Earticle

본 연구자는 현대 공연예술의 포스트드라마 연극에서의 하나의 새로운 형식인 뉴다큐멘터리 연극 (New Documentary Theatre)과 그에 따른 관객의 수행적 성격 및 특징 즉 관객성을 고찰하는 연구를 진 행하였다. 이와 같은 연구를 전개하기 위하여 본 논문에서는 스위스 출신의 저널리스트이자 뉴다큐멘터 리 연극 연출가 밀로 라우(Milo Rau, 1977- )의 문제작 <콩고 재판 The Congo Tribunal>(2015)을 중심으로 분석을 시행하였다. 토마스 이르머(Thomas Irmer)라는 독일의 연극학자에 의해 처음 알려지기 시작한 뉴 다큐멘터리 연극은 20세기 다큐멘터리 연극과는 구별되는 동시대 다큐멘터리 연극의 독특한 연극성을 강조하기 위해 새롭게 제안된 용어이다. 뉴다큐멘터리 연극은 사실과 허구를 의도적으로 섞거나 그 경계 를 허물어뜨리고 유희함으로써 사실적 허구(real fiction)이자 허구적 사실(fictional reality)로 드러나는 연 극성을 보이는 특징이 있다. 대체적으로 뉴다큐멘터리 연극에서 관객성의 특징은 관객을 깊은 사고과정 으로 빠져들게 한다는 점에 있는데 이는 뉴다큐멘터리 연극을 포스트드라마 연극에 속하게 하는 중요한 지점이라고 할 수 있다. 뉴다큐멘터리 연극 역시 다른 포스트드라마 연극처럼 관객의 수행적 행위를 이 끌지만, 관객이 다 초점의 시각에서 공연의 서사를 구성하거나 편집하게 두지 않고 오히려 다큐멘터리가 시사하고 있는 바에 따라 어떤 현상이나 상황에 대해서 창작자가 만들어 놓은 구성안에 관객이 자연스럽 게 스며들어 가게끔 연출된다. 한편, 동시대 공연예술에서 라우의 연극관과 작품 세계는 뉴다큐멘터리 연극의 구심점이라고 해도 과언이 아닐 만큼 많은 요소가 부합된다. 무엇보다도 허구적인 성격이 강했던 전통연극의 무대를 전 세계가 주목하는 열띤 토론의 현장으로 완전히 변화시켰다는 점은 연극사와 연극 학계의 관점에서 그 의미가 매우 크다고 할 수 있다. 이에 따라 연구자는 뉴다큐멘터리 연극 환경에서의 관객성을 고찰하기 위해 라우의 대표작인 <콩고 재판>을 실천적 사례로 들어 분석하였다.

This study explores the New Documentary Theatre -a new form in the Post-Dramatic Theatre of contemporary times- and the performative nature and characteristics of the spectator, specifically the spectatorship. For this purpose, I analyze <The Congo Tribunal(2015)>, a controversial work by Swiss journalist and New Documentary Theatre director Milo Rau. The term ‘New Documentary Theatre’ was first introduced by Thomas Irmer, a German theatre scholar. He proposed this term to emphasize the unique theatricality of contemporary Documentary Theatre, setting it apart from 20th-century Documentary Theatres. This terminology serves to distinguish modern Documentary Theatre from those emerging right after World War I and those that evolved throughout German theatre history post-World War II. New Documentary Theatre is characterized by its expression of ‘real fiction’ and ‘fictional reality’ through the deliberate interplay of fact and fiction, intentionally blurring their boundaries and playfully engaging with such blends. Moreover, this theatrical form differs from earlier Documentary Theatres that addressed historical issues, as it engages with contemporary concerns. Rau's body of work resonates strongly with the characteristics of New Documentary Theatre, solidifying its central position within the genre. Notably, by transforming a fictive theatrical stage into a fervent platform for global discourse, his works have emerged as significant points of discussion within the theatre community in recent years. Drawing on this, I use Rau's seminal work, <The Congo Tribunal>, as a practical example to delve into the spectatorship of New Documentary Theatre. In summary, I posit that spectators who engage deeply with the theatrical performance can collaboratively complete the piece alongside the performers, filling any existing gaps. This co-creative process, I believe, instills a sense of liberation in the spectator.

우리나라는 디지털 혁명과 함께 이미 아날로그 시대에서 디지털 시대로의 전환이 이루어졌다. TV 지상파는 이미 아날로그 송출 방식을 중단하고 디지털 송출 방식으로 바꿨다. 영화제작에서 필름과 아날로 그 장비의 사용은 디지털 장비들로 대체되었으며 VFX 또한 아날로그 방식에서 디지털 방식으로 전환이 이루어져 제작비와 제작 기간을 단축할 수 있게 되었다. 디지털 VFX는 모션캡쳐, 크로마키 등이 주로 사 용되고 있으며 현재는 실사 이미지와 가상 이미지를 실시간으로 결합하는 Virtual Production이 도입되고 있다. 디지털 VFX의 사용은 점점 빈번히 사용되고 있어 영상 연기의 환경에 많은 변화가 생기게 했다. 이제 영상 연기자는 변화되는 연기환경 속에서 새로운 기술을 이해하고 적응할 필요가 있다. 하지만 연 기자들은 아날로그적인 습성이 있어 새로운 환경에 대한 이해가 부족하며 바쁘게 돌아가는 촬영 현장에 서 디지털 VFX 기술을 충분히 이해하고 연기하기가 어려운 형편이다. 따라서 디지털 VFX 기술의 발전 으로 변화되는 연기환경을 살펴보고 이를 위한 디지털 연기 방법을 연구할 필요가 있다. 본 논문은 디지 털 VFX 기술의 발전에 따른 연기환경의 변화에 대해서 알아보고 이를 위한 디지털 연기 방법에 대해서 고찰하는 것을 목적으로 한다. 먼저 디지털 VFX 기술을 사용하여 제작되는 영화와 OTT 드라마의 제작 환경을 연구하고 제작에 참여한 배우들의 인터뷰를 통해 연기환경의 변화와 어려움에 대해서 알아본다. 이를 바탕으로 새로운 환경에 필요한 연기 기술과 방법을 고찰한다. 현재 비용이나 시간의 절약이라는 측면에서 디지털 VFX 기술의 사용은 더욱 빈번해지고 있으며 연기자들은 새로운 환경에서 어려움을 느 끼고 있다. 따라서 이제 배우들도 디지털 기술에 대해서 이해할 필요가 있으며 디지털 연기를 위한 새로 운 연기 방법이 필요하다는 결론이다. 이에 대한 방법으로 ‘영상을 만드는 내면의 눈’과 ‘행동 연기 기술’, ‘동물 연기훈련’ 등을 제시했다. 이 연구가 디지털 VFX 기술을 사용하는 촬영 현장에서 어려움을 겪는 배우들에게 도움을 줄 수 있을 것이라 기대한다.

