Earticle

본 연구는 행화적 인지(enactive cognition)를 뷰포인트 배우 훈련에 적용하여 뷰포인트 훈련이 전통적 인 배우 교육 시스템에서 위치 지워진 대로 단지 움직임의 기술적 능력을 발전시키는 훈련이 아니라, 예 술적 지각을 확장하여 배우-창조자를 키워내는 대안적인 역할을 해낼 수 있음을 제시한다. 뷰포인트 훈 련은 1970년대에 메리 오벌리가 만들었고, 이후 앤 보가트의 시티컴퍼니(SITI Company)의 교육과 활동을 통해 전세계로 보급된 대표적인 움직임 훈련이다. 하지만 그동안 뷰포인트 훈련은 움직임 훈련으로서만 연구되어왔고 그 대안적 역할이 주목되어오지 않았다. 이에 행화적 인지를 통해 뷰포인트의 대안적인 역 할을 밝혀낼 필요성이 생겨났다. 행화적 인지란 인간의 인지는 뇌와 몸과 환경과의 역동적인 상호작용을 통해서 구성되고, 의미는 행동을 통해서 발현된다고 주장하는 체화된 인지의 한 분파이다. 동시대의 공 연 환경은 텍스트가 중심이 되는 재현주의 연극에서 탈피하고 있고, 배우에게도 작가와 연출이 미리 만 들어 놓은 의미를 전달하는 역할에서 벗어나 관객과 함께 현장에서 실시간으로 의미를 창발해내는 공연 의 창조자로서의 역할이 강조되고 있다. 이를 위해서 배우는 상대 배우와 관객, 그리고 이 모두를 둘러싼 환경적 요소들과 역동적으로 상호작용해야 하고 이를 통해 새로움(novelty)을 만들어낼 수 있어야 한다. 이에 본 연구는 나와 상대방, 그리고 환경과의 역동적인 상호작용을 강조하는 행화적 인지에 주목하고 행화적 인지를 뷰포인트 훈련에 접목한다. 우선 행화적 인지의 주요 원리를 ‘움직이는 몸을 통한 지각’, ‘경험’, ‘환경과의 역동적인 상호작용을 통한 의미 만들기’, ‘창조의 과정으로서의 창발성’으로 정의한다. 그리고 이러한 주요 원리가 뷰포인트 배우 훈련의 철학 그리고 토대적 개념과 어떻게 만나는지를 밝힘으 로써, 결과적으로 뷰포인트가 ‘움직이는 몸을 통해 지각을 확장하고’, ‘신체적 경험을 통해 인지를 구성하 고’, ‘환경 속에서 행동을 통해 의미를 형성하고’, ‘창발을 통해서 창조성을 만들어내는’ 훈련임을 규명한 다. 이를 통해 본 연구는 뷰포인트 훈련이 탈텍스트중심주의와 비재현적 공연으로의 연극 환경의 변화 속에서 능동적인 지각과 역동적인 인지를 통해 창조성을 만들어내는 배우 훈련으로의 역할을 해낼 수 있 음을 규명한다.

This study examines the Viewpoints training by enactive cognition. Therefore it clarifies that Viewpoints training aims not to just develop an actor’s physical skills but to develop actor’s artistic perception to be an actor-creator. The Viewpoints training was made by Mary Overlie in 1970s and developed by Anne Bogart’s CITI Company. Though it became the representative theatre training in the world, most researchers have focused its theatrical applications only in terms of movement training. However in the change of performance environments, the alternative role of the Viewpoints should be reexamined by enactive cognition. Enactive cognition is a new version of embodied cognition approaches, and it argues that human cognition is constituted by dynamic interactions between brain, body and environments, and meanings are made up by enacting in the world. Nowadays a lot of performance artists are getting away from representational theaters centered on narrative plays. Therefore an actor’s role is changing from delivering the playwright and the director’s intention to creating her own meaning with audiences in real time on the stage. In order for an actor to be a creator, she should dynamically interact with other actors, audiences and her environments to make novelty. So this study pays attention to enactive cognition which emphasizes the role of interaction between agents and their environments, and lets Viewpoints training meet with enactive cognition. This paper defines the main principles of enactive cognition as “perception through moving body”, “experience”, “sense-making by dynamic interaction with environment”, “emergence as a foundation of creativity”. Then I examine the Viewpoints training with enactive cognition, and clarify the Viewpoints training could develop an actor’s perception through her moving body; build a cognition through her physical experience; make a sense through her action in the world; and bring creativity through emergence. Through this process, I propose the Viewpoints training will be the alternative way of actor training making an actor to be an actor-creator who is in need of in this rapidly changing performance environments.

본 연구는 다변화하는 동시대 공연예술계의 흐름에 따라 ‘창작 중심의 배우 훈련법’의 필요성을 인지 하고, 이에 적합한 훈련법을 고찰하는 데 그 목적이 있다. 본 연구자는 앤 보가트(Anne Bogart)의 컴포지 션(Composition)이 배우가 공연 제작 과정에서 더욱 능동적인 ‘창작자’로서의 역할을 수행하기 위해 유용 한 훈련법으로 보고 논의를 전개하였다. 이에 연구자는 2022년 1학기 평택대학교의 기초연기 수업 과정 을 바탕으로 학생 배우들을 위한 훈련법으로써 컴포지션을 응용한 사례를 고찰하였다. 이를 위해 우선 구성 작업으로서의 컴포지션에 대한 개념과 작업 방식을 살펴보았으며, ‘초기 컴포지션 훈련’에 응용할 수 있는 ‘6개의 접근 방식’과 ‘작품 창작’에 적용할 수 있는 ‘6단계’로 나누어 분석하였다. 이를 통해 컴포 지션 작업에서 배우는 작품 창작에 대한 아이디어를 행동으로 구체화하며 창작 과정에서 주체적인 역할 을 수행한다는 것을 확인할 수 있었다. 또한 9주 동안의 기초연기 수업에 응용한 ‘사물(Object) 컴포지션’, ‘텍스트(Text) 컴포지션’, ‘이미지(Image) 컴포지션’ 훈련은 컴포지션 훈련을 위한 ‘6개의 접근방식’과 창 작을 위한 ‘6단계’를 훈련의 재료와 주제에 맞게 적용할 수 있었다. 이 과정에서 각 응용 훈련의 단계와 학생 배우들의 컴포지션 결과물을 살펴봄으로써 컴포지션 훈련은 배우가 창작의 단계를 총체적으로 이 해하는 과정이며, 극의 형태와 장르에 맞는 연기 양식을 탐색할 수 있는 작업이라는 것을 알 수 있었다. 결론적으로 학생 배우가 창작 과정에서도 창작의 주체로서 역할을 수행할 수 있도록 훈련하는 과정이 필 요하다는 것을 확인할 수 있었으며, 실제 공연 제작 과정에도 응용할 수 있는 ‘창작 중심의 배우 훈련법’ 을 제시할 수 있었다.

