Earticle

앙토냉 아르토(Antonin Artaud, 1896-1948)는 서구 연극이 오랜 시간 동안 유지해 온 텍스트 중심, 재현 중심의 연극에 근본적인 문제를 제기하고 연극을 감각과 신체의 차원에서 관객에게 직접적인 경험을 발생시키는 사건으로 새롭게 이해하고자 하였다. 본 연구는 이러한 아르토의 연극관을 바탕으로 그의 관객성을 본질 회복으로서의 관객성이라는 관점에서 고찰하는 데 목적을 두고 논의를 전개하였다. 기존의 아르토 연구가 주로 잔혹연극의 급진적 형식, 감각적 충격, 신체성, 재현 비판의 문제 등에 주목해 왔다면 본 연구는 아르토의 연극관 속에서 관객이 어떠한 위치와 의미를 갖는지를 중심으로 살펴본다는 점에서 차별성을 지닌다. 이를 위해 본 연구는 아르토의 저작과 ｢잔혹연극 선언문｣, 그리고 관련 선행연구를 중심으로 문헌 연구를 수행하였고 그의 연극관 속에서 관객이 어떠한 방식으로 사유되고 구성되는지를 분석하였다. 본 연구는 아르토의 관객성이 연극의 부수적 요소가 아니라 연극의 본질이 실현되는 조건임을 밝히고, 이를 통해 동시대 관객성 논의를 본질 회복이라는 관점에서 확장하였다는 데 의의가 있다. 다만 본 연구는 아르토의 저작과 사유를 중심으로 한 문헌 연구에 기반하고 있고 그의 관객성이 실제 공연사례에서 어떻게 구현되는지를 구체적으로 분석하는 데에는 한계가 있다. 이에 후속 연구에서는 감각 중심의 현대 공연 사례를 통해 아르토의 관객성이 어떠한 방식으로 변형되고 확장되는지를 논의할 필요가 있다. 비록 아르토의 실제 연극작업은 충분히 실현되지 못하였으나 그의 사유는 연극이 무엇이며 관객에게 어떠한 경험으로 제시되어야 하는가에 대한 근본적인 질문을 남겼으며, 관객성의 전환을 가능하게 하는 중요한 이론적 계기를 제공한다고 할 수 있다.

This study examines the concept of spectatorship in the theatre theory of Antonin Artaud(1896-1948), focusing on spectatorship as the recovery of theatrical essence. Accordingly, this study adopts a literature-based approach, analyzing Artaud’s major writings, The Theatre of Cruelty – First Manifesto, and related scholarship in order to investigate how the spectator is conceived and constituted within his theatre theory. Artaud’s spectatorship is also distinguished from Richard Schechner’s notion of the performative spectator, which explains audience participation in terms of role performance, and can be understood as a more fundamental form of spectatorship through which theatre is constituted as a sensory and relational event beyond representation. In this sense, Artaud’s spectatorship is connected to the recovery of the sensory and bodily essence of theatre that had been weakened within representational theatre. Therefore, this study is significant in that it argues that spectatorship in Artaud is not a subsidiary element of theatre but a condition through which theatrical essence is realized, thereby extending contemporary discussions of spectatorship through the perspective of the recovery of theatrical essence. However, since this study is based on a literature-based analysis of Artaud’s writings and thought, it is limited in examining how his spectatorship is embodied in actual performance cases. Further research should therefore examine how Artaud’s spectatorship is transformed and expanded through contemporary sensory-centered performance practices. Although Artaud’s actual theatrical practice was not fully realized, his thought left a fundamental question as to what theatre is and what kind of experience it should offer to the spectator, providing an important theoretical basis for the transformation of spectatorship.

본 연구는 공연예술 전공 대학생들을 대상으로 창작 수단으로서 생성형 인공지능의 사용의도에 영향을 미치는 인지적, 심리적 요인을 살펴보았다. 연구대상은 공연예술 전공 대학생 189명이며, 설문조사를 통해 자료를 수집하고 경로분석을 활용하여 변수 간 인과관계를 분석하였다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 인공지능 리터러시는 지각된 용이성과 지각된 유용성에 모두 유의한 정적(+) 영향을 미치는 것으로 나타났다. 둘째, 심리적 저항감은 지각된 유용성에 부적(-) 영향을 미쳤으나, 사용의도에는 유의한 영향을 미치지 않는 것으로 나타났다. 셋째, 지각된 용이성은 지각된 유용성에 정적(+) 영향을 미쳤으며, 넷째, 지각된 용이성과 지각된 유용성은 모두 사용의도에 정적(+) 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 이러한 결과는 공연예술 전공 대학생들이 생성형 인공지능을 창작 수단으로 활용하기 위해서는 인공지능 리터러시를 강화하고 심리적 저항감을 완화함으로써 지각된 용이성과 유용성을 높이는 것이 중요함을 시사한다. 또한 생성형 인공지능을 창의성을 대체하는 기술이 아닌 창작을 확장하는 협업 도구로 인식하도록 하는 교육적 접근이 필요하다. 본 연구는 기술수용모델의 확장을 통해 공연예술 분야에서 생성형 인공지능 수용의 인지적·심리적 메커니즘을 규명하였다는 점에서 학술적 의의를 가지며, 향후 예술교육 현장에서의 인공지능 활용 방향에 대한 실천적 시사점을 제공한다.

This Study examined the cognitive and psychological factors infuencing performing arts students’ intention to use generative AI as a creative tool. Recently, generative AI has rapidly expanded as both a learning tool and a creative support system in higher education, particularly in the arts, where it plays a critical role in reshaping the relationship between creativity and technology. However, despite its potential to enhance learning efficiency and creative processes, concerns remain regarding overdependence on technology and the possible decline of human creativity. The results are as follows. First, AI literacy was found to have a significant positive effect on both perceived ease of use and perceived usefulness. Second, psychological resistance had a significant negative effect on perceived usefulness, but it did not significantly affect intention to use. Third, perceived ease of use positively influenced perceived usefulness. Finally, both perceived ease of use and perceived usefulness had significant positive effects on intention to use. These findings suggest that enhancing AI literacy and reducing psychological resistance are essential for increasing performing arts students’intention to use generative AI as a creative tool, as they strengthen perceived ease of use and usefulness. Furthermore, educational approaches should focus on positioning generative AI not as a substitute for creativity but as a collaborative tool that expands creative processes. This study contributes academically by extending the TAM framework and empirically identifying the cognitive and psychological mechanisms underlying AI adoption in performing arts education, while also offering practical implications for the effective integration of AI in creative learning environments.

