Earticle

연극예술에 있어서 오랜 시간 동안 보편적 개념으로 자리하던 드라마적 관습은 1960년대 문학성에 대 한 반발과 연극성 회복을 위한 기치에서 비롯된 포스트드라마 연극의 등장으로 인해 새로운 전환점을 맞 이하게 된다. 문학에 종속되어 인물을 구현하던 배우는 포스트드라마 시대에 이르러 자기 지시성이 강조 되는 수행적 연기를 통해 탈의미화된 양상으로 존재하기 시작했다. 본 연구자는 이러한 수행적 연기 방 식이 배우의 객체성과 밀접한 연관이 있음을 경험적 사례를 통해 살펴보고자 한다. 먼저, Ⅱ장에서 배우 의 수행적 연기와 그 배경에 대해 개괄적으로 살펴보고, 그로 인해 무대에서 배우의 존재 양상이 어떻게 달라지는지 그리고 객체성은 어떠한 원리로 내재될 수 있는지 포스트드라마의 시대적 경향을 토대로 알 아보았다. Ⅲ장에서는 연극 <황금용> 공연 사례를 통해 배우의 수행적 연기와 객체성이 어떤 연관이 있 는지 탐색해보았다. 본 연구의 기반은 2021년 10월 한국예술종합학교 연극원 상자무대2에서 상연한 연극 <황금용>에 있다. 독일의 극작가 롤란트 시멜페니히의 작품 <황금용>은 포스트 서사극을 대표하는 작품 으로 불린다. 명확한 서사를 가지면서도 비선형적으로 파편화된 48개의 장면은 각각 독립성을 띠며, 관 객에게 의미 구축의 능동성을 끊임없이 발휘하도록 만든다. 배우는 텍스트를 기반으로 수행적 연기를 구 현하며, 드라마에 포스트드라마적 요소를 적용한다. 연구자는 이 공연에 배우로 참여하며 수행적 연기를 통해 다른 대상들로부터 객체화되는 순간들을 경험했다. 그 과정과 원리를 오브제 활용, 사물과 공간 지 각, 감각 전이 등으로 세분화하여 실증적으로 연구해보았다. 그 결과, 수행적 연기를 형상화하는 배우는 다른 대상들로부터 객체성을 획득할 수 있다는 점을 확인했다. 다만 포스트드라마적 요소를 결합할 수 있는 텍스트와 시스템을 전제로 할 때만 해당된다는 점은 부분적인 한계로 남았다. 본 연구의 논지는 배 우를 주체적 존재로 규정하는 선험적 인식에 대한 재고와 배우의 시야 확장에 있다. 부디 이 글이 연기 예술을 탐구하는 많은 이들에게 유익한 성찰이 되기를 바란다.

Dramatic customs, which have long been a universal concept in theater art, face a new turning point due to the emergence of post-drama plays that originated from the backlash to literary nature and the banner for theatrical restoration in the 1960s. In the post-drama era, actors who were subordinate to literature and embodied characters began to exist in a way that was meaningless through performative acting emphasizing self-indicative. Performative acting is in line with the trend of the times of modern theater, which defines actors as a kind of performer in a post-drama acting method. This researcher intends to examine through empirical cases that this performative acting method is closely related to the actor's objectivity. The basis of this study is the play “The Golden Dragon”, which was performed at Box Stage 2 of the Korean National University of Arts in October 2021. German playwright Roland Schimmelpfennig's “The Golden Dragon” is called a representative post-epic theater. Each of the 48 scenes that have a clear narrative but are nonlinearly fragmented is independent and constantly makes the audience build meaning. The actor implements performative acting based on the text and applies post-drama elements to the drama. The researcher participated in this performance as an actor and experienced moments of objectification from other objects through performative acting. The process and principles were subdivided into object use, object and spatial perception, and sensory transfer, and empirically studied. As a result, it was confirmed that actors who embody performative acting can acquire objectivity from other objects. The thesis of this study is to reconsider the a priori perception of defining an actor as a subjective being and to expand the actor's perspective. I hope this article will be a beneficial reflection for many people exploring acting art. The purpose of this study is to reconsider the a priori perception of actors as subjective beings and to explore the acting characteristics that contemporary actors can inherent. Furthermore, it is hoped that it will be a stimulus to form a new perspective and expand the base for actors who are longed in consistent expression and subjective thinking in character construction. It is hoped that it will serve as an opportunity to diversify the way of existence as a character through understanding and expanding the sense of performance.

본 연구는 다가올 AGI(Artificial General Intelligence) 시대의 인공지능 연기예술을 두고 AI 배우와 실 제 배우 연기의 차이를 실증적으로 고찰한다. 인공지능의 발전은 AI 배우의 외형을 실제처럼 생성하는 수준에 도달하였다. 그러나 실제 배우의 연기는 외적인 표현뿐만 아니라 상상력, 경험, 감정 등 내적 요 소들로부터 영향을 받는다. 이것을 리 스트라스버그와 스텔라 애들러의 연기 훈련법을 통해 살펴보고, 애들러의 상상력 훈련과 질 들뢰즈의 철학을 바탕으로 탐구한다. 상상력 훈련엔 ‘관찰’이 선행된다. 이는 AI에게 ‘검색’으로 대체될 수 있지만, 상상력은 검색만으로 도달할 수 없다. 이를 들뢰즈의 언어로 살펴본 다. 들뢰즈는 존재의 변화에 주목하였다. 이에 따라 고정된 결과가 아닌 역할로 나아가는 배우의 역할 창 조를 탐구한다. 배우는 역할에 도달하기 위해 나아가는 과정에서 우연한 순간에 즉흥적인 움직임이 발현 되기도 하며, 연기를 반복하더라도 그것은 항상 새로운 현재성을 띤다. 반면, AI 배우는 학습된 데이터를 기반으로 규정된 연기를 출력하고, 반복 재생하므로 실제 배우의 유동적이고 창조적인 연기를 완벽히 대 체할 수 없다. 끝으로, AI가 포착할 수 없는 인간의 내면과 상상력을 다루는 시네마틱 아트 <Invisible Data>를 예시로 삼아 감각과 언어가 서로 어긋날 수밖에 없음을 논의한다. AI 배우가 다채로운 행동을 구현할 수 있다고 하여도 실제 배우의 상상력과 내적 움직임을 완벽히 대체할 순 없다. 본 연구는 인공 지능 연기 예술과 실제 배우의 연기가 지닌 차이를 고찰하여 인공지능의 발전 속에서도 인간 배우의 고 유한 가치와 역할을 재조명하고자 한다. 더불어 인간과 인공지능 중 어느 쪽이 더 나은지, 우위에 있는지 를 논하는 이분법적 시각에서 벗어나 연기와 같은 동적인 측면에서 보면 인간 배우는 충분히 중요한 역 할을 지닌다. 이와 같은 차원에서 실존 배우의 연기에서 발견되는 가치를 탐구하고자 한다.

