Earticle

마당극은 전통 연희인 탈춤, 가면극, 풍물, 춤, 판소리, 민요 등을 창조적으로 계승 발전시킨 우리나라고유의 연극 양식이다. 특히 마당극은 60년대 탈춤부흥운동의 성과를 이어받았고 탈춤을 비롯한 전통연희로부터 이끌어낸 공연 예술적 미학을 근거로 마당극의 양식적 특성을 부여하고 있다. 이후 70-80년대를 거치면서 약 20여 년 동안의 마당극은 당시의 비민주적 정치체제와 사회경제적 불평등의 해소와 실천을 위한 진보적이고 민중적인 예술로서 그 위치를 공고히 하고 왕성한 활동을 펼친다. 그러나 90년대 초 김영삼 문민정부가 탄생하자 정치와 사회는 안정을 되찾는 분위기가 조성되고 마당극도 쇠퇴의 조짐이 나타나기 시작했다. 90년대 중반 이후 시작된 마당극 쇠퇴가 지금도 여전한 것처럼느껴진다. 오늘날의 마당극에 대한 일반인들의 인식은 ‘배우가 관객과 댓거리를 조금 하거나 노래 몇 마디를 함께 부르거나 극 중에 풍물이나 민요가 한 두곡 정도 나오면 마당극’이라고 여긴다. 우리 고유의극형식인 마당극이 서양연극의 하위 예술로까지 자리 매겨지고 있는 분위기다. 마당극은 관객의 참여와 개입이 중시되는 공동체적인 연극이고 언어보단 몸의 움직임이 강조되는 아날로그적이고 인간의 원초적인 연극이다. 지난 20여년의 침체기를 벗어나 멀티미디어와 융복합의 시대, 개별화와 정보화의 시대에도 어울리는 공연예술로서 마당극을 발전시켜 나가야 할 것이다. 이에 본 논고는 ‘극 구성’, ‘공연 공간’, ‘관객’ 그리고 ‘연기’ 등 마당극의 주요한 양식적 특성을 재 고찰하여, 마당극이 우리 고유의 훌륭한 공연 양식으로 되살아날 수 있도록 기초자료를 제공하는데 의의가있다.

Madangkuk is an unique and creative theatrical form that originated from traditional Korean entertainment genres such as mask and folk dance, percussion, Pansori, and folk songs. It inherited the achievements of its renaissance movement in the 1960’s and its format was based on the artistic aesthetics derived from traditional entertainments. Through the 70’s and 80’s, Madangkuk solidified its position as a progressive and popular art to criticize and dissolve the non-democratic political system and socio-economic inequities of the time for about 20 years. In the early 90's, when the civilian government of the president Young-sam Kim was born, politics of society stabilized and the decrease of Madangkuk became more apparent. It seems that the decline still continues to this day. Today, the public’s perception of Madangkuk is limited to only a few folk songs along percussion instruments or actors exchanging some words with the audience. It is even considered to be a sub-art of western theater. Madangkuk is a theatrical play that emphasizes the participation and intervention of the audience and is an analogistic and humanistic play that emphasizes the movement of the body rather than the language. It is necessary to develop Madangkuk as a performing art suitable to the era of multimedia, convergence, individualization and informationization This study is to provide the data to revive Madangkuk as our own theatrical style by reviewing the characteristics of the play’s composition, staging, the role of the audience and the method of acting.

현대 사회에서 도시는 삶의 공간일 뿐 아니라 사람들의 존재 방식과 사고까지 영향을 미치는 중요한단위가 되었다. 최근 전 세계적으로 일고 있는 도시에 대한 관심이 이를 방증한다. 도시 스토리텔링 담론역시 이러한 흐름과 연관되어 있다. 도시 스토리텔링은 도시의 정체성을 확립하는데 필요한 이야기를 발견하고 창조하여 보급 또는 확산하는 활동이다. 이 때 이야기는 도시 공간에 대한 개인들의 다양한 기억을 기반으로 한다. 이러한 활동은 자본주의적 도시 마케팅이 아니라 도시민들의 도시 재 전유를 목적으로 한다. 이 논문의 연구 대상인 도시 스토리텔링 연극은 비자본주의적 도시 이야기와 연극의 만남이다. 연극 <고독한 목욕>은 서대문형무소라는 역사적 장소에서 이야기를 발굴하여 창작한 작품이다. 이 논문은 <고독한 목욕>의 공연 사례를 도시 스토리텔링 연극의 관점으로 고찰하였다. <고독한 목욕>의 스토리텔링은 도시 공동체가 공유하는 이야기, 과거의 이야기이지만 현재에도 그 의미를 공감할 수 있는 이야기, 관객이 자기 존재와 동일시 할 수 있는 이야기라는 전제하에 개발되었다. 도시 스토리텔링 연극은장소와 장소성이 공연을 구성하는데 매우 중요하다. 그리고 연극을 형상화할 때 장소의 물리적 요소와오랜 시간에 걸쳐 형성된 사회·문화적 요소도 간과할 수 없다. 그것들을 통해 과거와 현재, 개인과 공동체가 공존하게 되고 그 결과 ‘나’와 ‘공동체’의 정체성이 재구성되기 때문이다. 이 연극에서의 연기는 인간의 행동을 모방하는 ‘미메시스’ 방식과 서사를 전달하는 ‘디에게시스’ 방식이 혼용되었다. 이 논문은 연극이 ‘도시’와 ‘기억’이라는 동시대 담론을 수용하여 문화 재전유의 새로운 장으로서 기능할 수 있을지 탐색하였다.

