Earticle

본 연구는 연기자의 인물형상화 작업에 활용되는 사실주의 기반 연기법의 활용과 효율적 인물형상화를 위한 작품분석의 적용 및 응용방안에 대한 고찰이다. 20세기 이후 사실주의 연극의 대두와 함께 러시아의 교육자이자 연출가인 콘스탄틴 스타니슬랍스키에 의해 개발된 사실주의 기반의 연기법은 미국으로 전파되어 미카엘 체홉, 리 스트라스버그, 스텔라 애들러, 샌포드 마이즈너 등 많은 연기 예술가, 교육가, 그리고 연출가 들에 의해 활용 및 응용되고 있다. 사실주의 기반 연기법은 연기자의 인물형상화 과정에서 생성되는 행동과 감정의 진실탐구에 기반을 두고 있다. 연기자의 진실과 인물의 정서를 동일화하여 인물형상화에 필요한 유기적 감정을 도출하기 위해 ‘정서적 기억’ 등의 개인화 훈련이 진행된다. 그러나, 이러한 정서 훈련과정에서 의 지속적 감각 확장과 증폭으로 인해 연기자의 정신건강에 영향을 끼치는 경우가 발생할 수 있으며 개인화 과정에 치우친 인물형상화 작업은 대본분석에 근거한 응용과 창작의 중요성이 간과되는 경우가 발생하여 인물구현의 정당성 부여와 객관화 작업에 오류가 발생할 수 있다. 따라서 본 연구는 대본분석의 적용과 응용 방식의 구체화를 통해 연기자의 인물형상화과정에 명확성과 구체성을 부여할 수 있는 근거와 체계를 마련하고 연기자의 효율적 인물형상화 방안을 단계별로 나누어 제안하는 것을 목적으로 한다. 그 첫 번째 단계는 연기예술의 발전배경과 연기자에게 요구되는 작업의 진실성에 대한 검토이고, 두 번째 단계는 사실주 의 기반 연기법의 주요 교육자들의 이론과 실습체계를 비교 분석하여 효율적 활용방안 도출의 기반을 도출이 며, 세 번째 단계는 연기자를 위한 대본분석의 단계별 적용방식으로 작가의 작품세계와 가치관의 이해에서 출발하여 대본분석의 응용단계로서의 주제와 세계관 도출, 극의 구조와 중추행동의 분석과 적용, 인물 유형과 등장인물 간의 관계에 따른 행동찾기를 통한 개인화 작업을 다룬다. 본 연구에서 제안하는 체계의 적용으로 인물형상화 작업에 객관성과 정당성을 확보하는 동시에 행동찾기를 통한 개인화 과정에서 발생하는 부산물 로서의 감정이 창작범위 내에서 활용되어 효율적이고 건설적인 창작과정에 활용되길 기대한다.

This study is to discuss and suggest effective ways to apply script analysis for actors’ characterization work in Realism based contents. The realistic acting technique founded by Konstantin Stanislavski has been interpreted and utilized by many such as Michael Chekhov, Lee Strasberg, Stella Adler, and Sanford Meisner. The purpose of this realistic acting technique is to help actors get closer to a character’s assumed emotions and expressions by using personal experiences and imaginations. ‘Sense Memory’ exercise and its variations are practiced in synchronization of emotions between a character and actor. However, repetitive and prolonged expansion of emotional personalization could break boundaries between creative work and actual life that could cause mental health issues for actors. This technique can also overdraw emotional truth of an actor without a proper application of script analysis and miss objectification and justification process. Therefore, this study is to suggest a system to apply script analysis for effective and specific characterization work for actors. The first step is to examine the role of an actor to clarify the meaning of acting, and the second step is to look into each of the above educators’ traing methods to find commonality and differences in order to establish an effective way to build a character, and the third step is the progressive application of understanding the world of play, character’s outlook on the world, the plot and main action of a play, character archetypes and relationship between characters, super-objective and objectives to prompt actions and appropriate behaviors which would raise natural emotions. This study encourages actors’ constructive characterization work by focusing on realistic acting technique based on appropriate application of script analysis and truthful emotions aroused naturally during the course of action and further used in the realm of creativity.

이 연구는 대본분석을 통해 배우 스스로 캐릭터를 구축하는 데 도움을 주고자 하는 것은 주된 목적이 다. 더 나아가 대본분석 방법을 배우들의 작업 과정에 논의하여 캐릭터 하나하나를 어떻게 구축할 수 있 는지 그 가능성을 실현하고자 한다. 대본분석방법을 연구하기 위해 배우는 먼저 상황을 이해하고, 습득 하고, 관찰하고, 상상하고, 통찰하는 능력을 갖추어야 한다. 배우는 무대에서 허구적인 상황, 실제가 아닌 상황 속에 존재한다. 자신이 그 허구적인 상황 속에서 기본적인 자세를 갖추어 그 환경 속에 투사할 줄 알아야 한다는 것이다. 스타니슬랍스키에 의하면, 이러한 방법을 이해하는 것은 사실적 연기, 즉 그 연기 가 진실한지 아닌지에 달려있다. 이는 허구적인 상황을 내 환경으로 투사하였을 때, 배우는 그 환경을 온 전히 자신의 것으로 믿게 하는 능력을 발전시켜야 한다는 것이다. 훌륭한 배우의 기본은‘올바른 인간’으 로 겸손하고, 정직해야 한다. 이렇게 배우의 기본적인 자세를 먼저 갖추었을 때 대본 분석을 통해 캐릭터 를 창출해낼 수 있다. 모든 극에 등장하는 캐릭터는 목적이 있다. 자신의 역할을 하기 위해선 배우 자신 이 속한 시대와 국가, 사회와 지역에 대한 정보와 지식을 분석하고 이해할 줄 알아야 한다. 그리고 그것 을 바라보는 가치관, 세계관, 이념과 신념을 지닐 수 있는 이성적 존재의 배우가 되기 위해 노력해야 한 다. 연기할 캐릭터가 반드시 희곡에서 출발해야 하는 이유는 작업하는 모든 배우와 스태프들이 함께 공 유하고 약속한 설계도이기 때문이다. 이 연구는 실제 공연을 바탕으로‘세계를 건너 너에게 갈게’ 공연을 적용하여 연구하였다. 작품의 연습 과정을 통해 진실에 대한 감각 훈련과, 사물의 이해, 신체 행동 연기 훈련을 적용하였다. ‘세계를 건너 너에게 갈게’ 공연에 참여한 배우들에게 이 연구가 증명되어 그 가능성 을 제시해 보고자 한다. 또 이 연구에 관심이 있는 학생들과 배우들에게 상상력과 창의성을 제시해주는 발판이 되어 더 폭넓게 스스로 발전하는 정직한 연기방법의 기초가 되는 안내문이 되고자 한다.

