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오늘날은 디지털 다매체 시대로 케이블 TV와 위성방송의 보급이 확대되고 방송과 인터넷이 만나는 등 이전과는 다른 차원의 변화가 전개되고 있다. 다양한 공연형태의 새로운 매체들이 계속 출현하고 방 송 콘텐츠에 대한 수요가 나날이 늘어나면서 연기자의 직업의 선호도는 상당히 높아지고 있다. 이렇듯 연기자의 수요가 계속해서 증가함에 따라 연기자가 갖추어야 할 연기적인 요소 또한 중시되는데 그 중에 서도 화술은 가장 중요한 부분이라고 할 수 있다. 본 논의에서는 연기자의 화술은 자신의 말이 아닌 극중 인물의 언어를 가상의 공간 이라는 특수한 상황에서 자신의 상대역 뿐 아니라 제 3의 인물, 즉 관객 또는 TV를 포함한 모든 영상분야를 시청하는 이들에게 내용과 줄거리, 감정의 전달을 목적으로 한다는 점에서 일상의 말하기와는 다른 영역임을 인식 하고, 연극연기와 카메라연기에서 화술에 차이를 정확히 인식하고 매체의 특성에 맞는 화술을 보다 효과 적으로 구사하는 방안을 고찰해 보고자 한다. 이를 통해, 연기에 있어 연극과 카메라라는 두 매체는 화술의 구사하기 위한 기본이 되는 필수 요소들 뿐 만 아니라 매체의 수용이나, 전달방식, 작업환경과 방법에서 차이점을 인식하고, 거듭되는 훈련을 통 해 다양한 캐릭터의 창조적 개성과 자발적 충동을 효과적으로 형성하고 운용하여 진실 된 화술을 표현할 수 있도록 하고자 한다.

The cultural art industry of our society has changed rapidly. That means the condition of the actors also has done so. In other words, depending on the media, technical elements and given situation affect performer how to do the intensity of expression and feeling continuous and cut off due to the interference. In many of these characteristic, the performer should change or configure the different style of acting and narrative presentation according to the media. Therefore, this study is to help the performer understand the characteristic of the mutual media when the he/she creates the role and present narrative more effectively considering the characteristic of the each media. The result of the study shows that to they both have common in training in way of making sound, which is the basic element of narration, however there are some difference between how to deliver the method or accept the media. The performer can make more truthful and accurate narrative by training constantly for recognizing the technical mechanism and understanding the characteristic of the each media. As such, this study shows that at the present time, the performer who acts to a wide variety of the media, there are some differences when the performers express their narrative by the characteristic of the each media. Also this study is pointing out that there is no education that teaches the differences. Furthermore, to achieve a successful transition for the actors and make efficient narrative needs more subdivided acting direction by the characteristic of the each media.

20세기는 춤의 르네상스 시대라고 할 정도로, 춤은 현대적 예술 양식을 갖춘 범세계적 예술로 그 위상 을 굳히고 있다. 또한 21세기에 들어오면서 현대무용에는 퓨전 장르가 출현하여 새로운 장르, 새 양식과 넌버벌의 특성을 나타내는 현대무용이 예술이면서 동시에 문화로의 지위를 차지하게 되었다. 창작을 100 퍼센트 활용하는 현대무용은 움직임의 체계를 전제로 안무가의 메시지를 제시하는 것을 특징으로 한다. 그러나 요즘의 현대무용은 움직임과 특성의 측면에서만 발전을 이루었을 뿐, 관객과의 의사소통 측면에 서는 진전을 이루지 못하고 있다. 이러한 점에서 21세기 현대무용작품에는 어떠한 요소가 갖추어져야하 고 궁극적인 요소가 무엇인지에 대한 고찰이 필요하다. 현대무용 작품에 스토리텔링 요소가 중요한 이유 는 모든 예술작품의 목적은 작가 내지 안무가의 ‘메세지 전달’이다. 본 연구 에서는 신체적 언어인 현대 무용에서 공연 속에 내재 되어있는 연기와 연출적인 부분을 작품을 통해 좀 더 깊이 있게 이해하고 안무 가의 메시지를 정확하게 관객과 소통 할 수 있는 방법을 고찰하고자 한다.

The influence of theater storytelling on contemporary dance works. The 20th century is a Renaissance period of dance. Dance has become a global art with contemporary art style. In the 21st century, the fusion genre of modern dance which shows the characteristics of new genre, new style and nonverbal character, became the art and cultural status. Modern dance, which makes use of 100% of creative works, is characterized by presenting a choreographer's message on the premise of movement system. However, modern dance today has only developed in terms of movement and characteristics, and has not made progress in terms of communication with audiences. In this regard, it is necessary to examine what elements should be equipped and what the ultimate elements are in the 21st century modern dance works. The reason why storytelling elements are important in contemporary dance works is that the purpose of all works of art is 'message transmission' of writers and choreographers. In this study, we try to understand the contemporary dance works more deeply and to communicate the message of the choreographer with the audience accurately through modern dance which is a free physical language and acting or directing which is embedded in the performance.