This study aims to empirically examine the differences in acting between AI actors and human actors in the upcoming era of Artificial General Intelligence (AGI). The development of artificial intelligence has reached a level where AI actors can generate realistic appearances. However, human actors' performances are influenced not only by external expressions but also by internal factors such as imagination, experience, and emotion. This study explores this through the acting training methods of Lee Strasberg and Stella Adler, and explores the creation of actors' roles based on Adler's imagination training and Gilles Deleuze's philosophy. Imagination training is preceded by observation, a process that can be replaced by "searching" in AI. However, imagination cannot be reached through searching alone, and this is examined through Deleuze's perspective, who emphasized the transformation of being and the departure from fixed orders. Based on this, the performance of an actor who moves towards a role rather than a fixed outcome is investigated. As actors move towards their roles, they often encounter serendipitous moments where improvisational movements emerge, and each performance, even when repeated, is uniquely manifested. In contrast, AI actors output predefined performances based on learned data, replaying the same performance each time. Therefore, they cannot fully replicate the fluid and creative performances of human actors. Finally, the inevitable disconnect between sensation and language is discussed using the example of Invisible Data, a cinematic artwork that deals with the human inner world and imagination that AI cannot capture. Even if AI actors can embody a variety of behaviors, they cannot completely replace the imagination and inner movement of real actors. By examining the differences between the art of AI acting and human actors, the unique value and role of human actors is highlighted, even within AI advances.

본 연구는 본 학술지에 개재된 선행연구 ‘자기반영성의 매체연기적 적용법 연구’의 후속 연구로 자기 반영성을 활용한 새로운 접근법을 제안하고, 이를 통해 배우들이 심리적, 신체적 안정성을 유지하면서도 효과적으로 연기할 수 있는 방법론에 대한 탐구이다. 이 연구는 베르그송의 지각작용 이론과 ‘비결정의 영역' 개념을 중심으로 다양한 영화적 요소인 ‘쇼트'와 ‘분절'의 이론을 연기적으로 접목하여 분석하였다. 자기반영성은 연극과 문학에서 영화에 이르기까지 예술의 여러 장르에서 발전해 온 개념으로, 기존의 메 소드 연기법이 가진 한계를 극복하고자 배우의 자의식을 강조하는 접근법이다. 이는 배우가 인물에 완전 히 몰입하는 대신 인물을 배우 자신에게 끌어오는 방식으로, 배우의 자의식과 정체성을 유지하면서도 인 물을 효과적으로 표현할 수 있게 한다. ‘비결정의 영역’ 개념을 활용해 연기적 끝점 사이에서의 진동에 초점을 맞추는 것을 제안했다. 이러한 접근법은 배우의 신체성과 물질성을 강조하며, 인물과 배우 사이 의 지속적인 작용-반작용을 통해 새로운 의미를 창출하는 과정이다. 연구 결과, 배우가 인물을 표현하는 과정에서 무수한 정지점들이 모여서 인물로서의 운동을 이루어 내고, 이는 관객의 인식을 통해 인물로서 지각된다는 점을 확인하였다. 또한, 배우의 연기적 단면들이 지속적으로 의미작용을 함으로 인해 인물로 서 표현되어가는 과정을 설명하였다. 이를 통해 배우는 역할을 재해석하고, 메소드 연기의 한계를 극복 하며, 신체성을 강조한 연기법의 발전 가능성을 모색할 수 있다. 결론적으로, 자기반영성을 매체 연기에 접목하는 접근법은 배우의 자의식과 본연의 정체성을 유지하면서도 심리적, 신체적 안정성을 높이는 데 유용한 방법론이다. 이러한 연구는 연기 예술의 발전과 함께 배우들의 지속 가능한 연기 활동에 기여할 수 있을 것이다. 앞으로의 연구에서는 이러한 이론적 접근을 실제 연기 현장에 적용하고, 그 효과를 실증 적으로 검토하는 과정이 필요할 것이다.