With the digital revolution, our country has already transitioned from the analog era to the digital era. Terrestrial TV has already discontinued the analog transmission method and switched to a digital transmission method. In film production, the use of film and analog equipment was replaced by digital equipment, and VFX was also converted from analog to digital, making it possible to shorten production costs and production periods. Digital VFX mainly uses motion capture and chroma-key, and currently, Virtual Production, which combines real-time images and virtual images in real time, is being introduced. The use of digital VFX is becoming more frequent and has brought about many changes in the video acting environment. Now, video actors need to understand and adapt to new technologies in a changing acting environment. However, actors have analog habits, so they lack understanding of new environments, and it is difficult to fully understand and act in digital VFX technology in busy filming locations. Therefore, it is necessary to look at the acting environment that is changing with the development of digital VFX technology and study digital acting methods for this. The purpose of this paper is to learn about changes in the acting environment due to the development of digital VFX technology and to consider digital acting methods for this. First, we study the production environment of movies and OTT dramas produced using digital VFX technology and learn about changes and difficulties in the acting environment through interviews with actors who participated in the production. Based on this, we examine the acting techniques and methods needed for the new environment. Currently, the use of digital VFX technology is becoming more frequent in terms of cost and time savings, and actors are experiencing difficulties in the new environment. Therefore, the conclusion is that actors now need to understand digital technology and new acting methods for digital acting are needed. As a method for this, ‘inner eyes for making videos’, ‘Behavioral Acting Technique’, and ‘animal acting training’ were suggested. It is expected that this study will be able to help actors who have difficulties on set using digital VFX technology.

본 연구의 필요성은 첫째, 중국연극계의 연기창조 과정에 있어서 대부분의 배우들이 형식적인 생활 체험을 바탕으로 캐릭터를 창조하기 때문에 무대 위의 삶을 표현함에 있어서 배역 이미지에 삶의 사실성 이 떨어지거나 과장이 나타나고 있어 관객들이 캐릭터의 역할에 대해 진실한 감정을 느끼지 못하고 있 다. 둘째, 이러한 점 때문에 연극의 주제 표현을 부정확하게 표현할 수 있기 때문에 이를 극복할 수 있는 대안을 제시하고자 한다. 셋째, 배우 자신의 생활 경험에서 축척된 캐릭터 창조에 대한 사실적 연기의 중 요성이 강조되어야 배우의 생활 체험 중심의 연기 창작에 도움이 되기 때문이다. 이러한 문제점 때문에 본 연구자는 중국연극계에서 배우의 연기 창작 과정에서 중요시되는 생활 경험에서 터득한 캐릭터 역할 을 창조할 수 있는 방법을 제시하고자 연구했다. 연구의 범위는 배우 창작 역할 중 생활 축적과 관련된 문제에 대해 범위를 설정하여 논증했다. 연구의 방법은 문헌 비교분석법, 예시 논증법 등을 주요 연구의 방법으로 활용했다. 선행연구자들의 논의에서는 배우들은 자신의 삶을 관찰하고 경험하며 이를 통하여 인물의 성격을 분석하여 캐릭터를 창조해야 한다는 점을 강조하고 있다. 그러나 본 연구에서는 진실한 생활 연극 미학 관념을 통하여 배우들이 관찰하고 체험해야만 생활 경험에 부합하는 캐릭터를 창조할 수 있다는 점을 차별화했다. 특히 본 연구자의 중점 분석은 배우의 생활 경험이 캐릭터 창조의 원천이므로 생활에 대한 직접적인 경험과 간접적인 경험 속에서 캐릭터를 창조해야 한다는 점을 제시했다. 특히 배 우의 직접적인 경험만으로는 캐릭터 창조의 한계성 때문에 캐릭터를 만들 수 없다고 제시했다. 이러한 점을 극복하기 위해서는 배우들은 간접적인 삶을 축적해 스스로 캐릭터를 창작할 수 있도록 해야 한다고 밝혔다. 나아가 성격화 과정에서 생동감 있는 캐릭터를 만들어야 관객들을 사로잡을 수 있다.

The necessity of this study is, first, that most actors create characters based on formal life experiences in the process of creating acting in the Chinese theater industry, so the audience does not feel true about the role of the character because the reality of life is reduced or exaggerated in the role image. Second, because of this, the theme expression of the play can be expressed incorrectly, so I would like to suggest an alternative to overcome this. Third, the importance of realistic acting for the creation of characters accumulated in the actor's own life experience should be emphasized to help the actor create acting centered on life experiences. Because of this problem, this researcher studied to suggest a way to create character roles learned from life experiences that are important in the process of creating actors' acting in the Chinese theater world. The scope of the study was argued by setting the scope of problems related to life accumulation among actor creative roles. The method of research used literature comparative analysis and example argumentation as major research methods. The discussion of previous researchers emphasizes that actors should observe and experience their lives and create characters by analyzing the personality of the characters. However, this study differentiated the fact that actors must observe and experience through the idea of authentic life theater aesthetics to create characters that fit their life experiences. In particular, the researcher's key analysis suggested that the actor's life experience is the source of character creation, so the character must be created from direct and indirect experiences of life. In particular, it was suggested that the actor's direct experience alone cannot create characters due to the limitations of character creation. In order to overcome this point, it was revealed that actors should be able to create characters on their own by accumulating indirect lives. Furthermore, it is analyzed that the audience can be captivated only by creating a lively character in the process of characterization.

최근 소설이나 드라마, 또는 실화를 바탕으로 영화화되는 시도와 같이, 하나의 장르가 다양한 콘텐츠 로 확대 재생산되어 문화예술이 대중에게 큰 관심과 사랑을 받는 경우가 많다. 국내 최초 오리지널 뮤지 컬영화 <영웅>의 등장은 총체 예술의 확장된 개념으로써 대중문화예술융합의 관점에서 독창적 구성, 구 조적 강화 및 표현방식의 다양화 등 자유로운 형식으로 발전을 거듭하며 그에 따른 순기능 및 역기능을 보여주었다. 이에 연구자는 바그너의 총체 예술을 바탕으로 서로의 장르를 넘나들면서 장르 간 복합 양 식의 혼합을 통해 일어나는 각각의 변화와 효과에 대하여 예술 융합적 관점에서 비교 분석하였다. 긍정 적 효과로는 1) 장대한 전쟁 장면의 추가, 2) 여주인공의 등장 개연성을 돕기 위한 새로운 넘버 작곡, 3) 감동적 서사를 위한 주인공 가족의 스토리 연계, 4) 시나리오 각색을 통한 서사적 구조 강화, 5) 카메라기 법의 충분한 활용으로 인물의 내면세계 구체화 등 다섯 가지 요소로 작품을 재해석하였다. 이와 달리, 부 정적 효과로는 1) 전문 뮤지컬배우 부재로 인한 작품 완성도 저하, 2) 지나친 영화적 관점 해석에 따른 뮤지컬 넘버 축소와 3) 뮤지컬 안무 배제로 인한 원작 장르의 정체성 모호함, 4) 뮤지컬 장르적 특성 이 해 부족에 따른 극적 분위기 환기의 실패와 5) 하이라이트 장면의 긴장감 및 몰입감 저해 등 다섯 가지 요소로 고찰하였다. 이는 창작 뮤지컬을 원작으로 한 예술작품이 장르 전이를 통해 영화적 기법으로 재 창출되는 동시에 다양한 예술 장르의 통합과 성장을 의미한다. 이에 연구자는 국내 초연부터 현재까지 시즌마다 꾸준히 평단과 관객의 호평을 끌어내는 한국창작 뮤지컬이 타 장르인 영화 매체로 융합 전이될 때에 일어나는 변화에 대하여 비교하고 분석해 보고자 한다. 더불어 국내 문화예술계에서 기피 시 되는 뮤지컬을 원작으로 한 전문 뮤지컬 영화화의 예술융합에 따른 원작과의 차이점 및 순기능과 역기능 등 생산적이고 발전적인 논의를 펼쳐보는데 그 목표가 있다.