In modern society, cities have become not only a place of life, but also an important unit that affects the way people exist and think. The recent interest in cities around the world proves this. Urban storytelling discourse is also linked to this trend. Urban storytelling is the activity of discovering, creating, or spreading stories that are necessary to construct the identity of a city. The story is based on various memories of individuals about urban spaces. These activities are not aimed at capitalist urban marketing, but at re-appropriation cities by the citizens. The urban storytelling performance, which is studied in this paper, is a joining of non-mainstream urban stories and performance. The <The Solitary Ceremony> created stories in a historical site, Seodaemun Prison. This paper looked at the <The Solitary Ceremony> from the perspective of a urban storytelling performance. The story of this performance was created as a story shared by the people of the city, a story of the past but still of the present, a story of which the participant can identify with their own existence. Urban storytelling performance is very important in constructing the performance of place and placeness. Also physical of a place, historical and cultural factors are important. There is a co-existence of individuals and communities. And the past and the present coexist. As a result, the identity of ‘I' and ‘community' are reconstructed. The acting in the performance is a combination of a ‘mimesis' that imitates human behavior and a ‘diegesis’ that narrates narrative. This paper was searched whether the performance, which accepted contemporary discourse of ‘city’ and ‘memory’, could function as a new venue for cultural approriation.

전자 매체의 발달과 테크놀로지의 발전은 관객들에게 기존과는 다른 새로운 콘텐츠들을 선보였다. 미디어와 융·복합 시도를 통하여 더 확장된 분야의 콘텐츠와 어우러질 수 있는 ‘트랜스미디어’는 다양한형태와 다채로운 전달 채널들을 통하여 이루어지고 있다. 또한 연극에서의 가장 중요한 속성인 ‘스토리텔링’에 맞추어져 있으며 엔터테인먼트의 경험 창출과 콘텐츠의 확산을 강화시켰다. 관객들의 새로운 콘텐츠에 대한 요구는 연극 분야에서도 커져갔다. 극장이라는 사방이 막혀있는 제한적인 공간에서 벗어나장소가 가지는 특유의 색깔과 뉘앙스를 경험할 수 있는 장소 특정적 공연들은 관객들의 새로운 요구에응답한다. 장소 특정적 공연들과 트랜스미디어는 이렇듯 일맥상통한 부분들이 눈에 띈다. 본 연구에서는 트랜스미디어적 경향을 가진 장소 특정 공연들의 사례를 분석하면서 연극과 어떻게융·복합되고 어떤 영향력을 관객에게 주는지 알아보았다. 장소 특정성과 트랜스미디어의 개념 정리를선행한 후 트랜스미디어적 경향을 가진 <페이스 투 페이스(Face to Face)>와 <앙 루트(En-route)>의 장소특정적 공연들의 사례를 분석했다. 트랜스미디어적 장소 특정적 공연의 사례 연구를 통하여 관객의 인터랙티브한 능동적 참여도를 향상시키며 타 예술 장르의 융·복합 가능성을 제시했으며 다양한 예술 공간의 확장성을 통하여 사회 곳곳의 잉여 공간 활용을 적극 지향한다는 효과를 발견할 수 있었다.

The development of electronic medium and technology have made audiences pay more attention to new contents. Through convergence attempts with media, ‘trans-media’, which can be combined with contents of a more extended field, is being made through various forms and channels. In addition, it is based on ‘story telling', which is the most important attribute of the theatre, and it enhances the creation of experience about entertainment and the diffusion of new contents. The demand for new contents by audiences has also grown in the field of theatre. Rather than tasting limited and confined places that a theatre provides, the site-specific performances that can experience the unique color and nuance of the site itself are responding to the new demands of the audience. In this way, the site-specific performances and the trans-media have a thread of connection. This study is based on the questions about the attempts of the trans-media tendency and the feasibility of the art convergence in the theatre. After analysing the concept of site-specific and trans-media, the cases of site-specific performances of ‘Face to Face' and ‘En-route' with trans-media tendencies are examined. Through the case study of the site-specific performances with trans-media tendencies, it is clearly shown that there were three major key facts: the interactive participation of audiences is improved, the possibility of fusion of other art genres is presented, and the effect of surplus space throughout society is found.