This study proposes a new approach to media acting through the application of self-reflexivity, exploring methodologies that enable actors to maintain psychological and physical stability while effectively performing their roles. Centered on Henri Bergson's theory of perception and the ‘zone of indeterminacy,' this research integrates cinematic elements such as ‘shots' and ‘fragmentation' into the analysis of acting. Self-reflexivity, a concept evolved across theater, literature, and film, seeks to overcome the limitations of traditional method acting by emphasizing the actor's self-awareness. Unlike the immersive approach, this method suggests drawing the character towards the actor, preserving the actor's self-identity. It highlights the actor's physicality and materiality, focusing on the continuous interaction between the character and the actor to generate new meanings. The study demonstrates how numerous static points in the portrayal of a character form its movement, perceived by the audience through the actor's performance. It explains how continuous interactions of the actor's facets result in dynamic character expression. This approach allows actors to reinterpret roles, overcome method acting constraints, and explore performance techniques emphasizing physicality. In conclusion, the self-reflexive approach offers a valuable methodology for enhancing actor self-awareness and maintaining intrinsic identity, promoting psychological and physical stability. This research advances acting arts and supports sustainable acting practices. Future studies should apply this theoretical approach in practical settings and empirically examine its effectiveness. In the end, self-reflection in media acting emphasizes the physicality and materiality of the actor, and focuses on the process of creating a new meaning through continuous action-reaction between the character and the actor. This can develop into an important methodology in which actors create reverse creation through their own bodies in the process of expressing characters. Through this approach, we intend to reinterpret the relationship between the actor's existence and the characters, and to present an acting methodology that can secure more in-depth acting and psychological stability at the same time.

본 연구는 플라톤과 데카르트의 논의를 통해 감각과 이성의 관계에서 진정한 인식의 중요성을 탐구하 고, 이를 예술 이론에서 새롭게 이해하고자 하였다. 두 철학자의 논의는 배우의 말과 몸을 재해석하여 연 기 예술의 본질을 재고하는 데 중요한 시사점을 제공하였다. 특히, 기계론적이고 수단적인 육체가 아닌 몸으로서의 개념을 재정립하고, 급진적 비판 이후 말의 의미를 새롭게 평가하는 계기를 마련하였다. 이 는 감각의 인식적 가치와 미적 가치를 균형 있게 고려하는 과정으로, 감각과 이성의 상호작용에 의해 이 루어졌다. 그리하여 진정한 인식에 도달할 수 있는 가능성을 탐구하였다. 연구는 플라톤과 데카르트의 감각 이해를 비교분석함으로써 배우의 말과 몸의 재해석을 통해 연기 예술의 본질을 재고하는 데 중점을 두었다. 먼저, 플라톤의 감각 이해를 다루었다. 플라톤은 감각이 구체적 기준을 제공하지 못하므로 이성 의 도움이 필요하다고 강조하였다. 이는 손가락의 비유를 통해 설명되었는데, 플라톤은 감각을 통해 얻 은 정보를 분별하고 이해할 수 있는 것은 오직 이성이라고 주장하였다. 따라서 독사(doxa)에 대한 비판 없이는 감각의 한계를 깨닫지 못하며, 진정한 앎에 이르기 위해서는 독사비판이 필수적이라고 보았다. 다음으로, 데카르트의 감각 이해를 고찰하였다. 데카르트는 밀랍의 예를 통해 감각의 신뢰성을 의심하며, 사유하는 존재로서의 정신을 발견하는 과정을 설명하였다. 그는 감각적 판단의 불확실성을 인식하고, 이 성에 기반한 확실한 의식을 추구하였다. 이는 데카르트가 감각을 비판하는 급진적 접근으로, 인식의 전 제 자체인 감각에 이의를 제기한 것이다. 데카르트의 의심은 언어에까지 확장되었으며, 결국 발견된 정 신은 불확실한 감각적 판단 능력을 내재화하여 의식화하였다. 그러나 데카르트의 접근은 감각을 단순히 수용적인 측면으로만 간주하여 감각의 적극적 역할을 간과하였다.

This study aimed to explore the importance of true understanding in the relationship between sensation and reason through the discussions of Plato and Descartes, and to reinterpret this understanding within the context of art theory. The discussions of these two philosophers provided significant insights for reinterpreting the actor's speech and body, thus reconsidering the essence of performing arts. In particular, it helped redefine the concept of the body as more than just a mechanistic and instrumental entity, offering a new perspective on the meaning of speech following radical criticism. Consequently, the study explored the potential to reach genuine cognition. By comparing and analyzing Plato and Descartes' understandings of sensation, the research focused on reinterpreting the actor's speech and body to reconsider the essence of performing arts. Firstly, the study examined Plato's understanding of sensation. Plato emphasized that sensation does not provide concrete criteria and therefore requires the assistance of reason. This was illustrated through the analogy of the fingers, where Plato argued that only reason can discern and understand the information obtained through sensation. Without the critique of doxa, the limitations of sensation cannot be realized, and thus the critique of doxa is essential for attaining true knowledge. Next, the study considered Descartes' understanding of sensation. Through the example of wax, Descartes questioned the reliability of sensation and described the process of discovering the mind as a thinking entity. He recognized the uncertainty of sensory judgments and pursued a certain consciousness based on reason. This radical critique of sensation led Descartes to question the very premise of sensation. His doubt extended to language, and the discovered mind ultimately internalized and became conscious of the uncertain capabilities of sensory judgment. However, Descartes' approach overlooked the active role of sensation by considering it merely as a passive aspect.

