및 인물 형상화 방법을 가지고 있다. 뿐만 아니라 작품에서의 인물이 전달하고자 하는 인물의 성격이나 인물의 목표를 구체화 시키고 입체화시킴으로서 관객들로 하여금 인물의 다양한 모습을 구현한다고 할 수 있다. 헐리우 드의 캐릭터 배우로서 정평이 난 잭 니콜슨(Jack Nicolson, 1937~) 역시도 아메리칸 액팅 메소드를 다양하 게 활용하였다. 그는 역(役)을 창조하고 구체화시킴에 있어 어떤 한 사람의 연기 교사의 훈련 방법을 고 수한 것이 아니라, 자신이 맡은 역할에 따라 그 캐릭터가 가지고 있는 다양성을 표현하기 위해 각기 다 른 연기 훈련방법을 고수하였고, 이러한 노력을 통해 헐리우드 영화사에 있어 최고의 배우인 로버트 드 니로(Robert De Niro), 알 파치노(Al Pacino), 더스틴 호프만(Dustin Hoffman) 과 함께 명실공히 현존하는 최고의 캐릭터 배우, 즉 성격파 배우로 추앙받고 있다. 잭 니콜슨의 영화 필모그래피 중, 영화 <샤이닝> 은 BBC에서 선정한 최고의 미국영화 62위(BBC.com) 이자, 엠파이어지 선정 최고의 공포영화 1위(Team Empire, 2019)한 작품으로 영화의 흐름에 따라 초현실적이고 배우들의 광기에 대한 연기, 스테디 캠을 활 용한 영상의 집중력 강화 등 영화를 보는 관객으로 하여금 섬뜩한 순간을 보여주며 관객의 육감을 집중 시켰다고 할 수 있다. 이에 본 연구에서는 아메리칸 액팅 메소드의 다양한 연기 훈련 방법을 적용하여 실제 영화작업에서 인물에 대한 접근을 시도하고, 자신이 맡은 배역에 대한 성격 구축 및 인물을 입체화 하였던 잭 니콜슨의 연기 훈련 방법을 그가 출연 하였던 영화 <샤이닝>을 중심으로 연기 접근양상을 통 한 실제적 표현 방식에 대한 연기적 접근 양상에 관해 영화의 평론, 잭 니콜슨의 인터뷰, 스탠리 규브릭 감독의 인터뷰 등 다양한 리뷰와 사료들, 그리고 전문 자료를 통해 연구해 보고자 한다.

When it comes to acting, actors have their own special behavioral style, acting approach, acting characteristics and characterization method. In addition, it can be said that the audience realizes the various appearances of the characters by embodiing the character's character or the goal of the character to be conveyed in the work and making it three-dimensional. Jack Nicolson (1937~), who has a reputation as a Hollywood character actor, also used American acting methods in various ways. He did not adhere to the training method of a single acting teacher in creating and embodying the role, but adhered to different acting training methods in order to express the diversity of the character according to his role. Through these efforts, along with the best actors in Hollywood film history, Robert De Niro, Al Pacino, and Dustin Hoffman, they are recognized as the best character actors in existence, namely personality actors. Are receiving. Among Jack Nicholson's filmography, Shining is the 62nd best American film selected by the BBC (BBC.com) and the #1 best horror film by the Empire magazine (Team Empire, 2019). It can be said that it can be said that the performance of the actors' madness and the strengthening of the concentration of the video using the Steady Cam showed the viewers an eerie moment and concentrated the audience's sixth sense. In this study, in this study, he applied various acting training methods of the American Acting Method to try to approach a person in real film work, and to learn how to train Jack Nicholson's acting, who built a character for his role and made the character three-dimensional. Focusing on the movie <Shining>, through various reviews and historical sources, including a review of the film, an interview with Jack Nicholson, and an interview with director Stanley Gubrick, on the acting approach to the actual expression method through the acting approach. I want to study.