The purpose of this study is to acknowledge the necessity of ‘creation-centered actor training' in relation to the diversifying trend of the contemporary performing arts field and to examine appropriate training methods. This researcher discussed Anne Bogart's Composition as a useful training method for the actor to play a more active role as a ‘creator' in the creation process of the performance. Accordingly, a case in which the researcher applied composition as a training method for student actors based on the basic acting course taught in Pyeongtaek University in the first semester of 2022 was examined. To this end, the concept and work method of composition as a composition task were first examined, and the analysis was divided into ‘six approaches' that can be applied to ‘initial composition training' and ‘six steps' that can be applied to ‘creation of works'. Through this, it was confirmed that the idea of creating works learned in composition work was embodied as an action and played an independent role in the creation process. In addition, ‘Object composition', ‘Text composition', and ‘Image composition' training, which were applied to the basic acting class for 9 weeks, were able to apply ‘6 approaches' for composition training and ‘6 steps' for creation to suit the material and subject of training. In this process, by examining the stages of each application training and the composition results of the student actors, it was found that composition training is a process in which the actor comprehensively understands the stage of creation and can explore the acting style suitable to the form and genre of the play. In conclusion, it was confirmed that a process of training student actors to play a role as subjects of creation in the creative process was necessary, and a ‘creation-centered actor training method' that can be applied to the actual performance production process was suggested.

경극은 중국 전통연극의 대표적 장르로서 20세기 초 매란방의 미국과 유럽 순회공연을 통해 서양에 알려지게 되면서 연극성과 미학적 측면에서 당대 경극을 처음 접하였던 서양연극 대가들의 찬사를 받았 다. 경극의 표현방식은 여러 예술가에게 영감을 제공하였고 특히 브레히트의 서사극과 생소화 이론에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 그들이 보았던 것은 종합예술이자 총체 연극으로서 광범위한 영역을 담고 있는 경극에서 일부분에 해당하기에 우리는 선대 연극인들의 인식이 투영된 경극을 그대로 받아들이기보다는 그것을 각자의 시각으로 새롭게 바라보는 것이 필요하다. 연구자는 그들이 경극을 통해 새로운 연극성에 눈을 뜨고 영감을 얻었던 것과 마찬가지로 오늘날도 그것이 연극예술의 다양한 표현개념을 인식하고 관 점을 확대해 나아가는 것에 바람직한 하나의 연구 방향이 될 수 있다고 믿는다. 본문에서는 경극의 공간 적 특성과 연기의 유기적 관계를 통해 나타나는 표현양식에 대해 고찰·분석한다. 경극에는 무형적 환경 을 극적 공간으로 탈바꿈하는 행위 속에서 독창적인 표현개념이 나타나는 것을 확인할 수 있는데 그것은 특유의 공간 미학이자 동작의 미학이다. 본문은 경극의 전통적 무대의 형성과 변화, 상징적이고 규범적 인 표현양상, 현대에 이르러 프로시니엄 무대에서 나타나는 특성을 분석하였으며 그로 크게 세 가지 사 실을 확인할 수 있었다. 첫째로 경극은 전통적 공간에서 신무대로 옮겨가는 가운데 사실주의의 동경으로 인한 진통을 겪기도 했으나 중국의 사의적(寫意的) 심미관으로 인해 경극 특유의 상징과 규범의 양식이 공고하게 지켜진 채 발전해 내려왔다. 둘째로 무형적 공간 위에 극 중 상황을 설정하고 입체화하는 표현 은 실질적인 사물로 무대 위를 표현하는 연극에 비해 시공관념의 자유를 선사하고 있다. 마지막으로는 전통 극장 위에서 발전한 비사실적 표현양식이 제4의 벽을 마주한 프로시니엄 무대 위에 펼쳐지면서 배 우와 관객은 완전한 몰입과 관찰의 경계적 현상을 경험하는 가운데 극 중 공간이 완성된다. 결론적으로 경극은 표준화된 양식을 통해 무형의 공간을 연극적 환경으로 탈바꿈시키고 확장 시키는 공간의 예술이 라 말할 수 있다.

As a representative genre of traditional Chinese theatre, Beijing Opera became known to the West through Mei Lanfang's American and European tours in the early 20th century, and was praised for its theatrical performance and aesthetics by Western theatrical masters who had seen it for the first time. The expression method of Beijing Opera provided inspiration to many artists, and in particular, had a great influence on Brecht's epic theatre and ‘Verfremdung’. However, what they saw is a part of Beijing Opera, which covers a wide range as a composite art and total theatre, so we need to look at it from a new perspective, rather than accepting Beijing Opera that reflects the perceptions of previous theatrical artists as it is. The researcher believes that just as they opened their eyes to new theatricality and received inspiration through Beijing Opera, it can be a desirable research direction for recognizing the various expressive concepts of theatre art and expanding our perspectives today. In this text, we examine and analyze the forms of expression that appear through the organic relationship between the spatial characteristics and acting of Beijing Opera. In that theatre, it can be confirmed that an original concept of expression appears in the act of transforming an intangible environment into a dramatic space, which is the unique aesthetics of space and movement. In this study, the formation and change of the traditional stage of Beijing Opera, symbolic and normative expression patterns, and characteristics appearing in the proscenium stage in the modern era were analyzed. In conclusion, It has been confirmed that Beijing Opera is an art of space that transforms and expands an intangible space into a theatrical environment through a standardized style.