The main purpose of this study is to help actors build their own characters through script analysis. Furthermore, this intends to realize the possibility of how the discussion of the method of script analysis in the actors' work process helps actors construct each character. In order to study the method of script analysis, actors are basically required to have the ability to understand, acquire, observe, imagine, and discern situations. Actors exists in a fictional situation on the stage, that is, a situation that is not real. It means that actors have to have basic attitude in the fictional situation and project it into the environment. Understanding this method, Stanislavski says, depends on realistic acting, that is, whether the acting is truthful or not. This means that when actors project a fictional situation into their environment, they have to develop the ability to make others believe that the environment is their own. The basis of being a good actor is to be humble and honest as a ‘right human being’. When this basic attitude is first established, actors can create their characters through script analysis. Each character in every play has a purpose. Actors should be able to analyze and understand information and knowledge about the era, country, society, and region to which they belong in order to play their role. And they are required to strive to become an actor of a rational being who has values, worldviews, ideologies, and beliefs to view those things. The reason that the character to be played must start from a play is that it is a blueprint which is shared and arranged by all the actors and staff working together. This study was conducted based on the actual performance, “Crossing the World to You”. Throughout the practice process of the performance, sensory training for truth, understanding of objects, and physical actionl acting training were applied. This study has been proven to be effective for the actors who participated in the performance of “Crossing the World to You”, and so suggests the possibility of the method of this study. In addition, this will serve as a stepping stone to present imagination and creativity to students and actors interested in this study, and will also serve as a guide for them to acquire honest acting methods which help them develop more widely on their own.

이 연구는 인공지능 AI가 시(詩)를 학습하면서 무대 위 퍼포머(performer)의 역할창조를 확장하는 매 개체로 인식할 때, 시를 창작하는 과정에서 드러나는 인공지능과 인간 배우의 자감 및 메타씨어터 (meta-theatre)로서 내재하고 있는 연극의 효용성을 연극적 크로노토프(chronotope)의 연구방법론을 적용 하여 고찰하고자 한다. 본 연구자가 선택한 연극적 크로노토프는 ‘함축적 크로노토프’와 ‘심리적 크로노 토프’의 관점에서 접근하였다. 2022년 8월 대학로에서 선보인 최초의 시극 <파포스:PAPHOS>는 연극을 한 편의 시로 무대화했다는 점에서 연극의 장르(genre)를 차별화시켜 극 구성의 신선함을 더했다고 평가 할 수 있다. 현대 공연예술계는 연극을 비롯하여 뮤지컬, 콘서트, 클래식, 무용 분야를 막론하고 제 2의 융합 매개체를 전도함으로써 관객과의 커뮤니타스(communitas)를 지속하고자 한다. 이때 커뮤니타스를 어떻게 형성할 것인가에 대한 물음을 제기할 수 있는데, 단순히 관객과의 소통을 위해 관객에게 물음을 던지면서 극 중 개입을 유도하는 배우의 역할을 몰입(immersion)의 1단계로 본다면 몰입을 증폭시키는 새로운 연극의 장, 즉 인공지능 AI의 역할을 확대함과 동시에 발생하는 언케니(uncanny)를 투영할 때 발 전된 형태의 2단계 몰입으로 확인할 수 있다. 위의 언케니는 <파포스:PAPHOS> 공연에서의 연극적 효용 으로 재해석할 수 있다. 요약하자면 첫째, 새로운 플레이백씨어터(playback theatre)로서의 가능성과 둘 째, 비선형적 내러티브에 따른 감각의 사유, 셋째, 극 중 AI 배우 ‘시아(SIA)’의 역할창조로 구체화하였다. 이후, 고도화된 3단계 몰입은 AI를 뛰어넘어 새로운 유무형의 실재를 등장시키기 위한 끊임없는 시도와 시행착오를 수반한 결과물을 기대하면서 후속 연구과제로 남겨둔다. 위의 내용을 바탕으로 본 연구자는 AI 시극에서 나타나는 함축적 크로노토프와 심리적 크로노토프를 무대로 구현하면서 연출된 시사점과 관객의 시점에서 바라본 한계를 분석한다. 또한 연극을 시화했다는 측면에서 앞서 언급한 3가지 연극적 효용성에 대해 면밀하게 들여다보고자 한다.

This study aims to examine artificial intelligence AI recognizes poetry as a medium to expand the role creation of performers on stage while learning poetry, the study of artificial intelligence, human actor's self-esteem, and the effectiveness of plays as meta-theatre are applied to the research methodology of theatrical chronotope. The above uncanny can be reinterpreted as a theatrical utility in the performance of <PAPHOS>. In summary, first, the possibility as a new playback theatre, second, the reason for sensation according to nonlinear narratives, and third, the role creation of the AI actor "SIA”in the play was embodied. The first poetic play "PAPHOS”introduced in Daehak-ro in August 2022 can be evaluated as adding freshness to the composition of the play by differentiating the genre of the play in that it staged the play as a poem. The modern performing arts community intends to continue communitas with the audience by conducting a second medium of convergence, regardless of the field of theater, musicals, concerts, classical music, and dance. At this time, the question of how to form communitas can be raised. If the actor’s role in inducing intervention by simply asking the audience to communicate with the audience is seen as the first stage of immersion, a new theater that amplifies the immersion, that is, the second stage of immersion. The above uncanny can be reinterpreted with the theatrical utility of the <PAPHOS> performance. In summary, first, the possibility as a new playback theater, second, the reason for the sense according to nonlinear narratives, and third, the role of the AI actor ‘SIA' in the play was embodied. Subsequently, advanced three-stage immersion leaves as a follow-up research task, expecting results accompanied by constant attempts and trial and error by the Interactive Theater to emerge a new tangible and intangible reality beyond AI. Based on the above, the commentator analyzes the implications of implementing the implicit chronotope and psychological chronotope in AI poetry as a stage, and the limitations viewed from the audience's point of view. In addition, in terms of visualizing the play, I would like to take a close look at the three theatrical utility mentioned above.