시각 효과 기술은 디지털 기술의 발전과 더불어 빠르게 보편화 되고 있다. 영상 제작의 다양한 방식의 시각 효과 기술들이 적용이 되고 있으며, 영상 속 시각 효과 비중이 확대 되고 있다. 시각 효과의 사용 비중은 영상 제작의 예산에 따라 큰 차이를 보이고, 많은 예산을 사용 하는 영상의 경우 시각 효과의 질 적 완성도가 높아져 왔다. 하지만 대규모 투자를 통해 개발된 시각 효과 기술의 정보 공유는 제한적이고 발전의 속도가 더디게 이루어진 반면, 소규모 영상 제작자를 위한 시각 효과 기술 정보 공유는 온라인의 확산으로 인하여 최적의 환경을 갖추고 있다. 질적인 완성도는 예산에 의해 정해지지만 시각 효과의 과 정과 방법의 변화로 영상의 전체적인 완성도를 높이는 작업이 이루어지고 있다. 그리고 소수만이 가지고 있던 시각 효과 기술 정보와 자료들의 확산과 증가가 다수의 전문적인 시각 효과 업체들의 출현을 야기 시키고 영상 시각 효과 제작 프로세스를 바꿔놓았다. 다양한 시각 효과 개발 업체들은 기존에 시각 효과 작업 방식을 토대로 과정의 변형과 생략으로 예산 절감과 함께 질적인 측면을 높이려 많은 노력을 하고 있다. 많은 시각 효과 개발 업체들 중 Videocopilot은 Adobe After effects를 활용하여 완성도 높은 플러 그인 개발과 판매를 이루고 있는 동시에 Videocopilot 웹페이지를 통하여 개발자 간의 소통을 이끌어 내 고 시각 효과 정보 고유 및 새로운 창작물 공유를 동시에 이루고 있다. Videocopilot은 간략한 시각 효과 프로세스를 제시 하여 다른 개발 업체와는 차별적인 모습을 보여주어 플랫폼과 창작자 사이의 거리를 좁 혀 주었다. 본 연구에서는 Videocopilot을 통해 새로운 시각 효과 제작 환경 변화와 그 의미를 알아보고 향후 영상 후반작업 제작 과정을 예측해본다.

Visual effects technology is rapidly becoming universal with the development of digital technology. Visual effects technologies in various ways of video production are being applied, and the proportion of visual effects in the video is increasing. The proportion of visual effects used varies greatly depending on the budget of video production, and the quality of visual effects has increased in the case of images that use a large budget. Although information sharing of visual effects technology developed through large-scale investments is limited, it is more common for small-scale video producers, due to the spread of online environments. Qualitative completeness is determined by budget, but changes in the process and method of visual effects are taking place to increase the overall completeness of the images. The proliferation and growth of information and materials on visual effects technology, once possessed by a few, has led to the emergence of many companies specialized in visual effects. Thus, this has resulted in a change in the visual effects production process for videos.Various visual effects developers have previously made great efforts to improve quality, along with budget cuts, by modifying and omitting processes based on visual effects working methods. Videocopilot, among many visual effects companies, uses Adobe After Effects to develop and sell highly polished plug-ins while sharing information on visual effects technology with visual effects developers. Furthermore, Videocopilot helps the communication between developers through its webpage, simultaneously achieving information sharing and visual design. Videocopilot has shown a rapid visual effects process that is different from that of other developers, narrowing the gap between platform and creators. This study examines the change in production environment and its meaning by analyzing the case of Videocopilot, and further predicts the production process in the future.

본 연구는 지금까지 연구된 영화학의 주제가 무엇이었는가 하는 연구동향을 분석해 보고자 한 것으로 영화학에 관한 빅데이터 자료를 바탕으로 텍스트 마이닝 기법을 이용하여 분석한 것이다. 즉 어떠한 연 구가 영화학 분야에 집중되었는지 살펴 영화학의 흐름을 파악하고자 한 것으로 2000년대 이전과 2000년 대 이후로 나누어 키워드분석과 토픽모델링을 분석해 보았다. 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 영화학 연구 제목에서 빈번하게 출현한 키워드를 빈도 분석한 결과, 2000년대 이전에는 ‘젠더’, ‘감독’, ‘년대’, ‘산업’, ‘문화’, ‘북한’ 등의 키워드가 높은 순으로 나타났으며 2000년대 이후에는 ‘젠더’, ‘년대’, ‘문화’, ‘활용’, ‘소 설’, ‘제작’ 등의 키워드가 높게 나타났다. 그 중 키워드 중요도 값을 확인한 결과 2000년대 이전에는 ‘젠 더’였으나 ‘산업’이 가장 중요한 키워드인 것으로 확인되었고, 2000년대 이후에는 빈도값과 동일하게‘젠 더’가 가장 중요한 키워드로 확인되었다. 둘째, 연결중심성 지수 산출 결과 2000년대 이전과 2000년대 이 후 모두 ‘년대’를 중심으로 타 키워드와 간의 연결성이 가장 높은 것으로 나타났다. 이는 영화에 있어서 시대적 흐름이 중요하다는 것을 인식시켰으며 또한 영화제작에 있어서도 한국역사의 중요한 사건들을 영화화 한 작품이 많았음을 알 수 있다. 셋째, 토픽모델링을 적용하여 연구주제를 추출한 결과 ‘현대 영 화 이론’, ‘문화 표현’, ‘소설의 영화화’, ‘영화 흥행 요인’, ‘영화의 디지털화’, ‘영화의 다방면 활용’, ‘문화 기행, 이야기’, ‘시대별 영화’, ‘독립영화’ 등 총 9개의 연구주제가 클러스터링(clustering) 되었다. 그 중 핵 심 키워드는 ‘년대’, ‘젠더’, ‘1960’, ‘재현’, ‘이후’, ‘2000’, ‘문화’, ‘식민지’, ‘1990’, ‘북한’, ‘1950’, ‘여성’, ‘역 사’, ‘전쟁’ 등이었다. 넷째, 토픽모델링에서 도출된 연구주제를 시기별 추이를 확인한 결과 ‘현대 영화 이 론’이 가장 Hot Topic인 것으로 확인되었다.