이 연구는 ‘환상’모티프가 갖는 일반적인 판타지(fantasy) 속성에서 나아가 하나의 예술적 관점인 연극 성, 일루전(illusion)의 개념으로 구축할 때 나타나는 관객의 전이 체험 양상을 극의 형상(figure)과 이미지 환기의 크로노토프(chronotope) 연구방법론을 적용하여 살펴보고자 한다. 논자는 환상 모티브가 두드러 지게 나타나는 이머시브 연극(Immersive Theatre)이자 대중성을 확보한 <푸에르자부르타 웨이라 인 서울 2019> 공연 속에서 연극성의 의미를 찾고자 한다. 위 공연은 관객의 이머전(immersion)을 극대화 시키고, 관객과의 적극적인 소통을 주도하는 인터랙티브 씨어터(Interactive Theatre)를 구현하기 위한 시도로 다 양한 환상 모티브를 연출하였다. 즉 작품 내 환상 모티프를 연극적 의미로 재생산해냄으로서 환상의 의 미를 배우와 관객으로 하여금 능동적으로 재현하였음을 확인할 수 있다. 구체적으로 말해 이머시브 극으 로서의 푸에르자부르타 공연 곳곳에서 퍼포먼스의 매개체를 연극적 장치로 활용했다는 점이다. 위의 효 과는 연극적 환상에서 비롯한 공감각적 이미지 요소를 통해 관객의 전이 체험에 이르기까지의 과정을 유 의미한 시각으로 확인할 수 있다. 관객 참여는 이머시브 연극의 핵심 목표이자 원동력으로 볼 수 있다. 이러한 의도는 연극이 무대 위 퍼포머인 배우의 연기로만 채워지는 것이 아니라, 관객의 호흡이 능동적 인 표현의 주체로 나타날 때, 연극적 의미를 생산해 낼 수 있다. 위의 관점에서 볼 때 이머시브 극에서의 관객은 무대 위 배우와 상응하는 존재임을 확인할 수 있다. 또한 무대 구현의 측면에서 볼 때, 시각적 제 시는 극의 분위기를 형성함과 동시에 관객의 몰입을 더할 수 있는 주요 요소로 자리매김한다. 즉 크로노 토프 개념에서 볼 수 있는 시공간이 불러일으키는 형상, 정신적 이미지(mental image)까지의 영역으로 확 대하면서 극의 효과적인 스토리텔링에 초점을 맞추고 있다. 따라서 논자는 크로노토프 개념을 사용하여 푸에르자부르타 공연에 나타난 환상 모티프가 지니는 연극성을 파악하고, 극 중 몰입에 따른 관객과 배 우의 전이 체험에 이르기까지의 구체적인 양상에 대해 고찰하고자 한다.

This study aims to examine the audience's transition experience patterns when constructing from the general fantasy attribute of the illusion's motif to the concept of theatricality and illusion by applying the chronotope research methodology of drama shape and image ventilation. This paper seeks to find the meaning of theatricality in the performance of <FUERZA BRUTA WAYRA IN SEOUL>, which is an immersive theater with a prominent fantasy motif and has secured popularity. The above play produced various fantasy motifs in an attempt to maximize the audience's impression and implement an interactive theater that leads active communication with the audience. In other words, it can be confirmed that actors and audiences actively reproduced the meaning of fantasy by reproducing the fantasy motif in the work in a theatrical sense. Specifically, the medium of performance was used as a theatrical device throughout the performance of Fuerzaburta as an immersive play. The above effect can be confirmed from a meaningful perspective through synesthetic image elements, including theatrical fantasy, to the audience's transfer experience. Audience participation can be seen as the core goal and driving force of an immersive play. This intention can produce theatrical meaning when the audience's breathing appears as the subject of active expression, as well as the acting of an actor who is a performer on stage. From the above perspective, it can be seen that the audience in the immersive play corresponds to the actor on stage. In addition, in terms of stage implementation, visual presentation forms the atmosphere of the play and at the same time establishes itself as a major factor that can add to the audience's immersion. In other words, it focuses on effective storytelling of the play while expanding to the area of the shape and mental image evoked by space-time, which can be seen from the concept of chronotope. Therefore, this paper uses the concept of chronotope to understand the theatricality of the Illusion motif in the performance of Puerto Rico, and to examine the specific aspects of the audience and actors' transition experiences according to immersion in the play.

이 연구는 베르나르도 베르톨루치 감독이 자신의 영화 속 인물들의 결핍 및 억압된 욕망 그리고 욕망의 충족과 표출을 어떠한 방식으로 시각화하는지를 살펴보는 데 목적이 있다. 이를 위해서는 한두 작품에 국한된 분석이 아닌 베르톨루치의 작품 전반에 대한 분석을 통해서 공통적으로 시각화하고 있는 주제와 이미지를 살펴보고, 영화 속 인물들의 억압되고 결핍된 욕망의 충족과 표출이라는 기의를 어떠한 기표의 의미작용을 통해 완성하는지 그리고 그것을 어떻게 시각화하는지를 논한다. 이에 필자는 베르톨루치의 영화를 연출 시기와 영화적 주제와 소재에 대한 감독의 관심 변화에 따라 초, 중, 후기로 구분하고 그의 대표작 중 초기의 작품에서는 <순응자(1970)>와 <파리에서의 마지막 탱고(1972)>, 중기의 작품에서는 <마지막 황제(1987)>와 <리틀 부다(1993)>, 후기의 작품에서는 <몽상가들(2003)>을 중심으로 분석을 진행하였다. 그 결과 베르나르도 베르톨루치 감독의 초기 작품에서부터 후기 작품에 이르기까지 수많은 작품에 걸쳐 관통하고 있는 특징은 영화 속 인물들의 무의식에 내재하고 있는 억압된 욕망의 결핍과 그 욕망의 표출 및 자아 주체성의 혼란, 진실에 대한 외면과 직시 그리고 근친상간적인 성적 충동 사이에서의 표류와 오이디푸스 콤플렉스의 시각화 라 할 수 있다. 이러한 억압되고 결핍된 욕망의 표출은 등장인물들의 대사나 행동을 통해서 표현되기도 하지만 영화에서 주제를 표상하기 위해 반복적으로 제시되는 이미지인 라이트모티프를 통해 미장센 함으로 써 상징적으로 드러내며 시각화하기도 한다. 특히 그의 작품에서 공통적으로 많이 활용하고 있는 이미지는 바로 거울에 비친 이미지, 즉 반사성 이미지라 할 수 있다. 거울의 반사성 이미지의 상징적 의미는 작품 전반에 걸쳐 공통적인 함의를 나타내기도 하였지만 작품에 따라서 이중적이거나 상반되는 의미를 내포하기 도 하였다. 따라서 본 연구는 베르톨루치 감독이 꾸준하게 작품 전반에 걸쳐 극 중 인물들을 통해 전달하고자 하는 주제인 결핍 된 욕망의 충족 및 표출과 주체성의 완성이라는 기의를 거울과 반사성 이미지라고 하는 기표를 통해 시각화하고 있다는 것을 규명한 것에 의의가 있다.