이 연구는 빠르게 성장하고 있는 웹툰 시장에서 웹툰을 생산해 내는 웹툰 작가를 미디어 콘텐츠 생산 자로 보고 그들의 정체성과 창작동기, 노동의 특성을 살펴보았다. 특히 미디어 영역 내 문화연구의 시각 에서 웹툰 작가들의 정체성과 노동과정의 특성을 들여다보며 노동과정에서의 난관과 성취와 보람은 무 엇인지에 주목하였다. 현장에서 활발하게 활동 중인 웹툰작가 9명을 연구대상으로 삼아 심층인터뷰를 진 행하고 자기기술지를 받았으며 언론 기사 등 다양한 질적 자료를 조합하여 분석하였다. 연구결과 첫째, 웹툰 작가들은 자신들이 좋아하는 일을 직업으로 삼는 ‘덕업일치’의 삶을 살면서 창의 노동에 대한 자부 심을 드러냈으며, 둘째, 수용자들의 취향과 트렌드를 파악하는 노력을 하며 댓글에도 민감하게 반응하는 것으로 나타났다. 셋째, 웹툰 작가들은 영상문화를 이끌어가는 ‘문화선발대’, ‘콘텐츠 실험가’, ‘스토리 생 산자’ 등의 실험적이고 도전적인 문화생산자로서의 정체성을 보였으며, 넷째, 협업의 어려움과 마감을 지 켜야 하는 고된 노동 속에서도 웹툰이 1,2년 안에 가장 ‘파워풀한(powerful) 매체’가 될 것이라며 웹툰의 성장과 달라진 웹툰 작가의 위상에 대해서 만족감을 표현했다. 데뷔까지 무보수의 불안정한 노동, 주간 연재에 대한 부담, 글과 그림을 함께 해나가야 하는 고통, 과도한 노동 시간을 감당하며 성공하면 보상을 받을 수 있다는 생각을 드러냈는데, 이는 문화산업 내 창의 노동의 특징을 보여주고 있다. 이 연구는 웹 툰 작가를 단순하게 만화를 그리는 사람이 아니라 거대한 문화산업 안에서 미디어 생산자로 보고 문화생 산자로서 조명했다는 점에서 의의가 있다. 그러나 웹툰 작가들이 생산과정에서 느끼는 제도적 압박이나 구조적인 문제까지는 들어가지 못한 한계가 있다. 달라지고 있는 웹툰 시장에서 웹툰 작가들의 생존전략, 플랫폼과 에이전시와의 갈등 등 구체적인 내용의 후속연구를 기대한다.

This study looked at webtoon writers who produce webtoons in the rapidly growing webtoon market as media content producers and examined their identity, creative motivation, and characteristics of labor. In particular, from the perspective of cultural studies in the media sector, we looked into the identity of webtoon writers and the characteristics of the labor process, and paid attention to the difficulties, achievements, and rewards in the labor process. Nine webtoon writers who are active in the field were conducted in-depth interviews, received self-description, and analyzed by combining various qualitative data such as media articles. First, webtoon writers showed pride in creative labor while living the life of "Turning-a-hobby-into-a-job" that makes their favorite work a job, and second, they responded sensitively to comments by trying to understand the tastes and trends of the readers. Third, webtoon artists showed their identity as experimental and challenging cultural producers such as "Culture Advancement Team," "Content Experimenter," and "Story Producer," and fourth, they expressed satisfaction with webtoon growth and its changed status as ‘a powerful medium’ in a year or two, despite the difficulty of collaboration and hard work. Until his debut, he revealed the unstable labor without pay, the burden of weekly serialization, the pain of writing and painting together, and the idea that successful work with excessive working hours can be rewarded, which shows the characteristics of creative labor in the cultural industry. This study is meaningful in that it viewed webtoon writers as media producers within the huge cultural industry and illuminated them as cultural producers rather than simply drawing cartoons. However, there is a limit to the institutional pressure or structural problems that webtoon writers feel in the production process. In the changing webtoon market, we look forward to follow-up studies on the survival strategies of webtoon artists and conflicts between platforms and agencies.

본 연구는 미하일 체홉의 연기 테크닉에서 기본이 되는 문지방 넘기의 유래, 인지학의 영향, 개념, 다 양한 문지방 넘기 연기 훈련 등을 고찰하여 이를 토대로 배우의 연기에 적용하는 방법을 연구하고자 한 다. 체홉의 문지방 넘기는 체홉 자신과 제자, 체홉 연구학자들이 공연 연습, 강의, 워크숍, 리허설, 촬영 현장 등에서 가장 처음에 시작하는 연기 훈련이다. 국내에서는 학술적으로 연구되지 않아 생소한 문지방 넘기라는 개념에 대한 이해를 위해 신화 및 민담 속의 문지방 넘기, 발터 벤야민의 문지방 넘기, 체홉이 영향을 받은 루돌프 슈타이너의 인지학 속에서의 문지방 넘기 등 다양한 문지방 넘기의 유래 및 유사한 개념을 먼저 조사했다. 본 연구자는 체홉의 문지방 넘기를 창조적 연기를 위한 상상의 공간 들어가기, 창 조적 연기를 위한 분리 의식과 매체 연기라는 개념에서 살펴보고 배우의 연기에 적용하는 방법에 대해서 도 고찰했다. 체홉과 제자, 체홉 연구학자들이 다양한 문지방 넘기 연기 훈련을 개발했기 때문에, 정형화 된 하나의 방법은 없고, 다양한 문지방 넘기 훈련이 시도되고 있다. 배우들이 문지방 넘기 연기 훈련을 쉽게 적용할 수 있도록 본 연구자가 새롭게 정리하여 제시했다. 본 연구에서는 기본 문지방 넘기, 캐릭터 문지방 넘기, 공간 문지방 넘기, 고차적 자아 문지방 넘기, 고스트 문지방 넘기를 연구했다. 문지방 넘기 는 단순히 연기 훈련의 하나가 아니라 체홉의 연기 테크닉을 관통하는 중요한 이상이자 배우가 고차적 자아를 발견하여 극중 인물을 구축하는 중요한 예술적 체험이다. 일상의 자의식에 의한 한계나 제한에서 벗어나 캐릭터의 자아로 연기하는 의식적 행위이다. 문지방을 넘어 상상의 공간에서, 배우는 체홉이 강 조하는 상상, 영감, 직관이 발달한 창조적 연기가 가능한 배우로 변신할 수 있다. 본 연구자는 체홉의 문 지방 넘기 연기 훈련이 무대 및 카메라 연기에 적용된다면 배우들의 창조적 연기에 큰 도움이 될 것으로 판단하며 나아가 연극치료, 교육연극, 연극교육 분야 등에서 다양하게 응용될 수 있다고 본다.

