Earticle

미하일 체홉의 가상의 중심은 배우의 모든 동작을 위한 인물의 충동이 시작되는 가상의 영역이다. 배 우가 신체의 내부 또는 외부에 있는 특정한 지점을 가상의 중심으로 선택하고 그 중심으로부터 나오는 인물의 심리 충동에 의한 대사와 동작을 통해 연기를 수행하는 일련의 과정을 말한다. 가상의 중심은 연 극 전체를 관통하는 인물의 일관된 정체성이 될 수도 있고, 특정한 장면이나 동작을 위한 인물의 충동이 나 감정이 될 수도 있다. 본 연구자는 체홉이 가상의 중심의 개념을 도입하여 배우의 인물 구축과 연기 테크닉에 새로운 전환점을 제시했다고 본다. 그러나 가상의 중심이 체홉의 저서에서 연기훈련 위주로 서 술되거나 가상의 신체의 부수적인 연기 방법으로 다루어져 이론적 접근이 미진하다는 주장도 있고, 학자 들에 의한 연구도 체홉의 다른 연기 방법에 비해 부족하다. 따라서 가상의 중심을 보편적인 인물 구축 및 연기 테크닉으로 정립하기 위해 이론과 내용을 체계화하는 연구가 필요하다고 본다. 본 연구는 체홉 의 가상의 중심의 개념, 인물의 충동, 이상적 중심, 인물 구축 과정, 연기 방법, 종류와 효과를 고찰하고 이론을 체계화하여, 배우들의 창조적 연기에 적용할 수 있게 하고자 했다. 특히 인물의 충동의 근원, 인 물 구축과 연기의 3단계 과정, 가상의 중심의 종류 및 연기 효과 분석 등 체홉과 학자들이 언급하지 않은 문제들에 대해서도 독자적인 이론으로 상세히 고찰했다. 가상의 중심을 활용한 인물 구축 및 연기 과정 은 인물 분석, 중심의 결정, 연기 및 중심의 강화과정으로 구분했다. 가상의 중심의 종류는 다수 중심, 반 전 중심, 움직이는 중심, 성질 중심, 외부 중심, 이미지 중심으로 분류했다. 가상의 중심을 활용한 연기의 효과는 인물의 전체적인 성격 구축, 인물의 신체 구조 파악, 배우의 시간과 에너지 절약, 심리와 신체의 통합으로 분석했다. 본 연구자는 가상의 중심이 연극, 영화, 드라마 등 연기 예술의 분야에서 실제 적용 되어 배우의 새로운 연기 스타일 개발과 창조적인 연기 구현에 도움이 되기를 기대한다.

Michael Chekhov's Imaginary Center is the imaginary area inside or outside the body where the character’s impulses for all movements originate. It refers to a series of processes in which an actor chooses a specific point as the imaginary center and performs creative acting through words and movements caused by the character’s psychological impulses that originates from it. The imaginary center can be a character's consistent identity that runs through the entire play, or it can be a character's impulse or feeling for a specific scene or movements. This researcher believes that Chekhov introduced the concept of imaginary center and presented a new turning point in the actor's character building and acting techniques. But some argue that the imaginary center is described mainly in Chekhov's book as an acting exercise or as an incidental acting method of the imaginary body, so the theoretical approach and content are somewhat insufficient, and research by scholars is also insufficient compared to Chekhov's other acting technique. Therefore, in order to establish the imaginary center as a universal character building and acting technique, research is needed to systematize its theory and content. In this study, Chekhov's definition of the imaginary center, character's impulse, ideal center, character building process, acting method, and its types and effects were theoretically examined and organized in detail so that it could be applied to actors' creative acting. The problems were also considered deeply on the source of the character's impulse, the three-step process of character building and acting, the types of imaginary center, and the analysis of acting effects that Chekhov and scholars did not mention. The process of character building and acting using the imaginary center is analyzed in terms of character analysis, center determination, and reinforcement of the center and acting. This researcher expects that the imaginary center will help the actor develop new acting style and implement creative acting, applied practically in the field of acting art such as theater, film, and drama.