이 연구는 과거의 영화기술부터 오늘날의 영화기술 특수효과의 발전과정과 그에 따른 배우의 영상연기의 방향성과 한계점을 영화작품과 영화배우의 인터뷰 자료, 선행연구들의 객관적인 자료를 인용하여연구한 것이다. 4차 산업 혁명으로 인한 기술의 발달로 영상기술 또한 많은 변화를 이루었다. 최초의 영화인 뤼미에르형제의 <기차의 도착> 부터 시작하여 오늘 날의 화려하고 자극적인 CG영화로 발전하면서 관객들은 점차더욱 화려한 볼거리를 원하게 되었고, 영화에 대한 지식 또한 풍부해지면서 과거에 전문가들만 알던 용어까지도 습득하고 있다. 이렇게 관객의 수준이 기술의 발전과 함께 진화해 오면서 영화를 판단하는 기준점 또한 변화 할 수밖에 없게 되었다. 미래에 영상기술이 더욱 발전하여 인간만의 영역으로 여겨졌던‘연기’가 인공지능(AI)으로 대체 가능해진다면 과연 인간이 설 수 있는 자리는 어디일까. 이런 변화에 대한 성찰을 통해 기술발전에 따른 연기 환경의 변화 속에서 배우의 연기는 더욱 섬세해 져야만하고 자연스러워져야만 한다. 빠르게 변화하는 시대에 맞춰 배우는 기존에 있던 연기방식과 함께 새로운 영상기술시스템에 맞는 연기법 또한 끊임없이 고뇌하고 연구해야 할 것이다. 이에 본 연구자는 4차 산업 혁명을 통한 영화기술의 발전 속에서 앞으로의 배우 영상연기훈련 방향성제시를 목적으로 둔다.

This study is based on the process of developing special effects of film technology from the past and the purpose of the project is to study the direction and limitation of the film performance by quoting objective data from film production, interview of movie star and previous research. With the development of technology due to the fourth industrial revolution, the imaging technology has also made many changes. Starting with the first film, "The Arrival of Train" by the Lumiere brothers, As we develop into colorful and exciting CG movies of these days, the audience has become increasingly demanding for spectacular view and also, as the knowledge of movies has become more extensive, it has acquired terms that only experts in the past have known. As the level of audience has evolved with the development of technology, the standard of judging movies has also changed. In the future, if the technology of film becomes more advanced and the ‘acting’ can be replaced by artificial intelligence, where can humans stand? To introspection to these changes, actor’s performances should be more delicate and natural in the performance of the environment changes with technological development. To the rapidly changing times, actors have to constantly agonized and studied existing acting style with acting appropriate new film technology system. Therefore, the researcher aims to present direction for future actor’s imaging acting training in the development of film technology through the forth industrial revolution.

1960년대 ‘수행적 전환’(performative turn) 시대의 공연예술은 영역간의 경계 허물기를 본격화 하였으며, 조형예술, 음악, 무용, 연극 등은 자신의 경계를 확장 또는 융합하면서 공연예술의 개념을 새롭게 정의해 나간다. 이와 같은 경계의 확장과 융합은 연극기호의 무제한적 실행이나 기호적 의미 지시를 포기하고, 무대 위에 제시된 형태들을 물질적, 현상적 존재로 경험할 자유를 관객에게 제공한다. 이제 관객은신체와 물질의 현존이 체험되는 공간 안에서 더 이상 수동적 관람자로 존재할 수 없으며, 배우의 몸과더불어 연극기호들이 만드는 신체와 물질의 현상적 물질성을 적극적으로 수용하고 반응하는 공동생산자또는 공동창조자로서의 역할을 부여받게 된다. 이러한 패러다임의 변화 양상은 오늘날의 더욱 다양해진 공연예술들 속에서 관객의 지각가능성을 실험하고 확장하는 방향으로 옮겨가고 있다. 그러면서 관객들로 하여금 텍스트 중심의 전통적 분석방법에서 탈피하여 좀 더 다각적인 분석을 요구하게 된다. 본 논고는 이와 같은 공연예술의 시대적 패러다임의 변화에 동의하는 입장에서, 피셔-리히테(Erika Fischer-Lichte)가 제공하는 수행성의 미학(Ästhetik des Performativen)과 물질성(materiality), 육체성(Physicality), 체현(embodiment) 등을 분석 작업의 중심 개념으로 설정하였다. 그리고 그에 따른 분석 대상으로 안은미의 춤연극 <심포카 바리-이승편>을 통해 수행성이 강조되는 공연에서의 지각 방식과 의미생성은 어떻게 관찰되는지 살펴보고자 한다.