본 연구자는 행화적 인지(enactive cognition)에서 주장하는 공감 이론을 통해 기존의 배우의 역할 창 조를 다룬 대표적인 연기 접근법인 디드로, 브레히트, 스타니슬랍스키의 연기 방법론이 갖는 한계를 밝 히고, 행화적 공감 이론의 관점을 가장 잘 구현하고 있는 샌포드 마이즈너(Sanford Meisner)의 역할 창조 방법론을 그 대안으로 제시했다. 기존의 브레히트나 스타니슬랍스키의 역할 창조 접근법은 마음 이론과 공감을 설명하는 대표적인 이론인 ‘이론-이론’과 ‘시뮬레이션 이론’에 의해 설명되고 지지되어왔다. 하지 만 최근 체화된 인지의 관점에서 연기의 과정을 다시 규명하는 작업이 활발해지고 있고, 이에 역할 창조 의 기반이 되는 공감의 과정 역시 행화적 인지의 관점에서 다시 고찰해야할 필요성이 대두됐다. 행화적 인지란 체화된 인지의 새로운 분파로서 인간의 인지는 뇌, 몸, 환경과의 역동적인 상호작용을 통해서 구 성되고, 의미는 세상 속에서의 능동적인 행동을 통해서 만들어진다고 주장한다. 행화적 인지에서 바라보 는 공감은 ‘상호주관적 지각으로서의 공감’과 ‘내러티브적 상상력을 이용한 공감’으로 정의된다. 이는 기 존의 이론-이론이나 시뮬레이션 이론에서 바라보는 관점인 ‘나의 1인칭적 관점에서 타인의 3인칭적 마음 을 유추하는 과정’, ‘나의 마음을 타인의 상황 속에 집어넣어 만들어지는 상상력’을 대체한다. 이를 본격 적으로 논의하기 위해 본고는 먼저 행화적 인지의 관점에서 기존의 이론-이론과 시뮬레이션 공감 이론 이 갖는 한계를 밝히고, 이론-이론과 시뮬레이션 이론을 통해서 설명되고 지지되어온 기존의 연기 방법 론에 대한 비판점을 제시했다. 그리고 지금 여기에서 상대방과 주고받는 실제적 행동을 통해서 의미를 발견하는 ‘행동의 실제성’, 행동의 실제성을 연습하기 위한 ‘반복 훈련’, 상대방과의 즉각적인 상호작용을 가능하게 하는 ‘등장인물의 핵심’ 등의 마이즈너의 방법론이 행동을 통한 상대방과의 즉각적 공감과 이 해를 특징으로 하는 행화적 공감과 부합된다는 걸 밝혔다. 이를 통해 본 연구는 2인칭적 관점에서의 상 호작용을 강조한 마이즈너의 역할 창조 방법론이 브레히트나 스타니슬랍스키의 한계점을 보완할 수 있 는 대안적 배우 훈련으로 제시될 수 있음을 규명했다.

This study reveals the shortcomings of the representative characterization acting methods of Diderot, Brecht and Stanislavski through examination by enactive theory of empathy. Therefore it suggests Sanford Meisner’s characterization method as the alternative since Meisner’s technique truthfully embodies the enactive theory of empathy. Brecht and Stanislavski’s characterization methods have been explained and supported by the ‘theory-theory of mind’ and ‘simulation theory of empathy’ which are representatives of theory of mind and empathy. However recently, more and more work has been done to study acting with embodied cognition. Therefore it becomes necessary that the process of empathy should be examined by enactive cognition since the process of empathy is the basis of an actor’s characterization work. Enactive cognition is a radical version of embodied cognition. It argues human’s cognition is constituted by active interaction between brain, body and environments, and meanings are produced by enacting in the world. Enactive theory of empathy is characterized by ‘empathy as intersubjective perception’ and ‘empathy using narrative imagination’. Enactive theory of empathy can substitute theory-theory of mind and simulation theory of empathy which are characterized by ‘inference of the third person’s mind from my first person point of view’ and ‘imagination created by putting myself into the other’s shoes’. This paper reveals the limitations of theory-theory of mind and simulation theory of empathy with enactive theory of empathy, and it presents the critical points of existing acting methods that have been explained and supported by theory-theory of mind and simulation theory of empathy. Then this study argues that Meisner’s methods of ‘The reality of doing’, ‘The repetition exercise’, ‘Point of View’ and ‘The essence of character’ realize the concept of enactive empathy since it empathizes immediate and real exchanges with partners and discover meanings in the process of doing. Enactive empathy and Meisner’s technique both stress the immediate understanding and empathy made from enacting each other. Finally, I propose that Meisner’s technique of characterization can be an alternative method to Brecht or Stanislavski since it empathizes dyadic interaction with other actors and environments.

본 연구는 정부의 청년 창업정책의 기조 변화와 대학의 창업 지원프로그램 변화에 집중하였으며, 특히 문화예술 분야에 잠재성을 인지한 정부 및 대학의 정책적 움직임이 변하고 있음을 시사하고 있다. 또한 연구적으로도 예술창업이라는 개념에 주목하면서, 예술창업 정책에 주요 대상이 되는 예술대 학생을 중심 으로 창업 연구가 발전되고 있음을 주목하고 있다. 이에 필자는 창업의 과정에 있어 필수적 요인으로 보 는 창업행동을 중심으로 예술대 학생의 창업행동, 기업가정신, 창업의지, 창업지원 프로그램의 관계성을 보는 양적연구를 진행하였다. 즉 예술대 학생의 창업행동에 기업가정신과 창업의지가 유의적 영향을 끼치 는지 살펴보았으며, 나아가 창업지원 프로그램이 조절된 매개효과를 나타내는지를 살펴보았다. 연구적 결 과를 요약해 보면 기업가정신은 창업의지를 매개하여 창업행동에 유의한 영향을 미쳤으며, 창업지원 프로 그램들은 예술대 학생의 기업가정신이 창업의지를 매개하여 창업행동에 미치는 영향을 조절하였다. 즉, 예술대 학생들이 창업지원 프로그램에 대해 긍정적으로 인식할수록 기업가정신이 창업의지에 미치는 긍 정적인 영향력이 높아졌고, 창업의지 수준이 더 높아짐에 따라 창업행동 또한 보다 높은 수준을 보였다. 결론적으로 이러한 연구결과는 예술대 학생을 위한 창업지원 프로그램의 중요성을 보여줌을 통해 기존의 단기적, 단순 재정적 지원에서, 예술대 학생의 기업가 정신을 강화시킬 수 있는 기업가 정신 교육, 창업의 지를 강화시킬 수 있는 맞춤형 멘토링 지원의 필요함을 시사하였다. 그러나 본 고는 예술대 학생에 정립 된 기업가 정신의 이론적 개념을 파악하는 것과 연구 대상의 범위적 한계로 200명 이상의 연구대상을 확 보하지 못한 한계점이 있었다.