희곡에 등장하는 인물의 행동과 성격 표현은 마음, 즉 심리를 바탕으로 이루어지기 때문에 인물의 성 격과 행동을 분석하고 창조하기 위해서는 인물의 심리에 대한 분석을 토대로 해야만 한다. 융이 의식을 섬에 비유하고 무의식을 바다에 비유한 것은 그만큼 무의식의 영역이 광범위함을 지적하는 것으로 인간 의 행동 기반이 되는 심리를 분석한다는 것은 눈에 보이는 섬만이 아니라 눈에 보이지 않는 광활한 바다 를 대상으로 삼는 것이므로 심리학을 적용하여 희곡이라는 텍스트를 분석하면 인물 창조를 위한 배우와 연출자에게 매우 유용하다는 것이다. 본 연구의 목적은 배우의 대사 분석에 대하여 심리분석을 적용하여 행동과 성격을 분석하고 실제 공연에 적용하는 과정을 통하여 심리분석이 대사 분석과 성격분석에 끼치 는 영향을 알아보는 데 있다. 이 연구를 위하여 융 분석심리학의 핵심 내용인 콤플렉스론과 인격 이론을 바탕으로 안톤 체홉의 희곡에 등장하는 인물의 심리와 심리적 행동을 분석하여 희곡의 공연화 과정에서 배우의 연기와 연출의 블로킹에 적용함으로써, 인물의 행동과 성격을 창조하는 데 도움이 되는 인물 분 석 및 인물 창조 방법을 도출하고자 하였다. 이 연구에서 분석 도구로 활용한 것은 융의 분석심리학은 의식과 무의식에 두루 포진된 콤플렉스와 인격 이론으로서의 자아와 그림자, 외적 인격인 페르소나와 내 적 인격인 아니마와 아니무스, 그리고 자기 원형과 개성화 이론이다. 이에 본 연구의 목적은 배우의 대사 분석에 대하여 심리분석을 적용하여 행동과 성격을 분석하고 실제 공연에 적용하는 과정을 통하여 심리 분석이 대사 분석과 성격분석에 끼치는 영향을 알아보는 데 있다.

Since the behavior and personality expression of the characters in the play is based on the mind, or psychology, the analysis and creation of the character's personality and behavior must be based on the analysis of the character's psychology. Jung's analogy of consciousness as an island and the unconscious as an ocean indicates the vastness of the unconscious, and analyzing the psychology underlying human behavior is not only targeting the visible island, but also the vast invisible ocean, so applying psychology to analyze the text of a play is very useful for actors and directors for character creation. The purpose of this thesis is to investigate the influence of psychoanalysis on actors' dialogue analysis by applying psychoanalysis to analyze their behavior and personality and applying it to actual performances. For this study, based on the complex theory and personality theory, which are the core contents of Jungian analytical psychology, the psychology and psychological behavior of the characters in Anton Chekhov's play were analyzed and applied to the actor's performance and blocking in the process of performing the play, in order to derive a character analysis and character creation method that helps to create the character's behavior and personality. The analytical tools used in this study are Jung's theory of complexes and personalities, both conscious and unconscious, the ego and the shadow, the persona, the outer personality, and the anima and animus, the inner personality, and the self archetype and individuation theory. Therefore, the purpose of this study is to analyze behavior and personality by applying psychological analysis to actors' metabolic analysis, and to find out the effect of psychological analysis on metabolic analysis and personality analysis through the process of applying it to actual performances.