Regarding the performance art in the era of the performative turn in the 1960's, the demolition of the boundaries between the domain had been in earnest. And, while expanding or fusing their boundaries, the formative arts, the music, the dance, the drama, etc. had gone forward by newly defining the concept of the performance art. The expansion and the fusion of the boundaries like these abandon the unlimited execution of the tastes in the plays and the instruction of the taste meanings. And, regarding the forms that had been presented above the stage, the freedom of experiencing them as the material and phenomenal existences is provided to the audience. Now, the audience can no longer exist as the passive viewers within the space in which the present existence of the body and the material is experience. And they get around to receiving the giving of the role as a co-producer or a co-creator who aggressively accepts, and reacts to, the phenomenal materiality of the body and the material that is made by the tastes in the plays in addition to the actor, the actress, and the body. From the position of agreeing with the change of the paradigm of the era of the performance arts like this, this argument had set up the aesthetic of the performance (Ästhetik des Performativen) that had been presented by Erika Fischer-Lichte, the materiality, the physicality, the embodiment, etc. as the central concepts of the work of the analysis. And, as the object of the analysis resulting from it, through the Tanztheater <Symphoca Princess Bari-This World> of Ahn, Eun-me, it is intended to take a look at how the method of the perception and the creation of the meaning in a performance, regarding which the performance is emphasized, are observed.

오늘날 예술 장르의 경계가 갈수록 모호해지고 더불어 4차 산업혁명 시대에 접어들면서 인공지능이라는 개념과 함께 로봇 배우가 공연문화의 새로운 패러다임을 만들어내고자 다양하게 시도되고 있다. 배우예술의 영역에서 과연 로봇 배우와 인간 배우의 경계선을 앞으로 우리는 어떻게 바라보아야 할 것인가? 그 갈림길에서 과연 로봇 배우의 연기를 우리는 진정한 연기 예술로 받아들여야만 한다면 그 영역과 경계를 어떻게 구분해야 할 것인가? 대표적으로 제미노이드 에프(F), 에버(EveR), 라오라(RAoRA)에 이르기까지 다양한 로봇 배우들이 다양하게 등장하고 있다. 더 이상 인간만이 할 수 있다고 믿었던 배우예술의영역도 인공지능한테서 자유로울 수 없음을 의미한다. 미래 사회의 산업 지형을 우리는 완벽하게 예측할수는 없지만, 연구와 분석을 통해 공존 방법을 모색해야한다. 미래에 요구하게 될 새로운 배우예술의 영역과 그 경계에 대하여 논하고자한다. 이를 위한 본 논문의 구성은 크게 세부분으로 나뉜다. 먼저 4차 산업혁명 시대의 도입을 통해 달라진시대적 현황을 살펴본다. 그리고 4차 산업시대의 혁명으로 배우예술의 혁신적 영역에 부분에 대한 사례들을 살펴본다. 마지막으로 로봇 배우와 인간 배우의 영역의 경계에 대하여 어떻게 구분하고 바라볼 것인 가에 대하여 논하고자 한다. 본 논고에서는 4차 산업혁명 시대, 배우예술의 영역과 그 경계 배우예술논의는 기존 논의들에서 고찰된 개념들을 보강하면서 새로운 시각에서 그 영역의 경계를 바라보고자 한다. 결과적으로 4차 산업혁명 시대에 이르러 달라진 배우예술의 현황과 그로인해 나날이 발전하고 있는로봇 배우들의 사례를 통해 특징을 알아보고, 인간 배우와 로봇 배우의 경계선과 그리고 앞으로의 발전가능성을 살펴보고자 한다.

Today, as the boundaries of artistic genre become increasingly vague, and with the society facing the Fourth Industrial Revolution, robot actors are out there to create new performing art paradigm in various ways along with the concept of Artificial intelligence. In the field of acting art, how do we look at the boundaries between human actors and robot actors? Standing at the crossroad, how do we classify the fields and the boundaries, if we accept the robot acting as true? From the Geminoid F, EveR and to RAoRA, there are many robot actors making an appearance on the stage. It means that the area of the acting arts which was believed only human to be able to perform, no longer free from the AI. We cannot predict the precise form of the industrial geography in the future yet, through research and analysis, we will be able to seek the way to co-exist. In this paper, I would like to discuss the fields and the boundaries of new acting arts that will be required in the future. The composition of this paper is divided into three parts. First, look through the current situation that has changed ever since society enters the Fourth Industrial Revolution. Then, examine the example of the innovative part of the acting arts because of the Revolution. Finally, discuss how to divide and look at the boundaries between robot actors and human actors. In this paper, I will reinforce the previous debate about the acting arts and their own fields and the boundaries, while examining them with a new perspective. As a result, we will investigate the characteristics of the acting arts that have changed by the Fourth Industrial Revolution through the cases and examine the boundaries between human actors and robot actors and of its possibility of future development.