As with recent attempts to make movies based on novels, dramas, or true stories, there are many cases where one genre is expanded and reproduced into various contents, and culture and arts receive great interest and love from the public. The appearance of Korea's first original musical film, <Hero>, is an expanded concept of total art. From the point of view of popular culture and art convergence, it continues to develop in a free form such as original composition, structural reinforcement, and diversification of expression methods. Accordingly, based on Wagner's total art, the researcher compared and analyzed each change and effect that occurred through the mixing of complex styles between genres while crossing each other from an artistic convergence perspective. The positive effects are 1) adding a spectacular war scene, 2) composing a new number to help the heroine appear more likely, 3) linking the story of the main character's family for a touching narrative, 4) strengthening the narrative structure through adaptation of the scenario, 5) The work was reinterpreted in five elements, including the materialization of the character's inner world, through the full use of the camera technique. On the other hand, The negative effects include 1) deterioration in the completion of the work due to the absence of professional musical actors, 2) reduction of musical numbers due to excessive cinematic interpretation, 3) ambiguity in the identity of the original genre due to the exclusion of musical choreography, 4) failure to arouse dramatic atmosphere due to lack of understanding of musical genre characteristics, and 5) tension in highlight scenes and inhibition of immersion. This means that artistic works based on creative musicals are recreated with cinematic techniques through genre transition, and at the same time, the integration and growth of various art genres. The expansion of composite art, which will be reborn as the art of modern popular culture, means not only the fusion of art and human beings but also the expansion of its territory as a means of communication connecting the existing world and future society.

본 연구는 미하일 체홉의 4단계 창조과정 이론을 고찰하여, 연극 <아일랜드>의 인물 구축과 연출에 실 제로 적용하고, 그 적용 효과를 분석·평가함을 목적으로 한다. 4단계 창조과정 이론의 개념과 성격, 적 용 방법, 적용 과정, 적용 효과 분석 및 평가를 통해 유용한 연출 적용사례로 제시하여 연출자들이 새롭 고 효과적인 공연 연출이론으로 응용할 수 있게 하고자 한다. 연출자가 4단계 창조과정 이론을 적용하기 위해서는 체홉의 연기 테크닉에 대한 이해 또는 습득이 선행되어야 한다. 4단계 창조과정 이론은 체홉의 다양한 연기 테크닉을 활용하여 효과적으로 인물을 구축할 수 있는 연기이론이다. 또한 연출자가 다양한 연기 테크닉을 수용하여 공연을 체계적으로 정교화하고, 공연 전체를 조망하며, 세부적인 요소들을 분석 할 기회를 제공하는 연출이론이다. 4단계 창조과정 이론은 1단계 공연과 인물의 개념이 형성되는 단계, 2단계 이미지를 의식적으로 다듬는 단계, 3단계 이미지에 실제적인 존재감을 부여하는 단계, 4단계 배우 의 연기를 객관적으로 바라보는 단계로 진행된다. 본 연구자는 체홉의 4단계 창조과정 이론을 연극 <아 일랜드>에 적용한 후 다음과 같은 결과를 확인했다. 이론 적용의 긍정적 효과로는 연출자의 창조적인 계 획과 아이디어 구현, 연출자와 배우의 소통 및 연기 향상, 연극 제작과정의 효율성과 경제성 확보, 작품 의 일관성 유지와 완성도 제고 등이다. 이론 적용의 부정적 효과로는 제작의 복잡성 및 시간과 에너지 소모, 배우의 이해도와 능력 차이, 작품의 창의성 및 다양성 제약 등이다. 체홉의 4단계 창조과정 이론이 연출자와 배우의 소통을 기반으로 창조적 아이디어를 수렴하여 제작 및 연출과정을 합리적으로 진행하 는 유용한 연출 방법으로 인식되길 기대한다.

The purpose of this study is to examine Michael Chekhov's theory of four stages of the creation process, apply it to the character building and directing in the play <The Island>, and analyze and evaluate its application effects. Through the analysis of the concept, characteristic, application method, application process, and application effect of the theory of four stages of the creation process, it is presented as a useful directing application case so that directors can apply it as a new and effective performance directing theory. In order for a director to apply the theory of four stages of the creation process, an understanding of Chekhov's acting techniques must be preceded. The theory of four stages of the creation process is an acting theory that allows you to effectively build a character by utilizing Chekhov's various acting techniques. It is also a directing theory that provides an opportunity for the director to systematically elaborate the performance by accepting various acting techniques, view the entire performance, and analyze detailed elements. The theory of four stages of the creation process consists of four stages. The first stage is conception formation of whole performance and all characters. The second stage is conscious elaboration of the images. The third stage is giving real existence to the images. The fourth stage is becoming the observer of his own work. This researcher applied Chekhov's theory of four stages of the creation process to the play <The Island> and confirmed the following results. Positive effects of applying the theory include implementing the director's creative plans and ideas, improving communication and acting between the director and actors, ensuring efficiency and economy in the play production process, and maintaining consistency and improving the completeness of the work. This researcher hopes that Chekhov's theory of four stages of the creation process will be recognized as an excellent directing method that collects creative ideas based on communication between the director and actors and proceeds the production and directing process rationally.

중국연극과 서양연극의 융합으로 라이성천 연극만의 독특한 스타일이 창작되었다. 그러나 당시 이러한 연극에 익숙하지 않은 중국연극 학자들의 이견이 나타나서 본 연구자는 이러한 점을 착안하여 과연 라이 성천 연극 스타일이 어떠한 주요 특징을 지니고 있는지에 대하여 분석하여 한국과 중국연극계에 도움을 주고자 연구의 필요성을 제시했다. 라이성천 연극스타일에 대한 기존논의는 집단즉흥창작과 희비극 형식 의 실험적 기법, 포스트 모더니즘의 영향, 그리고 몽타주 영화기법을 활용한 독창적인 중국연극의 새로운 기법을 나타냈다고 논의되었다. 본 연구자의 문헌분석 결과에 의하면 라이성천의 연극의 주요 특징은 집 단즉흥창작 기법이다. 집단즉흥 창작은 크게 두 부분으로 나뉜다. 첫째, 연출자의 청사진을 통해 연극편성 과정에서 대본은 정상적인 연극 논리에서의 '출발점'이 아니라 배우들의 매일 다른 연습 과정에서 배역이 다르게 설정되는 '상황'을 연습한다는 점이다. 둘째, 배우의 캐릭터 설정은 즉흥적인 상황 연기가 바탕이 되고 있다. 특히 짝사랑<도화원>은 <짝사랑>과 <도화원> 두 팀이 극장의 부주의로 따로따로 리허설을 해 야 하는 상황이 발생하여 두 극단을 같은 날 밤으로 배치해 리허설 시간이 충돌하면서 벌어지는 갈등을 그린 이야기이다. 그러므로 중국 전통연극과 달리 짝사랑<도화원>은 서로 다른 시공간, 다른 속성의 두 이야기를 교묘하게 융합한 이중 스토리를지닌 콜라주 형식의 구조로 표현되었다. 이에 대하여 라이성천 연극은 비극과 희극이 절대적인 대비현상은 아니지만 두 가지 드라마 스타일이 나타났다. 특히 라이성천 은 브리짓 시스템( Brecht System)의 핵심 이론인 간리(间离)를 통하여 배우와 캐릭터의 분리를 해소하기 위하여 관객과 캐릭터의 공감을 요구한 것이 연극의 핵심이라는 점을 시사하고 있다.