This study aims to examine how director Bernardo Bertolucci visualizes the deficient and repressed desires, and the fulfilment and expression of desires through the characters in his films. To this end, this study analyzed the overall works of Bertolucci, to examine the themes and images that are commonly visualized in his works, and discussed how the signifier, fulfilment, and expression of the characters' repressed and deficient desires are completed through the signification of the signifier and how they are visualized in his films. Accordingly, the author divided Bertolucci’s films into early, middle, and later stages according to the period of direction and changes in his interest in cinematic themes and materials. Among his representative works, the analysis focused on his early works <The Conformist (1970)> and <Last Tango in Paris (1972)>, his middle works <The Last Emperor (1987)> and <Little Buddha (1993)>, and his later work <The Dreamers (2003)>. The results showed that the characteristics penetrating through numerous of his early to later works are the visualization of the deficiency of repressed desires inherent in the unconscious of the characters in the film, the expression of those desires and the confusion of subjectivity, the drift between ignoring and facing the truth, the incestuous sexual impulse, and an Oedipus complex. Although these suppressed and deficient desires are expressed through the dialogues and actions of the characters, they are also symbolically revealed and visualized by mise-en-scène through leitmotif, which are images that are repeatedly presented to symbolize the themes in films. In particular, the image commonly used in his works is the image reflected in the mirror, that is, the reflective image. The symbolic meaning of the reflective image of a mirror has a common meaning throughout his work, but it may have double or contradictory meanings depending on the work. Therefore, this study is meaningful in that it revealed that the themes of the signified, the fulfilment and expression of the lacking desires, and the completion of subjectivity, which Bertolucci continuously intends to convey through the characters throughout his works, are visualized through the signifier; the mirror and reflective images.

연극은 인류가 공유한 공연예술 언어로서 미술·음악 연극·무용 등 다양한 예술 형식을 포괄하고 있 다. 또한 정서·도예·건전한 인격·심미적 예술역량 등을 향상시키는 역할을 한다. 최근 몇 년 동안 중 국 예술 문화 분야가 발전함에 따라 연극 교육이 매우 중시되고 있다. 많은 지방의 고교들이 연극학과를 잇달아 설립하는 동시에 연극 교육은 대중의 시야에 점점 더 자주 등장하고 발전하는 모습을 보이고있 다. 이에 고교 연극 교육은 미육의 일부로서 인성과 자질 교육에 없어서는 안 될 중요한 역할을 하고 있 다. 그리고 연극 교육은 고교생의 심미적 수준·예술적 소양. 도덕적 정서·팀워크 능력을 함양할 수 있 다. 그 결과, 많은 대학들이 연극 교육에 대한 전문적인 제한을 타파하고, 관련 과정을 미육의 일환으로 다른 전문교육에 융합하여 연극 교육의 영향력을 높이고 있다. 특히 현대 사회에서 외국 문화와 인터넷 문화가 연극 예술에 끊임없이 충격을 주어 연극 교육의 발전 방향이 점점 좁아집에 따라 중국 허난성 고 교는 연극 교육과정에 대한 연구와 탐구를 강화하고 연극 예술의 발전 방향에 대해서 다양한 모색을 하 고 있다. 그 결과 과학적이고 효과적인 고교 연극 교육 모델을 연구 개발하고 교육 활동을 지속적으로 발전시켜서 연극 교육 이론과 교육 자원을 풍부하게 하며, 연극 교육 체계와 고교 문화 교육 업무를 융 합시켜 학생들에게 연극 실천의 기회를 적극적으로 제공하고 있다. 그러므로 대학교에서는 연극 교육과 발전을 위해서 다음과 같은 구체적인 방안을 취해야 할 것이다. 캠퍼스 연극의 자금원 채널을 넓히고, 캠 퍼스 연극 동아리의 관리 모델을 구체화하고 연극 실천의 교체 학점 제도를 혁신하는등 캠퍼스 연극의 문화 분위기를 점진적으로 활성화해야 할 것이다. 그리고 지도교사 대열 건설을 지속적으로 강화하는 한편, 캠퍼스 연극 네트워크 정보 플랫폼을 구축해야 할 것이다.

Drama is a performance art language shared by human beings, covering various art forms such as fine arts, music drama, dance and so on. In addition, it can also enhance the interest of mood, pottery, sound personality, aesthetic artistic power. In recent years, with the development of Chinese art and culture, drama education has been paid more attention. While many local colleges and universities have set up drama majors, drama education has appeared and prospered more and more frequently in the public eye. Furthermore, drama education in colleges and universities is a part of aesthetic education and an indispensable education for human nature and quality education. And drama education is the aesthetic level and artistic quality of high school students. It can cultivate moral emotions and teamwork ability. As a result, many universities have broken the professional restrictions on drama education and integrated relevant courses into other professional education as a part of aesthetic education, increasing the influence of drama education.Therefore, universities in Henan Province, China have strengthened the research and exploration of drama education courses and mastered the development law of drama art. At the same time, continue to develop scientific and effective college drama education models and teaching activities, enrich drama education theory and teaching resources, integrate drama education system and college cultural education work, and provide students with opportunities for drama practice. Furthermore, the following specific measures should be taken at the university. It is necessary to broaden the sources of funds for campus drama, clarify the management model of campus drama clubs, innovate the replacement credit system for drama practice, gradually activate the cultural atmosphere of campus drama, continue to strengthen the construction of the tutor team, and build a campus drama network information platform.