여성국극은 여성배우로만 이루어진 음악극으로 기존의 창극이 소리 중심의 공연양식이었던 것에 비해 소리뿐만 아니라 춤과 연기가 가미된 공연예술이다. 여성들로만 구성되었다는 것 이외에 창극과 구별되는 양식적 특징이 무엇인지 본 연구에서는 임춘앵의 공연양식의 특징을 음악성, 종합극, 남성연기로구분하여 1950년대의 여성국극 공연 양식의 특징과 앞으로의 발전 가능성을 살펴봤다. 임춘앵은 다방면의 음악적 재능으로 판소리를 재구성하여 대중적인 스타일을 추구하였고 소리 이외에도 춤, 연기, 무대연출, 무대의상, 무대매너를 극대화 시켰다. 또한 그녀의 남성연기는 여성들로 하여금 성(性)의 대리만족을 시켜 주었고 양성적인 무대이미지로 동성애적 환상으로 여성관객들의 애정을 받으면서 큰 인기를 누릴 수 있도록 하였다. 이와 같은 임춘앵의 공연양식의 특징은 다음과 같이 정리할 수 있다. 첫째, 여성국극의 음악은 이해하기 쉽고 가벼워서 지루하지 않다. 둘째, 판소리의 음악적 예술성을 이어가기 보다는춤과 연기, 무대연출과 무대 매너 등 쇼와 엔터테인먼트의 볼거리 제공의 극대화로 오락성에 비중을 두고 발전하였다. 셋째, 배우들의 남성 연기는 여성관객들의 성(性) 역할의 대리만족과 동성애적 환상으로인기를 누리게 하였다. 여성국극단은 위에서 정리된 바 와 같이 예술성보다는 대중성과 오락성에 더 큰비중을 두고 동성애적인 주인공 캐릭터에 비중을 두고 발전하면서 공연의 질의 저하와 단체 내외부적인문제로 인하여 예술의 한 장르로 이어나가기가 역부족이었다. 예술장르로서 발전되기 위해서는 음악성과 스토리를 정비하고 캐릭터 개발과 남성성에 관한 연구가 있어야 할 것이다.

Actress Gukguek is a musical drama composed only of women actors. It is a performing art with dancing and acting, as well as sound, compared to the existing style of Changguek which was the performance style of sound. In addition to being made up only of women, we want to know what kind of performance style is different from the Changguek. Therefore, the characteristics of Im Chun - Ang's performance style will be examined in terms of the characteristics of the women's performance style in 1950's and possibility of future development. The characteristics of the performance style can be summarized as follows First, Actress Gukguek is easy to understand and light, so it's not boring. Second, Instead of continuing the musical artistry of Pansori, it developed with the emphasis on amusement by maximizing the attractions of show and entertainment such as dance and acting, stage production and stage manners. Third, The male performances of the woman actors were popular with the sexual satisfaction of the female audience and the homosexual fantasy. Through the above three characteristics, the popularity and entertainment of the Actress Gukguek is more important than the artistry of the . And Developed it with a focus on the homosexual characters. So, The quality of the performances deteriorated and the group's internal and external issues were not enough to lead to the arts genre. In order to develop as an art genre, it is necessary to develop and develop music and story, and to study various character development and masculinity.

만화가 인터넷을 만나 새로운 장르가 탄생하게 되었고, 문화적 파급력도 높아지고 있다. 이를 웹툰이라고 한다. 웹툰은 웹(web)과 만화(cartoon)가 합쳐진 합성어로 인터넷망을 통해서 PC, 스마트폰 등으로볼 수 있는 만화를 일컫는다. 웹툰은 영화나 드라마와 같이 다양한 문화콘텐츠 장르로 활용되고 있다. 영화나 드라마계의 소재가 고갈되어 웹툰의 다양한 소재를 활용하게 되었고, 완전 새로운 작품 보다는 인기가 있는 웹툰의 원작을 활용함으로서 시청률이나 관객 동원 등의 부담감을 덜 수 있게 되었다. 트랜스 미디어의 과정에서 이야기의 서사구조, 캐릭터 등은 각 매체의 특성에 맞게 변화할 수밖에 없다. 영화는 상영시간의 시간적 제약이 있어서 에피소드와 인물의 생략을 통한 서사와 갈등의 단선화가이루어지는 반면 TV 드라마는 에피소드와 인물이 추가, 확장되고 복합적인 플롯으로 변화 되며 인물관계도 복잡해진다. 원작 웹툰에서 드라마로 전환시 극적인 에피소드의 추가를 통해 기대감을 충족시키는전략을 사용하였다. 이와 같은 전략에 있어 스토리의 구성요소이자 사건을 발생시키고 이끌어나가는 원동력 중 하나인 캐릭터도 변화하였다. 본 연구에서는 트랜스 미디어 과정에서 작품의 완성도에 영향을 미치는 캐릭터의 변화의 중요성을 실제 사례를 통해 살펴보고 매체전환의 과정을 거치면서 사회 트렌드를 반영하는 캐릭터의 변화를 확인하였다.