This study examines the origin and concept, the influence of Anthroposophy, the acting exercise method, and the true meaning of of Michael Chekhov's ‘Crossing the threshold’ and aims to examine how to apply it to the actor's acting. It is the first exercise that Chekhov himself, his disciples, scholars, and actors begin at practice rooms, lectures, workshops, rehearsals, and camera shooting sites. To understand the concept of crossing the threshold that has not been studied academically in Korea, this study considered crossing the threshold in mythology and folklore, Walter Benjamin's crossing the threshold and Rudolf Steiner's crossing the threshold. The researcher looked at the concept of entering an imaginary space and divided consciousness for creative acting, and also considered how to apply Chekhov's Crossing the threshold to the actor's acting. Since Chekhov and other scholars have developed various crossing the threshold acing exercises, there is no standardized one, and new ones continues to appear. The researcher newly arranged and presented them so that actors can easily apply them to acting: basic crossing the threshold, character crossing the threshold, space crossing the threshold, higher ego crossing the threshold, and ghost crossing the threshold. Crossing the threshold is not just one acting exercise, but an important ideal that penetrates Chekhov's Acting Technique. It is an important artistic experience in which an actor discovers a higher ego and builds a character in the play. It is a conscious act of acting as the character's ego, away from the limitation or constraint of daily self-consciousness. In the creative space after crossing the threshold, actors can transform into an actor who can perform creative acting with imagination, inspiration, and intuition emphasized by Chekhov. This researcher believes that if Chekhov's Crossing The Threshold acting exercise is applied to stage and camera acting, it will be of great help to actors' creative acting and it can be applied in various fields such as theater therapy, educational theater, theater education.

연극은 순간성, 일회성을 갖는 예술로, 이러한 연극의 특성을 가장 잘 수반하고 있는 요소이자, 연극 을 구성하는 요소들 중에서 가장 중요한 요소는 바로 무대 위에서 ‘살아 숨 쉬는 배우’ 일 것이다. 많은 연구자들이 ‘배우’에 대해, 그리고 ‘연기예술’에 대해 끊임없이 연구하고 있으며, 이를 통해 지속적으로 배우의 영향력과 연기술의 확장이 가능하게 되었다. 그리고 이러한 배우예술은 연극예술의 존재에 있어 지금까지도, 그리고 앞으로도 크게 작용할 것으로 사료되며, 시대적 환경이 변화한다고 할지라도 배우의 연기예술은 끊임없이 진행될 것이라고 예측해 볼 수 있다. 배우는 훈련을 통해 무대 위에서 살아 숨쉬어 야 할 것이다. 따라서 배우는 매 순간 새로운 것들을 구상하고, 창조하고 표현할 수 있어야 한다. 그리고 이를 위해 끊임없이 사물이나 사람 등을 관찰하고, 보이지 않는 것들과 경험하지 못했던 것들을 스스로 상상하며 창조적 인물로서 거듭하여야 한다. 이에 따라 인물을 창조하기 위한 훈련이 수반되어야 할 것 이다. 이에 본 연구의 목적은 지난 세월 동안 다양한 연구적 효과가 검증된 리 스트라스버그의 배우 훈 련 방법을 토대로, 연구자가 진행한 공연인 <빨간 피터의 고백>에 실제 적용한 훈련 방법인 동물 훈련을 토대로 연구를 진행하고자 한다. 이를 통해 동물 관찰훈련의 실행으로 동물이 가진 템포와 움직임, 움직 임을 통한 근육 및 신체의 활용 등을 중심으로 이를 인물창조에 적용하였고, 이를 통해 배우로서의 신체 적 확장과 더불어 정서적 확장 및 표현의 구체화를 실행하여 막막하게 막혔던 순간에도 연기를 준비하는 배우들이 관찰과 상상력을 동원하여 폭넓게 연기할 수 있는 방안을 제시해보고자 한다.

The most important element that accompanies the characteristics of the theater, which are instantaneous and one-off, and the most important element on the stage is the ‘Living actor’. Many of researchers have constantly studied on the ‘art of acting’ and the ‘actor’. Through these studies, the actors can continuously expand their influence and acting skills as well. And it is thought that this ‘art of acting’ always have and always will play a significant role in the existence of theatrical arts. Even though there will be a change in the circumstances of the times, it can be predicted that the actor’s ‘art of acting’ will continue to progress. Actors will be alive and breathing on the stage through the training. Therefore, the actors should be able to envision, create, and express new things at every single moment. In order to achieve those above, actors must constantly observe thing, and people, imagine the invisible, unexperienced, and repeat this process to be a creative person. Accordingly the training should accompany to create the characters. Therefore, the purpose of this study is based on Lee Strasberg’s actor training method, which has been verified for various research effects over the past years, and a performance conducted by the researcher <Confession of Red Peter> that actually applied to the animal training. The animal observation was applied to the character creation, focused on the tempo, and movement of the animal, and muscles and body utilization. Through those, the physical expansion as an actor as well as emotional expansion and expression are realized, and to suggest a way to perform a wide range of performances by mobilizing observation and imagination even in the most difficult moment.

본 연구는 한국적 창작무용극의 미래 방향성을 모색하고자 하는 데 목적이 있다. 설화는 한국의 문화 를 담고 있고 민족적 정서를 포함하고 있는 콘텐츠로서 다양하게 활용되고 있다. 또한, 설화는 과거부터 존재하여 현대에 이르기까지 한국 대중들에게 가장 익숙하게 공감을 일으킬 수 있는 스토리다. 이에, 본 연구는 다양한 콘텐츠의 원천소재로서 무궁무진하게 활용할 수 있는 설화에 주목했다. 또한, 본 연구에 서는 대중성을 갖춘 한국적 창작무용극의 발전을 위해 여러 방면의 분석 필요성을 가지고, 스토리텔링에 집중하여 연구했다. 특히, 과거부터 현재까지 OSMU(One Source Multi-Use)로 활용되고 있는 ‘호동설화’ 를 선정하여 이를 바탕으로 창작무용극 <그 하늘 그 북소리>에서의 ‘원작 텍스트 → 무용극을 위한 대본 → 무용극로 구현’되는 과정을 통해 텍스트가 춤으로 어떻게 변용되었는지를 파악하였다. 무용극에서 설 화가 가지는 소재로서의 가치와 이를 기반으로 한 스토리텔링의 필요성 및 텍스트를 춤으로 구현하는 과 정에서의 연출자의 중요성 또한 확인할 수 있었다. 무용극 콘텐츠는 계속 변화하는 문화 트렌드를 반영 해야 하는 장르이기 때문에 다양한 방면에서 심층적인 연구가 지속되어야 한다. 특히, 한국적 무용극의 발전은 한국무용의 대중성뿐만 아니라 국가브랜드 구축과도 밀접하게 연결되어 있기에 연구의 가치가 있다. 본 연구가 향후 전통 설화를 중심으로 한 한국적 창작무용극의 발전과 미래 방향성에 대하여 제시 할 수 있는 자료로써 활용될 수 있기를 기대한다.