이 논문은 21세기 북한 ‘경희극’의 무대 연출과 연기를 분석함으로써 동시대 북한연극을 경향을 연구한 다. 그리고 이를 통해 남북한 공연예술 교류의 기술적 토대 마련하고자 하였다. 이 연구의 범위는 김정은 후계시대와 김정은 시대에 공연된 작품으로 한정하였다. 이 시기 북한연극에서 주목할 것은 고전의 재창 작과 새로운 형식의 시도라고 할 수 있다. 그래서 이 연구의 구체적 대상을 경희극 <산울림>과 <북부전 역>으로 하였다. <산울림>은 북한 경희극의 대표적인 작품으로 1961년에 초연되고 2010년에 재공연되었 다. 이 작품은 2년간 500회를 공연하고 약 40만 명의 북한 주민이 관람하였다. 2017년 공연된 <북부전역> 은 실화를 바탕으로 창작되었고 영화적인 것과 무대적인 것의 결합을 시도한 작품이다. 본 연구자는 이 연구를 위해 문헌연구와 공연영상분석을 병행하였다. 문헌연구는 북한의 시기별 문예이론을 중심으로 살 펴보았는데 이는 동시대 북한연극을 이해하기 위한 전제조건이었다. 북한의 문예이론은 ‘사회주의적 사실 주의’와 ‘주체사실주의’ 그리고 ‘주체사실주의’의 구체적 지침으로서 ‘종자론’이 있다. ‘사회주의적 사실주 의’는 북한 초기 이론으로 계급과 인민(민중) 민주주의에 기반한 사회변혁이론이라면 ‘주체사실주의’는 주 체사상의 예술적 실현을 위한 것으로 당과 수령중심, 민족주의가 결합된 북한식 문예이론이다. ‘주체사실 주의’는 40년 동안 북한연극 창작의 사상적 기준이 되었고 오늘날에도 여전히 유효하다. 또한 이 연구에서 는 <산울림>과 <북부전역>의 희곡과 북한 저널에 실린 공연 비평을 수집하여 연구하였다. 공연영상분석은 2010년 공연된 <산울림>과 2017년 공연된 <북부전역>의 영상을 시청하고 무대 연출의 특징 및 연기술을 탐구하였다. 21세기 북한 경희극의 무대 연출은 북한연극의 특징인 ‘흐름식 입체 무대’를 바탕으로 형상화 되었고 연기는 화술을 중심으로 기호적인 신체행동연기가 구현되었다. 2020년대 이후 북한연극 연구를 후 속과제로 남기며 이러한 연구가 남북한 연극 상호연구와 교류에 도움이 되기를 기대한다.

This paper analyzes the staging and acting of North Korean’s ‘light comedy’ in the 21st century to study trends in contemporary North Korean theater. It aims to lay a technical foundation for inter-Korean performing arts exchange. The scope of this study is limited to works performed Kim Jong-un era. What is notable about North Korean theater during this period is the recreation of classics and attempts at new style. Therefore, the focused on this study are the light comedy <Sanulrim>(2010) and <Northern Region>(2017). <Sanulrim> is a representative theater of North Korean’s light comedy, which was first performed in 1961 and was recreated in 2010. <Northern Region> is based on a real story and attempts to combine the cinematic and the theatrical. For this study, the researcher combined literature research and video analysis of the performance. The literature study centered on North Korea's literary theory of the period. North Korean literary theories include ‘socialist realism’, ‘juche realism’, and ‘seed theory’ as specific guidelines for ‘juche realism’. ‘Juche realism’ has been the ideological standard for North Korean theater creation for 40 years and is still in effect today. In this study, I collected and analyzed Literary text of <Sanulrim> and <Northern Region> as well as performance criticisms published in North Korean journals. For the performance video analysis, I watched the videos of <Sanulrim> performed in 2010 and <Northern Region> performed in 2017 to study the staging and acting techniques. The staging of 21st-century North Korean based on the ‘flowing three-dimensional stage’ characteristic of North Korean theater, and the acting was based on symbolic physical actions centered on speech. The study of North Korean theater in the 2020s and beyond remains as a follow-up work, and it is hoped that such a study will contribute to mutual research and exchange between North and South Korean theater.