Subject research has focused on diversion of government policy for business startup by young people and changes of universities' business startup programs, especially to imply that government and universities' political movements are changing due to the acknowledgement for potentiality in the field of cultural arts. Also we have took notice in that research for business foundation is improving with students of college of arts those become main subjects to the art startup policies, by focusing on art business foundation in research perspective. Therefore, we have done quantitative test for relationship between business foundation behavior of art major students, with entrepreneurship, willing of business foundation and business foundation support program, with startup behavior that becomes essential factor to the for the business foundation procedure. It is to be observed if entrepreneurship willing of business foundation affect art major students' behavior for business startup significantly, and if business foundation support program shows mediated affect. As art students' positive perceptions on business foundation support program has led to more positive effect of entrepreneurship on willing of business foundation, while start-up behavior takes higher standard as wiling for the business foundation improves. To conclude, result of this research works has shown important features of business foundation support program to imply necessity of business moral education to strengthen college students' entrepreneurship and customized mentor support to strengthen willingness for the start-up, upgrading from existing short-termed financial support. But subject study had its limit to identify the established theoretical concept of art college students' entrepreneurship, and to secure more than 200 study subjects due to limitations of the range.

이 연구는 우리나라 지역축제가 지역의 문화적 정체성을 반영하지 못하고 획일적인 콘텐츠에 치중해 온 문제를 다룬다. 인천 남동구의 소래포구 축제는 민간 주도형으로 전환하며 차별화된 콘텐츠 개발을 모색했으나, 여전히 유명 가수 의존과 획일적 프로그램을 진행하고 있다. 이에 소래포구 축제의 정체성 과 역사성을 강화하기 위한 무대 프로그램 개발 방안 제시를 연구의 목적으로 두고 2001년부터 2023년까 지 소래포구 축제의 무대 프로그램을 분석하였다. 또한, 소래포구 축제의 정체성과 역사성 강화를 위하 여 방문객과 지역 주민 204명의 설문 조사를 진행하였다. 연구 결과 소래포구축제는 초창기부터 유명 가 수 공연과 공개방송으로 관광객을 유치했으나, 지역 정체성을 충분히 반영하지 못하였으며 방문객들은 축제 무대 프로그램 지역문화를 잘 느낄 수 없어서 다른 축제와 차별성이 부족하다고 평가했다. 그리고 프로그램 다양성은 높게 평가되었지만, 무대 설치물과 운영요원의 의상에서 소래포구만의 지역적 특색 을 느끼지 못했다는 응답도 많았다. 그러므로 소래포구축제는 정체성과 역사성을 강화한 무대 프로그램 레퍼토리 개발을 위해 공식행사를 오전으로 변경하고, 야간 시간대에 소래포구만의 서정과 서사를 담은 프로그램을 구성하여 시각적, 감성적 표현을 통해 축제의 고유성을 강화하고 방문객의 참여와 만족도를 높이는 방향으로 나아가야만 소래포구축제만이 가져야 하는 희소성, 유일 가치, 탈 일상성에 초점을 맞 추고 소래포구 정체성 회복에 따른 지속 가능한 축제로 성장할 것이다. 더불어 1990년대 지역 특산물 판 매 중심의 획일적 콘텐츠 프로그램과 별반 다르지 않은 레퍼토리로 프로그램 퇴보를 가져왔다고 볼 수 있다. 이에 본 연구는 소래포구 축제만의 정체성과 역사성을 강화하기 위한 무대 프로그램 레퍼토리 개발의 필요성 제시와 방안 모색을 연구의 목적으로 두고 소래포구의 축제 프로그램 레퍼토리를 살펴보고자 한다.

This study addresses the issue of local festivals in our country focusing on uniform content rather than reflecting the cultural identity of the region. The Soraepogu Festival in Namdong-gu, Incheon, transitioned to a civilian-led format in an attempt to develop differentiated content. However, it still relies on popular singers and homogeneous programs. The purpose of this study is to propose stage program development measures to strengthen the identity and historicity of the Soraepogu Festival. The stage programs of the Soraepogu Festival from 2001 to 2023 were analyzed. Additionally, a survey of 204 visitors and local residents was conducted to enhance the identity and historicity of the Soraepogu Festival. The results showed that the Soraepogu Festival attracted tourists with performances by famous singers and public broadcasts from its inception, but it did not sufficiently reflect the local identity. Visitors evaluated that they could not feel the local culture from the festival's stage programs and that the festival lacked distinction from other festivals. While the diversity of programs was highly rated, many respondents indicated that they could not feel the regional characteristics unique to Soraepogu in the stage installations and staff costumes. Therefore, to develop stage program repertoires that enhance the identity and historicity of the Soraepogu Festival, it is necessary to change official events to the morning and organize programs in the evening that incorporate the sentiments and narratives unique to Soraepogu. This would strengthen the uniqueness of the festival through visual and emotional expressions, increasing visitor participation and satisfaction. By focusing on the rarity, unique value, and escape from everyday life that only the Soraepogu Festival can offer, the festival can grow into a sustainable event that restores the identity of Soraepogu. This study aims to serve as basic data for the development of the Soraepogu Festival and concludes here.