This study aims to investigate the diversified research topics of film studies, which has been implemented until now and analyze them utilizing text mining based on Big Data regarding film studies. That is, this study deals with what numerous research has been done in the field of film studies and performs keyword analysis and topic modeling by division of before the 2000s and after the 2000. The results are as follows. First, a frequency analysis of keywords shown in research titles of film studies demonstrates that before the 2000s, ‘gender’ is the highest, the second ‘director’, the third ‘period’, the fourth ‘industry’, the fifth ‘culture’, and the sixth ‘North Korea’ while after the 2000s, ‘gender’ is the highest, the second ‘period’, the third ‘culture’, the fourth ‘utilization’, the fifth ‘novel’, and the sixth ‘production’. According to the value of keyword significance, before the 2000s, ‘gender’ and ‘industry’ are undoubtedly important but after 2000s, ‘gender’ is the most significant. Second, as a result of producing connecting centrality index, regardless of era, it is evident that the connection between other keywords, based on ‘period’, is ranked first, which reveals that viewers are made to be aware of importance of period flow and that many of the historic events in Korean history have been adopted in Korean films. Third, an application of topic modeling has resulted in the clustering of 9 study subjects such as ‘modern film theory’ ‘expression of the culture’ ‘filmic adaptation of novel’ ‘factors of film success’ ‘digitalization of film’ ‘diversified utilization of film’ ‘culture trip, story’ ‘movie of times’ and ‘independent film’, whose core keywords are listed as ‘period’ ‘gender’ ‘1960’ ‘representation’ ‘since then’ ‘2000’ ‘culture’ ‘colony’ ‘1990’ ‘North Korea’ ‘1960’ ‘women’ ‘history’ and ‘war’. Fourth, in accordance with period development, ‘modern film theory’ has been referred to as a popular topic.

한국의 영화감독 이창동은 예술 영화의 창작 이념을 오랫동안 고수하여 소수의 영화 제작을 통한 뛰 어난 작품을 창작하고 있으며, 그의 작품에는 모두 인문주의적 배려와 현실주의 정신이 담겨 있다. 초기 ‘녹색 3부작’으로 불리는 영화 <초록물고기>, <박하사탕>, <오아시스>에서 중기의 <밀양>, <시> 그리고 최 근의 <버닝>에 이르기까지 이창동의 영화는 예리한 시각으로 현대 한국 사회에서 일반인들이 겪는 생존 의 곤경을 날카롭게 지적한다. 그는 자신이 경험한 한국의 역사적 상처와 인간의 잔혹함 그리고 침해당 하는 개인의 운명 등의 문제를 적나라하게 드러낸다. 또한 이창동의 영화는 작가주의 영화의 미학적 특 징이 드러내며, 한국 사회 현실에 대한 비판과 반성, 그리고 소외 집단의 생존 상태에 대한 관심이 이창 동 영화의 일관된 주제이다. 작가로서의 오랜 경험은 그의 영화가 서사 방식에서 다른 특징을 나타나게 하였다. 상상과 현실이 교차하는 초현실주의 에피소드가 자주 등장하고, 숏은 항상 차분하고 엄숙하며, 관조적 태도로 현실을 반영하고 롱 테이크의 기록적인 미학 표현 기법을 유지한다. 그는 영화를 통해 개 인의 존재 의미에 대한 변증적 사고로 글로벌화의 트렌드에 따른 한국과 인류 문화 정신의 변천을 확대 하여 인류의 생존 본질에 대해 질문한다. 즉, 슬픈 분위기의 영화를 통해 현실을 반영하며 사람, 생명, 한 국 사회의 스토리로 현실을 초월한 깊은 반성을 보여주고, 인류의 공통의 감정을 도출한다. 다양한 영화 소재와 장르의 예술적 특징으로 볼 때, 장르를 초월한 개성적인 창작 스타일을 갖춘 현실주의 영화만이 비로소 사람들이 깊은 여운을 음미할 수 있는 뛰어난 작품이 될 수 있다. 이는 한편으로 영화 장르의 단 조로운 상황을 해결할 수 있고, 다른 한편으로 항상 현실주의적 소재를 선호하는 한국 영화를 새로운 수 준으로 이끌 수 있다. 따라서 본 연구는 이창동의 현실주의 영화 속 작가주의 특징에 대한 고찰을 통해 현실주의 한국 영화의 예술 창작 기법에 대한 새로운 구상 방향의 개척을 그 목적으로 한다.

