Earticle

연출가와 배우에 의해 한편의 연극이 만들어지는 과정에서 연극텍스트의 분석 및 해석은 작품의 완 성을 위한 첫걸음으로 매우 중요한 과정이다. 연출가가 텍스트를 어떻게 분석하는가는 연극의 공연양식 을 결정짓는 가장 기본적인 요소이면서 또한 배우들의 역할창조나 연극 제작에 참여하는 스텝들의 디자 인에 개념과 방향성을 제시하는 결정적인 요소로 작용되기 때문에 연출가의 작업과정에서 가장 중요한 부분이라고 할 수 있다. 연극텍스트는 인간 욕망의 구조와 욕망에 의한 갈등 양상을 기반으로 전개되는 것이 일반적이고, 인간의 욕망은 의식과 무의식이 행동으로 표출되는 양상을 띠고 있음에 착안하여 연극텍스트 분석방법으로 프로이드의 정신분석이론을 활용하여 분석도구를 만들 수가 있다. 프로이드는 인간의 정신에너지와 지역모형으로서 의식, 전의식, 무의식을 구분해냈으며, 그리고 성격의 구조 모형으로 이드, 자아, 초자아 를 제시하였다. 프로이드의 정신분석이론은 연극텍스트를 분석하는데 있어서 매우 중요한 핵심 요소들 을 제공하고 있다고 할 수 있으므로 연극텍스트 분석 도구가 되기에 충분하다 하겠다. 따라서 프로이드 의 정신분석이론에 의한 연극텍스트 분석의 효과로서 연출가 및 배우들의 연극제작과정에 직접적인 도 움이 될 수 있으며, 이러한 분석도구로 연극텍스트의 구조와 인물들의 행동양상을 보다 명확하게 분석해 내고자 한다.

Analysis and interpretation of the play text is not only the first step but also a very important process in making a play to be completed on the stage by actors and a director. How the director analyzes the text is the most basic element that determines the performance style of the theater, and it also serves as a decisive factor in presenting the concept and direction to the design of the roles of the actors and the actors involved in theater productions. The theatrical text is developed based on the structure of human desire and the conflict based on the desire, and human desire has the aspect of consciousness and unconsciousness expressed by action. You can create analytical tools using theory. Freud distinguished between consciousness and unconsciousness as a mental energy and local model of a human, and proposed the id, ego, and superego as structural theories of personality. These Freudian psychoanalytic theories provide very important key elements in analyzing theater texts. Freud's theory of psychoanalysis is sufficient to become a theater text analysis tool when the theater text is created by the conflict and the action by the desire of the human being. Therefore, we have developed a methodology that can directly help the producers and actors in the theatrical production process of the theatrical text analysis by Freud's psychoanalytic theory and can more clearly analyze the structure of the theatrical texts and the behavior patterns of the characters.

공연 양식에 따라 배우가 적용하는 연기술에는 분명한 차이가 있다. 하지만 직접 그 차이를 경험하지 않고서는 어느 부분의 적용으로 어떤 문제가 일어나는지 알기 힘들 뿐더러 배우가 연기를 하면서나 연출 이 방향을 제시 하면서, 교육자가 연기교육을 하면서 때때로 ‘명확한’ 문제점을 파악하거나 문제점에 대 한 ‘정확한 방법’을 제시하는 것이 쉽지만은 않다. 또한, 연극에 있어서 ‘실기’는 하나의 학문적 연구 작 업으로서 충분히 알고 작품에 임해야 하나 실 현장은 훈련이나 테크닉에 관해 직접 오랜 시간 실습해보 고 실험을 한 경우는 많지 않다. 때문에 새로운 작품은 넘쳐나고 여러 예술가들이 만들어 놓은 양식 속 에서 연기하는 배우로서는 이러한 방대한 각 작품들에 자신에 ‘꼭 맞는 표현’을 찾는데 어려움을 겪어왔 으며 그러한 부분을 학문적으로 연구를 하기에 쉽지 않다. 필자는 실제 공연을 하는 연기 현장 속에서 실기와 이론을 나누지 않고 연기실습의 주가 되고 있는 사실주의 테크닉을 비롯한 비사실적 테크닉의 내 면과 실 활용의 의미와 한계, 연기활용의 발전 가능성을 바라보려한다. 이 연구는 공연이 이루어지기 위해 준비하는 과정에서 공연 양식에 따른 배우의 연기테크닉 활용에 대한 연구이다. 그중에서도 비사실주의 연극에서의 표현방법을 찾아가는 과정을 필자가 직접 참여하여 했었던 연기훈련, 신체훈련, 공연일지, 동선표 등으로 기록하여 분석 및 연구한 논문이다. 필자가 연기한 연극 ‘두드리 두드리’를 통하여 연기 현장에서 실기와 이론의 내면을 들여다봄으로서 그 내용과 의미를 연구하였고, 특정 양식과 역할 극대화를 위해 적용했던 테크닉들의 효과와 한계를 알아보는데 목적을 두 었다. 이 연구에 나와 있는 테크닉 적용을 통한 효과와 제기된 문제를 통하여 좀 더 다양하고 깊은 연기 테크닉의 개발과 작품에 참여하는 연출과 배우의 테크닉활용, 연기테크닉 교육에 도움이 되었으면 한다. 또한 한국연극의 좀 더 창조적인 작업을 도모할 수 있는 발판이 되길 바란다.