본 연구는 미카엘 체홉의 심리제스처를 기반으로 역할의 심리적 행동을 분석 및 수행할 구체적인 방 법을 모색하는 데 목적을 둔다. 심리적 행동은 목표에 이르기 위한 일련의 전술이자 말과 움직임 이면에 진정으로 하고자 하는 바로써 인물의 내적 삶을 구성하는 주요 요건일 뿐만 아니라 신체적 행동의 충동 을 유발하여 외적 삶을 활성화하는 촉매제로 작용한다. 따라서 배우는 행동의 악보를 구축할 때, 신체적 행동과 더불어 그 속에 작동하는 심리적 행동을 통합적으로 분석하고 수행할 필요가 있다. 본 연구는 인 물의 마음속 행동을 머릿속으로 추론하는 것을 넘어서 배우의 몸을 활용해 전인적으로 탐구하고자 하며, 이를 실천하기 위해 심리제스처에 주목했다. 심리제스처는 역할의 심리를 하나의 움직임으로 통합한 신 체적 표현으로, 심리적 행동을 체화할 유용한 방법을 제공한다. 다만, 목표를 체득하는 데 주로 쓰여온 이 기술을 심리적 행동의 탐구 도구로 확장하는 과정에서 본 연구는 기존의 과정을 ‘대상 – 원형 – 변 형 – 성질 – 반복 – 상상 – 병행’이라는 일곱 가지 단계로 발전시켜 심리적 행동을 구축 및 수행할 구체 적인 방안을 제시했다. 먼저, 마음속으로 무엇을 움직이려 하는지를 결정한 뒤, 대상을 향한 방향성을 고 려해 밀기, 당기기, 올리기, 내리기, 모으기, 찢기의 원형제스처 중 하나를 체화한다. 그리고 원형제스처 를 변형함으로써 심리적 행동의 형태를 구체화한 다음 공간, 시간, 무게의 성질을 조합 및 적용함으로써 심리적 행동을 신체화한다. 이후 온몸으로 반복하고 상상함으로써 심리적 행동을 내면화하고, 신체적 제 스처, 공간적 관계, 환경을 활용해 신체적 행동을 점진적으로 병행한다. 본 연구는 이러한 일련의 과정을 통해 심리적 행동의 능동적 체화와 더불어 신체적 행동과의 유기적 연계를 강화함으로써, 매 순간 인물 의 삶을 진실하게 살아내도록 돕고자 했다.

Based on Michael Chekhov's psychological gesture, this study aims to find specific ways to analyze and perform psychological action, one of the crucial elements of acting. Psychological action is a series of tactics to reach an objective, a significant requirement for building a character's inner life, and a catalyst for activating external life by inducing the impulse of physical action. Therefore, when constructing a score of action, it is necessary to analyze and perform not only physical action but also psychological action that works in it. This research approaches psychological action in a holistic way using the actor's body beyond inferring it in the head and focuses on psychological gestures to practice it. Psychological gesture is a physical expression that integrates the role’s psychology into a movement, providing a valuable way to help you explore and perform psychological action. However, in the process of applying this technique, which has been mainly used to embody the objective, into a psychological action, this study develops the existing process into seven stages: ‘object - archetype - variation - quality - repetition - imagination - parallel’. First, after determining what you try to move in your mind, you embody one of the archetypal gestures of pushing, pulling, lifting, lowering, gathering, and tearing in consideration of the direction toward the object, and specifically develop the form of psychological action, and then, combine and apply the quality of space, time, and weight. The above process is applied step by step to physicalize psychological action, and by repeating and imagining this with the whole body, the psychological action is internalized. Finally, physical action is gradually combined by applying physical gestures, spatial relationships, and environment. Through this series of processes, this study aims to help the actor live the character’s life truthfully by the organic linkage of physical action as well as the active performance of psychological action.