이 연구는 멀티미디어 시대 성악가들의 대중화 활동을 위해 국내외 대표 성악가들의 멀티미디어 사례 활동을 살펴보고 활성화 방안을 모색하고자 안드레아 보첼리, 손태진 이 두 성악가들의 멀티미디어 시대 의 활동과 활동 시 사용한 레퍼토리들을 살펴보았다. 그 결과 안드레아 보첼리는 대중에게 친숙한 POP 음악 장르를 앨범으로 선보이면서 POP 가수와 콜라보 공연을 통해 클래식 오페라 발성을 POP 음악에 접목하여 음악의 경계를 허물고 두 장르의 융합을 통해 자신만의 크로스오버 음악의 장르를 구축하며 안 드레아 보첼리만의 크로스오버 장르를 구축하였다. 손태진은 멀티미디어 활용으로 크로스오버 음악의 경계를 허물고 레퍼토리를 더욱 확장하여 대중에게 친숙한 음악을 선택하여 자신만의 크로스오버 레퍼 토리로 선보이며 성악가와 대중가수의 면모를 넘어, 친숙한 음악으로 대중들에게 다가가 자신의 엔터테 인먼트적인 기량을 보여주었다. 이렇듯 두 성악가의 멀티미디어 활용을 통한 크로스오버 음악 레퍼토리 의 사례를 통해 멀티미디어 시대를 맞이하며 음악이 전통적인 매체인 소리를 통해서 뿐만 아니라 기술의 발전으로 2차 소비가 이루어질 수 있음을 알 수 있었다. 이는 한 가지의 콘텐츠가 다양한 멀티미디어로 재생되고 보급되면서 성악가들이 대중과 상시적 소통을 이룰 수 있다는 것이다. 또한 자신만의 크로스오 버 음악 레퍼토리를 선보이며 대중들에게 친근하게 다가가 자신만의 창의적 활동을 보일 수 있었던 것이 다. 이렇듯 현대 성악가들은 멀티미디어를 적극 사용하고 자신만의 크로스오버 음악 레퍼토리를 개발을 통해 자신만의 창의적인 음악 활동을 이루어갈 수 있을 것으로 기대한다. 더불어 성악가들은 언제든 대 중이 원할 때 소통할 수 있도록 음악 활동 범위를 넓히며 멀티미디어를 활용할 수 있게 되었다. 그러나 이러한 멀티미디어를 활용하여 대중과의 소통에 성공한 사례는 많지 않다. 이에 본 연구는 멀티미디어 시대 성악가들의 대중화 활동을 위해 국내외 대표 성악가들의 멀티미디어 사례 활동을 살펴보고 활성화 방안을 모색하는 것에 연구의 목적을 둔다.

This study examined the multimedia cases of vocalists from Korea and abroad and sought ways to activate them in order to popularize them in the multimedia era. It examined the activities of two vocalists, Andrea Bocelli and Son Taejin, and the repertoires they used in their activities. As a result, Andrea Bocelli presented a pop music genre familiar to the public in his albums, and through collaborative performances with pop singers, he combined classical opera vocalization with pop music, breaking down the boundaries of music, and through the fusion of the two genres, he established his own crossover music genre, and he established Andrea Bocelli's own crossover genre. Son Taejin broke down the boundaries of crossover music through the use of multimedia and further expanded his repertoire, selecting music familiar to the public and presenting it as his own crossover repertoire, and going beyond the aspects of pop opera and vocalists, he approached the public with familiar music and showed his entertainment skills. Through these examples of crossover music repertoires by two vocalists utilizing multimedia, we can see that in the multimedia era, music can be consumed not only through the traditional medium of sound, but also through secondary consumption through technological advancements. This means that vocalists can communicate with the public all the time as one content is reproduced and distributed through various multimedia. In addition, they were able to approach the public in a friendly manner by presenting their own crossover music repertoire and show their own creative activities. In this way, it is expected that modern vocalists will be able to actively use multimedia and develop their own crossover music repertoires to achieve their own creative musical activities. Accordingly, vocalists can use multimedia by expanding the scope of their music activities so that the public can communicate whenever they want. However, there are not many cases of success in communicating with the public using such multimedia. Therefore, the purpose of this study is to examine the multimedia case activities of representative domestic and foreign vocalists for the popularization activities of vocalists in the multimedia era and to find ways to activate them.

최근 디지털 기술과 모바일 기기의 급속한 발전으로 숏폼 영상콘텐츠를 통해 문화예술을 소비하는 트렌드가 확산하고 있다. 이러한 흐름 속에서 웹뮤지컬은 정해진 시간과 장소에서 대면 공연으로 펼쳐지는 뮤지컬과는 차별화된 특성을 가지면서 젊은 세대를 뛰어넘어 전 연령층이 즐기는 문화콘텐츠로 발전하고 있다. 본 연구는 웹뮤지컬에 대한 소비자 이용 동기 요인을 실증적으로 도출하고, 그러한 요인들이 소비자의 지각된 가치와 이용 만족 그리고 지속이용 의도에 미치는 영향을 실증적으로 밝히는 데 그 목적이 있으며, 나아가 웹뮤지컬 발전에 필요한 이론적·실무적 함의를 제공하고자 한다. 웹콘텐츠의 이용 동기에 관한 선행연구를 토대로 웹뮤지컬 이용 동기 요인을 독립변인으로, 소비자의 지각된 가치를 매개변인으로, 이용 만족 및 지속이용 의도를 종속변인으로 하는 연구가설을 설정하였다. 실증적 검증을 위한 설문 조사는 전문기관에 의뢰하여 온라인 방식으로 250명의 응답자를 대상으로 진행하였다. 수집된 데이터는 SPSS 26.0과 AMOS 28.0을 활용하여 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 웹뮤지컬 이용 동기 요인으로 오락 추구, 시간 보내기, 정보 획득, 상호작용, 이용 편이의 5개를 도출하였다. 둘째, 소비자의 감정적 가치에 대해 시간 보내기, 오락 추구, 정보 획득의 동기 요인이 유의미한 정(+)적인 영향을 미치고, 이용 편이와 상호작용의 동기 요인은 영향을 미치지 않았다. 셋째, 소비자의 사회적 가치에 대해 정보 획득, 상호작용, 오락 추구의 동기 요인이 유의미한 정(+)적인 영향을 미치고, 이용 편이와 시간 보내기의 동기 요인은 영향을 미치지 않았다. 넷째, 소비자의 감정적 가치와 사회적 가치는 이용 만족에 유의미한 정(+)적인 영향을 미쳤다. 다섯째, 소비자의 사회적 가치는 지속이용 의도에 유의미한 정(+)적인 영향을 미치나, 감정적 가치는 영향을 미치지 않았다. 여섯째, 소비자의 이용 만족은 지속이용 의도에 유의미한 정(+)적인 영향을 미쳤다. 본 연구는 웹뮤지컬 이용 동기와 소비자의 지각된 가치와 이용 만족 그리고 지속이용 의도 간의 상호관련성을 실증적으로 규명한바, 웹뮤지컬 발전에 실무적인 시사점으로 활용되기를 기대한다. 향후, 웹뮤지컬 이용 동기 요인과 소비계층을 좀 더 다양하고 정교하게 다루는 후속 연구가 진행되었으면 한다.