The fusion of Chinese and Western plays created a unique style of Lai Sung-cheon theater. However, due to disagreements among Chinese theater scholars unfamiliar with these plays at the time, this researcher suggested the necessity of research to help the Korean and Chinese theater industries by analyzing the main characteristics of Lai Sung-cheon's theater style. Existing discussions on Lai Sung-cheon theater style have been discussed as representing experimental techniques in the form of group improvisation and comedy, the influence of post-modernism, and new techniques of original Chinese theater using montage film techniques. According to the results of literature analysis by this researcher, the main characteristic of Lai Sung-cheon's play is the group improvisation creation technique.Group improvisation is largely divided into two parts. First, through the director's blueprint, the script is not a "starting point" in normal theater logic, but rather a "situation" in which roles are set differently in different practices of actors every day. Second, the actor's character setting is based on spontaneous situation acting. In particular, "Dohwawon" is a story about a conflict that arises when two teams, "Dohwawon" and "Dohwawon," have to rehearsal separately due to the carelessness of the theater, and the two theater companies are arranged at the same night. Therefore, unlike traditional Chinese plays, "Dohwawon" was expressed in a collage-type structure with a double story that cleverly combines two stories of different time and space and different attributes. In response, Lai Seong-cheon said that tragedy and comedy are not absolute contrasting phenomena, but the fact that two drama styles appeared is different from the previous discussion. In particular, Lai Seong-cheon suggests that the core of the play is the separation of actors and characters and the empathy of the audience and characters through "Ganli," the core theory of the Bridget system

청나라 연극인들은 굴원의 이야기를 의도적으로 각색하여 그에 대한 절의의 정신을 널리 알리고 있 다. 이에 따라서 본 연구의 필요성은 청대의 굴원을 주제로 한 연극과 굴원이 등장인물로 쓰여진 <회사 기 >와 <밀라사> 희곡의 서사구조에 나타난 굴원의 삶에 대한‘보한(补恨)’현상이 어떻게 쓰여졌는지에 대 하여 연구의 필요성을 느껴 이를 고찰했다. 연구의 방법은 기존의 연구 문헌분석과 희곡분석을 통해 연 구했다. 선학자들의 논의는 굴원 희곡의 고증, 창작 동기, 문화적 가치, 인물 이미지, 예술적 특성, 예술적 결함 등을 면밀히 분석했지만 본 연구는 굴원 희곡의 서사 내용에서 주요 보한 현상을 논의한 점이 차별 된다. 그 결과 장견은 창작 당시 28단까지 역사적 사실을 존중하는 기초 위에서 사실성에 가까운 상상을 하며 많은 에피소드를 추가했다. 굴원 성선의 뒷 4단 이야기는 작가의 허구이다. 장견의 <회사기>가 가장 긴 굴원희이고 그 다음이 후옌펑의 <밀라사>이다. 두 희곡은 각각 굴원의 삶 속에 나타난 한을 서로 다 른 측면에서 보완한 것이 특징이다. <회사기>는 굴원이 자유를 추구하지만 실현할 수 없는 아쉬움을 그 려냈고 <밀라사>는 굴원의 정치적 이상을 실현할 수 없는 아쉬움을 보완하는 데 중점을 두었다. <회사 기>는 '보한'을 쓸 때 굴원의 '감정'과 '이성'의 통일을 중시하고 <밀라사>는 굴원의 '이성'을 더욱 강조했 다. 즉 두 희곡이 '보한'을 나타나는 데 중점을 두었고 인물을 만드는 방식 그리고 표현되는 인물의 모습 이 서로 다르다. 따라서 본 연구자가 이에 대한 주요 특징을 고찰하여 중국 연극계에서 굴원의 삶을 새 로운 시각으로 재조명할 수 있도록 하는데 그 연구의 목적을 두고 있다.

The theater artists of the Qing Dynasty intentionally adapted the story of Gulwon to promote the spirit of fidelity toward him. Accordingly, the necessity of this study was examined by feeling the necessity of research on how the "Bohan (补恨)" phenomenon of Gulwon's life was written in the narrative structure of the plays <Company Ki> and <Milasa> written by Gulwon as characters in the play on the theme of Gulwon in the Qing Dynasty. The method of research was studied through existing research literature analysis and drama analysis. The previous scholars' discussions closely analyzed the historical evidence, creative motivation, cultural values, character images, artistic characteristics, and artistic defects of Gulwon plays, but this study is different in that it discussed major conservative phenomena in the narrative content of Gulwon plays. As a result, Jang Gyeon added many episodes at the time of creation, imagining close to realism on the basis of respecting historical facts up to 28 steps. The story of Gul Won Seong-seon in the back four is a fiction of the author. Jang Gyeon's "Company Flag" is the longest, followed by Hu Yanfeng's "Milasa". Each of the two plays is characterized by complementing the han that appeared in Gulwon's life in different aspects. <Company Ki> portrayed a regret that Gulwon sought freedom but could not be realized, while <Milasa> focused on supplementing the regret that Gulwon's political ideals could not be realized. When writing "Bohan," <Company Ki> emphasized the unification of Gulwon's "feeling" and "reason," while <Milasa> further emphasized Gulwon's "reason." In other words, the two plays focused on appearing "Bohan," and the way the characters are made and the appearance of the characters expressed are different from each other.

지난 100여 년 이상 스타니슬라브스키의 고전적 연기술에 익숙해져 왔던 오늘날의 배우들은 4차 산업 혁명 시대 디지털 기술의 혁명적 발전에 따라 새로운 연기 환경을 맞이하게 되었다. 그동안 인간 배우만 이 해낼 수 있는 고유한 영역으로 인식된 공연예술 무대는 인공지능을 탑재한 로봇 배우의 출연으로 변 화가 시작되었고 영상예술 분야에서는 최첨단 디지털 기술과의 만남 속에서 새로운 연기 표현법의 변화 가 감지되었다. 인공지능을 탑재하고 인간의 감정까지도 일정 부분 표현할 수 있는 AI 로봇이 인간 배우 와 함께 공연하고 있으며 모션 캡쳐, 이모션 캡쳐, CG, 특수효과 등을 이용하여 배우 연기의 표현 확장성 을 이루어내고 있다. 이러한 급속한 변화를 온몸으로 받는 인간 배우는 기존의 전통적인 연기술과 더불 어 각 매체의 특성과 표현 방법 그리고 특징적인 기술을 이해하고 체득할 필요성이 있었다. 본 고는 공 연예술 분야에서는 디지털 기술과 연기예술이 융합하여 로봇 배우의 등장을 알린 히라타 오리자의 연극 ‘사요나라’를 비롯하여 판소리 로봇 ‘에버’, 산업기술연구원의 공연용 로봇 라오라의 사례를 통한 인공지 능 로봇 배우와 사람 배우와의 상호 교감적 연기를 중심으로 연구하였다. 또한 영상예술 분야에서 연기 와 디지털 기술의 결합이 어떻게 이루어지는지 그리고 이에 대한 배우의 연기 표현 방법은 어떻게 이루 어지는지에 대해 모션 캡쳐, 이모션 캡쳐의 활용 시 배우에게 필요한 연기 표현법의 사례와 현황을 영화 ‘아바타’와 ‘반지의 제왕’을 중심으로 연구하였다. 매체의 특성에 맞는 연기법 적용사례 및 현황 연구를 통해 미래의 연기예술의 발전적 방향성 정립에 일조할 수 있기를 목적으로 하였다.