본 연구는 ‘포스트 뮤지엄(post museum)’이라는 새롭게 인식될 공간에서 럭셔리 패션 브랜드를 문화콘 텐츠로 향유하는 디지털미디어 세대 관객에 관한 논의이다. 포스트 뮤지엄은 ‘뮤지엄 이후의 뮤지엄’을 뜻 하는 것으로 보는 측면에 따라서 다양한 의미로 해석된다. 럭셔리 패션 브랜드는 브랜드별로 역사와 정체 성, 그리고 스토리텔링이 있는 콘텐츠로서 최근 들어 경제적이고 문화적인 가치를 높게 평가받으며 주목 받고 있는 분야이다. 이에 따라 본 연구는 이 둘의 융합된 형태인 럭셔리 패션 브랜드 전시를 장소성에 기반한 문화콘텐츠의 관점으로 보고 디지털미디어 시대 관객성과 연관하여 고찰한다. 예술의 역사와 함께 진화한 관객들이 이제 예술 공간에서 단순히 관극하기 보다는 적극적으로 작품에 참여하고 소통하며 생산 자의 관점에서 예술을 경험하기를 희구한다. 또한, 경험에 더해 예술을 자신과 동일시하기를 바라는 욕구 도 생겨났다. 본 연구에서 이러한 관객의 특성을 적용하여 럭셔리 패션 브랜드 루이비통의 <레전더리 루이 비통 트렁크 展>과 구찌의 <구찌 가든 아키타이프: 절대적 전형>의 관객성을 연구하였다. 기존의 럭셔리 브랜드 관련 연구가 브랜드 정체성과 그에 관련된 스토리나 역사에 주목하였다면 이 연구에서는 하나의 문화콘텐츠로서의 브랜드와 그 가치에 대하여 소비자와 소통을 하는 시도와 그 방식에 초점을 두었으며 급변한 소비자층의 면모를 관객성의 변화로 파악하고 고찰하였다. 이에 따라, 최근 들어 크게 증대된 럭셔 리 패션 브랜드의 다양한 방식의 아트마케팅 활동을 하나의 사회문화적 현상으로 보고 그러한 활동에 적 극적으로 참여하는 관객의 양상을 새로운 관객성의 등장으로 해석하는 연구를 하고자 한다.

This study is a discussion of the digital media generation spectators who enjoy luxury fashion brand as cultural contents in the ‘post museum’, a space to be newly recognized. Post museum means “museum after museum” and can be interpreted differently depending on one’s perspective. In recent years, luxury fashion brands have attracted a great deal of interest due to the fact that their contents, which include each brand's history, identity, and narrative, are highly valued for their economic and cultural significance. Consequently, this study examines luxury fashion brand exhibitions in the age of digital media through the lens of spatiality-based cultural contents in relation to spectatorship. In addition to experiencing the arts, a new generation desires to identify with them. This study examined the spectatorship of <Legendary Louis Vuitton Trunk Exhibition> and <Gucci Garden Archetype: An Absolute Archetype Exhibition> presenting the luxury fashion brands Louis Vuitton and Gucci, respectively, by applying such spectator characteristics. Existing luxury brand-related studies have focused on the identity of brands and their associated stories or histories, whereas this study focuses on brands as cultural content as well as the attempt at and format of communicating with consumers about their values. Moreover, aspects of the rapidly changing consumer classes are evaluated and considered in light of the alterations in spectatorship. In an era in which the line between the arts and daily life is blurring, it has become increasingly important to broaden the cultural contents from a variety of perspectives and to view society and humanity by advancing interdisciplinary convergence. Accordingly, the purpose of this study is to view the diversification of art marketing activities of luxury fashion brands as a sociocultural phenomenon and to interpret the aspects of spectators who assertively participate in such activities as the emergence of a new spectatorship.

본 연구는 주요 스태프(제작, 촬영, 조명, 편집, 동시녹음)의 구성과 요소가격의 변화 추이를 분석하였 다. 이를 위하여 2007년부터 7년 간격으로 2014년, 2021년에 방영되거나 제작이 시작된 미니시리즈 각 3 편의 제작비 자료를 분석하였다. 그리고 7명의 제작 전문가를 대상으로 심층 인터뷰를 진행하였다. 결론 적으로, 주요 스태프 구성 인원과 인건비는 증가 추이를 나타내고 있다. 이러한 결과는 야외촬영 위주 제 작방식, 주 52시간 근무제 시행, 방송의 디지털화가 원인이다. 인건비 상승 추이에서도 주목할만한 결과 가 발견되었다. 창작직인 조명, 촬영, 편집 감독과 비교하여, 기술직이나 노무직에 해당하는 스태프의 인 건비 상승률이 높게 나타나고 있다. 역량이나 경력의 차이에 의해서 결정되는 요소가격이지만, 노무직 종사자를 구하기 어려운 드라마 제작시장의 현실이 반영된 결과라고 판단된다. 제작비와 요소가격은 시 소 효과를 나타낸다. 따라서 제작비와 인건비의 상승은 상호작용 관계에 있다. 이미 제로섬 상황에 진입 한 글로벌 OTT 시장에서 글로벌 OTT 플랫폼과 치킨 게임을 해야 하는 국내 드라마 시장은 양극화되고 있다. 드라마 제작비 규모를 기준으로 한 시장의 양극화는 A급 핵심생산요소는 물론 주요 스태프의 쏠림 현상을 촉진한다. 이러한 네거티브 피드백(negative feedback) 상황은 심각한 함의를 내재한다. 지적재산 권을 확보하고 글로벌 시장에서 경쟁이 가능한 사업자를 만들어내지 못하는 한, 방송사업자를 중심으로 한 국내 드라마 편성사업자들의 경쟁력 확보는 요원하다. 이에 본 연구에서는 제작 스태프 내의 직급(예를 들어 창작자, 기술자, 단순노동 등)에 따른 생산요소 특성과 가격 변화의 차이를 분석에 반영하고자 한다.

This study analyzed changes in the composition of major staff (production, filming, lighting, editing, recording) and changes in element prices. We analyzed the production cost data for each of the three mini-series aired or started production in 2014 and 2021 at 7-year intervals from 2007. In addition, in-depth interviews were conducted with 7 production experts. In conclusion, the number of major staff members and factor price are showing an increasing trend. These results were attributed to the production method centered on outdoor shooting, the implementation of the 52-hour workweek, and the digitalization of broadcasting. A notable result is also observed in the trend of rising labor costs. Compared to the creative jobs such as lighting, cinematography, and editorial supervision, the rate of increase in factor price for technical or labor staff is high. Although the factor price is determined by differences in competency or career, it is a result of reflecting the reality of the drama production market where it is difficult to find labor workers. Production cost and element price show the seesaw effect. Therefore, an increase in production cost and an increase in labor cost interact. In the global OTT market, which has already entered a zero-sum situation, the domestic drama market, which has to play a chicken game with a global OTT platform, is polarizing. The polarization of the market based on the size of drama production costs promotes the concentration of key staff as well as A-list core production factors. The implications of this negative feedback situation are serious. Unless it is possible to secure intellectual property rights and create operators that can compete in the global market, it is difficult for TV operators to secure competitiveness.