With the recent rapid development of digital technology and mobile devices, the trend of consuming culture and art through short-form video content is spreading. In this trend, web musical are developing into cultural contents enjoyed by all age groups beyond the younger generation while having differentiated characteristics from musicals that are performed face-to-face at fixed times and places. The purpose of this study is to empirically derive the motivational factors for using web musical, to empirically reveal the effects of those factors on consumers' perceived value, satisfaction for use, and continuous use intention, and Furthermore, it is intended to provide the theoretical and practical implications necessary for the development of web musical. The collected data were analyzed using SPSS 26.0 and AMOS 28.0. As a result of the study, first, five motivational factors for the use of web musical were derived: pursuit of amusement, spending time, information acquisition, interaction, and ease of use. Second, the motivational factors of spending time, pursuit of amusement, and information acquisition had a significant positive(+) effect on the consumer's emotional value, and the motivational factors of ease of use and interaction did not. Third, the motivational factors for information acquisition, interaction, and pursuit of amusement had a significant positive(+) effect on the consumer's social value, and the motivational factors for ease of use and spending time did not. Fourth, consumer's emotional value and social value had a significant positive(+) effect on the satisfaction of use. Fifth, consumer's social value had a significant positive(+) effect on continuous use intention, but the emotional value had no effect. Sixth, consumer's satisfaction with use had a significant positive(+) effect on the continuous use intention. This study empirically investigated the interrelationship between the motivation for using web musical, the perceived value, satisfaction for use, and continuous use intention, and it is expected to be used as practical implications for the development of web musical. In the future, it is hoped that follow-up studies dealing with more diverse and sophisticated factors of motivation for using web musical and the consumer class will be conducted.

이 연구는 2021년 7월 10일부터 2023년 1월 30일에 이르는 기간 동안 방송생산 현장에서 활발하게 활 동하고 있는 24명의 방송 구성작가들의 자기기술지를 받아 면밀하게 분석하여 구성작가들의 노동의 특 징과‘심미화된 노동’에 대해 살펴보았다. 연구결과, 구성작가들은 매번 새로운 것을 만들어내야 하는 창 의노동자로서 ‘희열’, ‘짜릿함’, ‘속도감’, ‘행복’등 일에 대한 성취감과 기쁨을 표현했지만 다른 한편으로 는 ‘언제 잘릴지 모르는 고용에 대한 불안감’과 ‘자유롭지만 자유롭지 않은 ’노동시간, ‘밤샘과 초치기가 당연하게 여겨지는’거칠고 고된 노동환경에 대해 불편함을 드러냈다. 이는 ‘심미화된 노동’이 구성작가들 에게 자율성과 즐거움을 불러일으키는 동시에 희생과 불안, 고립감을 가져오는 양가감정의 원천으로 작 용한다는 것을 보여주고 있다. 구성작가들은 ‘덕업일치’를 이루고자 구성작가가 되었으며 자신들을 불안 감과 긴장의 연속인 불안정한 창의노동자라고 인식하고 있는 것으로 나타났다. 그럼에도 불구하고 방송 현장을 떠나지 않는 이유에 대해서는 첫째, 힘들지만 익숙해진 노동으로 버티면 미래에는 보상이 주어질 것이라는 기대가 있기 때문으로 나타났다. 둘째는 매번 새로운 일을 하면서 느끼는 ‘짜릿한 희열’을 포기 할 수 없기 때문이다. 셋째는 남들이 동경하는 직업을 가지고 있다는 자긍심이 있으며, 넷째는 고용이 불 안정한 이면에는 시간활용이 자유롭다는 장점을 들었다. 세상에 선한 영향력을 주는 사람으로서 자부심 과 보람도 드러냈는데, 방송이라는 미디어를 통해 약자나 소외된 사람들의 이야기를 전달할 수 있다는 점, 구성작가로서 자신만의 목소리를 낼 수 있다는 점, 각계각층의 다양한 사람들을 만나고 모르는 부분 을 탐구할 수 있다는 점을 긍정적으로 받아들였다. 이 연구는 방송생산의 핵심 주체로 프로그램 제작에 서 매우 긴요한 역할을 하고 있는 구성작가들의 노동을 ‘심미화된 노동’이라는 측면에서 비교적 세밀하 게 살펴봤다는 점에서 의의가 있다.