Today's actors, who have been accustomed to Stanislavski's classic acting techniques for over 100 years, are faced with a new acting environment following the revolutionary development of digital technology in the era of the Fourth Industrial Revolution. The performing arts stage, which has been recognized as a unique field that only human actors can accomplish, has begun to change with the appearance of robot actors equipped with artificial intelligence, and in the field of visual arts, new acting expression methods have changed through encounter with cutting-edge digital technology. It was detected. AI robots equipped with artificial intelligence and capable of expressing even human emotions to a certain extent are performing together with human actors, and motion capture, emotion capture, CG, and special effects are used to expand the expression of actors' acting. Human actors who experience these rapid changes with their whole bodies needed to understand and acquire the characteristics, expression methods, and characteristic techniques of each medium in addition to existing traditional acting skills. In the field of performing arts, this paper examines the cases of Oriza Hirata's play 'Sayonara', which announced the emergence of robot actors through the convergence of digital technology and acting art, as well as the pansori robot 'Ever' and the Korea Institute for Industrial Technology's performance robot Laora. The study focused on interactive acting between artificial intelligence robot actors and human actors. In addition, regarding how the combination of acting and digital technology is achieved in the field of video art and how actors express their acting, examples and current status of acting expressions required by actors when using motion capture and emotion capture are provided in the movie 'Avatar'. and 'The Lord of the Rings'.

본 연구는 Covid-19 이후 디지털 전환의 시대 흐름에 따라 점차 그 활용도가 높아지고 있는 메타버스 를 대학교 연극 공연 제작 실습과목의 유용한 교육도구로 사용할 때, 어떤 방식으로 수업을 구성하고 진 행하는 것이 효율적인가를 고찰하는 것을 그 목적으로 하고 있다. 연극예술 분야에서도 디지털 기술 기 반의 제작 역량을 갖춘 인적자원을 필요하게 될 것이고, 그에 따라 대학에서 메타버스를 활용한 연극 제 작 실습과목의 필요성이 제기된다. 연구 목적을 달성하기 위해 K대학교 디지털콘텐츠학과 2023년도 1학 기에 개설된 공연연출론 교과목을 연구대상으로, 수업과정을 세 부분(연극과 연출에 대한 기초적 이해, 메타버스 연극공연을 위한 대본작업, 메타버스 플랫폼을 활용한 실제 공연의 실행)으로 구분하여 진행하 며 고찰했다. 이 과정에서 학생들은 희곡 대본과 메타버스 연극공연 대본의 차이를 경험하게 되었으며, 움직임 보다 연기자의 목소리 연기가 더 중요하다는 사실, 그리고 공연제작에 투입되는 시간과 비용의 측면에서 메타버스를 활용하는 것이 훨씬 더 경제적 효율성을 높일 수 있다는 점 등을 이해할 수 있게 되었다. 동시에 현재까지의 기술만으로는 메타버스 공간에서 심도 있는 연기 표현력이나 다양한 무대장 치를 활용하는 데 한계가 있다는 점도 받아들이게 되었다. 현재 메타버스 공연에 대한 정의와 구체적인 형태에 대한 연구가 정립되고 있는 과정에서, 본 연구가 제시하는 메타버스를 활용한 연극 제작 실습 방 안에는 한계가 있다. 하지만, 향후 진전된 메타버스 플랫폼 기술과 활발한 연구를 통해, 대학에서의 메타 버스 연극 제작 수업 사례가 많아지고 좀 더 체계화된다면 디지털 전환의 미래 사회를 살아갈 학생들에 게 새로운 형태의 연극 공연에 창의적으로 참여할 기회가 확대될 것으로 기대된다.

The purpose of this study is to examine whether the metaverse can be used as a useful educational tool for the university's theatre performance production practice course, and how it is efficient to organize and proceed with the class. The market for cultural contents based on the metaverse is gradually expanding with the trend of the era of digital transformation after Covid-19. In the field of theater arts, human resources with digital technology-based production capabilities will be needed. Also, the need for a theater production practice course using metaverse in universities is raised. To achieve the purpose of the study, the performance practice course opened in the first semester of 2023 in the Department of Digital Contents at K University was studied. The practice process was divided into three parts as follows: basic understanding of theater and directing, script work for metaverse theater performances, and execution of actual performances using metaverse platforms. In the process, students experienced the differences between the script of the play and script of the metaverse play. They also understood that the actor's voice acting was more important than movement, and that the metaverse could increase economic efficiency in terms of time and cost spent on the production of the performance. At the same time, it has been accepted that technology alone so far has limitations in using in-depth acting expressions and various stage devices in the metaverse space. Currently, research on the definition and specific form of metaverse performances is being established. Therefore, there is a limit to the practice plan for theater production using the metaverse proposed by this study. However, the development of metaverse platform technology and various studies in the future will help the university's metaverse theater production course become more systematic. If so, it is expected that students who will live in the future society of digital transformation will have more opportunities to participate creatively in metaverse theater performances.

좀비영화는 각 시대별 사회와 긴밀한 관계를 맺으며 사회를 반영했다. 최초의 좀비영화 <화이트좀비> 는 제국주의의 식민정책과 노예정책과 관련을 가진다. 조지 로메로의 영화 <살아있는 시체들의 밤>은 반 전주의·반인종차별주의 등 당시 미국의 사회비판적인 분위기를 반영하였고, <시체들의 새벽>은 주요 공간을 쇼핑몰로 설정하여 미국의 자본주의와 소비주의를 풍자하려 했으며, <시체들의 날>은 냉전을 다 루었다. 밀레니엄 이후 등장한 좀비영화는 과학기술문명과 신자유주의에 대한 비판적인 은유를 담아낸 다. 2020년도 한국영화 <#살아있다>는 밀레니얼 세대인 준우와 유빈을 주요 인물로 설정함으로써 좀비 사태이후 인간의 생존투쟁을 청년으로 포커스를 맞추고 현재 한국사회 속 밀레니얼 세대의 세계를 보여 준다. 영화는 디지털 네이티브의 특성이 매우 강한 준우를 통해 디지털 네트워크가 작동하지 않을 때의 공포와 이를 극복하기 위해 노력하는 모습을 보여주는데, 디지털에 무게를 둔 연결방식의 시도 속에서 유빈을 알게 됨으로써 아날로그의 방식이 덧대어진 소통을 위한 다양한 방법들을 알아가게 된다. 또한 이들을 통해 생존주의에 경도되어버린 밀레니얼 세대의 모습을 보여준다. 여기서 중요한 것은 그들이 지 향하는 생존주의는 성공이나 야망이 아닌 보통의 삶을 원하는 ‘정상성’에의 욕망이다. 나아가 이들의 생 존주의에는 건조한 듯 유연한 공존주의가 있음을 담아낸다. 생존을 위한 이들의 연대는 소통의 결과물이 며 이는 상호의존, 상호연관, 상호관계를 결여한 좀비와는 차별되는 것이다. 밀레니얼 세대로 초점을 맞 춘 <#살아있다>는 결과적으로 한국사회의 현재를 보여주는 역할을 한다. 밀레니얼 세대를 넘어 점점 더 생존주의가 지배해 가는 사회에서 좀비를 통해 인간으로서의 존재론적 고민과 상호관계의 중요성을 보 여준다. 한편 디지털 기술이 불가능한 상황이 초래할 수 있는 악몽을 보여주면서도 디지털 문명에 대한 긍정적인 면도 함께 보여주는데, 이는 현 시점에서 커넥티즌 강국으로 불리는 한국의 디지털 네트워크가 팬데믹 상황에서 효과적으로 작동했다는 점과 무관하지 않을 것이다.