이 연구는 대중음악이 사회 전반에 미치는 영향을 살펴보고, 그 효과를 분석하여 봄으로써, 대중음악 에 대한 의미와 이해의 폭을 넓히고자 하는 데 목적을 두었다. 연구방법은 질적연구로 이루어졌으며, 다음과 같은 결론을 제시하고자 한다. 첫째, 문화상품으로서의 대중음악은 상품성을 통한 강요보다는 자발성을 통한 공감대 형성과 긍지를 느낄 수 있도록 해야 한다. 둘째, 문화상품을 통해 소속감과 열성 팬을 유지할 수 있는 연결고리를 제공하는 것도 대중음악을 지속해서 유지하는 매개체 기능을 한다. 셋째, 대 중음악으로 출발하지만, 개인의 생활 속에 문화로 연결되어야 지속 가능한 한류를 유지할 수 있다. 넷째, 대중음악은 한 명의 개인이나 하나의 그룹이 노래를 통해 세계에 영향을 미치는 가장 큰 사회문화적 요 소로서 문화전파의 첨병 역할을 한다. 다섯째, 대중음악의 성공은 곧 산업으로 연결되어 경제와 일자리 를 창출하는 효과가 있다. 여섯째, 대중음악을 선두로 하여 한류문화를 지속해서 전파할 수 있는 체계적 인 지원 시스템 구축과 실천이 뒷받침되어야 한다. 대중음악은 소나기처럼 지나가는 유행으로 볼 것이 아니라 문화전파와 문화산업으로 바라보고, 그에 대한 철저한 준비와 체계적인 지원을 통해 지속해서 성 장할 수 있는 토대를 만들어 주어야 한다. 대중음악은 미래 한류 문화를 확산시키는 첨병으로서의 임무 를 수행하는데 가장 좋은 수단이 된다. 그뿐만 아니라 우리의 생활양식을 전달하게 됨으로써 세계에 한 국인과 한국문화를 이해시키는데도 크게 이바지하게 될 것이다. 이에, 이 연구는 대중음악의 의미와 확 산과정을 이해하고, 사회 전반에 이바지하는 중요성을 살펴보고, 대중음악에 대한 미래지향적 사고를 형 성시키는데 목적을 둔다. 대중들이 음악을 접하는 경로는 주로 대중매체를 통해서 이루어진다. 이러한 상황에서 대중음악이 어떤 경로를 통해 전달되고, 확산하는지에 대한 기본적인 이해가 필요하다. 대중음악은 대중의 관심을 먹고 성장하기 때문이다.

The purpose of this study is to broaden the meaning and understanding of popular music by examining the effects of popular music on society in general and analyzing its effects. The research method was a qualitative study, and I would like to present the following conclusions. First, popular music as a cultural product should be able to form a consensus and feel proud through spontaneity rather than coercion through commerciality. Second, providing a link to maintain a sense of belonging and passionate fans through cultural products also serves as a medium to sustain popular music. Third, although it starts with popular music, sustainable Hallyu can be maintained only when it is connected with culture in individual life. Fourth, popular music is the largest socio-cultural factor that one individual or group influences the world through song, and it plays a leading role in the spread of culture. Fifth, the success of popular music is linked to industry, which has the effect of creating economy and jobs. Sixth, the establishment and practice of a systematic support system that can continuously spread Hallyu culture with popular music at the forefront should be supported. Popular music should not be viewed as a passing fashion like a shower, but as a cultural propagation and cultural industry. Popular music is the best means to fulfill the mission as a spearhead to spread the future Hallyu culture. Not only that, but by conveying our lifestyle, it will greatly contribute to understanding Koreans and Korean culture to the world. Therefore, this study aims to understand the meaning and diffusion process of popular music, to examine the importance of contributing to society as a whole, and to form future-oriented thinking about popular music. The path for the public to access music is mainly through the media. In this situation, it is necessary to have a basic understanding of how popular music is transmitted and spread. Popular music catches the public's attention

유교 미학은 동양 미학의 시작과 출발점이고, 선종 미학은 동양 미학의 발전에 대한 상징이라 할 수 있다. 한국의 애니메이션 작품 <오세암>과 중국 애니메이션 작품 <산수정>은 각각 한중 양국 애니메이션 영화 예술 창작의 대표적인 작품이며, 이 두 작품은 서로 다른 시각 언어로 선종의 의경을 표현하였다. <오세암>은 2004년 프랑스 안시 국제애니메이션 페스티벌 장편 경쟁 부문에서 대상을 받았고, <산수정>은 중국의 수묵 애니메이션 작품으로 몬트리올국제영화제 단편상 등 다수의 상을 받은 작품이다. <산수정>은 세계 사람들로부터 중국 수묵 애니메이션의 최고 수준을 대표하는 작품으로 평가받고 있으며, 실제로 2006년 프랑스 안시 국제애니메이션 페스티벌에서 중국 작품으로 유일하게 ‘애니메이션의 20세기 100대 작품’에 선정되었다. 이에, 본 연구는 첫째, 시각 예술 표현에서 선종(禪宗)이 지닌 미학적 특징을 탐구하였다. 둘째, 한중 애니메이션에서 선종이 구현하는 문화 가치에 대해 <오세암>과 <산수정>을 대상으로 선종 미학의 공(空)과 오(悟) 관념, 그리고 시청 언어 관점에 따라 애니메이션에서 선종의 경지에 대한 창작 표현 형식과 한중 애니메이션 창작 표현 형식의 공통점과 차이점을 분석하였다. 마지막으로 애니메이션이라는 운반체를 통해 실현된 선종 문화 계승과 발전, 그리고 세계 담론 체계에서 동양 문화의 현대적 가치를 발굴하여 동양 문화의 담론 체계를 새롭게 구축하고자 하였다. 그리고 이를 통해 민족 문화에 대한 자신감을 강화하고, 동아시아 문화예술 창작과 이론 구축에 전통문화와 현대적 전환을 실현하고자 하였다.