Comic books became a new genre when I met the Internet, cultural ripple effects are also increasing. This is called Webtoon. Webtoon is a combination of web and cartoon, which refers to a cartoon that can be viewed through internet network as PC and smartphone. Webtoon is used as various cultural contents such as movies and dramas. As the subject matter of movie or drama is depleted, the Webtoon uses diversity. It can be attributed to relatively less pressure by using the original popular Webtoon rather than completely new ones. In the process of trans-media, the narrative structure and characters of the story change depending on the characteristics of each medium. Films have a time limit in showtime, which leads to an open circuit between the lines and the characters, while TV dramas add, expand, and complex plots, which also complicate relationships. When moving from the original Webtoon to a drama, he used a strategy that met expectations through the addition of dramatic episodes. In this strategy, characters have also changed, both a component of the story and a driving force to generate and lead events. In this study, we examined the importance of changing characters that affect the completeness of works in the process of trans-media and identified character changes that reflect social trends through the process of media conversion.

1990년대 한국의 공연예술은 당시의 세기말적인 극단적 소비문화에 따른 상업적인 추세에 편승하여과도하게 외형적으로 비대해짐으로써 본질적인 인간자체의 문화가 소외되는 형태로 흐르는 경향이 있었다. 이러한 문제의식을 가지고 출발한 2인극 페스티벌은 연극의 근본 요소인 배우와 사회의 기본 단위인인간을 화두로 삼고, 인간과 사회의 ‘소통의 시작이자 작은 완성’이라고 할 수 있는 두 사람의 관계를 주제로 하여, 인간과 문화예술이 긴밀하게 만나 생명력을 얻고, 더 나아가서 모든 생명의 생존과 번영을 위한 적극적인 움직임을 실천할 수 있는 행동하는 공연예술축제를 만들어나가고자 기획되었다. 2인극 페스티벌은 ‘최소 단위 인간관계의 성찰을 통한 연극 기본정신의 부활’과 ‘인간과 인간 사이의 소통에 대한극적인 탐구’를 목적으로 개개인의 사고와 움직임의 다양성을 인정하고 수용하여, 새로운 공동체적 결과물을 만들어 내고자 하였으며, 무대와 무대가 아닌 곳을 무대로, 관객과 적극적으로 만나는 방법을 모색하고 거침없이 관객 속으로 다가가며, 소외된 주제, 소외된 장르, 소외된 관객을 위해 다방면적인 작업형태로 상호 충돌하여 파장을 일으킬 수 있는 ‘축제형태의 공동체 작업’을 지향하는 공연예술축제이다. 본연구의 목적은 독창적인 형태의 2인극 페스티벌에 대한 연구를 통하여 2인극 페스티벌의 정체성을 확립하는데 기여하고, 이를 통해 2인극 페스티벌의 문화적 가치와 축제적 성격에 대한 가치 분석을 시도함으로써 향후에 전개될 2인극 페스티벌에 대한 다양한 연구의 토대를 마련하고, 향후에 개최 될 2인극 페스티벌에 대한 발전적 개최 방향을 제시하는 계기를 삼고자 했다.

The performance art in Korea in 1990's was in the tendency of isolating the human’s own substantial culture, after growing extremely bigger externally riding on the commercial trend following the radical consumption decadence culture at that time. The two-hander festival, initiated with such a sense of problem, had been planned taking the actor, a fundamental element of drama, and the mankind, a basic unit of the society, as a topic of the conversation. It was intended to make the behaving performance art festival in which vitality is obtained through the close contact of mankind and culture & art with the theme taking the relation of two persons, which can be regarded as ‘a start and a little completion of the communication’ of the mankind and society, as a subject for practicing positive actions for the life and prosperity of all lives, in addition. The purposes of two-hander festival are ‘the revival of drama’s basic mind through introspection of minimum unit of human relations’ and ‘the dramatic quest for the communication between the human beings.’ It tried to produce the outcome of new community by admitting and accommodating the variety of individual thinking and actions. It also tried to find out how to meet with the audience positively, by approaching into the audience unrestrictedly on the stage as well as a stage but not a stage. It is a performance art festival aiming the ‘festival type community work’ that can generate waves by mutual collision in the form of diversified works for isolated theme, isolated genre, and isolated audience. The purpose of this study is to contribute to the establishment of two-hander festival’s identity through the research on the unique type two-hander festival, and aiming the value analysis of the cultural value and its festive characteristics of two-hander festival. It has intended to provide a basis for various researches on the two-hander festival developed from now on and to make an opportunity to propose the improved direction of the two-hander festival for the future.