Since the 1990s, South Korean films have risen to prominence, winning numerous awards in international film festivals and attracting worldwide attention. Among them, Director Lee Chang-dong insists on the creation concept of art film and insists on low-yield and high-quality creation for decades, which deeply contains humanistic care and realistic spirit. From the original “Green Trilogy,” The Green Fish “Mints”, “Oasis” to the middle of the “Mi Yang”, “poem” and then to the recent “Burning”, lee's movies like a sharp knife precision cut open South Korea the plight of ordinary people in the modern society, it has the history of trauma, the cruelty of human nature, individual fate by uprooted, and obtained great success in the history of film art, in South Korea and even the representative figure of the Asian film. His films show the aesthetic characteristics of the writer's films: the criticism and reflection on the social reality of South Korea and the concern about the living conditions of marginal characters are the consistent themes of his films; Due to the profound accumulation of literary accomplishment and years of experience as a writer, his films also show the characteristics of non-rigid style in the way of narration: Surrealist fragments interwoven between imagination and reality appear frequently in his works; The camera is always calm and serious, reflecting reality with a silent observation of life, and sticking to the shooting technique of long lens documentary aesthetics. Lee Chang-dong, the director, is very firm in describing the unique fragmentation through one sad story after another. With the help of the film, he makes dialectical thinking on the meaning of individual existence and explores the changes of human culture and spirit between South Korea and the world to question the wood of human existence.

본 연구는 1995년 지방자치제 이후 급속하게 발전하게 된 지역 축제에 있어 예술간의 상호작용을 활 발히 할 수 있는 예술축제 중 포항바다국제연극제에 대하여 연구해보고자 한다. 포항은 철강중심의 산업 도시이기도 하지만 천혜한 자연환경인 바다, 산, 계곡 등을 보유한 도시이기도 하며 관광자원이 많은 도 시이기도 하다. 이러한 특성을 통해 포항바다국제연극제는 포항이라는 도시의 특수성 및 지역적 특성을 중심으로 개최된 지역을 대표하는 문화예술축제인 동시에 예술축제로서 예술이 가지고 있는 기능과 의 미들을 잘 살린 축제라고 할 수 있다. 지역의 공연예술제는 공연예술제만의 특색과 지역적 특수성이 가 미가 되어 예술로서의 전문성을 극대화 하고, 지역적 특수성을 제고 할 수 있어야 한다고 본다. 이렇게 볼 때, 특정지역의 공연예술제가 성공할 수 있도록 진행되고 있는 내용을 종합적으로 분석하여 그 발전 방향을 제시하는 연구는 매우 필요하다고 하겠다. 이에, 본 연구는 지난 2001년부터 동해바다의 천혜의 수려한 자연환경과 포항의 지역적 특수성을 살려 지금까지 매년 개최되고 있는 포항바다국제연극제를 중심으로 어떠한 지역적 특수성과 인프라를 중심으로 본 연극제가 개최되고 있는지, 연극제에 대한 어떠 한 정체성이 있는지에 대한 포항바다국제연극제의 현황을 살펴보고, 이에 대한 미래전망과 발전방안을 모색하는데 목적을 둔다. 특히 올해로 20회를 맞는 포항바다국제연극제는 지역적 특수성뿐만 아니라 공 연예술제의 특성에 있어 다양한 시도를 했다고 할 수 있다. 다양한 주제의 선정, 축제의 컨셉에 대한 전 반적인 변모 등 여러 가지 시도를 통해 축제를 진행하였다. 본 논문에서는 포항바다국제연극제의 현황을 살펴보고 이에 대한 발전 방안과 미래 전략을 제시하고자 한다. 이를 통해 포항바다국제연극제가 포항뿐 만 아니라 세계적인 연극축제로서 발돋움하길 바란다.