This study received and analyzed the auto-ethnography of 24 broadcasting scriptwriters actively working in the broadcast production field during the period from July 10, 2021 to January 30, 2023 to investigate the characteristics of the broadcasting scriptwriters ' labor and we looked into ‘aestheticized labor’. As a result of the study, broadcasting scriptwriters, as creative workers who must create something new every time, expressed a sense of accomplishment and joy in their work, such as ‘delight’, ‘exhilaration’, ‘sense of speed’, and ‘happiness’. On the other hand, they expressed discomfort about ‘anxiety about employment that may be cut off at any time’,‘free but not free’ working hours, and a rough and arduous working environment where ‘all-nighters and early morning shifts’ are taken for granted. This shows that ‘aestheticized labor’ serves as a source of ambivalence, bringing autonomy and joy to scriptwriters while also bringing about sacrifice, anxiety, and isolation. Scriptwriters became broadcasting scriptwriters to achieve ‘Turning-a-hobby-into-a-job’, and in fact, it was found that they perceived themselves as unstable creative workers with a series of anxiety and tension. Nevertheless, the reason for not leaving the broadcasting field appears to be that, firstly, there is an expectation that rewards will be given in the future if one persists through difficult but accustomed labor. Second, I cannot give up the ‘exhilarating joy’ I feel every time I do something new. Thirdly, there is a sense of pride in having a job that others admire, and fourthly, the advantage of being able to utilize one's time freely despite the instability of employment is mentioned. This study is significant in that it examines in comparative detail the labor of broadcasting scriptwriters, who are the core subjects of broadcast production and play a very essential role in program production, from the perspective of ‘aestheticized labor.’

이 연구는 강원 특별자치도 영월지역의 단종문화제와 인구감소 문제를 분석하고 단종문화제의 지속가능 성과 발전방안을 모색하는 것을 목적으로 한다. 2022년 통계청 우리나라 장래인구추계에 따르면, 한국 인구 는 2025년 5,167만 명에서 2072년 3,622만 명으로 감소할 전망이며, 이는 노동력 부족, 경제 성장 둔화 등의 문제가 논의되며 지방 인구감소로 인한 지역경제 쇠퇴의 우려가 증폭되고 있다. 본 연구는 1967년부터 2023 년까지 단종문화제의 참여 인원과 영월군 인구감소의 데이터를 분석하여 상호연관성을 확인하고 이를 통해 축제 프로그램의 개발과 주민참여 유도 전략의 필요성을 모색한다. 영월의 인구는 2007부터 2017년까지 약 40,000명을 유지하였으나 2018년 이후 점차 감소하고 있으며 2023년 약 35,000명으로 감소하였다. 영월 인구의 감소는 단종문화제의 인구집중프로그램인 단종 국장재현, 단종 제향, 칡 줄다리기, 단종퍼레이드(가 장행렬) 참여 인원수에도 영향을 미쳐왔다. 특히 단종 국장행렬 출연자 수는 2009년 최고점인 1600명에 도달했으나, 이후 점차 감소하여 2023년에는 300여 명 이하로 급감하였다. 데이터 분석을 통해 영월군의 인구감소와 단종문화제 대표 프로그램의 출연자 감소는 상호연관되어 있음을 확인하였다. 그러므로 단종문 화제의 지속가능성을 위해서는 새로운 콘텐츠의 개발과 주민참여 유도 전략이 필요하다. 특히 단종문화제의 단종 국장과 단종 제향은 “특화 퍼포먼스”와 “마이크로 퍼포먼스”로 전문성을 강화하고 칡 줄다리기는 지역 참여 확대와 다양한 이벤트 결합을 모색해야 한다. 단종퍼레이드는 주제별, 창작, 다국적 퍼레이드와 댄스 퍼포먼스, 현대와 전통의 콜라보, 가상 체험 등을 통해 단종문화제의 매력을 높이고 더 많은 참여를 유도하는 방안을 제시해야 할 것이다. 이러한 이벤트의 결함을 통해 다수 인구가 집중하는 레퍼토리가 아닌 다양한 매력을 선보이는 단종문화제로 거듭남으로써 지속 가능한 발전을 이루고, 더 나아가 지역사회의 정체성과 문화적 가치를 보존 및 발전시키는 데 기여 할 수 있을 것이다.

This study analyzes the Danjong Cultural Festival in Yeongwol, Gangwon Province, and the population decline issue, seeking sustainable development strategies for the festival. According to 2022 population projections by Statistics Korea, South Korea's population is expected to decrease from 51.67 million in 2025 to 36.22 million by 2072, raising concerns about labor shortages, economic slowdown, and regional decline. Yeongwol's population remained around 40,000 from 2007 to 2017 but decreased to about 35,000 in 2023. This decline has impacted participation in key festival programs like the Danjong National Funeral Reenactment, Danjong Memorial Ceremony, Tug-of-War, and Danjong Parade. Participants in the Danjong National Funeral Procession peaked at 1,600 in 2009 but fell to fewer than 300 in 2023. Data confirms a correlation between Yeongwol's population decline and decreased participation in major festival programs. To ensure the festival's sustainability, new content and resident participation strategies are needed. Enhancements like "specialized performances" and "micro performances" for key events, expanding local participation in the Tug-of-War, and adding themed, creative, and multinational elements, dance performances, and virtual experiences to the parade are suggested. By diversifying events, the Danjong Cultural Festival can become a more appealing and sustainable celebration, preserving and enhancing local cultural identity and values. Yeongwol, Gangwon-do, the host of the Danjong Cultural Festival, is facing an aging era, and the supply and demand of the number of residents who will participate in the intensive program size is gradually becoming insufficient enough to be designated as a population promotion area. This fact can be seen that the population decline in Yeongwol, Gangwon-do, has a direct effect on the number of people participating in the program. In other words, if a population-intensive program is maintained in an aging era, the existence of this program can be affected. Therefore, the purpose of this study is to examine the number of people participating in the Danjong Cultural Festival in Yeongwol, Gangwon-do, and to find a strategy for the development of the Danjong Cultural Festival in response to changes in the population structure.