The purpose of this study is to find the future direction of Korea creative dance drama. The tales are used as contents that contain Korean traditional culture and sentiment. Also tales can make bond of sympathy from the past to the present. So, this study is focused on value of tales that can be expanded endless. To develop the Korea creative dance drama, there is need to analyze it in various fields. Especially, this study is focused on storytelling. This study selected ‘Tales of Ho-dong’ as main subject that is used as OSMU(One Source Multi-Use) from the past, and checked how the text converted to dance by studying the transition of ‘Original text → Script → Dance drama’ in creative dance drama <The sky, the sound of drum>. I found the value of tales as source in dance drama, need of storytelling based on tales, and importance of director in transforming text into dance. The dance drama contents reflect culture trends that change continuously, so the study of dance drama contents have to be investigated continuously in various aspects. In particular, the development of Korea dance drama is closely related with popularity of Korean dance and estabilishment of national brand, so it is worth to be studied. I hope this study can be significant for future direction and development of Korea creative dance drama based on traditional tales.

K-pop의 위상이 높아지고 있는 상황에서 아이돌들은 전통문화예술콘텐츠를 활용하면서 세계의 팬들 에게 호평을 받고 있다. 이러한 시대적 상황을 배경으로 볼 때, 과거의 여성국극은 전통음악과 극 무대의 연기요소가 융합된 전통문화예술콘텐츠로서 과거와 현대가 접목하여 새로운 장르를 만들어낸 우리나라 의 창의적 문화 역량이다. 새로운 창의적 문화 역량을 만들어내는 것은 이 시대적 문화예술인들의 시대 적 사명이며 전통의 문화와 새로운 융·복합적 문화를 지속해서 개발하고 발전 시킬 필요가 있다. 이에 본 연구는 관객들에게 큰 사랑을 받았던 전통예술을 현대적 창작으로 큰 번성을 누렸던 여성국극의 <선 화공주> 중 “서동과 선화공주가 처음 만나는 대목”의 음악 분석을 하였다. 한 대목에 5가지의 악곡으로 구성 되어 있으며 음악적 특징은 다음과 같다. 첫째, 자진모리장단의 합창 <먹어보세> 는 민요의 ‘메기고 받는 형식’이나 선창이 독창의 메기는 부분으로 시작하지 않고 합창의 받는 부분으로 시작한다. 전통적 형식을 장면의 구성에 맞게 형식을 재구성하였음을 알 수 있었다. 둘째, <먹어보세> 에서 <선화 공주님 은> 은 자진모리장단에서 중중모리장단으로 조금 느린 장단의 변화와 함께 서동의 출신에 관한 감자 이 야기에서 서동과 선화 공주에 관한 소문에 관한 것이다. 셋째, 서동 독창 <슬픈 일이라> - 선화공주 독창 <사람마다> - 서동 독창 <죽을 목숨>은 각각 부르는 아리아의 형태이나 노래로 서로 묻고 대답하는 중창 의 형식으로 진행한다. 넷째, 한 대목 5개 악곡에서“서동의 출신 배경 - 서동과 선화공주의 소문 - 서동 의 비극적 상황 - 선화공주의 위로 - 서동의 청혼”의 플롯이 발단 - 전개 - 위기 - 절정 - 결말로 빠르게 전하면서 각 장면 별 장단의 변화를 주며 역동적인 구조를 이룬다. 다섯째, 출현 음 (라 - 도 - 레 - 미 - 솔 - 시)으로 단3도 - 장2 - 장2도 - 단3도 - 장3도 의 선율 진행하고 종지 음 (라) 로 판소리 계면조 선법이다. 이와 같은 음악의 5가지 특징을 통해 여성국극 <선화공주>가 판소리의 전통을 이어가면서 새 로운 장르로 창작되었음을 알 수 있었다. 우리의 문화유산을 발전시키고 지속해서 개발하기 위해서는 기 존의 전통문화예술콘텐츠의 활용 영역을 넓히고, 한류의 흐름과 영역을 확산시킬 수 있도록 지속적인 연구가 되어야 함을 제언하며 본 연구를 마무리 하겠다.

In a situation where K-pop's status is rising idols are receiving favorable reviews from fans around the world by using traditional cultural and artistic contents. Creating new creative cultural capabilities is the mission of the artists of this era and it is necessary to continuously develop and develop traditional culture and new fusion and complex culture. First the chorus of Jajinmori Jangdan begins with the receiving part of the chorus not with the going and receiving form of a folk song or the solo singer's megineun part. Second in <Let's Eat>, <Princess Seon-Hwa> is about the rumors about Seo-Dong and Princess Seon-Hwa in the potato story about Seo-Dong's origin with the slow change of rhythm from Jajin-mori to Jung-jung-mori. Third Seodong's solo <Because it's a sad thing' - Princess Seon-Hwa's solo <Every person> - Seo-Dong's solo <Death to death> is performed in the form of an aria or a mid-song in which each asks questions and answers with a song. Fourth the plot of Seo-Dong background - rumors of Seo-Dong and Princess Seon-Hwa- Seo-Dong's tragic situation - Princess Seonhwa’s consolation - Seo-Dong's proposal in five pieces of music in one passage begins with the plot - development - crisis - climax - ending. It gives a change of beat for each scene and forms a dynamic structure. Fifth the melody of Minor 3rd - Major 2nd - Major 2nd - Minor 3rd - Major 3rd is progressed with the appearance sound (La - Do - Re - Mi - Sol - Si), and the cadence (D) is the pansori Gyemyeon method. Through these five characteristics of music, it was found that Female Gukgeuk <Princess Seon-Hwa> was created as a new genre while continuing the tradition of pansori. In order to develop and continuously develop our cultural heritage, I will conclude this study by suggesting that continuous research should be conducted to broaden the scope of application of the existing traditional culture and art contents and to spread the flow and scope of the Korean Wave.