This study is to study Pohang Sea International Theater Festival among art festivals that can actively interact with each other in local festivals that have developed rapidly since the local government in 1995. Pohang is a steel-oriented industrial city, but it is also a city with a natural environment such as the sea, mountains, and valleys, and a city with many tourist resources. Through these characteristics, the Pohang Sea International Theater Festival can be said to be a cultural and arts festival that represents the region held centering on the peculiarity and regional characteristics of the city of Pohang, and a festival that utilizes the functions and meanings of art as an arts festival. In particular, it can be said that the Pohang Sea International Theater Festival, which marks its 20th anniversary this year, has made various attempts in terms of regional specialty as well as the characteristics of the performing arts festival. The festival was held through various attempts such as selecting various topics and changing the overall concept of the festival. Therefore, in this paper, the current status of the Pohang Sea International Theater Festival, which has been held since 2001, will be reviewed and the development plans and future strategies will be presented. Through this, I hope the Pohang Sea International Theater Festival will emerge as a global theater festival as well as Pohang.

최근 문화 콘텐츠 산업의 규모가 점차 증가하면서 뮤지컬, 연극, 콘서트, 퍼포먼스 등을 비롯한 공연 예술 콘텐츠 마케팅에 온라인 광고가 많이 사용되고 있다. 이 연구는 최근 광고의 특징 가운데 하나라고 할 수 있는 온라인 동영상 강제노출 광고현상에 관련한 문헌연구를 통해 공연예술 콘텐츠 마케팅에 온라 인 동영상 강제노출 광고의 효과적인 전략 수립을 위한 이론적인 토대를 마련하고, 이를 통해 맥락일치 성과 심리적인 반발과 같은 강제노출 광고와 그에 따른 광고효과 사이에 영향을 미칠 수 있는 다양한 변 인들에 대한 고려 없이 단편적으로 강제노출 광고에 대한 효과를 판단할 수는 없다는 것을 파악하였다. 맥락일치성이 낮을 경우에 강제노출 광고에 대한 심리적인 반발이 크게 나타났으며, 광고와 콘텐츠 프로 그램과의 맥락일치성이 높을 경우에는 심리적인 반발이 완화되어 광고를 대하는 태도에 미치는 부정적 인 영향을 크게 감소시킬 수 있는 것으로 확인되었다. 광고에 강제노출 된 집단이 그렇지 않은 집단 보 다 광고에 대한 기억을 더 잘하며, 광고가 강제노출 되지 않을 때는 미드롤 광고가 광고기억에 효과적으 로 나타났고, 광고가 강제노출 되는 경우 프리롤 광고가 상대적으로 광고기억에 효과적인 것으로 밝혀졌 다. 이러한 사항을 연구자가 직접 연출한 공연예술 작품 두 가지를 예시로 하여 온라인 광고전략을 수립 해 보았으며, 이를 통해 공연예술 콘텐츠의 효과적인 온라인 강제노출 광고전략을 수립할 수 있었다. 공 연예술에 있어서 광고하고자 하는 콘텐츠의 핵심키워드에 해당하는 유튜브 등의 SNS 콘텐츠를 대상으로 하여 온라인 동영상 강제노출 프리롤 광고를 실행한다면 맥락일치성을 높이는 효과적인 광고를 수행할 수 있을 것이다. 본 연구의 연구결과를 토대로 하여 광고 효과를 극대화 시키는 전략을 수행한다면 전반 적인 공연예술 콘텐츠 온라인 강제노출 광고 계획 수립에 크게 기여할 것으로 기대한다.