Depends on the performance style, there are obvious differences how actors apply their dramatics. It is hard to recognize which problem will be caused by applying certain part before experiencing that difference directly. Not only that it is hard to identify a well-defined problem or suggest a correct procedure when actor plays, director present how to act, or teacher provide a lesson. Furthermore, practice in acting has to be faced as an intellectual research work whereas it is hard to practice or experience training or technique for a sufficient time in the real theater field. Finding a suitable expression to each one of work or researching that particular part academically is difficult as an actor who plays in a certain forms which had created from various artist. The author would like to introduce realistic technique which is major part of acting practice for both practice and theory in real performance field as well as inside of unrealistic technique, meaning and limitation of actual application and development possibility of acting utilization. This research is intended to find application of dramatic technique that actor has to prepare to act depends on performance style. Most of all, it is focused on how to find expression manner in unrealistic technique from research and analysis of acting training, physical training, performance log, and pathway chart that author has participated. Research had made by looking in the inside of practice and theory from acting filed of ‘Doodri Doodri’, performance that author had performed and it is intended to see effect and limitation of technique applied for particular method and role maximizing. With effect from application of technique and posed problem described in this research, author wants to contribute development in various and inspired dramatic technique as well as technique application, acting technique education of directors and actors who participate in the play work. Moreover, it will be grateful if it becomes a foothold to promote creative work in Korean theater.

본 연구는 연기전공자들의 공연후유증에 대해 조사하여 공연후유증을 다루기 위한 공식적인 프로그램이 필요한지 그 타당성을 밝히는데 목적이 있다. 연기를 전공하는 학생들은 ‘공연제작실습’이라는 수업을 필수 로 듣고 있는데, 한 학기에 걸쳐 공연연습을 하고 학기말에 공연을 올리는 형식이다. 본 연구에서는 ‘공연제작 실습’을 수강하는 학생들을 대상으로 공연 후에 발생하는 후유증을 파악하기 위하여 설문조사를 하였다. 설문조사내용으로는 공연후유증 경험의 유무, 원인, 증상, 치유방법 등과 공연후유증을 다루는 프로그램의 필요성에 대해서 묻는 질문들이었다. 공연이 끝난 후 곧바로 일상의 생활로 돌아가는데 어려움이 있는지, 어려움이 있다면 그것이 어떤 것인지에 대한 내용을 파악하고, 공연이 끝난 후에 공연자가 일상의 생활로 건강하게 복귀할 수 있는 프로그램이 필요한 지에 대한 타당성을 구하고자 하였다. 본 연구조사를 통해서 ‘공연제작실습’에 참여하는 거의 모든 학생이 공연후유증을 경험한 것으로 파 악되었다. 그러나 학생들은 공연이 끝나고 겪게 되는 공연후유증을 전문적인 프로그램을 통해 다루지 못 하고 개인적이고 비전문적인 방법으로 해결하고 있는 것으로 드러났다. 공연에 대한 여파로 발생하는 개 인의 심리적 신체적 어려움을 그저 한 개인이 감당할 몫으로만 정리하도록 맡겨지면서 마무리를 짓게 된 다는 것이다. 학생들이 경험한 후유증으로 심리적 불안감과 우울감 심지어 자괴감과 대인기피증, 공항장애 등이 있 는 것으로 파악되었는데 이는 정신질환의 하나인 우울증으로 발전할 가능성이 매우 높은 증상들이다. 우 리나라는 우울증으로 인한 예술인들의 자살률이 매우 높다. 이번 연구를 통해 전공자의 공연후유증에 대 한 대처 방안이 매우 시급하게 마련되어야 할 것이며 그에 따른 공연후유증 전문 프로그램이 빠르고 심 도 있게 개발되어져야 할 것으로 파악되었다.