The reservedness, introversion and restraint contained in Zen aesthetics play an indispensable role in shaping the ethos of Korean and Chinese art. It can be said that the confucian aesthetics is the beginning and starting point of oriental aesthetics, and Zen aesthetics is the symbol of oriental aesthetics going to mature. Animation creation is often connected with the traditional culture of the country. South Korea and China, separated only by a narrow strip of water, have intricately interlinked cultures. Oseam won the top award in the feature film competition unit at the Annecy International Animated Film Festival in 2004. Firstly, it discusses the aesthetic characteristics of Zen Buddhism in visual art expression. Secondly, the cultural value of Zen Buddhism reflected in the Korean and Chinese animations, and the analysis and study of the manifestations of Zen mood creation in animations, as well as the differences between South Korea and China in the manifestations of animation creation from the perspective of emptiness and enlightenment of Zen aesthetics and the audio-visual language by taking into account Oseam and Feelings of Mountains and Waters. Lastly, the certain significance of the carrier of animation to the realization of the inheritance and promotion of Zen culture, the exploration of the contemporary value of Oriental culture in the global discourse system, the reconstruction of the Oriental cultural discourse system, the enhancement of the cultural confidence of the nation, and the transition from traditional culture to modernity in the cultural and artistic creation and the construction of theories of literature and art in East Asia.

이 연구는 이인로의 <청학동기>와 동양인들의 무릉도원 원전으로 불리어지는 도연명의 <도화원기>의 서사구조를 비교분석했다. 이는 한국적 이상향의 공간, 낙토에 대하여 희곡으로 창작하는데 그 토대를 제공하는데 목적을 두었다. 서사구조 비교의 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 안내자 모티프가 등장한다. <청학동기>는 노인의 말(言)이며 <도화원기>는 길 잃은 어부를 이끄는 복숭아꽃(桃花) 이다. 둘째, 이상공 간은 실재(實在) 공간으로 설정되어 있다. <청학동기>은 지리산의 연원을, <도화원기>는 ‘무릉’ 이라는 지 명을 등장시키고 어부가 찾아갔던 공간은 무릉 지역의 어느 곳에 실재하는 장소로 인식하게 되었다. 셋 째, 소구협로(小口狹路), 동굴모티브가 활용되고 있다. <청학동기>는 길이 비좁고 구불구불하여 겨우 사 람이 지나다닐 수 있다. 그리고 수십 리를 지나서야 광활한 벌판의 경지가 전개된다고 하였다. <도화원 기>는 좁은 동굴을 지나 광활한 토지(土地平曠)에 이르게 된다. 넷째, 광전(曠田)의 자족경제 모티프가 등 장한다. <청학동기>는 곡식을 심기에 적당한 비옥한 옥토라는 점에서 낙토임을 내세운다 <도화원기>는 기름진 땅과 아름다운 연못, 뽕나무와 대나무 등이 있는 풍요로운 자급자족의 경제체제를 강조한다. 다 섯째, 피안의 세계 공간임을 부각시키고 있다. <청학동기>는 ‘대개 속세를 떠나 사는 사람들이 살았다’는 말을 하고 있다. <도화원기>는 이상공간에 거주하는 사람들이 진(秦)의 난을 피해 세상과 단절된 이곳으 로 들어온 사람의 후손임을 밝히고 있다. 여섯째, 재접근의 거부 모티프가 나타난다. <청학동기>는 이인 로가 당형과 함께 ‘청학동’을 찾았으나 끝내 찾지 못한 것으로 설정하고 있다. <도화원기>는 ‘바깥사람에 게 이야기 하지 말라’는 당부를 함에도 어부는 길에 표시하고 세상을 나가 알림으로써 재접근을 시도하 나 끝내 실패한다. 일곱째, 시간 초월 공간이 아님을 제시하고 있다. 이로써 ‘청학동’이라는 이상공간이 신선들이 사는 시간 초월적 선계가 아니라 인간들이 행복하게 거주하는 ‘낙토(樂土)’의 개념임을 두 작품 은 제시하고 있다. 이처럼 두 작품의 서사구조는 매우 유사한 동시에 현시대를 살고있는 우리들의 이상 적 낙토 공간은 현실에서 행복하게 사는 곳이라는 주제의식을 드러냈다.

This paper compares and analyzes the narrative structures of Lee In-ro’s CheongHakDong-Gi and Do Yeon-myeong’s DoHwaWon-Gi, known as the original text of Mureungdowon. The study aims to provide the foundation for creating a play about a utopia for Koreans. The results of the comparison of the narrative structures are as follows: First, guides are a central motif. They are the words of the old man in CheongHakDong-Gi and the peach flowers leading a lost fisherman in DoHwaWon-Gi. Second, the ideal spaces are actual places. Jirisan Mountain appears in CheongHakDong-Gi, and the place name ‘Mureung’ in DoHwaWon-Gi is recognized as a real region by the fisherman who had visited there. Third, Soguheolro (referring to a cave with a small entrance leading to a narrow route) is a dominant motif. CheongHakDong-Gi describes the route as confined to the extent that people can scarcely move and can only see the vast landscape after advancing a great distance at considerable discomfort. In DoHwaWon-Gi, passing through a narrow cave leads to a vast land. Fourth, self-sufficiency is a recurring motif. CheongHakDong-Gi indicates that rich and fertile lands suitable for growing crops abound. DoHwaWon-Gi emphasizes that a rich self-sufficient economic system exists since there are fertile soils, beautiful ponds, mulberry trees, and bamboo. Fifth, Nirvana (a state of enlightenment) is highlighted. In CheongHakDong-Gi, itsaysthat ‘There lived people who usually escaped from the world in the old days.’ DoHwaWon-Gi reveals that the people living in the ideal place are the descendants of those who arrived to avoid the revolt during the Qui dynasty. Sixth, denying reentry is another prominent motif. In CheongHakDong-Gi, Lee In-ro searches for Cheonghak-dong with Danghyeong only to fail. In DoHwaWon-Gi, despite being asked to refrain from communicating the location, the fisherman attempts to reenter without success after leaving markings on the road informing others. Seventh, it is suggested that these writings are not about a place beyond time.