Zombie films have a close relationship with society in each period and reflect society. The first zombie film "White Zombie" is related to the colonial and slave policies of imperialism. George Romero's film "Night of the Living Dead" reflected the social criticism atmosphere of the United States at the time, including anti-warism and anti-racism, while "Dawn of Dead”tried to satirize capitalism and consumerism in the United States by setting major spaces as shopping malls. The zombie films that appeared after the millennium capture critical metaphors for science and technology civilization and neoliberalism. The 2020 Korean film <#Alive> focuses on the struggle for human survival as young people after the zombie crisis by setting millennials Jun-woo and Yu-bin as key figures and shows the world of millennials in Korean society. Through Junwoo, who has a very strong characteristic of digital native, the movie shows the fear when the digital network is not working and the effort to overcome it, and by getting to know Yu Bin in the attempt of a digital-weight connection method, Junwoo learns various ways to communicate with analog methods. It also shows the Millennials who have become obsessed with survivalism through them. What is important here is that the survivalism they aim for is not success or ambition, but a desire for "normality" that wants a normal life. Furthermore, their survivalism contains a dry and flexible coexistenceism. Their solidarity for survival is the result of communication, which is different from zombies that lack interdependence, interrelationships, and interrelationships. <#Alive>, which focuses on millennials, plays a role in showing the present of Korean society as a result. It shows the importance of ontological concerns and interrelationships as humans through zombies in a society that is increasingly dominated by survivalism beyond millennials. Meanwhile, while showing the nightmare that digital technology impossible situations can cause, it also shows the positive side of digital civilization, which may not be irrelevant to the fact that Korea's digital network, called a connectivity powerhouse at this point, worked effectively under the pandemic.

본 연구는 전통예술 콘텐츠의 현대적 수용을 위한 활성화 방안의 초석을 마련하기 위해 전통예술 콘텐츠 중 거문고의 악기개량을 문헌 중심으로 분석하고 현대적 수용과정에 대한 논의를 통해 전통예술의 창의적이고 진취적인 활동의 기준과 방향성을 제안하고자 하였다. 이를 위해 국립국악원 창작악단에 도입하여 사용되고 있는 개량 거문고 화현금의 사용 횟수를 조사해 본 결과 2011년도 창작 공연 35회 중 1회 사용에서 2018년도에는 창작 공연 총 27회 중 15회로 점차 사용의 횟수가 증가하였다. 국립국악원은 점차 관현악곡에서 6현 거문고를 사용한 것을 9현 화현금으로 합주하고 협연 시에도 사용하는 등의 정책적 노력을 통해 국내외 작곡가들과 거문고 연주자들에게 거문고의 다양한 음역을 활용한 표현의 범위를 넓히고 확대하는 데 기여하였다. 향후 거문고 음악의 현대적 수용을 통한 지속적인 발전을 위해 전통예술 콘텐츠 중 개량 거문고 화현금 활용의 기준과 방향성을 다음과 같이 제언하고자 한다. 첫째, 9현 화현금 뿐만 아니라 다양한 화현금을 활용할 수 있도록 여러곡들이 작곡되고 연주되어야 한다. 둘째, 화현금이 전문연주자 뿐만 아니라 초보자들에게 보급될 수 있도록 교육의 기회를 제공하고 실용성을 높여야 한다. 또한 학교에 악기를 보급하고 민간 교육기관에서도 배울 수 있도록 교육용 교재를 함께 개발하는 것도 중요하다. 셋째, 창작곡뿐만 아니라 정악, 산조 등의 전통 악곡을 연주해야 악기의 대중적 활용도가 높고 시대적 계승이 이루어졌다고 할 수 있다. 그러므로 거문고 연주자들이 창작곡뿐만 아니라 전통 악곡을 연주할 수 있도록 적극적인 장려가 필요하다. 그러나 본 연구는 국립국악원에서 활용된 사례를 중심으로 조사한 것으로, 향후 개량 거문고 화현금이 전통예술콘텐츠로서 거문고 음악의 지속적인 발전을 위하여 시대를 수용하는 현대적 악기로 사용되기 위해서는 후속연구가 필요하다.

In order to lay the foundation for a revitalization plan for the modern acceptance of traditional art content, this study analyzes the improvement of the geomungo among traditional art content through literature-based analysis and discusses the modern acceptance process to establish standards for creative and enterprising activities in traditional art. and direction. To this end, we investigated the number of uses of the improved geomungo Hwahyeongeum introduced and used in the National Gugak Center's creative orchestra, and as a result, the number of uses gradually increased from 1 in 35 creative performances in 2011 to 15 out of 27 creative performances in 2018 did. It is also called The National Gugak Center has gradually expanded the range of expressions utilizing the diverse vocal range of the geomungo to domestic and foreign composers and geomungo players through policy efforts such as gradually replacing the use of the 6-string geomungo in orchestral music with the 9-string Hwahyeongeum and using it in collaborative performances. contributed to its expansion and expansion. First, various songs must be composed and performed so that they can utilize not only the 9-string Hwahyeongeum but also a variety of Hwahyeongeum. Second, educational opportunities should be provided and practicality should be improved so that Hwahyeongeum can be distributed to beginners as well as professional performers. Third, it can be said that not only original compositions but also traditional music such as jeongak and sanjo must be played to ensure that the instrument is widely used and inherited over time. However, this study only looked at cases used at the National Gugak Center, and follow-up research is needed in order for the improved geomungo Hwahyeongeum to be used as a modern instrument that accommodates the times for the continued development of geomungo music as traditional art content.

본 연구는 학교 교육 현장에서의 무대 화술교육에 있어 실제 적용이 가능한 올바른 대사 분석 방법 및 숨겨진 의미, 휴지, 억양, 단락 나누기의 원리와 그 훈련 방법을 제시함으로써 연극 교사들이 학생들을 올바르게 지도하는 능력을 함양하는 것에 그 목표를 둔다. 이를 위해 희곡분석의 단계를 1차부터 3차까지 제시하고, 그중 1차 단계인 대사 분석이 전체 연습 과정에서 가장 중요하며, 단계별 접근의 필요성을 강조하였다. 즉, 1차 대사 분석에 속하는 숨겨진 의미, 휴지, 억양, 단락 나누기 등은 작품의 주춧돌이 되는 시작점이자 버팀목이 되기 때문에, 이를 충분히 이해시키고 올바르게 표현하는 방법의 필요성을 기술하였다. 이를 토대로 대사 분석과 화술 연기표현의 실제를 숨겨진 의미, 휴지(pause), 억양(intonation), 단락 나누기 등 네 개의 범주로 나누어 고찰하였다. 우리 연기교육 환경에서 학생 배우들을 위한 표준화된 대사 분석과 화술 연기 훈련법이 존재하는가? 안타깝게도 인근 음악과 미술 장르 등의 교육적 접근 방법에 있어 그 기초가 튼튼하고 분명한 가운데, 심화 과정에서 분화되는 것과 달리 유독 우리 연기예술에서 가장 기초라 할 수 있는 대사 분석과 화술 연기의 표준화된 방법론은 매우 미약하거나 공론화되지 않았다. 연구 결과 특히 연기에 있어 화술은 배우의 대사 분석을 토대로 한 올바른 표현 능력을 길러줄 수 있고, 관객과의 상호소통에 있어 가장 구체적이고 실제적인 수단이자 방법이 됨을 확인할 수 있었다. 따라서 학생 배우들이 대사에 숨겨진 참 의미를 찾고, 휴지 및 억양 그리고 단락 나누기를 통해, 과연 그것이 대사가 지닌 의미와 감정에 적합한지를 점검하고 교정하도록 도와주는 지침서가 꼭 필요한 것이다. 우리의 무대 화술교육에서 학생 배우들을 위한 가장 기초적인 방법론, 즉 표준화된 교재나 훈련법이 존재하지 않기 때문에 발생하는 병폐는 실로 심각하다. 그 결과 선행 교육기관과 현행 교육기관의 연계가 부족할 수밖에 없으며, 교육 방법론에 있어 단계별 수준 향상을 꾀할 수 없음은 물론 나아가 현장 예술과의 심각한 괴리현상으로 연극계 전반의 혼란을 겪을 수밖에 없다. 본 연구가 감히 지금까지의 ‘화술’연구를 대체할 만큼의 전문성을 갖추고 있진 못하겠지만, 부디 우리나라 청소년의 눈높이에 맞는 화술교육 개발의 영역과 방법론을 개척하는 데 있어 하나의 작은 실마리가 되기를 바란다.