본 연구는 동시대 음악극에서 목소리가 단순히 언어적 의미를 전달하는 수단뿐만 아니라, 물질적이고 수행적인 현상으로서 독자적인 드라마투르기적 기능을 수행하는 양상을 고찰했다. 이를 위해 한스-티스레만의 포스트드라마 연극론, 에리카 피셔-리히테의 수행성 미학, 임형진의 ‘소리의 몸성’ 개념을 이론적 토대로 삼아 목소리를 의미 이전의 차원에서 지각과 정동에 작용하는 감각적 사건으로 파악했다. 이러한 관점에 따라 본 연구는 동시대 음악극에서 목소리가 어떻게 독립적인 청각 텍스트를 형성했는지와 감각과 사건 전개를 이끄는 핵심 원리로 작동하는지를 분석했다. 분석 대상은 <비-음악적 비-극들>(2026) 중 ‘잿빛눈의 소녀-만티코어’의 첫 장면으로 설정했다. 이 장면은 ‘만티코어’를 직접적인 시각 이미지로 재현하기전에, 다수 수행자의 집단적 발화를 통해 청각적으로 먼저 출현시킨다는 점에서 본 연구의 문제의식을 구체적으로 검토하기에 적합한 사례로 작용했다. 특히 레치타티보를 활용한 목소리들의 반복, 중첩, 분산은 군집된 음성의 밀도와 청각적 압력, 리듬적 진동을 전면화했고, 이를 통해 목소리는 하나의 물질적 덩어리이자 정동을 자극하는 요소로 전환됐다. 그 결과 ‘만티코어’는 시각적 재현의 대상이 아니라 음성의 집합적 물질성과 진동을 통해 형성되는 청각적 현전의 형식으로 드러났고, 관객은 이를 감각적 긴장과 공포의 정동으로 경험하게 됐다. 이 과정에서 목소리는 대사 전달의 보조적 수단이나 음악적 장식에 그치지 않고, 비가시적 존재를 형상화하며 사건의 현전성을 구성하는 음향적 드라마투르기로 작동했음이 확인됐다. 나아가 본 연구는 포스트드라마 연극 담론이 주로 배우의 신체나 시각적 현존의 측면에서 논의되어 온 경향을 청각적 차원으로 확장했으며, 동시대 음악극에서 목소리와 소리의 물질성이 독자적이고 미학적인 드라마투르기적 가능성을 지닌다는 점을 제시했다. 궁극적으로 본 연구는 목소리가 의미 전달의 매체를 넘어 장면을 구성하고 정동을 조직하며 비가시적 대상을 감각적으로 현전시킬 수 있는 예술 매체임을 밝혔다.

This study examined how voice in contemporary music theater functioned not merely as a vehicle for linguistic meaning, but as a material and performative phenomenon with an autonomous dramaturgical function. To this end, the study drew on Hans-Thies Lehmann’s theory of postdramatic theatre, Erika Fischer-Lichte’s aesthetics of performativity, and Lim Hyeong-jin’s concept of the “corporeality of sound” as its theoretical framework, and approached voice as a sensory event that operated on perception and affect prior to semantic signification. From this perspective, the study analyzed how voice in contemporary music theater formed an independent auditory text and functioned as a key principle that guided sensory experience and the unfolding of theatrical events. The object of analysis was the opening scene of ‘The Girl with Ashen Eyes–Manticore’ from <Non-Musical Non-Plays> (2026). This scene served as an appropriate case for the present study because the “Manticore” was not represented through a direct visual image, but was made to emerge auditorily through the collective utterances of multiple performers. As a result, the Manticore appeared not as an object of visual representation, but as a form of auditory presence constituted through the collective materiality and vibration of voices, and was experienced by the audience as sensory tension and the affect of fear. In this process, voice no longer functioned as a subsidiary means of producing dialogue or as a mere musical ornament, but was confirmed to operate as a sonic dramaturgy that gave form to an invisible being and generated the presentness of the theatrical event. Furthermore, this study extended postdramatic discourse, which has largely focused on the actor’s body and visual presence, into the auditory dimension, and suggested that the materiality of voice and sound in contemporary music theater possessed autonomous aesthetic and dramaturgical potential. Ultimately, the study demonstrated that voice, beyond being a medium of semantic transmission, could serve as an artistic medium capable of structuring scenes, organizing affect, and sensorially rendering invisible entities present.

본 연구는 20세기 현대 연극의 거장 그로토프스키의 후기 작업인 ‘객관적 연극’과 ‘수단으로서의 예술’을 에너지 공학과 현대적 샤머니즘의 융합적 관점에서 분석하여, 현대 공연 예술이 지닌 실존적 치유와 존재론적 고양의 가능성을 규명하는 데 목적을 두었다. 기존의 연구들이 주로 초기 ‘가난한 연극’ 시기의 신체적 연극 기법에 편중된 한계를 극복하고자, 본 연구는 그의 후기 제의 예술을 맹목적 신비주의가 아닌 유기체의 생리학적 에너지 역학으로 재조명하였다. 연구 결과, 그로토프스키는 기계적인 수면 상태에 빠진 현대인의 에너지를 각성시키고 수직적으로 승화시키는 ‘운반체(Vehicle)’로서 연극을 재정립하였음을 확인하였다. 특히 구르지예프의 에너지 도약 원리와 엘리아데의 종교역사학적 개념을 교차 적용하여, 후기 제의 예술이 특정 종교나 무속 신앙을 배제한 지극히 객관적이고 실천적인 현대적 샤머니즘의 심리수행적 기제임을 논증하였다. 이를 통해 수행자는 억압된 에너지를 회복하고 순수한 충동을 일깨워 파편화된 자아를 통합하게 된다. 다만, 본 연구는 그로토프스키의 후기 작업을 에너지 공학과 현대적 샤머니즘이라는 이론적 관점에서 규명하는 데 집중하였기에, 이를 실제 현대 연기 훈련 프로그램이나 융복합창작 현장에 적용하여 검증하는 실증적 데이터 제시에는 미치지 못했다는 한계를 지닌다. 이는 향후 구체적인 대안적 배우 훈련 방법론 개발을 위한 후속 연구로 이어져야 할 것이다. 이에 본 연구의 대상이 되는 그로토프스키의 후기 작업은 크게 미국 어바인(UC Irvine)에서 진행된 ‘객관적 연극(1983-1986)’ 시기와, 이후 이탈리아 폰테데라에서 토마스 리차즈와 함께 전개한 ‘수단으로서의 예술(또는 제의 예술)’ 시기로 구분된다. 본 연구는 인간 유기체의 에너지 고양이라는 공통의 궤를 가진 이 두 시기의 작업을 연속적인 하나의 철학적·실천적 흐름으로 묶어 고찰하고자 한다.

This study aimed to analyze the late works of Jerzy Grotowski, a master of 20th-century modern theater—specifically ‘Objective Drama’ and ‘Art as Vehicle’—from the convergent perspective of energy engineering and modern shamanism, thereby examining the possibilities of existential healing and ontological elevation in modern performing arts. To overcome the limitations of previous studies that primarily focused on the physical theatrical techniques of his early ‘Poor Theatre’ period, this study re-examined his late ritual arts not as blind mysticism but as the physiological energy dynamics of the human organism. The research confirmed that Grotowski redefined theater as a ‘Vehicle’ that awakens and vertically sublimates the energy of modern individuals trapped in a mechanical state of sleep. By cross-applying G.I. Gurdjieff's principle of energy leaps and Mircea Eliade's history of religion concepts, this study argued that Grotowski's late ritual arts operate as an objective and practical psychological-performative mechanism of modern shamanism, excluding specific religious or shamanistic beliefs. Through this process, the performer recovers repressed energy, awakens pure impulses, and integrates a fragmented ego. However, as this study focused on theoretically investigating Grotowski's late work through energy engineering and modern shamanism, it had a limitation in not presenting empirical data by applying these principles to actual modern acting training programs or creative fields. This should be expanded through follow-up research to develop specific, alternative actor training methodologies. Grotowski's later work, which is the subject of this study, is largely divided into the period of “objective play (1983-1986)” in Irvine, USA, and the period of “art as a means (or ritual art)”, which was later developed with Thomas Ritz in Pontedera, Italy. This study attempts to examine the work of these two periods, which have a common trajectory of human organisms' energy cats, in a continuous philosophical and practical flow.