With the recent increase in the size of the cultural content industry, online advertising has been widely used in marketing performance art contents, including musicals, plays, concerts, and performances. The study found that one of the characteristics of recent advertisements, the literature study on the phenomenon of online video forced exposure advertising, laid the theoretical foundation for the effective strategy of online video forced exposure advertising in the marketing of performance art content, which could not determine the effectiveness of forced exposure advertising in a piecemeal manner without consideration of various variables that could affect the advertising effects of it, such as contextual consistency and psychological backlash. It has been confirmed that the psychological backlash against forced exposure advertisements has been shown in the case of low contextuality, and that the high contextuality with advertising and content programs can alleviate the psychological backlash and greatly reduce the negative impact on the attitude toward advertising. It has been found that the group that was forced into advertising has better memories of advertising than the group that is not, that mid-roll advertising has been effective in advertising memory when advertising is not forced, and that free-roll advertising is relatively effective in advertising memory when advertising is forced to be exposed. We established an online advertising strategy by using two examples of performance art works produced by researchers, which enabled us to establish an effective online forced exposure advertising strategy for performance art contents. If you run an online video forced free roll ad targeting SNS content such as YouTube, which is the key word for content you want to advertise in performing arts, you will be able to carry out effective advertising that increases contextual consistency. Based on the research results of this study, we expect that implementing a strategy to maximize the effectiveness of advertising will greatly contribute to the establishment of an overall online compulsory advertisement plan for performing arts contents.

이 연구는 문헌조사와 매스컴의 보도자료, 인터뷰를 토대로 교육과 예술의 경계에 대해 고찰한 것이 다. 학문적 접근을 통해서는 학교교육에서 예술교육에 대한 변화를 통해 융·복합 교육을 통한 효과와 그로 인해 야기되는 문제점을 탐색하였다. 이 연구의 내용을 토대로 다음과 같은 결론을 내리고자 한다. 첫째, 교육과 예술의 경계는 학문으로서의 물리적 경계보다는 인간이 마음의 경계를 쌓고 있다고 볼 수 있다. 즉, 동일한 사건을 놓고 바라보는 시각에 따라서 교육으로 볼 것인가? 예술로 볼 것인가에 대한 것 은 인간의 마음이 결정하는 것이다. 둘째, 학교교육의 현실에 대한 다양한 조건을 고려해야 한다. 학교는 소수의 몇 과목을 가르치는 것이 아니라 사회적 요구에 따라 다양하게 세분화된 내용을 교과라는 명칭으 로 학생들에게 가르치고 있으며, 그 중 일부교과목으로 예술이 포함되어 있다는 점이다. 셋째, 교육과 예 술에 대한 경계는 학자들이 자신의 영역을 강조하고자 하는 근원적 차원에서 구분되는 경향이 있다. 즉, 학문의 융합이 아닌 학문의 분화를 통해 자신의 학문영역을 공고히 하고자 하는 속성에 기인한다고 볼 수 있다. 이러한 경향은 거대한 파도가 밀려오지 않으면 변화가 어려운 속성을 지니고 있다. 넷째, 학교 교육은 사회적 상황변화와 과학기술의 변화에 영향을 받는다. 그럼에도 불구하고 예술에 대한 변화는 그 다지 찾아보기 어렵다. 따라서 예술에 대한 교육과정은 기존의 방식에서 탈피하여 예술의 특성에 맞는 교육과정으로 변화를 추구해야 한다. 교육과 예술은 시스템내의 융합된 영역으로 인식하고 경계의 벽이 란 인식의 장애물을 제거해야 한다. 개인에게 자신의 재능을 발휘할 수 있는 기회를 제공하듯 예술의 특 성에 맞는 학교교육에서의 적용이 예술을 교육과 융합하는 출발점이다. 이는 곧 인간의 창의성을 크게 발현시키는 계기로 작용하게 될 것이다.

This study examined the boundary between education and art based on literature surveys, media reports, and interviews. Through the academic approach, the effects of the convergence and multidisciplinary education and the problems caused by it were explored through changes in art education in school education. Based on the contents of this study, I would like to draw the following conclusions. First, the boundary between education and art is that human beings are building the boundary of the mind rather than the physical boundary as an academic discipline. In other words, will it be viewed as an education based on the perspective of the same event? The human mind decides whether to view it as art. Second, various conditions for the reality of school education should be considered. The school does not teach a few subjects, but teaches students various subdivisions according to social needs under the name of the subject, and art is included in some of them. Third, the boundaries between education and art tend to be distinguished at the root level at which scholars want to emphasize their territory. In other words, it is not due to the convergence of learning, but to the nature of consolidating one's academic field through the differentiation of learning. This trend has a property that is difficult to change without huge waves coming in. Fourth, school education is influenced by changes in social situation and changes in science and technology. Nevertheless, changes in the arts are not very visible. Therefore, the curriculum on art should pursue a change from the existing method to a curriculum suitable for the characteristics of art. Education and art should be recognized as a convergent area within the system and remove obstacles to the perception that it is a wall of boundaries. Just as it provides an opportunity for individuals to display their talents, the application of art in school education to suit the characteristics of art is the starting point for integrating art with education. This will soon serve as an opportunity to express human creativity.