무용교육은 배우는 대상과 대상의 목적에 따라 개성적으로 발전해야 한다. 체육학원의 무용 교육은 학교의 특색으로부터 출발, 인재 양성의 목표에 따라 교육이 진행되어야 할 것이다. 본문은 무용 교육학 의 시각에서 장족무용의 민간 무용수업의 사례를 통해, 체육학원 무용연기 전공의 민족민간 무용수업 교육 방법 개혁과 혁신을 탐구 분석하고자 한다. 체육학원에서의 무용인재는 어떻게 양성해야 하는가? 현재의 구직 추세에 어떻게 적용 해야 하는가? 학생의 주관적인 능동성을 어떻게 발휘하게 할 수 있는 가? 민족 민간 무용전공 교사는 교육 방법에 있어 자기만의 개혁과 혁신이 필요하다. 교육에 있어 교사 의 ‘인도’는 전통적 개념에 있어서의 ‘전수’ 형태의 교육을 대체하고, 교사와 학생의 ‘상호작용’을 통해 단 일적인 ‘모방’의 교육형태를 대체해야 한다. 학습에 대한 학생의 흥미 및 독립적 사고와 창작능력을 양성 해야한다. 학생으로 하여금 기술적인 기교를 익히게 하는 동시에 학습에 대한 흥미를 증가시키고, 학습 한 이론 지식과 실용적인 교육을 연기·창작·교육에 응용, 구직 추세의 수요에 실질적으로 적용해야 한다.

Dance education should develop personally according to students and the purpose of the learning students. The dance education of the physical education institute should start from the characteristic of the school and the education should be carried out according to the goal of human resource development. This paper explores the reform and innovation of national nonofficial dance education methods of the dance major of the physical education academy through the case of the private dance class of the jang jok dance from the viewpoint of the dance education. How should we train dancers in physical education institutes? How should you apply to your current job trend? How can we bring out the student's subjective activity? National civilian dance teacher requires self - reform and innovation in education methods. In education, 'guidance' should replace 'passing down' form of education in the traditional concept, and substitute a single 'imitation' form of education through 'interaction' between teacher and student. Students should develop students' interest in learning and independent thinking and creative ability. Students should be able to learn technical skills at the same time, increase their interest in learning, and apply learned theoretical knowledge and practical education practically to the needs of acting, creative writing, education, and job hunting trends.

舞蹈教育要根据不同的对象和不同的目的个性发展，体育院校更应该从学校特色出 发，根据培养目标而因材施教。本文拟从舞蹈教育学视角出发，通过藏族舞蹈的民间舞 课堂的案例进行分析，探讨体育院校舞蹈表演专业民族民间舞课的教学方法改革与创 新。如何适应体育院校舞蹈人才的培养？如何适用于当今就业趋势的需要？如何发挥学 生的主观能动性？需要民族民间舞蹈教师在教学实践中改革和创新自己的教学方法，用 教师的“引导”替代传统的“教授”，以师生的“互动”替代单一的“模仿。”培养学生 的学习兴趣、独立思考能力和创新能力。让学生在掌握技术技巧的同时，能够增加学习 兴趣，并将所学理论知识和实用教学、编创技能系统地应用到实际的表演、创作和教学 中，真正的适用于就业趋势的需要。

연기는 희곡 속 인물의 역할을 하는 배우의 심장을 통해 그리고 배우의 신체 도구를 통해 인물의 생명 을 탄생하게 하는 것이다. 그래서 인물에 살아있는 호흡을 넣어주기 위해, 배우의 심장을 뛰게 하기 위 해, 배우의 신체가 반응하게 하기 위해 연기술, 연기훈련이 요구되는 것이다. 미학적 연기 예술의 핵심을 필자는 연기하는 순간순간 배우 내면의 움직임이고, 심장이 뛰는 살아있는 호흡을 만드는 것이고, 연기 술 훈련의 기초는 배우들에게 내·외적 자극을 주어 그 자극 안에서의 진실한 반응, 내적자아와 진정성 창조하도록 하는 자극제를 제공하는 연습이라고 말하고자 한다. 즉, 살아있는 호흡에 소리와 대사가 실 리게 하고 그 호흡에 진동되어 신체가 움직이고 반응하도록 이끄는 것을 의미한다. 필자는 산 호흡, 살아 있는 연기를 위해 연기 훈련의 의의와 여전히 존재하는 연기의 문제점 그리고 그 해결을 위한 연기훈련 의 방법론을 중심으로 글을 설명하고자 한다. 또한 국내 연기 지도와 연기교육의 문제점에 대해서도 미 국의 경우와 비교하여 설명하였고, 효과적인 연기 교육을 위한 방안을 제시하고자 한다.

The act is to create the life of the character through the heart of the actor who plays the character in the play and through the physical tools of the actor. So, in order to put a living breath into the character, to make the heart of the actor jump, the actor's body needs to be actively trained to make the body react. The essence of aesthetic acting art is the moment of actor moment inside actor, the breath of life that heart beats, and the foundation of articulated training gives inner and outer stimulus to actors, It is an exercise that provides a stimulus to create self and sincerity. In other words, it means that living breathing is accompanied by sound and metabolism, and vibrates in the breath to lead the body to move and respond. I would like to emphasize the importance of acting training for live breathing, live acting, the problem of still existing acting and the methodology of acting training for solving it. In addition, the problems of domestic acting instruction and acting education are explained in comparison with the case of the United States, and suggestions for effective acting education are presented.