이 연구는 4차 산업혁명을 통한 영화의 미래에 대하여 알아보고자 한 것이다. 1895년 영화가 처음 만들어진 이후 많은 이론의 정립 그리고 기술들의 발전이 이루어져 왔다. 연구자는 이러한 영화사의 발전안 에 새로운 영화 이론들이 수립되게 된 대표적인 예 인 누벨바그 , 뉴 아메리카시네마, 뉴 저먼 시네마의 사례를 알아보고 그 안에 기술의 발전이 당시 영화사에 미쳤던 영향력과 사건들을 되짚어 보며, 앞으로 다가올 4차 산업기술의 발달로 인한 영화사의 그 방향을 살펴보고자 한다. 1950년대 후반 3차 산업혁명으로 인한 TV의 등장으로 기존에 존재하고 있던 영화시장은 위기를 맞이하였고, 새로운 패러다임에 맞춰 다른 형식의 새로운 영화의 이론 그리고 시스템이 새로 정립되었다. 4차산업혁명을 동반하여 앞으로 다가올 미래에 신기술인 VR과 AR, 4DX 기술들이 실제 상용화가 되면서 눈으로만 즐기던 영화가 점차 체험 구축적인 요소로서의 기능을 수행하고 있고, 모션 캡쳐(Motion Capture) 와 이모션 캡쳐(Emotion Capture)를 활용해 이전에는 만들어내지 못했던 평면적인 텍스트속의 미상의 존재를 스크린으로 옮기고 재연해 내는 일이 가능해 진 시기다. 이에 본 연구는 세계적으로 4차 산업혁명을통한 4D영화와 VR(Virtual Reality, 가상현실)기술이 출현하는 상황에서 지금까지 지배적으로 이루어져 왔던 영화이론들에 대한 탄생배경을 알아본다. 또한, 미래지향적 상황제시를 통해 영화시장의 기술력을 파악, 분석하여 그 정향성 제시를 그 목적으로 한다.

This study aims to predict the future of movie through the fourth industrial revolution. Many theories have been established and technologies have developed since the production of the first movie in 1895. This study will examine the cases of Nouvelle Vague, New America Cinema and New German Cinema that are the representative examples which prompted the establishment of new movie theories in the history of movie; review the influence of technological development on such incidents; and inquire about the futuristic orientation of movies with the development of technologies by the fourth industrial revolution. During the late 1950s, the existing movie market encountered a crisis due to the appearance of television by the third industrial revolution and new movie theories and systems in different forms were established according to the new paradigm. It can be said that technological development brought about changes in movie theories and the system of the movie industry. While movies used to be enjoyed with only eyes and ears in the past, they are now becoming the materials for experience by the commercialization of new technologies of VR, AR, 4DX, etc. in the fourth industrial revolution. In addition, it is now possible to move the unknown existences contained in two-dimensional texts to the space of the screen using the technologies of Motion Capture and Emotion Capture and reproduce them. In relation to this, this study intends to grasp and analyze the technological power of the current movie market flooded by numerous technologies in the fourth industrial revolution in order to present the orientation of movies of the future.

이 연구는 문화예술경영이 지역축제를 중심으로 그 성과를 살펴보고, 나아갈 방향을 살펴보고자 한것이다. 연구방법은 문헌연구로 이루어졌다. 이 연구를 통해 나타난 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 축제 성패의 핵심요인은 총체적인 측면에서는 경영의 문제가 있다. 즉, 축제의 시작부터 끝까지를 관장하는 경영의 문제는 성공과 실패를 가져오는 가장 중요한 요인이라는 점이다. 둘째, 지자체의 축제운영기관 및 단체와의 갈등 문제가 드러난다. 축제를 통한 갈등의 원인은 다양하지만, 서로 간의 협력성이 떨어지고, 운영의 성과보다는 개인적 성과에 치중하는 행태로 인해 실질적인 효과가 잘 드러나지 않는다는점이다. 셋째, 지역축제 관계자들의 영향력이다. 소수의 영향력 있는 관계자들이 모든 것을 결정하는 구조는 시민들이 함께 참여하는 동기를 유발하지 못하고, 개인의 영향력 확대에 치중하게 되므로 모두가화합하는 축제로 승화시키지 못하고, 일부는 소외되고, 냉소하는 형식적인 축제로 이루어지게 된다는 점이다. 넷째, 현재 이루어지고 있는 수많은 지역축제가 그 낮은 성과에도 불구하고, 쉽게 줄어들지 않는이유는 아마도 지자체장의 치적과 관련되어 있기 때문이라는 점이다. 그러나 축제를 2-3개로 줄여서 집중하는 것이 더 효과적일 수 있다. 다섯째, 전통과 창작의 요소를 접목하여야 한다는 점이다. 여섯째, 축제를 즐기는 대상을 명확하게 선정하여야 한다. 일곱째, 지자체의 축제주관부서와 축제운영기관 및 단체, 축제의 주된 운영관련담당자의 정기모임 등 협력시스템을 구축해야 한다. 여덟째, 전국으로 홍보할 수있는 홍보시스템의 구축이 상시적으로 운영될 수 있도록 정보의 제공과 자원봉사자 단체의 구성도 요구된다.