박찬욱은 한국의 유명한 감독이며, 영화 ‘올드 보이’에서 과감한 창의를 보여주었을 뿐만 아니라 많은 작품을 훌륭하게 창작하여 한국과 해외에서 큰 관심과 토론을 일으켰다. 영화 <친절한 금자씨> 창작 후 그의 작품에서 점차 독특한 페미니즘 스타일이 나타났으며, 또한 이는 박찬욱의 창작이 새로운 단계에 접어들었 다는 것을 의미하는 것이다. 박찬욱 영화에서 여성은 항상 인류의 본성과 관련된 비밀을 가지고 있으며, 여성의 복수 이유가 매우 중요할 뿐만 아니라 이유 없는 욕망과 쾌감이 특히 돋보인다. 또한 박찬욱이 창작한 영화 <스토커>와 <아가씨>, 그리고 최신 작품 <헤어질 결심>에서도 짐작할 수 없는 여성의 신비감과 모든 것을 버릴 수 있는 능력이 명쾌하게 표현되었다. 그는 항상 영화에서 일종의 낯설게 하기 효과를 구축하고, 서사 구조에서 과거 흔히 사용하던 고전적인 3막극 형식을 점차 해체하고 2단식 서사 구조로 전환하여 관객에게 무한한 상상의 공간을 제공하며, 이를 통해 자신의 영화 세계와 독특한 상상의 원천을 보여주었다. 동시에 박찬욱 영화에서 점점 더 발전하는 여성 캐릭터의 욕망 설정은 여성 캐릭터에 많은 변화를 초래하였고, 작품의 서사 시점이 원래의 남성 응시에서 여성을 주체로 하는 반응시로 전환됐으며, 이를 통해 작품의 여성 캐릭터가 진정한 의미의 정신적 해방을 얻게 되었다. 그에 따라 박찬욱의 영화 스타일뿐만 아니라 기존의 일반적인 상식을 뛰어넘는 동(動)과 정(靜)의 결합으로 영상 언어가 변화되었고, 많은 히치콕식 주밍 샷과 180도 원칙을 깨뜨린 가상선을 넘은 샷을 사용하여 영화가 원래 서사의 선행 특징에서 벗어났으며, 샷을 통해 여성 캐릭터에 자아 인격 변화와 성장의 내재적 의미를 불어넣었다. 또한 색채 측면에서 고전주의 스타일과 현실주의 스타일을 결합하고, 영화 은유 기법을 반복적으로 사용하며, 미술 수단과 색채를 결합하여 더욱 깊은 의미가 담긴 여성 캐릭터 이미지를 구축하였다. 따라서 본 연구는 페미니즘 시각에 따라 박찬욱 감독의 작품을 대상으로 서사 방식과 시청 언어 등 측면에서 그가 구축한 남녀 캐릭터의 놀라운 표현과 여성 의식의 각성을 새롭게 고찰하고, 그의 영화 창작 스타일 전환을 귀납하였다.

Park Chan-wook is a renowned director in South Korea, whose bold creativity as an “Old Boy” in filmmaking has made almost every one of his works exceptional, attracting broad attention and causing extensive discussion at home and abroad. After creating Sympathy for Lady Vengeance, a unique feminist style that had gradually emerged from his works also announced the arrival of a new creative stage for him. In his films, women always have secrets, which are close to human nature. At the same time, there is also a corresponding transformation of the audiovisual style of his films. He changed the former unconventional film language combining the dynamic with the static to the extensive use of Hitchcock style zoom lenses and over-axis lenses, making the film break away from the original feature of narrative first to explore the inherent connotations of personality transformation and growth of the female characters assigned by the lenses instead. With regard to color, he combines classical style with realist style, and continues to apply the filmmaking technique of using repetitive props as metaphors, outlining more profound images of female characters through the interaction of art props and color. Therefore, this paper will take director Park Chan-wook's works under the female perspective as the object of study to look anew his subversive portrayal of male and female characters and presentation of the awakening of female consciousness from the aspects of narrative method and audiovisual language, and summarize the evolution of his filmmaking style.

본 연구의 목적은 청소년의 문화예술활동이 친구관계에 미치는 영향에서 자아존중감의 매개효과를 분석하는 것이다. 현대사회에서 문화예술은 삶의 질 향상에 유용한 영향을 미치고, 문화예술을 통해 정 서적 역량의 강화, 문화접근성의 확대로 사회적 통합을 이루기 위한 방안 중 하나로 연구되고 있다. 청소 년기는 신체적, 사회적, 정서적 발달에 있어서 매우 많은 변화가 급격하게 나타나는 시기이다. 2021년 청 소년 행복지수에 대한 국제적 비교연구에 의하면 우리나라 청소년의 행복지수는 OECD 22개 국가 중 22 위로 최하위였다(한국방정환재단, 2021). 우리나라 청소년들은 입시위주의 선행학습으로 심각한 학업스 트레스를 경험하고, 이는 학교생활에 부적응이나 우울, 불안 등으로 이어지기도 한다. 이러한 문제는 청 소년들에게 열등감과 친구관계의 어려움, 부정적 정서와 분노의 표현 등 다양한 문제를 야기할 수 있다. 청소년들의 삶의 질 향상과 창의적 인재양성을 위한 방안으로 청소년활동진흥법과 청소년기본계획이 발 표되었고 그 내용 안에서 중요한 요소로 문화예술활동에 주목하고 있다. 이를 위해 한국청소년정책연구 원(National Youth Ploicy Institute)에서 제공한 중1패널(2018) 2차년도 자료의 1297명을 데이터를 활용하 여 분석하였다. 청소년의 문화예술활동과 친구관계간의 관계에서 자아존중감의 매개효과를 검증하기 위 하여 위계적 회귀분석을 실시하였다. 또한 매개효과의 유의성 검증을 위해 SPSS Process Macro의 부트스 트래핑(bootstrapping)을 실시하였다. 분석결과, 청소년의 문화예술활동은 자아존중감과 친구관계에 직접 적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 자아존중감에서도 친구관계에 관련성이 있었다. 또한 청소년의 문화예술활동이 친구관계에 영향을 미치는데 자아존중감의 부분 매개효과가 검증되었다. 이와 같은 결 과를 바탕으로 함의와 제언을 논의하였다.