The purpose of this study is to show the validity about the necessity of the official program treating aftermath of the performance. Students who are majoring in Acting must take a course called ‘practical exercise for performance producing. Through the course, during one semester, the students practice for the performance and hold the performance at the end of the semester. For this study, I have done a survey targeting the students who were taking the ‘practical exercise for performance producing’ course in order to figure out what kind of the ‘aftermath’ occurred after the performance. The questions of the survey are about the existence of the experience of the aftermath of the performance, the reason, the symptom, the cure of the aftermath of the performance and the opinion about the necessity of the programs for curing the aftermath of the performance. The necessity of programs which help performers return to their daily lives after a performance was validated by studying and understanding whether or not performers had difficulties returning to their daily lives after a performance and if so, what these difficulties where and how they occur. Through this study, I present our findings on the serious urgencies that are present for the development of programs treating the aftermath of the performance by analyzing the result of the survey, which was completed by almost every student participating in the ‘practical exercise for performance producing course who has experienced aftermath of the performance, and by collecting the opinions from the surveys which was very positive towards the idea of creating such official program the opinions from the respondents that the official programs for the aftermath of the performance have to be proceeded.

이 연구는 예술분야의 발전을 위해서도 예술을 보는 시각은 변화되어야 한다는 명제아래 예술교육에 대한 새로운 시각을 교육예술에 대한 논리적 주장으로 예술에 대한 융·복합을 통한 범주의 확대를 가져 오는데 목적이 있다. 연구방법은 문헌연구와 인터뷰를 병행하였다. 이 연구의 결과로 다음과 같은 결론 을 도출하였다. 첫째, 예술에 대한 개념의 확장과 더불어 관련 전문가들의 인식의 변화가 요구된다. 둘째, 예술교육에 대한 표현방식과 개념의 변화가 요구되며, 디지털 예술교육에 대한 적극적 수용의 태도를 필요로 한다. 셋째, 교육예술에 대한 사고의 수용을 통해 예술의 영역확대를 추구할 필요가 있으며, 그에 대한 홍보의 필요성도 요청된다. 넷째, 교육예술에 대한 새로운 개념의 인식변화에 대해 융·복합적 흐름이 강조되고 이는 현 시점에서 심도 있는 성찰을 해 보는 과정을 필요로 한다. 21C의 흐름은 고정관념에서 탈피하여 융·복합적 학문이 대세로 나아가고 있다. 예술분야에서도 기존 의 예술교육에 대한 시각을 교육뿐만 아니라 다른 영역에서도 예술을 병행할 수 있도록 다양한 장르의 예술 영역을 개념에서부터 확대시킬 필요가 있다. 이를 통해 예술 영역을 확대하고, 나아가 새로운 범주 의 예술을 창조하는 방향으로 나아갈 수 있게 되는 것이다. 이러한 출발점을 교육예술의 개념 인식에서 부터 찾아보고자 한 것이다.

This study suggests that for the development of the arts, the view of art should change. The method of study was a combination of literature research and interviews. The following conclusions were drawn as a result of this study. First, there is a need for a change in the perception of relevant experts along with an extension of the concept of art. Second, changes in the way of expression and concepts of art education are required, and an attitude of active acceptance of digital art education is required. Third, by accepting the idea of education and art, we need to expand the scope of the arts and we need to promote them. Fourth, the fusion and complexity of changing the perception of new concepts in educational and arts requires a process of deep reflection at this point. The trend of 21C is moving away from stereotypes, where fusion and complex studies are becoming mainstream. In the art sector, the arts sector of various genres needs to be expanded from conception so that the views on art education can be used simultaneously in other areas as well as education. This will allow them to expand their artistic horizons and move forward to create new categories of art. The goal was to find the starting point from the perception of the concept of education and art.