이 연구는 최근 연기 담론에서 빈번하게 회자되는 ‘진정성’에 대해 고찰하여 동시대 연기의 흐름을 파악하고 그 의미를 밝히는 데 있다. 그러므로 본 연구에서는 진정성을 배우의 내적 진실로 전제하기보다, 연기 행위가 진정성을 어떻게 구성하고 표현하는지, 그 구성 과정에서 무엇이 배제되고 강조되는지를 연구하였다. 또한 ‘진정성’이 무엇을 의미하며 어떤 조건에서 성립하는지를 규명하기 위해, 진정성 개념을 예술 일반의 맥락에서 정리하고 디드로의 『배우에 관한 역설』과 『라모의 조카』를 중심으로 분석하였다. 이 자료는 감정과 기술, 내면과 외면, 맨얼굴과 가면의 긴장을 통해 진정성이 내면의 실재가 아니라 구성된 효과로 작동하는 조건을 사유하게 하므로 이를 통해 동시대 진정성 연기의 실제를 규명하기에 유용하였다. 그 과정에서 ‘진정성’은 공적 가면을 매개로, 현상의 공간에서 연기를 수행하면서 형성되는 상호작용을 통해 산출된다는 것을 확인하였다. 자기 자신이나 역할의 심리적 정념의 전달이 아닌, 공적 가면과 현상의 공간 사이의 긴장에서 표출되는 실재감이라고 할 수 있다. 이는 자기-동일성을 전제로 구성되는 뉴다큐멘터리 연극과 같은 형식에도 동일하게 적용된다. 자기 자신을 재현하는 공적 가면을 쓰고 무대라는 현상의 공간에서 연기를 통해 관객과 상호 작용함으로써 진정성을 산출한다는 흐름에 부합되기 때문이다. 이때 현상의 공간이란 ‘내가 누구인지 타자에 의해 드러나는 공간’이다. 결과적으로 이 연구는 동시대 연기에서 진정성이 수용자와의 상호작용, 그리고 공적 관계 맺기가 이루어지는 공간에서 발생하는 수행적 사건임을 제시하였다. 이는 정치적이고 윤리적인 문제를 포함한다. 이 같은 결론은 진정성 담론을 가치 판단의 언어로 반복하는데서 나아가, 동시대 연기가 작동하는 방식과 그 정치적 기능을 규명하기 위한 분석틀을 제공할 것으로 기대한다. 향후, 문헌연구 중심이라는 이 연구의 한계를 넘어서기 위해 진정성의 개념과 작동 원리를 바탕으로 사례연구를 수행하여, 동시대 연기에서 진정성이 작동하는 실제 양상을 보다 구체적으로 탐구하고자 한다.

This study examines the concept of ‘authenticity’, a term frequently discussed in recent discourse on acting, with the aim of identifying trends in contemporary acting and elucidating its significance. Rather than presuming authenticity to be the actor’s inner truth, this study investigates how authenticity is constructed and expressed through the act of acting, and what is emphasized or excluded in that process. Furthermore, in order to clarify what ‘authenticity’ signifies and under what conditions it is established, this study situates the concept within the broader field of the arts and analyzes it primarily through Diderot’s Paradox of Acting and Rameau’s Nephew. These texts prompt reflection on the conditions under which authenticity functions not as an inner reality but as a constructed effect— emerging through tensions between emotion and technique, the inner and the outer, and the bare face and the mask. Through this analysis, it is argued that ‘authenticity’ is produced through interactions that occur in the ‘space of appearance’, mediated by the ‘public mask’. It may be understood not as the transmission of an actor’s or a character’s inner psychological states, but as a sense of reality that emerges from the tension between the ‘public mask’ and the ‘space of appearance’. In this context, the ‘space of appearance’ refers to ‘a space in which who I am is revealed through the presence of the Other’. Consequently, this study proposes that, in contemporary acting, ‘authenticity’ should be understood as a performative event that occurs within a relational space shaped by interaction with the audience and the formation of public relations. This study ultimately aims to move beyond value-based interpretations of authenticity and to provide an analytical framework for understanding its operational logic and political function in contemporary performance. In future research, in order to overcome the limitation of this study being centered primarily on literature review, case studies will be conducted based on the concept and operational principles of authenticity established in this study, with the aim of exploring more concretely the actual ways in which authenticity operates in contemporary acting.

본 연구는 대극장의 관습적 무대–객석 분리 구조에서 경계를 전환한 연출적 시도가 배우와 관객의 경험 구조에 어떠한 변화를 가져오는지 고찰하는 데 목적이 있다. 연구 대상은 2025년 평택 남부문화예술회관에서 공연된 극단 배다리 제7회 정기공연 연극 <만선>으로, 관객을 무대 위로 이동시켜 배우와 동일한 공간에서 공연을 체험하도록 구성한 사례이다. 본 연구는 실기기반 연구(Practice-Based Research)로, 연구자는 연출자로서 공연 전 과정에 참여하여 참여관찰을 수행하였다. 또한, 배우 5인을 대상으로 한 서면 인터뷰와 관객 84명을 대상으로 한 설문조사를 통해 질적·양적 자료를 병행하여 수집·분석하였다. 분석 결과, 무대–객석 경계 전환은 배우의 수행 방식과 관객의 경험 모두에 변화를 가져왔다. 배우는 관객과 동일한 공간 안에서 발성, 시선, 동선을 조정하며 수행을 지속적으로 조율하는 양상을 보였으며, 관객은 배우의 호흡과 움직임을 근거리에서 경험하며 다중 감각적 체험 속에서 높은 현존감을 인식하고 능동적인 참여 주체로 기능하였다. 이러한 변화는 공간 구성, 수행, 관객 경험이 상호 연결된 결과이며, 공연이 배우와 관객의 신체적 공동현존 속에서 실시간으로 생성되는 사건임을 보여준다. 본 연구는 이를 바탕으로, 감각적 상호작용이 형성되도록 공간을 구성하는 연출 방식을 ‘감응적공간 연출(aesthetic-attuned spatial directing)’로 개념화하였다. 본 연구는 단일 사례를 중심으로 한 실기기반 연구라는 점에서 결과의 일반화에는 신중한 접근이 요구된다. 그러나 연출의 공간 구성 방식이 수행과 관극 경험의 구조를 어떻게 재구성하는지 실증적으로 확인하고, 공연을 배우와 관객이 동일한 공간 속에서 관계를 형성하는 과정으로 이해하는 데 유의미한 이론적·실천적 기반을 제공한다.

This study examines how a directing strategy that transforms the conventional stage–audience separation in a proscenium theatre reshapes the experiential structure of actors and audiences. The case analyzed is the 2025 production of the play Manseon by Theatre Bedari at Pyeongtaek Nambu Culture & Arts Center, in which the audience was relocated onto the stage to share the same spatial environment as the performers. Adopting a Practice-Based Research methodology, the researcher participated as the director throughout the creative process and conducted participant observation. Qualitative data were collected through interviews with five actors, and quantitative data were obtained from a survey of 84 audience members; these data were analyzed in combination. The findings indicate that the transformation of the stage–audience boundary altered both acting practices and audience experience. Actors adjusted their vocal delivery, gaze, and movement in response to audience presence, while audiences experienced heightened presence and engaged as active participants through close proximity. These results suggest that space, performance, and audience experience are closely interconnected, and that theatre emerges as an event generated through embodied co-presence. Based on this, the study conceptualizes “aesthetic-attuned spatial directing” as an approach that organizes spatial conditions to enable sensory interaction between actors and audiences. As a single case-based Practice-Based Research study, the findings require cautious generalization. This study contributes to understanding how spatial configuration in directing reshapes performance and spectatorship, and supports understanding theatre as a relational process co-constructed within a shared space.