디지털 영상기술의 발전으로 이전에는 구현하기 힘들었던 장소와 캐릭터가 영상으로 구현되는 것이 가능해졌다. 그리고 촬영 시간과 제작비용의 절감이라는 편리성 때문에 영화나 드라마 등 영상매체에서 디지털 영상기술이 빈번하게 사용되고 있다. 이제 크로마키나 모션캡처 촬영이 일반화되었으며 배우들 은 블루스크린 앞에서 가상의 대상과 교감해야 하는 생소한 환경에 놓이게 되었다. 이렇게 디지털 영상 기술을 사용하는 촬영방식이 일반화되어가고 있는 상황에서 디지털 연기 기술에 익숙하지 않은 연기자 는 촬영 현장에서 어려움을 겪을 수밖에 없다. 하지만 안타깝게도 아직 우리나라에는 디지털 연기를 위 한 훈련법이나 교육시스템이 마련되어 있지 않다. 따라서 본 연구자는 디지털 연기를 위한 실질적 훈련 방법의 연구가 필요하다고 생각한다. 여기서 본 연구자가 말하는 디지털 연기란 컴퓨터 그래픽 기술을 이용하여 배우들이 상상의 공간을 가상해서 마치 그 공간이나 물체가 존재하는 것처럼 표현하는 것을 뜻 한다. 몇몇 연구자를 통해 디지털 연기에 관한 연구가 이루어지긴 했지만, 디지털 연기훈련의 필요성을 주장할 뿐 실질적인 방법에 관한 연구가 심도 있게 다루어지지는 않았다. 이제 디지털 연기훈련 방법에 대한 실질적이고 심도 있는 연구가 필요하다. 이에 본 연구자는 극단 동의 ‘행동연기기술’과 강량원의 ‘뇌를 속이는 연기 기술’을 기반으로 디지털 연기를 위한 연기훈련 방법을 모색하고 그 가능성을 제시했 다. ‘행동연기기술’과 ‘뇌를 속이는 연기 기술’은 가상의 대상을 상상하고 교감해야 하는 디지털 연기에 효과적인 연기 기술이다. 본 연구는 디지털 연기를 위한 연기 훈련법의 필요성에 대해 인식하고 실질적 인 훈련 방법을 모색하는 계기를 마련하는 것에 의의가 있다.

With the development of digital imaging technology, it has become possible to realize places and characters that were previously difficult to realize into images. In addition, because of the convenience of reducing shooting time and production cost, digital imaging technology is frequently used in video media such as movies and dramas. Chroma key and motion capture are now common, and actors are placed in an unfamiliar environment where they have to interact with virtual objects in front of a blue screen. In a situation where filming methods using digital imaging technology are becoming more common, actors who are not familiar with digital acting techniques have no choice but to experience difficulties at the filming site. Unfortunately, however, there is no training method or education system for digital acting in Korea yet. Therefore, this researcher thinks that it is necessary to study practical training methods for digital acting. Here, the researcher's digital acting means that actors use computer graphic technology to simulate an imaginary space and express it as if the space or object exists. Although studies on digital acting have been conducted by some researchers, studies on practical methods have not been dealt with in depth, only arguing the necessity of digital acting training. Now, practical and in-depth research on digital acting training methods is needed. Accordingly, this researcher sought an acting training method for digital acting based on ‘behavioral acting technique’ of Theater Compay Dong and ‘acting technique of tricking the brain’ of Kang, Lyang-won and suggested the possibility. ‘Behavioral acting technique’ and ‘acting technique that tricks the brain’ are effective acting techniques for digital acting that requires imagining and interacting with virtual objects. This study has significance in recognizing the necessity of acting training methods for digital acting and providing an opportunity to seek practical training methods.