소피아 코폴라 감독은 영화 <블링 링>에서 할리우드 유명 인사들의 빈 집에서 절도 행각을 벌인 미국 10대들의 실제 사건을 다룬다. 이 사건에 대해 대부분의 매체들은 최근 미국 10대들의 허영심과 셀러브 리티에 대한 맹목적인 숭배를 비판한다. 소피아 코폴라 감독은 이 사건을 원작 기사를 바탕으로 차분하 게 다루고 있다. 하지만 이 작품의 등장인물과 배경을 다룬 방법을 살펴보면 제작 의도에 대한 의문점이 발생한다. 단순히 세태를 비판하는 영화로 볼 수도 있지만, 스토리 전개와 구성은 결국은 여성을 비하하 는 방향으로 흐르기 때문이다. 이런 내용상의 전개와 캐릭터들의 설정은 여성 문제에 관심이 많은 코폴 라 감독의 제작 의도로 보기에는 무리가 있다. 코폴라 감독은 이 작품을 통해 일반적으로는 이해하기 힘든 여성의 세계의 존재를 이야기 하고 싶었 던 것으로 보인다. 이 영화에서 다룬 여성의 세계가 비록 충격적인 절도 범죄의 원인으로 사회에 비추어 지지만 코폴라 감독은 그것을 변호하거나 옹호할 의도는 없는 것으로 보인다. 오히려 그런 비난을 감수 하고서라도 여성만의 세계를 강조한 것으로 보인다. 이런 일반적인 시선을 넘어선 세계의 존재를 이야기 하는 것만으로도 지금까지 없었던 시도이고, 나아가 여성 감독만이 할 수 있는 커다란 가치를 가진 작업 을 코폴라 감독이 도전한 것이라고 생각한다. 이 연구는 작품의 제작의도에 관련된 의문점들을 정리하고 코폴라 감독의 시선을 분석하고자 한다. 그리고 그 의도를 파악하는데 도움이 되는 2017년 작품 <매혹당한 사람들>도 함께 살펴본다. 이 작품은 코폴라 감독이 리메이크한 작품으로 원작은 1971년 돈 시겔 감독의 <매혹당한 사람들>인데, 두 작품을 비교 분석한다.

Sofia Coppola’s film, <Bling Ring> inspired by actual events, depicts teenagers robbing celebrities homes. Most media outlets criticize fame obsessed and celebrity idolization of the American teenagers. Coppola depicts the article carefully piece by piece. However, he way she handles the characters and their background, a question about her production motive emerges. Simply, it can be a film criticizing the current generation, but the story’s narrative and flow leads to female degradation which is in direct contrast to director Coppola who is an advocate of female rights Director Coppola appears to portray generally difficult to understand woman’s world. The woman’s world though seen through shocking and horrific crime, Coppola does not appear to defend or advocate it, rather want to emphasize that world thought it might be subject of criticism, Its probably a unique attempt only Coppola can portray and as a female director a very important attempt. Film’s intent and motives will be illustrated along with Coppola’s point of view. To support identifying her motives, 2017 remake of <Beguiled> and 1971 original by Don Siegel, the study will compared and examined.

이 연구는 아동미술치료에서 초보 미술치료사들이 경험하는 어려움에 대한 경험을 총체적으로 고찰 하여 본질적인 의미를 파악하는 것에 목적이 있다. 이를 위해 임상경력이 3년 미만인 초보 미술치료사 중 어려움에 대한 생생한 경험을 가지고 있는 자를 목적표집하여 7명을 대상으로 선정하였다. 참여자들 에게 연구에 대한 설명을 하고 동의를 받은 뒤 심층면담을 진행하였으며, Giorgi(2009)의 현상학적 연구 방법을 통해 자료를 수집하고 분석한 후 결과를 도출하였다. 연구 결과는 ‘임상을 하며 어려움을 경험’, ‘어려움에 대처한 경험’, ‘어려움에 대처하며 성장한 경험’이라는 3개의 구성요소와 12개의 하위구성요소 가 도출되었다. 초보 미술치료사는 아동미술치료 임상을 수행하며 다양한 요인과 상황으로 인해 많은 어려움을 경험 하였으며 그 어려움에 개인적인 노력과 타인의 도움으로 대처하려 시도하는 과정을 통해 개인적ㆍ전문 적인 성장의 경험을 할 수 있었다. 그러나 어려움에 대한 대처방법을 알지 못하거나 여건이 갖춰지지 않 아 대처하지 못한 경험도 하였다. 결과적으로 참여자들의 어려움 경험은 단지 좌절의 경험뿐만 아니라 자신의 한계를 깨닫게 되고 발전을 위해 노력하는 계기가 되어 치료사로서의 전문성 향상과 내면적인 성 장의 경험을 이끌어 내었다. 이 연구는 현상학적 연구 방법을 사용하여 초보 미술치료사의 어려움 경험에 대한 심층적인 이해를 도와 미술치료사의 수련과 교육에 기초자료를 제공한 점에 의의가 있다. 또한 초보 미술치료사와 전공생 들에게 임상에서 직면할 수 있는 어려움에 대한 정보를 제공하여 자기성찰과 성장의 기회를 제공할 수 있을 것으로 기대한다.