뮤지컬은 대표적인 대중공연예술로서 주로 그 상업적 가치가 조명되는 가운데 예술 체계로서 미학성을 다루는 것에는 상대적으로 미흡하였다고 생각된다. 이제 뮤지컬은 역사적 관점에 따라 최소 100년에서 300년의 기간 동안 나름의 예술미를 축적하며 그 체계를 확립해 왔다. 따라서 미학적 탐구를 통해 예술 본연의 가치적 관점을 확장해 나가는 것이 필요할 것이다. 연구자는 뮤지컬의 미학적 탐구에 있어서 예술 체계적 측면과 역사적 맥락에서 원류 양상을 고찰하는 것을 시작점으로 삼을 것을 제안하였다. 예술 체계적 측면에서는 개별 예술을 미학적으로 설명한 헤겔의 이론을 예시적으로 적용하였다. 해당 이론에서는 음악과 시문학(서정시, 서사시, 극시)을 낭만적 예술 체계에 포함하고 있는데, 이러한 체계에 관한 탐구는 음악과 극이 조화된 뮤지컬 미학 논의의 출발점이 될 수 있다. 역사적 맥락으로는 뮤지컬의 원류에서부터 낭만주의적 통속성과 혼종성이 음악과 드라마가 조화를 이루는 극 예술의 배경을 이루고 있음을 확인하였다. 이는 헤겔의 미학과 또 다른 역사적 의미에서의 낭만적 양상이라 할 수 있다. 또한, 미학의 문제는 불가피하게 형식의 개념을 동반한다는 니콜라이 하르트만의 개념에 의거, 연구자는 뮤지컬을 연극적 형식 위에 음악의 기능이 더하여진 ‘연극 위주의 음악극’으로 보고 양식적 특성을 판별하게 되었으며, 그에 따라 음악과 연극의 총체적 구현으로 나타나는 내러티브성과 음악의 기능을 통한 공간성을 확인하였다. 뮤지컬은 낭만적 예술 체계에 속하여 해당 특성을 드러내어 왔으며, 연극과 음악의 혼종적 결합을 통해 서사 방식과 공연 공간에서 특유의 미학적 특성을 드러내고 있음을 확인할 수 있다. 이는 연구자의 예시적 방향으로서 향후 개척해야 할 다양한 미학적 논의를 위한 기초 작업에 해당한다.

Musical, as a representative form of popular performing art, has primarily been highlighted for its commercial value, while relatively insufficient attention has been paid to its aesthetic qualities as an artistic system. However, musicals have established their own aesthetic framework by accumulating artistic value over a history spanning at least 100 to 300 years. Therefore, it is necessary to expand the intrinsic value of the art form through aesthetic inquiry. The researcher proposes that such inquiry should begin by examining the foundational aspects of musicals from both a systematic artistic perspective and a historical context. From the standpoint of systematicity, Hegel’s theory—an aesthetic framework explaining individual arts—can be applied as an illustrative example. In this theory, music and poetic literature (lyric, epic, and dramatic poetry) are included within the system of Romantic art. Exploring this framework can serve as a starting point for discussing the aesthetics of musicals, where music and drama are harmoniously integrated. From a historical perspective, it is observed that the origins of musicals are rooted in the popular and hybrid characteristics of Romanticism, which provided the background for a form of theatrical art in which music and drama coexist. This can be understood as another historical manifestation of Romanticism, distinct from Hegel’s aesthetic formulation. Furthermore, based on Nicolai Hartmann’s concept that aesthetic issues inevitably involve the notion of form, the researcher defines musicals as “theatre-centered musical drama,” in which musical functions are added upon a theatrical foundation, thereby identifying their stylistic characteristics. Accordingly, musicals reveal narrativity through the integrated realization of music and theatre, as well as spatiality through the functional role of music. This study serves as a foundational step toward further exploration of diverse aesthetic discussions that remain to be developed.

본 연구는 아놀드 반 겐넵(Arnold van Gennep)의 통과의례(rites of passage) 개념과 빅터 터너(Victor Turner)의 리미널리티(liminality) 및 커뮤니타스(communitas) 이론을 분석틀로 삼아 장 주네(Jean Genet)의 희곡 <하녀들(Les Bonnes)>에 나타난 의례적 행위와 극적 구조를 질적으로 분석하는 것을 목적으로 하였다. 장 주네의 <하녀들>은 1947년 파리에서 초연된 이래 부조리극의 대표작으로 평가받으며, 하녀인 클레르와 솔랑주가 마담이 부재한 사이에 벌이는 역할놀이를 통해 계급, 정체성, 권력의 문제를 탐구하였다. 본 연구에서는 이 역할놀이가 단순한 흉내내기가 아니라 반 겐넵이 제시한 통과의례의 세 단계, 즉 분리(separation), 전이(transition), 통합(incorporation)의 구조를 따르는 의례적 행위임을 밝히고자 하였다. 분석결과, 첫째로 하녀들의 역할놀이가 시작되는 순간은 일상으로부터의 분리 단계에 해당하며, 이는 마담의 의상과 장신구를 착용하는 상징적 행위를 통해 구현되었다. 둘째로 역할놀이가 진행되는 과정에서 하녀들 은 터너가 말하는 리미널리티의 상태, 즉 기존 정체성이 해체되고 새로운 정체성이 아직 확립되지 않은 경계적 상태에 놓이게 되며, 이 과정에서 주인과 하녀의 위계가 전복된다. 셋째로 의례의 완성 단계인 통합은 마담 살해라는 궁극적 목표의 실현을 통해 달성되어야 하지만, 하녀들은 매번 이 단계에 도달하지 못하고 의례는 좌절된다. 결국 클레르의 자기 희생적 죽음을 통해서만 의례가 비로소 완성되며, 이는 통과의례의 변형된 형태로서 비극적 통합을 이루었다. 넷째로 하녀들 사이에 형성되는 연대는 빅터 터너의 커뮤니타스 개념으로 해석될 수 있으며, 이는 기존 사회 구조에 대한 반구조적 저항의 성격을 지닌다. 본 연구는 통과의례라는 인류학적 분석틀을 연극텍스트 분석에 적용함으로써 <하녀들>의 의례적 구조를 새롭게 조명하고, 배우의 역할창조와 연출가의 작품해석에 새로운 관점을 제공한다는 점에서 의의가 있다.