이 연구에서는 뮤지컬과 연극연기 전공생 212명을 대상으로 자가 음성평가도구인 한국어판 성도 불편 감 척도(Korean Vocal Tract Discomfort Scale: K-VTDS), 한국어판 음성 관련 삶의 질(Korean Voiceelated Quality of Life: K-VRQOL), 한국어판 음성장애 대처 설문지(Korean Voice Disability Coping Questionnaire: K-VDCQ)를 분석하여 연기관련 전공생의 음성상태 및 그와 관련된 정보를 제공하고자 하 였다. 첫 번째로, 뮤지컬 전공의 K-VTDS 총점은 평균 27.57±15.91로 연극 전공(21.49±16.62)에 비해 정 도와 빈도에서 모두 통계적으로 유의미하게 높게 나타났다(t=2.72, p=.007). 세부적으로 두 전공 모두 ‘건조함’이 가장 두드러지는 성도 불편감 증상이었다. 두 번째로, K-VRQOL은 연극전공이 평균 4.41(SD= 4.48), 뮤지컬 전공이 5.27(SD=5.06)로 나타났으며 전공 간 통계적인 차이가 없었다(t=1.26, p=.208). 또한, 음성이 삶의 질에 전혀 영향을 주지 않는다는 답변이 뮤지컬 19.2%, 연극 24.1%로 가장 높은 비율을 나 타냈다. 세 번째로, K-VDCQ에서는 두 전공 모두 음성문제에 ‘회피’와 같은 수동적 태도보다는 ‘정보 찾 기’와 ‘사회적 지원’의 적극적 대처방식을 선호하였고, 뮤지컬 전공은 ‘정보 찾기(t=4.47, p=.000)’와 ‘사회 적 지원(t=4.18, p=.000)’에서 모두 연극 전공에 비해 유의미하게 높은 점수를 나타냈다. 마지막으로, K-VTDS, K-VRQOL, K-VDCQ의 상관관계를 살펴본 결과 연극 전공은 모든 항목에서 정적 상관관계를 보 였다. 두 전공 모두 가장 높은 정적 상관을 보인 항목은 K-VDCQ의 하위 문항인 ‘사회적 지원’과 ‘정보 찾기’였으며, 뮤지컬과 연극전공에서 각각 .65, .76으로 나타났다. 본 연구는 자가 음성평가도구를 통해 뮤지컬과 연극연기 전공 대학생이 주관적으로 느끼는 음성기관의 상태와 음성이 사회적, 심리적으로 미 치는 영향 그리고 음성문제의 대처방식에 대한 정보를 제공하는데 일차적인 의의가 있으며, 향후 객관적 인 검사와 함께 연기관련 전공생의 다차원적인 음성적 특징을 제공할 수 있을 것으로 기대한다.

This study aimed to provide information on the voice of 212 students majoring in musical theatre and acting majors by analyzing the self-reported evaluation tools such as Korean Vocal Tract Discomfort Scale (K-VTDS), Korean Voice-Related Quality of Life (K-VRQOL), and Korean Voice Disability Coping Questionnaire (K-VDCQ). First, the total score of K-VTDS in musical theatre majors(27.57±15.91) was significantly higher than that in acting majors(21.49±16.62)(t=2.72, p=.007). In detail, the most prominent symptom of vocal tract discomfort in both majors was ‘dry’. Second, K-VRQOL was 4.41(SD=4.48) in acting majors and 5.27(SD=5.06) in musical theatre majors, with no statistical difference(t=1.26, p=.208). In addition, 19.2% of musical theatre and 24.1% of acting majors answered that their voice had no effect on their quality of life. Third, in K-VDCQ, both majors preferred positive ways such as ‘Information seeking’ and ‘Social support’ rather than passive attitudes such as ‘Avoidance’, and musical theatre majors showed significantly higher scores than acting majors in ‘Information seeking (t=4.47, p=.000)’ and ‘Social support (t=4.18, p=.000)’. Lastly, the results of the correlation of K-VTDS, K-VRQOL, and K-VDCQ showed that all categories were positively correlated in acting majors. The category of the highest positive correlation in both majors were ‘Social support’ and ‘Information seeking’, which were .65 and .76 in musical theatre and acting majors, respectively. Primarily significance of this study is providing information on the state of the vocal tract discomfort, the social and psychological impact of voice, and the coping manner of voice problems of musical theatre and acting majors. After this, it is expected to provide a multidimensional vocal characteristics of students majoring in acting and musical theatre with objective tests.