The purpose of this study is to analyze how one`s cultural arts activities during adolescence influence relationships with friends and the mediating effect of one`s self-esteem. In modern society, culture and art have a useful influence on improving the quality of life, It is being studied as one of the ways to achieve social integration by strengthening emotional competence and expanding cultural accessibility through culture and art. Adolescence is a period of rapid change in physical, social, and emotional development. According to an international comparative study on the 2021 Youth Happiness Index, Korea's youth happiness index ranked 22nd out of 22 OECD countries, the lowest (Korea Bang Jung-hwan Foundation, 2021). Korean adolescents experience serious academic stress because of it entrance exam-oriented education, which may lead to maladjustment, depression, and anxiety in school life. These problems can cause various problems in adolescents, such as inferiority, difficulty in friendship, and expression of negative emotions and anger. As a way to improve the quality of life of teenagers and foster creative talents, the Youth Activities Promotion Act and the Youth Basic Plan have been announced, and cultural and artistic activities are being paid attention as important factors within the contents. We analyzed using the data provided by the National Youth Policy Institute of 1,297 people from the second year of the middle school panel (2018). A hierarchical regression analysis was performed to verify the mediating effect of self-esteem in the correlation between adolescents& cultural arts activities and friendship. In addition, bootstrapping of the SPSS Process Macro was performed to verify the significance of this mediating effect. As a result, the cultural arts activities of adolescents were found to have a direct effect on their self-esteem and relationships with friends, and self-esteem was also correlated to relationships with friends. Furthermore, a partial mediating effect of self-esteem was verified in that cultural and artistic activities of adolescents affect friendship. Based on these results, the implications and suggestions were discussed.

중국 정부는 중국의 문화 발전을 위한 디자인의 중요성을 강조하고 있다. 1990년대 융·복합문화예술 공간에 대한 지속적인 논의를 이어가며 융·복합문화예술공간의 문화콘텐츠 개발과 운영 방식에 관한 새로운 방향을 제시하고자 하였다. 그러나 중국의 융·복합문화예술공간은 전 지역에 산재되어 있지만, 역사와 문화콘텐츠의 재창조로 예술적 발전을 도모하는 것이 아닌 역사유물을 전시하는 수준으로 표방 과 표절을 반복하고 있다. 이에 본 연구는 융·복합문화예술공간의 공간디자인 정체성과 방향성에 관하 여 다음과 같이 제시하고자 한다. 첫째, 융·복합문화예술공간은 창의적이고 건설적인 운영을 위해 재단 의 운영 메커니즘의 지속적인 혁신을 통해 다양한 공간디자인을 구성하고 공간의 창의성을 마련해야 한 다. 둘째, 전국적인 디자인 공모전 개최를 통해 융·복합문화예술공간을 홍보하고 창의적인 문화콘텐츠 들을 수집으로 중국의 다양한 기관들과 생산업체의 디자인 수준을 제고하여 문화 상품을 생산 및 제작해 야 한다. 셋째, 중국의 사회주의 기관 운영체계를 벗어나 브랜드홍보, 인력 지원 등의 문제점을 해결하 기 위해 인사 제도, 성과 배분 제도의 마련이 필요하다. 넷째, 융·복합문화예술공간은 문화콘텐츠와 디 자인 플랫폼의 역할을 담당하기 위해 다양한 문화 상품의 디자인 개발이 필요하며, 다양한 연구와 교육 의 기회가 제공되어야 한다. 다섯째, 국영과 지역 사이의 다양한 공간디자인 네트워크를 구축해야 한 다. 획일적인 역사유물의 전시와 보존을 위한 국가 박물관 형태가 아닌 다각적이고 다층적인 공간 체계 를 조성해야 한다. 이를 위해서 지역의 커뮤니티를 형성하고 각 공간별 기능에 대해 서비스 방식을 명 확하고 다양화하여 연계된 운영체계를 구축하고, 중국만의 독창적이고 창의적인 융·복합문화예술공간 을 건립해야 한다. 또한 관련한 지속적 연구가 필요하며 본 연구가 초석이 되어 중국의 독창적이고 창의 적인 공간디자인 구성의 융·복합문화예술공간 건립이 이루어지기를 기대한다.

This study emphasizes the importance of design for the Chinese government's cultural development. In the 1990s, while continuing discussions on convergence culture and art spaces, a new direction was suggested for the cultural contents development and operation method of the convergence culture and art space. However, although China's convergence cultural and artistic spaces are scattered throughout the region, they are repeating plagiarism and plagiarism at the level of exhibiting historical relics rather than promoting artistic development by re-creating historical and cultural contents. First, for the creative and constructive operation of the convergence and complex culture and art space, the foundation's operating mechanism must be constantly innovated to form a variety of space designs and create space creativity. Second, it is possible to promote the convergence and complex culture and art space by holding a national design contest and to improve the design level of various institutions and producers in China by collecting creative cultural contents, and to produce and produce cultural products. Third, it is necessary to prepare a personnel system and performance distribution system to solve problems such as brand promotion and manpower support outside of China's socialist institutional operating system. Fourth, the convergence and complex culture and art space becomes a cultural content and design platform, and it is necessary to develop design products for various cultural products. To this end, various research and educational opportunities should be provided. Fifth, it is necessary to build a diverse spatial design network between the state-run and local communities. For this, continuous research is required, and it is expected that this study will serve as a cornerstone to establish a convergence and complex culture and art space in China's original and creative space design composition.