The purpose of this study is to examine the performance of culture and arts management centering on local festivals and to examine the direction of progress. The research method was based on literature review. The results of this study are as follows. First, there is a problem of management in the overall aspect of the key factors of the festival. In other words, the issue of management that governs from the beginning to the end of the festival is the most important factor leading to success and failure. Second, the problem of conflict with the festivals and organizations of local governments is revealed. The causes of conflicts through festivals vary, but the cooperative nature of each other is inferior, and the actual effects are not revealed due to the behavior that focuses on individual achievement rather than on performance. Third, it is the influence of local festival officials. The structure in which a small number of influential stake holders determine everything does not motivate the citizens to participate together, they focus on expanding the influence of the individual, so they can not sublimate into a festive event, It is a festival. Fourth, the fact that many local festivals that are taking place are not easily reduced in spite of the low performances, probably because they are related to the position of the local governor. However, it may be more effective to focus on reducing the number of festivals to 2-3. Fifth, it is necessary to combine elements of tradition and creation. Sixth, the object to enjoy the festival should be selected clearly. Seventh, a cooperative system should be established, such as regular meetings of the festival-related departments of the municipalities, the festival operating agencies and organizations, and the main operation-related personnel of the festival. Eighth, provision of information and formation of a volunteer group is also required so that the public relations system that can be promoted nationwide can be operated at all times.

본 논문은 유리 노르슈테인의 1970년대 작품인 <여우와 토끼>, <왜가리와 두루미>, <안개 속의 고슴도치>, <이야기 속의 이야기>를 중심으로 하는 서사성 연구로서 서사구조의 특성을 연구한다. 먼저 몽타주미학의 확장성을 살펴보았다. 몽타주의 확장성이 시적 영상 이미지의 상징적 의미를 어떻게 구축하는지탐구하고, 그의 애니메이션 작품에서 찾아 볼 수 있는 서사적 특징을 탐구한다. 노르슈테인의 애니메이션에서 주제적 의미는 일상과 기억에 관한 상징적인 이미지로 구축되고, 주로 공간, 물질과 자연 등에 내적이고 심리적인 현상으로 투영된다. <여우와 토끼>, <왜가리와 두루미>는 일상에 관한 반복된 행위들이 공간과 물질로 동기화되어 감정과정서가 증폭된다. 이때 몽타주는 쇼트와 쇼트의 연결과 배열로 사건과 갈등이 심화되어 행위를 동기화하지만 쇼트 내의 구조와 내적이고 심리적인 단독 쇼트 자체로서 시적 영상미를 구축한다. 또한 인물의 내적이고 형이상학적인 불안은 일상의 우연한 일들을 서정적이고 회화적인 이미지로 투영한다. 이러한 경향은 <안개 속의 고슴도치>와 <이야기 속의 이야기>에서 시간적이고 인과론적인 경로에 따라 의미 있는 일련의 사건으로 연결되는 것 보다 영상과 소리를 통한 리듬과 템포로 공간의 물상에서 상징적인 의미를 구축하며 시적 영상미로 확장된다. 여기서 공간 속 물상은 영화적 환유로 작동하고, 감독의 주관적 관조를 지향하고, 삶을 성찰한다. 이런 맥락에서 이 논문은 그의 작품에서 찾아볼 수 있는 서사적 특성으로써 노르슈테인 감독의 시적 영상이가 구현하는 상징적 의미를 읽어 보고자 한다.

This is a study on the narrative focusing on <Fox and Rabbit>, <Heron and Crane>, <Hedgehog in the Fog>, <Tale of Tales> . which are the works in the 1970s by Yuri Norstein. The narrative structure analysis is first examined the extensibility of the montage aesthetics. And how to construct the symbolic meaning of images is investigated through poetic images. He explores how the montage's extensibility constructs the symbolic meaning of poetic image and explores the Explore narrative features, that can be found in his animated works. In Norstaine's animation, the thematic meaning is constructed as a symbolic image of daily life and memory, and is mainly projected as an internal and psychological phenomenon in space, material and nature. The foxes and rabbits, the herons and the crane are synchronized with space and material, and their emotions and emotions are amplified. At this time, the montage synchronizes the action by deepening the events and conflict with the connection and arrangement of the shot and the shot, but constructs the poetic visual beauty as the structure in the shot and the inner and psychological stand alone shot itself. Also, the internal and metaphysical instability of a person reflects everyday contingencies as lyrical and pictorial images. This tendency is based on temporal and causal pathways in <Hedgehog in the Fog> and <Tale of Tales>, rather than linking to a meaningful series of events, creating a symbolic meaning in the material of space by rhythm and tempo through video and sound And is extended to non narrative than narrative. Here, the material in the space works as cinematic metonymy, directs subjective supervision of the director, and reflects on life. In this context, this essay attempts to read the symbolic meaning embodied in the poetic image of director Norststein as a narrative characteristic found in his work.