This study aims to research the difficult experiences of novice art therapists in children’s art therapy and to understand the essence of their experiences. The researchers conducted in-depth interviews with seven novice art therapists who all had less than three years clinical experience. The data was analyzed using a phenomenological approach developed by Giorgi(2009) and the results were found. The results of the study showed three themes ‘Experiencing difficulties in clinical practice’, ‘Experience of coping with difficulties’, ‘Experience growing in coping with difficulties’ and 12 categories were emerged. The novice art therapists experienced various difficulties due to different factors in clinical practice of children’s art therapy and were able to experience growth through the process of coping with the difficulties. The experience of these difficulties became not only frustrating but also chance to realize their limits and strive for development. It has led to the improvement of their professionalism as a therapists and the experience of inner growth. The purpose of this study is to discover an in-depth understanding of the Difficulties faced by novice art therapists and to provide basic data for education of art therapists. And Researcher also hope to provide novice art therapists and students with opportunities for self-reflection and growth by providing information on the difficulties faced in clinical practice.

본 논문에서는 기존 영화에 활용 되어진 셔레이드의 구체적인 사례를 통해 영화연출 수단으로서의 셔 레이드에 대해 알아보았다. 영화는 셔레이드 기법을 개발함으로써 시각예술로서의 가장 강력한 표현 수 단을 갖게 되었으며, 이로 인해 예술로서의 창조성을 인정받을 수 있게 되었다. 연기, 연출, 극작 등에 있 어서 가장 핵심적인 요소라 할 수 있는 셔레이드를 각 분야별로 나누어 살펴보면 다음과 같다. 연기 분야에 있어 셔레이드는 연극 연기와 영화 연기를 구분 짓는 잣대가 된다. 언어에 의존하는 대사 중심의 연극과는 달리 영화는 신체 언어를 통한 세부 묘사로서 내적 심상을 표현하는데 중점을 두어야 하며 셔레이드는 바로 이러한 문제들을 해결하는 관건이 되고 있다. 연출의 관점에서 볼 때 실제 작품에서 확인한 바와 같이 감독의 의도와 착상이 극명하게 드러나는 명 장면들은 거의 셔레이드적 표현술에 의존하고 있음을 알 수 있다. 또한 우수한 작품일수록 언어성에서 벗어나 시각예술의 장점을 최대한 살려 셔레이드를 이용한 상징과 메타포를 구사하여 예술성을 높이고 있다는 사실을 발견할 수 있다. 특히 셔레이드 기법은 시나리오 작가에게 있어 가장 주목할 만한 분야이다. 구상, 착상, 상상의 세계 를 시각화, 구체화하는 작업인 시나리오 창작에서는 셔레이드의 중요성이 더욱 부각될 수밖에 없다. 영 화의 발전을 위해서는 대사에 의존하는 내러티브 방식에서 벗어나 영상적, 시각적 표현 기법인 셔레이드 를 활성화해야만 한다. 셔레이드는 단순히 하나의 표현 기법이란 차원을 넘어 그 본질로서 존재하며 영 상예술의 가장 근본적인 요소이기 때문이다.

In this article, we looked at Charade as a means of producing a film through specific examples of Charade used in existing films. The development of Charade techniques gave the cinema the most powerful means of expression as a visual art, thereby recognizing its creativity as an art. The Charade, which is the most important element in acting, directing, and theatrical production, is divided into the following sections. In the field of acting, Charade distinguishes between theater and cinema. Lines-based plays, which depend on language, movies should focus on expressing the inner image as detailed illustrations through body language. Charade is the key to solving these problems. From the point of view of production, we can see that famous scenes in which directors intentions and ideas are clearly evident, depend almost entirely on Charade style. In addition, you can find that superior works have improved their artistic value by using Charade symbols and metapoons to make the best use of visual arts away from language. Charade technique, in particular, is the most notable area for a screen writer. In scenario creation, the task of visualizing and shaping the world of ideas, ideas, and imagination, the importance of Charade is bound to become more important. For the development of cinema, it is necessary to move away from the medium-dependent, impressive-driven way to activate Charade. Charade is not just an expression technique that exists in itself, but as an essential element of visual art.