This study aims to qualitatively analyze the ritual structure and meaning of Jean Genet's play The Maids (Les Bonnes, 1947) by employing Arnold van Gennep's concept of rites of passage and Victor Turner's theories of liminality and communitas as analytical frameworks. The Maids, first performed in Paris in 1947, depicts two maids, Claire and Solange, who engage in a repetitive role-playing ceremony while their mistress, Madame, is away. This study reveals that their role-playing follows the tripartite structure of rites of passage proposed by van Gennep: separation, transition, and incorporation. In the separation phase, the maids detach from their everyday identities through donning Madame's clothing, changing their forms of address, and entering the ritual space of Madame's bedroom. During the transition phase, the maids enter a liminal state characterized by identity ambiguity, hierarchical inversion, ritual violence, and temporal transformation. The incorporation phase is repeatedly frustrated as the ceremony is interrupted before completion, until Claire's self-sacrificial death finally achieves a tragically transformed mode of incorporation. Furthermore, the relationship between Claire and Solange is analyzed through the lens of Turner's communitas, revealing a contradictory form of anti-structural solidarity that simultaneously resists and reproduces the dominant power structure. This study contributes to a new interpretation of The Maids by applying anthropological frameworks to theatrical text analysis, offering fresh perspectives for actors' role creation and directors' interpretive approaches. The purpose of this study is to systematically analyze the ritual behavior and dramatic structure of Jean-June's play “The Handmaids”, using Arnold van Gennep's concept of rite of passage and Victor Turner's limitation and communitas theory as an analysis framework.

생성형 인공지능(Generative AI) 기술의 급속한 발전에 따라 AI가 생성하거나 AI의 조력으로 완성된 영상작품에 대한 체계적인 평가 기준의 마련이 시급히 요청되고 있다. 본 연구는 AI 기반 영상작품의 평가에 영향을 미치는 요인들을 종합적으로 분석하고, 전문가 합의에 기반한 평가 영향 요소 모델을 제시하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 국내외 선행 문헌 분석을 통해 3개 대범주 21개 평가 요소 초안을 도출하고, AI 영상 제작·교육·기술 분야 전문가 15명을 대상으로 3라운드 델파이(Delphi) 조사를 하였으며, 내용타당도 비율(CVR), 합의도, Cronbach's α를 통해 최종 3개 대범주 20개 평가 요소를 확정하였다. (CVR ≥ 0.60, 합의도 ≥ 0.80, α = 0.92). 첫째, 시각적 연속성 및 멀티모달 통합을 포함한 기술적 품질. 둘째, 신속한 엔지니어링 능력 및 큐레이션 창의성을 포함한 창의적·예술적 요소. 셋째, 창작자 주도성 및 적응적 창의성을 포함한 인간-AI 협업. 넷째, AI 활용 투명성을 포함한 윤리 및 저작권. 다섯째, 신속한 설계 로그 및 성찰 일지를 포함한 과정 중심적 요소가 그 내용이다. 특히 시각적 연속성, 프롬프트 엔지니어링 역량, 큐레이션적 창의성, 창작자 주체성, AI 활용 투명성, 프롬프트 설계 로그 등 11개 요소가 CVR 1.00의 최고 타당도를 기록하였다. 그러나 본 연구에는 몇 가지 한계점이 있다. 첫째, 15명의 전문가 패널은 Lawshe의 CVR 기준을 충족하지만, 상대적으로 규모가 작고 청중 및 학습자 관점이 배제되어 연구 결과의 일반화 가능성이 제한될 수 있다. 둘째, 평가 요소가 델파이 방법만을 통해 도출되었기 때문에 실제 수업 적용이나 현장 테스트를 통한 실증적 검증은 아직 수행되지 않았다. 셋째, 생성형 AI도구의 빠른 발전을 고려할 때, 제안된 요소들은 최신성을 유지하기 위해 주기적인 수정이 필요할 수 있다. 본 연구는 전통적 영상 평가 체계에서 다루어지지 않았던 인간-AI 협업 역량, 윤리·저작권, 과정 중심 요인을 공식 평가 영역으로 체계화함으로써 AI 시대 영상 평가 기준 재정립에 이바지하며, 대학 영상교육의 평가도구 개발 및 영화제·공모전 등의 심사 기준 수립에 실무적 토대를 제공한다.

With the rapid advancement of Generative AI technology, there is an urgent need to establish systematic evaluation criteria for video works generated by AI or completed with the assistance of AI. This study aims to comprehensively analyze the factors influencing the evaluation of AI-based video works and to present a model of evaluation influencing factors based on expert consensus. To this end, a draft of 21 evaluation elements across three major categories was derived through an analysis of domestic and international prior literature. A three-round Delphi survey was conducted with 15 experts in the fields of AI video production, education, and technology, and the final 20 evaluation elements across three major categories were determined using Content Validity Ratio (CVR), consensus, and Cronbach’s α (CVR ≥ 0.60, consensus ≥ 0.80, α = 0.92). First, technical quality, including visual continuity and multimodal integration. Second, creative and artistic elements, including rapid engineering capabilities and curation creativity. Third, human-AI collaboration, including creator initiative and adaptive creativity. Fourth, ethics and copyright, including transparency in AI utilization. Fifth, process-oriented elements, including rapid design logs and reflection journals. In particular, 11 elements—including visual continuity, prompt engineering capabilities, curational creativity, creator agency, transparency in AI utilization, and prompt design logs—recorded the highest validity of CVR 1.00. This study contributes to the re-establishment of video evaluation standards in the AI era by systematizing human-AI collaboration capabilities, ethics and copyright, and process-oriented factors— which were not addressed in traditional video evaluation systems—as official evaluation domains. Furthermore, it provides a practical foundation for the development of evaluation tools for university video education and the establishment of judging criteria for film festivals and competitions.

본 연구는 ‘순수 영화(Pure cinema)’의 개념을 확인하는 작업이다. 2012년 <현기증>은 ‘가장 위대한 영화’로 평가받았다. 그 이유는 단순한 서스펜스가 아니라 인간 심리의 심연을 깊이 있게 파고든 영화이며 순수 영화의 정점을 보여준 영화라는 점이다. 히치콕은 대사보다 카메라 움직임, 조명, 색채, 편집만으로 인물의 심리를 전달함으로써 영화는 시각 예술이라는 점을 각인시켰다. <현기증> 전반부는 스카티가 매들린을 바라보는 모습을 조명과 포그 필터(fog filter)를 이용해 신비스럽고 몽환적인 분위기로 연출함으로써 스카티 자신도 모르게 그녀의 환상에 빠져들며 ‘운명적 집착 서사’의 토대를 만들고 있다. 주인공의 내면과 심리 변화를 순수 영화인 영상으로 표현함으로써 현기증의 의미가 환상에서 오는 현기증임을 알수 있다. 색채는 ‘캐릭터의 정체성과 주인공의 집착’을 상징하는 의도를 담고 있는데 매들린을 상징하는 ‘회색’은 정체성을 상실한 모호한 이미지로 ‘녹색’은 이 세상에 존재하지 않은 이미지로 표현된다. 두 색은 결국 매들린은 ‘현실에 존재하지 않는 유령’과 ‘비현실적인 환상’을 의미한다. 매들린이 환영임을 시각화한 욕실에서 나오는 장면은 회색 정장과 녹색 조명, 그리고 포그 필터의 절묘한 조화를 통해 영화 역사상 가장 매혹적인 미장센을 탄생시켰다. <현기증>은 스토리텔링에서 벗어나 인간의 내면 심리와 상실감을 순수 영화 형식을 통해 시각화시키며 이런 형식은 주인공의 집착적 욕망과 결합하여 이 영화를 단순한 서스펜스 장르를 넘어선 심오한 인간 심리의 탐구로 확장한다. 영화는 영상 예술이며, 순수 영화로 표현될 때 강력한 영화의 힘이 발휘된다. 히치콕은 순수 영화로 표현된 <현기증>을 통해 영화 사상 가장 위대한 영화 형식 창조자로 남았다. 이에 본 고는 피터 매튜스의 평가처럼 그의 영화에서 ‘순수 영화’를 대표하는 작품은 <현기증>이다. 이 영화가 어떻게 내러티브를 이해시키는 개념을 파괴하고 시각 이미지를 활용해 ‘순수 영화’의 정점에 오를 수 있었는지 그 방법과 의미를 분석하는 게 연구의 목적이다.