예술의 세계는 신묘하다. 인간 이성과 감성을 놀랍게 조화시키면서 감성이 이성을 감당할 수 있는 힘 을 키워주기 때문이다. 따라서 예술은 지극히 감성적인 작업과 전달을 감당한다. 인간은 감성적 존재이 기에 예술을 통한 건강한 감성을 함양할 수 있다. 본 연구에서는 예술가들의 자신의 특별한 재능 및 강 점을 이해하고 자아정체성을 분명하게 인지할 수 있음을 전제로 하여 예술적 감각의 중요성을 드러내는 목적을 갖는다. 예술적 감각은 AI(Artificial intelligence)시대에서 예술인들의 자아정체감에 확신을 주고 인간의 고유한 감각기능이다. 따라서 개인의 도덕적 성장, 타인에 긍정적 작용, 사회 및 공동체의 공공질 서 유지를 위해 반드시 필요하다. 인간의 예술적 감각은 긍정성, 회복탄력성, 공공성의 구성요소의 특징 을 갖는다. 이 작용은 우리들의 자율적 주체성 확립과 진정한 자유인다운 삶을 개척할 수 있으며 그러한 삶을 이룩할 수 있는 능동적 삶의 원동력이 된다. 따라서 자신의 정체성 이해와 정체성의 핵심 구성요소 인 성격 및 기질, 재능 및 지능심리를 통한 예술적 감각을 익히고 넓히는 작업이 요구되기 때문에 본 연 구는 예술가의 정체성 확립과 예술 감각을 함양하기 위한 도구로써 필요하다. 본 연구에서는 자아 정체 성을 성격적 요소와 재능 요소의 구성을 살펴보았고, 예술 감각을 자아실현의 긍정심리학적인 긍정적 마 인드 및 긍정성, 심리적 소진의 회복탄력성 및 역경지수, 사회나 국가의 공공선 추구의 공공성의 상호공 생적 요소로 분석하였다. 특히, 무용가 M. Graham을 예술가 사례로 선정하여 그녀의 자아정체성과 예술 감각을 검증하였다. 그녀의 예술 감각과 정체성 분석 사례는 현대예술인들에게 자신을 객관적인 지표로 이해할 수 있는 가능성과 자신의 강점을 예술세계에 적용할 수 있는 시사점을 제공한다. 이에 본 연구에 서는 예술가들의 자신의 특별한 재능 및 강점을 이해하고 자아정체성을 분명하게 인지할 수 있음을 전제 로 하여 예술적 감각의 중요성을 드러내는데 그 목적을 갖는다.

The world of art is novel. This is because it creates an amazing harmony between human reason and emotion, and it enhances the power to handle reason. Therefore, art can handle extremely emotional work and delivery. Humans are emotional beings, so they can cultivate healthy emotions through art. The purpose of this study is to reveal the importance of artistic sense on the premise that artists can understand their special talents and strengths and be clearly aware of their identity. Artistic sensibility is a unique sensory function of human beings, convincing artists of their sense of self-identity in the era of AI(Artificial intelligence). Therefore, it is essential for the moral growth of individuals, positive action on others, and the maintenance of public order in society and community. Human artistic sense has the characteristics of elements of positivity, resilience and publicity. This action can establish our autonomous self-reliance and pioneer a truly free life, and it becomes the driving force of active life to achieve such a life. Therefore, this research is necessary as a tool to establish an identity of an artist and to foster an artistic sense, as it requires learning and broadening the artistic sense through personality and temperament, talent and intelligence psychology, which are key components of one's identity and identity. In this study, we looked at the composition of personality and talent elements, and analyzed the sense of art as a positive and positive mind and positivity of self-realization, resilience and adversity index of psychological exhaustion, and the mutual symbiotic element of public pursuit of public good in society or country. Her art sense and identity analysis examples provide contemporary artists with implications to understand themselves as objective indicators and to apply their strengths to the art world.