This study aims to cultivate the ability of theater teachers to properly guide students by presenting hidden meanings, pauses, accents, and paragraph sharing principles and training methods that can be practically applied in stage speech education in the school education field. To this end, the stage of play analysis was presented from the first to the third, and the first stage of dialogue analysis was the most necessary in the entire practice process, and the importance of a step-by-step approach was emphasized. In other words, the hidden meaning, pause, intonation, and paragraph sharing, which belong to the primary metabolic analysis, serve as the starting point and support for the work, so the necessity of fully understanding and expressing them correctly was described. Based on this, the practice of dialogue analysis and primary speech acting expression was divided into four categories: hidden meaning, pause, intonation, and paragraph division. Is there a standardized dialogue analysis and speech skills acting training method for student actors in our acting education environment? Unfortunately, while the foundation is strong and clear in the educational approach of nearby music and art genres, the standardized methodology of metabolic analysis and speech acting, which is the most basic of our acting arts, is very weak or not publicized. As a result of the study, it was confirmed that speech skills, especially in acting, can develop the correct expression ability based on the actor's dialogue analysis, and is the most specific and practical means and method of communicating with the audience. Therefore, a guide is essential to help student actors find the true meaning behind the lines, check and correct whether they are suitable for the meaning and emotion of the lines through pauses, intonations, and paragraph sharing. The ills caused by the absence of the most basic methodology for student actors in our stage speech education, namely standardized textbooks or training methods, are indeed serious. In particular, there is a lack of connection between prior educational institutions and current educational institutions, and it is impossible to improve the level of education methodology step by step, and furthermore, due to a serious gap with field art, the theater industry is bound to experience confusion. Although this study does not dare have enough expertise to replace the previous "stage speech” research, I hope it will be a small clue to pioneering the area and methodology of the development of speech education that fits the perspective of Korean teenagers.

본 연구자는 코미디의 변형을 통해 다양화된 희극적 캐릭터 유형을 우디 앨런의 대표적인 중기 작품 속 <애니 홀>, <맨하탄>, <한나와 그 자매들> 캐릭터들을 살펴보고 극에서 전개되는 인물의 캐릭터를 분석하였다. 이는 이 시대의 코미디 작품 속 캐릭터 유형의 범위를 확대하고 새로운 캐릭터 제안을 위한 토대를 마련하고자 함이다. 세 영화 작품 속에서 나타난 캐릭터의 유형 분석은 다음과 같다. 첫째, 자기 반영적 요소가 나타나는 캐릭터이다. 둘째, 예술적 삶을 통해 자신의 잘못을 예술적으로 승화시키는 캐릭터이다. 셋째, 냉소적이고 비관적이며 코믹하고 쾌활한 분위기를 유지하며 독립적 여성상을 나타낸다. 우디 앨런의 중기 영화는 멜로드라 마와 코미디의 결합으로 캐릭터 유형과 갈등 구조에 캐릭터의 변화를 가져왔다. 극의 갈등 구조 속에서 주인공은 알라존 유형과 익살꾼의 보몰로코스 유형을 동시에 보여주고 여성 캐릭터는 우유부단한 에이론 유형에서 남성 캐릭터에 영향력을 행사하고 극을 이끌어가는 주도적인 역할로 자신의 존재와 진정성을 추구하는 비전형적 캐릭터로 변화한다.본 연구자가 분석한 세 작품 속 캐릭터 유형과 갈등 구조의 변화는 멜로 드라마와 코미디의 결합으로 나타난 특징으로 코미디의 하위 장르가 지속해서 생겨날수록 캐릭터의 변화는 더욱 다양하고 복잡해질 것이다. 이런 점에서 우디 앨런 중기 영화의 멜로 드라마 코미디 영화 속의 캐릭터들은 단순히 웃음을 주는 캐릭터에서 벗어나 캐릭터 간의 갈등 구조, 극적 기능과 행위에 따른 복합적이고 심리적, 내적 묘사가 두드러지는 캐릭터의 비전형적 변화를 보여준다. 본 연구를 통해 멜로 드라마 코미디 영화 속 캐릭터를 이해하고 분석할 수 있는 기초자료로 활용되길 바라며 비전형화된 새로운 캐릭터가 지속적으로 개발되어 다양한 영화 작품가 선보이길 바란다.

This researcher examined the characters of <Annie Hall>, <Manhattan>, and <Hannah and Her Sisters> in Woody Allen's representative mid-period works to see the types of comic characters that were diversified through the transformation of comedy, and examined the characters of the characters developed in the play. was analyzed. First, it is a character that displays self-reflective elements. Second, he is a character who artistically sublimates his mistakes through his artistic life. Third, it maintains a cynical, pessimistic, comical, and cheerful atmosphere and represents an independent woman. The change in character type and conflict structure in the three works analyzed by this researcher is a characteristic of the combination of melodrama and comedy. In the conflict structure of the play, the main character shows both the Alazon type and the humorist Bomolochus type, and the female character plays a leading role in influencing the male character and leading the play from the indecisive Eiron type, showing her own existence and He changes into an atypical character seeking authenticity. As sub-genres of comedy continue to emerge, the character changes. It will become more diverse and complex. In this respect, the characters in the melodrama-comedy films of Woody Allen's mid-career films show an atypical change in character, moving away from characters that simply make people laugh and highlighting complex psychological and internal descriptions according to the conflict structure between characters and dramatic functions and actions. We hope that this study will be used as basic data to understand and analyze characters in melodramatic and comedy films, and that new, non-typical characters will continue to be developed and a variety of film works will be introduced.