This study aims to verify the concept of “Pure Cinema.” In 2012, <Vertigo> was recognized as “the greatest film.” The reason for this is that it is not merely a suspenseful movie, but one that delves deeply into the abyss of the human psyche and demonstrates the pinnacle of pure cinema. Hitchcock imprinted the idea that film is a visual art by conveying the characters' psychology solely through camera movement, lighting, color, and editing, rather than dialogue. In the first half, the scene where Scotty gazes at Madeleine is directed with a mysterious and dreamlike atmosphere using lighting and fog filters; this lays the foundation for a “narrative of fated obsession” as Scotty unwittingly falls into her fantasy. By expressing the protagonist's inner self and psychological changes through the visuals of pure cinema, it becomes clear that the meaning of *Vertigo* is a vertigo stemming from fantasy. The use of color carries the intention of symbolizing “the character's identity and the protagonist's obsession”: gray, symbolizing Madeleine, is portrayed as a vague image that has lost its identity, while green is depicted as an image that does not exist in this world. Ultimately, the two colors signify that Madeleine represents a “ghost not existing in reality” and an “unrealistic fantasy.” The scene of Madeleine emerging from the bathroom, which visualizes her hallucination, created one of the most captivating mise-en-scènes in film history through the exquisite harmony of a gray suit, green lighting, and a fog filter. Moving beyond storytelling, *Vertigo* visualizes human inner psychology and a sense of loss through the form of pure cinema; this form, combined with the protagonist's obsessive desires, expands the film beyond the simple suspense genre into a profound exploration of human psychology. Film is a visual art, and its powerful force is unleashed when expressed as pure cinema. Through *Vertigo*, expressed as pure cinema, Hitchcock remains the creator of the greatest cinematic form in film history.

본 연구는 2021년부터 2024년까지 방영된 한국 TV 드라마 미니시리즈를 대상으로 집필 구조의 변화 양상을 분석하고, 이를 산업 환경의 전환과의 관계 속에서 해석하고자 한다. 최근 한국 드라마 산업은 OTT 플랫폼 확산과 제작비 상승, 투자 환경의 불확실성 확대 속에서 제작 물량의 확장 이후 조정 국면에 진입하였다. 이러한 변화는 생산 규모의 증감에 그치지 않고, 창작 조직의 구성 방식과 운영 논리의 변화를 동반하고 있다. 본 연구는 지상파, 종합편성채널, 케이블, 국내외 OTT 플랫폼에서 방영된 2021–2024년 미니시리즈 368편을 전수 분석 대상으로 설정하고, 각 드라마의 집필 작가 수를 기준으로 1인 집필, 2인집필, 3인 이상 다인 집필로 구분하여 집필 구조의 변화 양상을 분석하였다. 또한, 2021–2022년을 제작 확장기, 2023–2024년을 조정기로 구분하여 산업 국면에 따른 집필 구조의 변화를 비교하였다. 분석 결과, 미니시리즈 집필 구조는 전반적으로 1인 집필 중심 체제를 유지하면서도 공동집필 비율이 2022년을 정점으로 증가한 이후 다시 감소하는 양상을 보였다. 확장기에는 공동집필이 일정과 리스크를 분산하기 위한 전략적 방식으로 활용되는 경향이 나타났지만, 조정기에는 비용 통제와 관리 가능성이 강조되면서 1인 집필 비율이 상승하였다. 또한, 각색과 오리지널 간 집필 구조의 차이는 확장기에는 일부 나타났으나, 조정기로 이동하면서 두 유형 모두 1인 집필 중심 구조로 수렴하는 양상을 보였다. 이는 집필 방식이 텍스트 유형의 내적 속성보다 산업 조건과 제작 전략에 의해 구조적으로 조정되고 있음을 시사한다. 이러한 결과는 공동집필이 협업 문화의 단선적 진화 과정이라기보다, 산업 환경의 변화에 대응하여 선택적으로 구성되는 조직 전략임을 보여준다. 본 연구는 집필 구조를 산업적 조건과의 관계 속에서 분석함으로써, 한국 드라마 산업에서 나타나는 창작 노동 조직의 구조적 변화를 이해하는 데 기여하고자 한다.

This study examines changes in writing organization in Korean TV drama miniseries between 2021 and 2024, drawing on a comprehensive dataset of 368 miniseries, and situating these changes within broader transformations in the industrial environment. By analyzing variations in writing structures across different phases of industry development, the study demonstrates that the organization of creative labor is closely tied to shifting production conditions rather than determined solely by creative autonomy or textual characteristics. The findings show that co-writing increased during the industry's expansion phase as a strategic response to growing production scale and risk, but decreased during the subsequent adjustment phase, when cost control and managerial predictability became more central. This shift indicates a reorientation of production strategies, in which flexibility and risk distribution gave way to efficiency and control. The convergence toward single-writer structures across both adapted and original series further underscores the growing influence of industrial constraints over creative organization. These results challenge the assumption that co-writing represents a linear progression toward more collaborative forms of creativity. Instead, co-writing emerges as a contingent and context-dependent organizational strategy shaped by industrial dynamics. In this sense, changes in writing organization should be understood not as an internal evolution of creative practices, but as part of a broader restructuring of production systems in the Korean drama industry. By foregrounding the relationship between industrial conditions and writing organization, this study contributes to the literature on cultural production by demonstrating how shifts in the external production environment translate into changes in the internal organization of creative labor. More broadly, it suggests that writing organization can serve as a key analytical lens for understanding structural transformations in media industries under conditions of rapid change.