진실한 사건을 바탕으로 각색한 영화는 이름 그대로 역사나 현실에서 실제로 발생한 사례 또는 사건 을 주요 창작 영감과 창작 소재로 하여 영화 창작자의 객관적 관찰과 주관적 재조명을 통해 창작된 영화 작품을 말하며, 또한 이를 ‘Faction 영화’라 한다. 그리고 최근 한중 양국에서 상당한 영향력을 나타낸 이 유형의 일부 영화 작품들이 창작되었다. 본 연구는 최근에 한국과 중국에서 진실한 사건을 바탕으로 각 색된 대표적인 영화인 <모가디슈>와 <오퍼레이션 레드 씨>를 주요 사례로 서사학 이론을 토대로 하여 서사 연구의 ‘어떻게(how)’에 대한 문제를 해결하고자 했으며, 구체적으로 영화 텍스트에 대한 자세한 이 해와 연구를 바탕으로 진실한 사건을 토대로 각색한 영화의 시대 배경과 주요 특징을 고찰하였다. 본 연 구는 주로 텍스트 분석, 영상 자료 분석과 비교 연구 등의 방법을 사용하였다. 기존 문헌과 최신 이론 연 구 성과를 정리하고, 진실한 사건을 바탕으로 각색한 한중 영화의 발전 역사와 현황을 고찰했으며, 이 유 형의 영화가 한국에서 상업과 예술적 성공을 거둔 근본적인 원인을 요약하였다. 이어서 두 영화의 서사 기법, 인물 구축, 서사 시각, 각색 전략, 플롯 구축과 주제 표현 등에 대한 분석과 이해를 시도하였다. 이 를 통해 중국 영화 창작자가 한국 영화의 성공 경험을 참고하고, 중국의 영화 산업과 관리 메커니즘을 보완하며, 장르화 창작 모델을 형성하고 중국 민족과 문화 표현을 중시해야만 중국 특색을 지닌 영화 산 업을 발전시킬 수 있다는 것을 제시하였다.

Films based on real events, also known as “Faction films”, as the name suggests, are created through the objective observation and subjective reflection of film creators, with the main creative inspiration and materials based on real cases or events that have occurred in history or real life. Such methods as text analysis, film material analysis and comparative research are mainly adopted to conduct the classification and compilation of published literature and the latest theoretical research achievements. This is how this paper can make clear the history and current situation of real-life-based films of Korea and China, and summarize the secret behind their huge success in Korea both commercially and artistically. Then, it conducts a detailed analysis and interpretation of various aspects of Escape From Mogadishu and Operation Red Sea, including the narrative techniques, characterization, narrative perspectives, adaptation strategies, plot construction and thematic expression, so as to compare the similarities and differences of narrative strategies in Korean and Chinese films adapted from real events, and probe into the specific reasons behind the differences. And last, through the expression of social values and spirits of real-life-based films in South Korea and China reflected in the two films, this paper offers an analysis of the reasons for the commercial and artistic success of them, as well as the problems resulting in the gap between Chinese and Korean films. It also points out that Chinese film creators need to draw on the successful experience of the South Korea film industry to further improve the domestic industry and management systems and form typed creative models and expressions centered on national and local cultures. This is how they can blaze a path of film industrialization with Chinese characteristics.

본 연구는 몸이란 무엇이고 춤이란 무엇인지 그리고 춤을 만드는 것은 어떤 것인지를 탐구한 결과이 다. 이는 기존의 이분법의 영향으로 인해 몸에 대한 이해가 부족하다는 점과 춤에 대한 제한적 이해에 대한 문제 제기로 시작되었다. 연구방법으로 문헌연구와 체험연구를 병행하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 몸은 정신의 하위 개념이 아니고 수동적이지도 않으며 몸이 바로 인간이라는 총체적 관점을 고찰하였다. 몸은 지성, 감성, 영성이 스며들어 있는 총체적(holistic)인 주체라는 것과 몸은 생명의 몸으 로 존재하며 생명이 있는 한 움직인다는 것을 도출하였다. 둘째, 춤이란 무엇인가를 의식적으로 재현하 려는 노력을 벗어 버려야 한다는 점이다. 춤추는 과정에서 자신의 감정, 생각, 욕망 등을 없애야 춤추는 스스로의 몸과 춤을 감상하는 관람자의 몸에 온전히 집중할 수 있다. 그리고 자신의 몸과 생명을 믿음으 로써, 그 몸이 주체적이고 창조적인 하나의 인격이 되어 결과적으로 몸의 움직임이 생기를 창출하는 길 이 되는 것이다. 셋째, 춤 만들기에서는 우선적으로 중요한 것은 시·공간에서 춤 만들기의 개념이다. 이 를 위해 지구적 소통과 생기 창출의 중요성을 탐구하였고, 이런 측면에서는 춤추는 몸은 생기를 창발시 키는 동시에 이 과정에서 우주적 깨달음에 이르게 된다. 이런 과정이 진행된다면 춤 만들기, 춤추기를 통 해 자신의 삶을 성찰하게 되고 타인을 이해하는 길을 배울 수 있을 것이다. 춤은 효율적인 움직임을 통 해 진실된 감정, 깊은 정서, 힘찬 생기를 창출해내는 길이다. 춤으로 우주의 섭리를 이해하고, 인류를 치 유하고, 삶의 깨달음을 얻을 수 있다면 춤에는 인류를 구원할 힘이 있다고 해도 과언이 아닐 것이다. 총 체적 생명체로서 몸에 대한 이해, 춤추기, 춤 만들기는 ‘지금여기’의 소중함을 깨닫고 생기를 통하게 하 는 것이라고 할 수 있다. 본 연구가 몸과 춤에 대한 이해를 넓히는 측면에서 자그마한 참고가 되기를 바란다.

This study is the result of an exploration of what Soma is, what dance is, and what it is to make dance. The starting point was looking at how existing dichotomy influences our understanding of Soma and limits our knowledge of dance. The main method used for this study was literature review and Practice Based Research(PBR). The results of the study are as follows. Firstly, Soma is not a sub-concept of the mind, it is not passive. The researcher considered Soma to be a holistic subject that permeates intelligence, emotion, spirituality and continuity. Secondly, we must break free from trying to consciously reproduce what we think dance is. Through the process of dance, we must empty ourselves of emotions, thoughts, desires etc to be able to solely focus on the dancer's Soma and the viewer's Soma. Through belief in one's Soma and life, Soma's becomes one in subjectivity and creativity and thus the body's movement becomes a way for creative life. Finally, in dance making, the priority is the concept of time and space. For this, we explored communication with the earth and vitality creation. In this sense, the dancing Soma can bring about cosmic enlightenment at the same time as the emergence of vitality. If this process takes place, you will learn to love others by looking back on your life in dance making and dancing. Dance, through efficient movement, is a path to reach sincere emotions, deep sentiments and energetic vitality. If dance can understand the providence of the universe, heal mankind, and help gain enlightenment, it would not be an exaggeration to say that dance has the power to save humanity. As holistic beings, our understanding of Soma, dancing and dance helps our appreciation of both the "here and now" and vitality. I hope this study will be a small reference in terms of expanding understanding of Soma and dance.