산업 패러다임의 변화로 제조업에서 서비스와 정보 중심의 사회가 도래하면서 다수의 공업 도시가 지역경제 쇠퇴의 길을 걸었다. 이와 맞물려 대량의 폐산업 시설물들이 버려지거나 방치되는 양상을 보였다. 이러한 도시의 유휴공간은 방범 불안과 도시미관 저해 등의 부정적인 영향을 미치는데 이를 해결하기 위한 방안으로 근대의 산업유산을 연구하고 보전하여 문화예술공간으로 활용하는 사례가 점차 늘어나고 있다. 대표적인 국내 사례로는 인천 아트플랫폼이, 해외 사례로는 영국 테이트 모던 갤러리와 미국 하이라인 공원이 있다. 본 연구는 근대산업유산을 기반으로 복합문화공간을 형성한 홍콩 프린지클럽에 주목하고자 하였다. 이들의 시·공간적 맥락을 통해 프린지클럽이 어떤 사회·문화적 가치를 만들어 냈는지 분석하고자 하였다. 본 연구를 위해 연구자의 프린지클럽 업무 경험을 바탕으로 프린지클럽 내부 문서 및 근대산업유산과 복합문화공간 선행 연구를 활용한 문헌연구를 시행하였다. 문헌연구를 바탕으로 프린지클럽의 전(前) 행정감독과 프로그램 매니저와의 면담 조사를 병행하여 자료의 사실관계를 재확인하였으며 이를 정리하고 분석 및 종합하였다. 비영리 민간 문화예술단체인 프린지클럽이 주도한 근대산업유산의 보전 노력은 산업유산의 사회적 가치 위에 독립적이고 실험적인 비주류 예술의 활성화와 동시대 예술이 공존하는 문화적 가치를 생산하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 프린지클럽은 근대산업유산 건물을 최대한 보전하고 활용하고자 하는 노력을 통해 근대산업유산의 유·무형의 가치를 보전함과 동시에 유산의 가치를 지역 사회에 연결하여 문화적 교류를 제공하였다. 둘째, 프린지클럽은 지역 예술가에게 창작환경을 무료로 제공하며 창작자 친화적인 수익 배분을 통해 지속 가능한 운영체계를 마련하였다. 마지막으로 이들은 문화공간을 적극 활용하여 동아시아 권 문화예술 국제교류 형성에 초석을 다졌고 국내외 현업 종사자들의 재교육을 통한 역량 강화에 기여하였다. 본 연구는 홍콩 프린지클럽을 근대산업유산 기반의 복합문화공간 사례로서 제시함과 동시에 시·공간적 맥락을 통해 프린지클럽이 어떤 사회·문화적 가치를 도출한 데에 의의가 있다.

As the paradigm of industries shifted towards a society centered around services and information, industrial cities faced economic decline, leading to the abandonment and neglect of numerous industrial facilities. The resulting vacant spaces in urban areas had negative impacts such as public safety concerns and compromising the city’s aesthetics. To address these issues, an increasing number of cases have emerged where modern industrial heritage is studied preserved, and repurposed into cultural and artistic spaces. Prominent domestic examples include the Incheon Art Platform, while international counterparts are the Tate Modern Gallery in the UK and the High Line Park in the US. The gathered data were cross-referenced for factual accuracy, then organized, analyzed, and integrated. The conservation efforts for modern industrial heritage spearheaded by the Fringe Club, a non-profit private cultural arts organization, culminated in creating cultural value, fostering an environment where independent, experimental non-mainstream arts and contemporary arts thrive alongside the social significance of the industrial heritage. The results of this study are as follows: Firstly, by endeavoring to preserve and make the most of the buildings representative of modern industrial heritage, the Fringe Club not only safeguarded both the tangible and intangible values of such heritage but also bridged its value to the community, promoting cultural interactions. Secondly, the Fringe Club offered local artists a free creative environment and instituted a sustainable operational model through an artist-centric revenue distribution system. Finally, the establishment of cultural spaces at the Fringe Club played a significant role in fostering the flow of international artistic exchanges in East Asia and contributed to enhancing the skills of professionals in the field through retraining programs both domestically and abroad. This study presents the Hong Kong Fringe Club as an exemplar of a complex cultural space rooted in modern industrial heritage, noting the significance of the socio-cultural values that the Fringe Club has derived through its temporal and spatial contexts.

본 연구는 지속가능한 문화유산의 보전과 계승 발전을 위해 대전광역시 시지정무형문화재인 승무의 다양한 가치 평가가 무엇보다도 절실해진 시점에서 법우 송재섭의 삶과 춤을 통해 승무의 무형문화재적 가치를 고찰하는데 목적이 있으며 더 나아가 한국 전통춤인 승무의 활성화를 위한 기초자료를 마련하는 데 의의가 있다. 법우 송재섭 승무의 무형문화재 지정은 대전광역시의 전통춤 역사에 새로운 변화를 가 져온 계기가 되었다. 대전광역시 입장에서도 국가중요무형문화재로 지정된 종목을 시지정무형문화재로 인정함에 있어서 지역환경적으로 지정 당시 대전시는 신도시였고 대전을 대표할만한 전통춤이 부재한 실정에서 시는 다양한 문화재 지정이 필요했던 요인이 작용했다. 이러한 부분은 대전광역시 문화재 지정 의 모범적인 행정사례가 될 수 있다고 생각한다. 본 연구를 바탕으로 몇 가지 제언을 하고자 한다. 첫째, 해당 연구가 기반이 되어 지속적으로 법우 송재섭의 전통춤에 대한 폭넓은 연구가 수행되는 것이 필요하 다. 둘째, 오늘날 전통의 전승은 구술로 이루어지는 것이 아니라 객관적인 기록과 자료를 통해 이루어지 때문에 법우 송재섭 승무의 춤세계에 대한 문화재적 가치 연구물의 축적이 필요해 보인다. 셋째, 시지정 무형문화재의 가치를 높이고 전승 환경을 확장시켜 시지정문화재의 다양한 활용으로 시민들에게 양질의 문화향유 기회를 확대시켜나가기 위한 노력이 수반되어야 한다는 점이다. 넷째, 문화유산의 전승과 계승 발전을 위해서는 많은 연구의 축적과 기록화가 무엇보다도 중요하며, 무형문화재가 체계적으로 관리 될 수 있도록 전문인력에 대한 지원이 필요하다. 마지막으로 무형문화재가 문화사업이 될 수 있도록 지역문 화브랜드로 개발하고 지역의 특화 상품으로 이미지를 상품에 삽입하여 지역을 알릴 수 있도록 관광의 활 성화 작업도 함께 추진함이 필요하다

The purpose of this study is to examine the value of Seungmu as an intangible cultural asset through the life and dance of Beopwoo Song Jae-seop at a time when various value assessments of Seungmu, a city-designated intangible cultural asset of Daejeon, have become more urgent for the preservation and development of sustainable cultural heritage. Furthermore, it is meaningful in providing basic data for the revitalization of Seungmu, a traditional Korean dance. The designation of Beopwoo Song Jae-seop Seungmu as an intangible cultural asset was an opportunity to bring about a new change in the history of traditional dance in Daejeon Metropolitan City. Based on this study, I would like to make several suggestions. First, it is necessary to continue to conduct extensive research on Beopwoo Song Jae-seop's traditional dance based on this research. Second, since the transmission of tradition today is not done orally, but through objective records and data, it seems necessary to accumulate research on the cultural value of Beopwoo Song Jae-seop's dance world. Third, efforts should be made to increase the value of city-designated intangible cultural assets, expand the environment for their transmission, and expand opportunities for citizens to enjoy quality culture through various uses of city-designated cultural assets. Fourth, for the transmission and development of cultural heritage, the accumulation and documentation of a lot of research is of utmost importance, and support for professional manpower is necessary so that intangible cultural assets can be managed systematically. Lastly, it is necessary to develop intangible cultural assets into local cultural brands so that they can become cultural businesses, and to revitalize tourism by inserting images into products as local specialized products to promote the region.