본 연구는 팬데믹 이후 가속화된 공연 예술의 디지털 전환 환경 속에서 글로벌 OTT 플랫폼과 메가 IP의 결합이 공연의 본질적 속성인 ‘라이브니스(Liveness)’를 어떻게 재정의하며 어떠한 플랫폼 확장성을 창출하는지 고찰하는 데 목적이 있다. 특히 전통적인 대면 공연이 지닌 물리적 한계가 미디어 기술을 통해 어떻게 극복되고 있으며, 글로벌 OTT의 거대 플랫폼 인프라가 이러한 변화를 어떠한 방향으로 견인하고 있는지 분석하는 것이 연구의 핵심이다. 연구의 전개를 위해 먼저 전통적인 ‘현존성’ 중심의 라이브니스 담론이 기술적 매체를 통해 ‘매개된 라이브니스’로 확장되는 이론적 변화 과정을 고찰했다. 이어 국내 공연 영상화의 역사적 계보를 추적하여 공공 영역의 ‘SAC on Screen’ 사례와 민간 영역의 ‘서라운드뷰잉’ 기술이 지닌 매체적 특성 및 기술적 수용성을 검토하고, 이를 바탕으로 넷플릭스를 통해 전 세계에 송출된 ‘BTS 컴백 라이브: ARIRANG’ 중계 사례를 심층 분석했다. 이 과정에서 거대 플랫폼과 강력한 팬덤 IP가 결합했을 때 나타나는 산업적 시너지와 전략적 IP 운용 방식을 구체적으로 살피며, OTT 플랫폼이 제공하는 서비스 품질과 실시간 상호작용성이 글로벌 관객성에 미치는 영향을 종합적으로 파악했다. 이러한 분석을 통해 본 연구는 기술적 매개가 예술의 본질적 가치와 대립한다는 전통적인 이분법적 시각을 넘어, 플랫폼의 기술적 진보가 새로운 미학적 경험을 창출하고 온라인 공연을 독자적인 미디어 미학을 지닌 예술 장르로 정립시키는 과정을 규명했다. 이는 한국의 공연 예술 콘텐츠가 거대 자본 및 글로벌 인프라와 결합했을 때 발생하는 변화의 본질을 심층적으로 살피는 시도이며, 급변하는 미디어 생태계속에서 지속 가능한 예술 향유 모델과 콘텐츠 비즈니스 전략을 모색하는 데 의의가 있다.

This study aims to examine how the integration of global Over-the-Top (OTT) platforms and Mega Intellectual Property (IP) redefines ‘Liveness,’ the core essence of performance, and what kind of industrial extensibility and OTT platform scalability it creates within the digital transformation environment accelerated post-pandemic. Specifically, the core of this research lies in analyzing how the physical limitations of traditional in-person performances are being overcome through media technology and in what direction giant platform infrastructures are driving these changes. To develop the research, this paper first investigates the theoretical evolution in which the traditional ‘presence’-centered discourse on liveness expands into ‘mediated liveness’ through technological media. It then traces the historical genealogy of domestic performing arts video production to review the media characteristics and technological receptivity of public sector cases, such as ‘SAC on Screen,’ and private sector innovations, such as ‘Surround Viewing.’ Building on this foundation, the study conducts an in-depth analysis of the ‘BTS Comeback Live: ARIRANG’ broadcast via Netflix. In this process, the industrial synergy and strategic IP management methods resulting from the combination of mega-platforms and powerful fandom IPs are examined, while the comprehensive impact of OTT service quality and real-time interactivity on global spectatorship is identified. Through this analysis, this research moves beyond the traditional dichotomous view that technological mediation conflicts with the intrinsic value of art. Instead, it aims to clarify the process by which the technological advancements of platforms create new aesthetic experiences and establish online performance as an independent artistic genre with its own media aesthetics. This is an attempt to deeply examine the essence of changes that occur when Korean performing arts content integrates with mega-capital and global infrastructure, ultimately seeking to explore sustainable art enjoyment models and content business strategies within the rapidly evolving media ecosystem.

본 연구는 공연예술 수행자의 몸 기반 회복 관점에서 ‘잘 쉬기(resting well)’의 개념과 의미를 재조명하고, 이것이 감각 회복과 창조적 수행의 지속성에 미치는 역할을 탐구하는 데 목적이 있다. 현대의 공연예술 수행자는 반복적인 신체 훈련, 감정 노동, 과도한 자기 통제와 성과 중심 환경 속에서 신체적·인지적·정서적 소진을 경험하며, 이는 감각 둔화, 표현력 저하, 창조성 감소로 이어질 수 있다. 이에 본 연구는 ‘잘 쉬기’를 단순한 휴식이나 비활동 상태가 아닌, 몸·감각·인지·정서를 통합적으로 회복하는 능동적 과정으로 개념화하였다. 연구 방법으로는 몸학(Somatics), 철학, 심리학, 뇌과학, 사회학 분야의 선행연구를 바탕으로 한 문헌 분석 중심의 질적 연구를 수행하였다. 특히 주의회복이론(ART), 자원보존이론(COR), 디폴트 모드 네트워크(DMN), 그리고 장자의 허정과 무위 사상을 주요 이론적 틀로 활용하였다. 연구 결과, 공연예술 수행자의 ‘잘 쉬기’는 다음과 같은 다층적 회복 과정으로 나타났다. 첫째, 몸적 차원에서는 신체 감각과 신경계의 긴장을 회복하는 과정이다. 둘째, 인지적 차원에서는 감각 과부하를 완화하고 기억과 경험을 재조직함으로써 창조적 통찰을 가능하게 한다. 셋째, 정서적 차원에서는 감정 노동으로 소진된 감정과 자기 존재를 회복하는 과정으로 나타났다. 넷째, 사회적 차원에서는 평가와 경쟁 중심의 관계에서 벗어나 존재 자체로 수용되는 관계 속에서 심리적 안정감을 회복하는 과정으로 이해되었다. 결론적으로 ‘잘 쉬기’는 단순한 정지가 아니라, 몸의 감각, 정서, 인지, 관계를 재조정하여 수행의 지속 가능성과 예술적 표현 역량을 회복하는 통합적 과정이다. 본 연구는 공연예술 분야에서 상대적으로 간과되어 온 회복의 중요성을 조명하고, 수행자의 몸 기반 회복을 위한 이론적 토대와 실천적 방향을 제시한다는 점에서 의의를 지닌다.

The purpose of this study is to redefine the concept of “resting well” from the perspective of body-based recovery in performing arts practitioners and to explore how rest contributes to the recovery of sensory awareness and the sustainability of creative performance. Performing artists often experience physical, cognitive, and emotional exhaustion due to repetitive training, emotional labor, self-discipline, and performance-oriented environments. Such exhaustion may lead to sensory dullness, reduced expressiveness, and diminished creativity. Based on a qualitative literature review, this study draws on Somatics, philosophy, psychology, neuroscience, and sociology. Key theoretical frameworks include Attention Restoration Theory, Conservation of Resources Theory, the Default Mode Network, and Zhuangzi’s concepts of empty stillness and non-action. The findings suggest that “resting well” is a multidimensional recovery process. It restores bodily sensation and nervous system balance, relieves cognitive overload, reorganizes memory and experience, recovers emotional stability, and rebuilds psychological safety through supportive relationships. Therefore, resting well is not a passive state but an active, integrative process that recalibrates the body, senses, emotions, cognition, and relationships. This study highlights the importance of recovery in the performing arts and offers a theoretical and practical foundation for sustaining performers’ creative capacity and artistic expression. Therefore, the purpose of this study is to re-establish the concept of ‘rest well’ in terms of restoring the body base of performing arts performers. This is understood not as a simple rest, but as an integrated process that newly constructs the recovery of body sensations, emotional stability, and expressability. This study aims to present the theoretical basis and practical direction for the sustainability of performing arts by analyzing this in physical, cognitive, emotional, and social dimensions.