이 연구는 예술의 창작과 수용의 경계에서 21세기 예술사회학의 전망을 제시하고자 한다. 21세기 예술사 회학이 사회학보다는 예술을 중점으로 하고, 예술가와 작품과 관객의 유기적 작용으로 예술가 뿐 아니라 작품과 관객도 생산자로 접근할 수 있는 근거를 제시하기 위해 공간과 드라마로부터 자유로운 연극, 배우와 관객이 함께 만드는 연극, 관객의 참여와 체험에 주목하는 현대 연극의 현상을 살펴본다. 예술과 사회의 관계는 주로 사회학자와 인문주의자들에 의해 사회학적 관점에서 연구되었다. 더욱이 연극은 아직까지 사 회학적으로 접근하는 학문으로 활발하지 못하다. 연극은 공연을 통하여 사회를 반영하고 동시대 관객과 소통한다. 연극은 가장 밀접하게 사회 내부로부터 잉태되고 지속적으로 사회성을 드러낸다. 현대 연극예술 은 무대 공간으로부터 자유롭고, 관객의 참여와 체험에 주목하면서 장소특정적 연극, 플레이백 씨어터와 같은 새로운 실험적 시도로 창작과 수용의 경계를 넘나들고 있다. 연극예술은 새로운 미적 가치와 미적 경험 속에서 소통과 공감, 교육과 치유로 창작을 확장하고 있다. 이러한 변화 속에서 연극예술과 사회관계에 대한 접근은 예술가, 예술작품, 관객의 관계를 유기적 관계로 볼 수 있다. 이 관계 속에서 첫째, 작품은 사회적이고 일상적인 공간에서 의미 보다 감성적 소통을 지향한다. 둘째, 관객은 생산자로서 스스로 느끼고 공유하고 공감하며 자기 식의 해석을 통해 자신을 재구성할 수 있다. 셋째, 창작자는 텍스트 보다 퍼포먼스, 대본보다 구술, 로고스 보다 파토스, 연속 보다 불연속을 의미화 한다. 본 연구 결과는 연극을 중심으로 예술가와 작품과 관객의 유기적, 생산적 관계를 전제로 사회학적으로 접근할 수 있다는 현대 예술사회학의 전망을 제시하였다는 점에서 의미가 있다. 본 논문은 연극이 창작의 공간과 수용의 공간을 구분하였던 과거 의 공간을 벗어날 뿐 아니라 역사와 기억과 일상의 공간을 통합적 예술양식으로 접근할 수 있는 가능성을 수용함으로써 창작과 수용의 경계를 허무는 시도를 하고 있다. 이러한 연극예술의 창의적 실험과 실천들을 바탕으로 21세기 예술이 사회학적으로 확장할 수 있는 가능성 예견을 목적으로 연구하고자 한다.

This study aims to suggest the future of sociology of art in the 21st century which is at the cusp of creative art and expropriation art. It observes modern theater that is free from space and drama, that which is created by both the actors and audience, and that which focuses on the participation and experience of the audience in order to propose evidence for the artwork and audience to approach the art as a producer alongside the artist through the organic interaction between the artist, artwork, and audience by focusing on the fact that sociology of art in the 21st century focuses more on the art aspect than the sociology aspect. The relationship between art and society has mostly been studied by sociologists and humanists from a sociological perspective. Moreover, theater has not yet been studied extensively from an academically sociological perspective. Theater reflects society and interacts with audiences of the same age through performance. Theater is birthed from the innermost places of society and consistently displays sociality. Modern theater art is free from the stage and focuses on the audience’s participation and experience. It continues to go back and forth between creation and expropriation through new experimental attempts such as site-specific theater and playback theater. Theater art is stretching the concept of tradition through interaction, sympathy, education, and healing based on new aesthetic values and experiences. Within such changes, one can observe the relationship between artist, artwork, and audience organically from the perspective of theater art and social relationships. In this relationship, firstly, the art piece pursues emotional communication in a social and familiar space rather than space. Secondly, the audience feels, shares, and sympathizes as a producer and can recompose oneself through personal interpretation. Thirdly, the creator signifies performance over text, speech over script, pathos over logos, and discontinuity over continuity. The study results are meaningful in that they can suggest the future of the modern sociology of art from a sociological perspective based on the premise that there is an organic and productive relationship between the artist, artwork, and audience in theater.