일반적으로 음악교육에 대한 함의가 현대사회에서 점차 교육적 영역보다는 취미나 여가활동으로 간주하 고 있는 가운데, 음악이 가지는 교육학적 함의를 살펴보고 이를 통하여 음악이 가지는 감수성 및 창의적 영역에 대해 제고를 해보고자 하였다. 이에 본 연구는 지역 유치원 음악교육을 통한 음악 동기 함양 고찰에 대하여 감성지능과 음악적 창의성 함양을 중심으로 살펴보고자 하였다. 이에 본 연구는 S 도시의 5-7세 반 유치원의 총 122명의 대상자를 중심으로 이를 실험군과 대조군으로 실시하였다, 연구결과 발도르프 음악 수업이 유아의 감성지능과 음악적 창의성 향상에 긍정적인 영향이 있었음 확인 할 수 있었다. 슈타이너의 음악을 통한 인지학적 교육은 현대에 이르기까지 발도르프 교육과정을 통하여 유아교육의 교육의 전 과정에 구현되고 있다. 아동은 문화적 활동의 일환으로 음악적 체험의 몰입을 통하여 감성지능과 음악적 창의성에 긍정적 영향을 받을 수 있다는 것을 본 연구결과를 통하여 알 수 있었다. 발도르프 교육기관을 통하여 슈타이 너는 음악을 포함한 예술 교육의 필요성을 강조한 바 있다. 음악교육을 통하여 유년기에 실시되는 인간의 인지적이며 심미적 인간교육은 전인적 성장에 도움이 된다. 그러나 우리나라에서 음악을 포함한 다양한 예술 활동의 교육은 대부분 유년기에 그치며 그 중요성을 사회적으로 인정받지 못하고 있는 것이 사실이다. 이에 다양한 문화 활동 단체를 통하여 인간에게 있어 음악적 체험의 중요성이 확산하여 현대사회에서 인간의 삶에 있어 음악 활동을 통한 인간의 음악적 감수성과 창의력이 전 생애에 걸쳐 고르게 함양될 수 있기를 바라며 지역사회를 통하여 다양한 문화 복지 및 활동의 기초에 활용되었으면 한다. 음악을 통한 교육이 비단 입시 구도의 현실에 있어서 그 중요성이 감소하지를 않기 바라며 향후 다양한 측면에서 그 중요성과 가치가 평가되고 입증을 위한 지속적인 연구가 필요함을 제언한다.

This paper tries to look at the cultivation of musical motivation through the training of music, focusing on emotional intelligence and musical creativity. This study was conducted by dividing the total 122 subjects of kindergarten aged 5-7 years old into subjects and control groups in S city. The study found that the music class of Waldorf had a positive effect on the emotional intelligence and improvement of musical creativity of infants. The cognitive education through Steiner's music is implemented in the entire course of childhood education through the Waldorf curriculum up to the present day. Children can be positively influenced by emotional intelligence and musical creativity through immersion of musical experiences as part of cultural activities. Through the Waldorf Institute of Education, Steiner emphasized the need for art education, including music. Through music education, human cognitive and aesthetic human education in childhood is conducive to overall growth. However, it is true that the education of various art activities, including music, in our country is mostly only in childhood and its importance is not recognized socially. Therefore, I hope that the importance of musical experience can spread to humans through various cultural activities, and that the musical sensitivity and creativity of people through music activities in modern society can be nurtured evenly throughout life, and that it can be utilized on the basis of various cultural welfare and activities through the community.

이 연구는 특수학급 청소년의 자기결정력 향상을 위해 연극치료 프로그램을 설계 및 적용하고 그 결과를 심층적으로 질적 분석한 사례연구이다. 연구자는 특수학급 청소년의 자기결정력을 위해 로버트 랜디(Robert. J. Landy)의 역할이론을 중심으로 투사기법과 심리극기법을 적용한 프로그램을 설계하였다. 연구대상은 경기도 소재의 고등학교 특수학급 학생 5인으로 선정하였으며 프로그램은 주 1회, 120분간 총 11회에 걸쳐 진행되었다. 연구결과 도출을 위해 관찰일지, 활동사진 및 영상, 창작물 사진, 녹취록 등의 자료를 수집하였으 며 연구자는 치료사로서 보조치료사 2명과 직접 참여관찰 하였다. 이를 통해 도출된 연구결과, 특수학급 청소년의 자기결정력 향상을 위한 역할이론 중심 연극치료 프로그램의 적용 가능성을 확인하였다. 또한 회기별 관찰된 연구대상의 반응을 통해 자기결정력의 긍정적인 변화를 확인할 수 있었다. 연구대상은 프로그 램을 통해 자발성이 향상되었으며 자기표현력이 증가하여 스스로에 대한 긍정적인 인식이 높아졌으며 실제 생활공간에서의 자기결정적 태도가 나타났다. 따라서 이 연구는 연극치료 프로그램이 특수학급 청소년의 자기결정력 향상에 긍정적인 변화를 촉진할 수 있음을 시사하며, 특수학급 청소년의 자기결정력 향상을 위한 연극치료 후속 사례연구를 위한 임상자료로서의 가치를 가진다. 더불어 연구의 목적은 특수학급 청소년 의 자기결정력 향상을 위해 연극치료를 적용한 사례연구로 내담자의 주 호소 문제와 특성에 맞는 연극치료 프로그램을 설계 및 적용하고 그 결과를 질적으로 분석하여 치료목표에 따른 프로그램의 설계 및 적용 가능성을 알아보기 위함이다. 이 연구는 연극치료를 통해 특수학급 청소년의 자기결정력 향상을 다루었다는 점에서 연구적 의의를 지닌다. 또한 연구자는 연극치료 프로그램을 적용한 실제 임상적 사례를 통해 연극치료 의 지속적인 프로그램의 개발 및 적용에 도움이 되고자 한다.

This study is a case study of designing and applying a drama therapy program to improve self-determination of adolescents in special classes and analyzing the results in-depth and qualitatively. For the self-determination of adolescents in special classes, the researcher designed a program that applied projective and psychodramatic techniques, centering on the role theory of Robert J. Landy. The subjects of this study were 5 students from a special class at a high school located in Gyeonggi-do, South Korea, and the program was conducted once a week for a total of 11 times for 120 minutes. In order to derive the research results, data such as observation diaries, activity photos and videos, photos of creations, and transcripts were collected, and the researcher participated and observed directly with two assistant therapists. In addition, positive changes in self-determination could be confirmed through the responses of the study subjects observed for each session. The subjects of the study improved their spontaneity through the program, their self-expression increased, their positive perception of themselves increased, and their selfdetermined attitudes in the real life space. Therefore, this study suggests that the drama therapy program can promote positive changes in the improvement of self-determination of adolescents in special classes, and has value as clinical data for follow-up case studies of drama therapy to improve self-determination of adolescents in special classes. In addition, the purpose of the study is to design and apply theater therapy programs that fit the client's main appeal problems and characteristics to improve the self-determination of special-class adolescents, and to analyze the results qualitatively to find out the design and applicability of the program according to the treatment goals. This study is of research significance in that it dealt with the improvement of the self-determination of adolescents in special classes through theater treatment. In addition, the researcher intends to help develop and apply the continuous program of theater therapy through actual clinical cases that apply the theater therapy program.