본 연구는 대학생의 엔터테인먼트 산업 창업의도 형성에 영향을 미치는 요인을 규명하기 위하여 PPM(Push-Pull-Mooring) 이론을 적용하여 실증분석을 수행하였다. 엔터테인먼트 산업은 음악, 공연, 방송, 영상, 디지털 콘텐츠 등 창의성과 콘텐츠 기획력이 핵심적으로 요구되는 산업으로, 일반 창업 분야와 달리 산업 특수성과 진로 불확실성이 창업의도 형성에 복합적으로 작용할 가능성이 크다. 이에 본 연구는 대학생이 엔터테인먼트 산업 창업을 하나의 대안적 진로로 인식하는 과정에서 취업환경에 대한 압력, 창업의 매력과 지원환경, 실패 및 자원 제약 요인이 어떠한 영향을 미치는지를 분석하고자 하였다. 이를 위해 국내 대학생 134명을 대상으로 자기기입식 설문조사를 실시하였으며, 수집된 자료는 SPSS 25.0을 활용하여 기술통계, 신뢰도 분석, 상관관계 분석 및 다중회귀분석을 실시하였다. 분석 결과, 상위요인 수준에서는 Push 요인과 Pull 요인이 엔터테인먼트 산업 창업의도에 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났으나, Mooring 요인은 유의한 영향을 보이지 않았다. 하위요인 수준에서는 미래 불확실성과 창업지원제도가 유의한 영향요인으로 확인되었다. 이러한 결과는 대학생의 엔터테인먼트 산업 창업의도가 단순한 경제적 보상 기대보다는 미래 진로에 대한 불확실성과 창업을 현실적 선택지로 인식하게 하는 제도적 지원환경에 의해 형성될 수 있음을 시사한다. 본 연구는 PPM 이론을 엔터테인먼트 산업 창업의도 연구에 적용함으로써 문화예술·콘텐츠 산업 맥락에서 대학생 창업의도 형성 메커니즘을 탐색적으로 규명하였다는 점에서 학술적 의의가 있으며, 산업 특화형 창업교육 및 지원정책 수립을 위한 기초자료를 제공한다는 점에서 실천적 의의를 가진다.

This study empirically investigated the factors influencing college students' entrepreneurial intention in the entertainment industry by applying the Push-Pull-Mooring (PPM) framework. The entertainment industry, encompassing music, performance, broadcasting, film, and digital content, fundamentally requires creativity and content planning skills. Unlike general entrepreneurial fields, it is highly likely that industry specificity and career uncertainty have a complex effect on forming entrepreneurial intention in this area. Therefore, this study aimed to analyze how pressures from the employment environment, the attractiveness and support system of entrepreneurship, and factors related to failure and resource constraints affect the process by which college students perceive entrepreneurship in the entertainment industry as an alternative career path. To this end, a self-administered survey was conducted with 134 college students in Korea, and the collected data were analyzed using descriptive statistics, reliability analysis, correlation analysis, and multiple regression analysis via SPSS 25.0. The results showed that at the higher-order factor level, Push and Pull factors had a significant positive (+) effect on entrepreneurial intention in the entertainment industry, whereas Mooring factors did not show a significant effect. At the sub-factor level, future uncertainty and entrepreneurial support systems were identified as significant influencing factors. These findings suggest that college students' entrepreneurial intention in the entertainment industry may be shaped more strongly by uncertainty about future career paths and the institutional support environment that allows them to perceive entrepreneurship as a realistic option, rather than simply by expectations of economic reward. This study holds academic significance by exploratorily identifying the mechanism forming college students' entrepreneurial intention in the context of the culture, arts, and content industries through the application of the PPM framework. Furthermore, it provides practical significance by offering foundational data for establishing industry-specific entrepreneurial education and support policies.

본 연구는 생성형 인공지능 ChatGPT를 활용한 영화 감상·분석 활동이 영화 예술 교육에 어떠한 교육적 가능성을 지니는지 탐색하는 데 목적이 있다. 영화는 시각 이미지, 음향, 음악, 편집 리듬, 공간 구성 등 다양한 형식 요소가 결합된 다중양식 텍스트로, 그 의미는 서사와 형식 요소의 상호작용을 통해 형성된다. 그러나 기존 영화 감상 교육은 줄거리 이해와 감상문 작성 중심으로 이루어지는 경우가 많아 형식 요소 분석과 비평적 해석 활동이 충분히 이루어지지 못하였다. 이에 본 연구는 ChatGPT를 활용하여 영화 감상 교육을 감상 중심에서 형식 분석 및 비평 중심 학습으로 확장하는 교육적 방안을 모색하고자 하였다. 연구 대상은 봉준호 감독의 영화 <기생충>으로 선정하였으며, 반지하 도입부, 박 사장 저택진입, 폭우 침수, 지하 공간 발견 장면을 중심으로 분석하였다. 연구 방법은 예비 감상 및 장면 선정, 형식 요소 구조화, 해석 가설 생성, 연구자의 해석 검증 및 확장, 예술 교육적 의미 도출의 5단계로 진행하였다. 연구 결과, ChatGPT는 영화 형식 요소를 구조화하고 해석 가설을 생성하는 과정에서 학습자의 분석 활동을 지원하는 인지적 도구로 기능하는 것으로 나타났다. 이를 통해 학습자는 형식 요소와 서사 간의 관계를 체계적으로 이해하고, 감상 활동을 근거 기반의 비평으로 확장할 수 있음을 확인하였다. 또한 ChatGPT를 활용한 분석 과정은 다양한 해석 가능성을 탐색하게 함으로써 학습자의 메타인지적 사고를 촉진하는 경향을 보였다. 한편, 본 연구는 단일 작품과 제한된 장면을 중심으로 이루어진 사례 연구로서 연구 결과를 일반화하는 데에는 한계가 있으며, ChatGPT의 분석 과정 또한 연구자의 ㅍ해석에 일정 부분 의존한다는 점에서 객관성 확보에 제약이 있다. 또한 실제 수업 현장에서의 학습 효과를 실증적으로 검증하지 못하였다는 점 역시 한계로 지적될 수 있다. 결론적으로 ChatGPT는 영화 해석을 대체하는 수단이 아니라 학습자의 관찰, 분석, 해석 과정을 촉진하는 교육적 매개로 기능하며, 영화 예술 교육을 감상–분석–비평의 통합적 학습 구조로 재구성할 수 있다.

This study explores the educational potential of using the generative artificial intelligence ChatGPT in film appreciation and analysis within film art education. Film is a multimodal text composed of visual images, sound, music, editing rhythm, and spatial composition, whose meaning is constructed through the interaction between narrative and formal elements. However, conventional film appreciation education has often focused on plot comprehension and impressionistic responses, limiting opportunities for formal analysis and critical interpretation. This study proposes an approach that expands film appreciation toward form-based analysis and critical inquiry using ChatGPT. The study examines Parasite, directed by Bong Joon-ho, focusing on four key scenes: the semi-basement introduction, the entrance into Mr. Park’s house, the flood sequence, and the discovery of the hidden basement. The research was conducted in five stages: preliminary viewing and scene selection, structuring of formal elements, generation of interpretive hypotheses, verification and expansion of interpretations, and derivation of educational implications. The findings suggest that ChatGPT functions as a cognitive tool that supports learners’ analytical processes by structuring formal elements and generating interpretive hypotheses. This enables learners to understand the relationship between form and narrative more systematically and to extend appreciation toward evidence-based criticism. It also promotes metacognitive thinking by encouraging the exploration of multiple interpretations. However, as a case study based on a single film and selected scenes, the findings have limited generalizability. In addition, the analysis partially depends on the researcher’s interpretive intervention, raising concerns about objectivity, and lacks empirical validation in classroom settings. In conclusion, ChatGPT serves as an educational mediator that facilitates learners’ observation, analysis, and interpretation, suggesting the potential to reconstruct film art education into an integrated framework of appreciation, analysis, and criticism.