본 연구는 2013년 08월-2023년 02월에 걸쳐 국내 대학에 등재된 뮤지컬 관련 석·박사학위논문의 연구 동향을 분석하여 향후 뮤지컬 시장의 발전에 필요한 연구 방향을 제시하는 데 그 목적이 있다. 연구대상 논문은 2023년 05월 20일-2023년 05월 27일에 걸쳐 국회전자도서관의 전자목록과 한국교육학술정보원의 학술연구정보서비스(RISS)에서 연구자의 전공 및 연구주제와는 무관하게 논문 제목에 “뮤지컬”이라는 단 어를 포함하는 기준으로 629편을 선정하였고, 연구목적을 위해 연구자 특성, 연구연도, 연구주제, 연구방 법 등의 연구 동향을 분석하였다. 연구 결과 첫째, 뮤지컬 관련 연구는 “순수 예술”, “공연예술·경영”, “교육”, “기타 전공” 등의 다양한 분야에서 이루어졌으나 2020년부터는 논문 편수가 급격히 줄어드는 추 세를 보였다. 둘째, 연구주제별로는 뮤지컬과 직접적으로 관련되는 “작품분석·이론”, “소비자 마케팅”, “전문가 양성” 분야에서의 연구가 463편으로 약 2/3를, 뮤지컬과 직접적으로 관련되지 않는 “초·중등교 육”과 “기타 주제” 분야에서의 연구가 166편으로 약 1/3을 차지하였다. 특히 “작품분석·이론” 분야에서는 뮤지컬에서의 ‘음악·춤·연기’에 대한 연구가, “소비자 마케팅” 분야에서는 관객들의 ‘관람의도·만족도’ 에 대한 연구가, 그리고 “전문가 양성” 분야에서는 배우들의 ‘발성·신체훈련’에 대한 연구가 가장 비중 있게 다루어졌다. 셋째, 연구방법으로는 사례 분석에 의한 질적 연구가 대부분을 차지하였고 이어서 문헌 연구, 양적 연구, 혼합 연구 순으로 많았다. 국내 뮤지컬은 2000년대 초기부터 대중적인 공연예술로 자리 잡으면서 꾸준히 성장해 왔으나 최근에 코로나19 팬데믹으로 어려운 상황을 겪었을 뿐만 아니라 다양하 고 새로운 형태의 미디어가 급속히 발전함에 따라 뮤지컬이 갖는 구조적인 한계를 진단하고 미래의 발전 방향을 찾아야 하는 위기의 시기를 맞고 있다. 이에 본 연구는 뮤지컬 관련 연구 및 시장의 발전 방향을 찾는데 실무적인 시사점을 제공한다는 측면에서 의미를 가지며, 이를 토대로 향후 뮤지컬의 발전과 시장 확대에 도움이 될 수 있는 보다 더 실질적이고 미래지향적인 후속 연구가 이어지기를 제언한다.

The purpose of this study is to analyze the research trends of master’s and doctoral dissertations related to musicals registered in domestic universities from August 2013 to February 2023 and to present the research directions necessary for the future development of the musical market. From May 20, 2023 to May 27, 2023, 629 papers were selected from the electronic list of the National Assembly's electronic library and the Academic Research Information Service (RISS) of the Korea Educational Information Service, and analyzed Research trends based on researcher characteristics, research topics, and research methods. As a result of the study, first, musical-related research was conducted in various fields such as “pure art,” “performance art and management,” “education,” and “other majors,” but the number of papers has been rapidly decreasing since 2020. Second, by research topic, 463 studies in the fields of “work analysis and theory,” “consumer marketing,” and “expert training” directly related to musicals accounted for about two-thirds, and 166 studies in “elementary and secondary education” and “other topics” are not directly related to musicals accounted for about one-third. In particular, research on ‘music, dance, and acting’ in musical in the field of “work analysis and theory,” research on audience ‘watch intention and satisfaction’ in the field of “consumer marketing,” and research on actors’ ‘vocalization and physical training’ in the field of “professional training“ were the most important. Third, qualitative research through case analysis accounted for most of the research methods, followed by literature research, quantitative research, and mixed research. Musicals, which have continued to grow as a popular performing art since the early 2000s, have not only recently suffered a sharp contraction due to the COVID-19 pandemic, but are also facing a crisis in which they must diagnose structural limitations and find future development. Therefore, this study is meaningful in that it provides practical implications for finding the direction of development of musical-related research and markets through analysis of trends in previous studies, and suggests more practical and future-oriented follow-up research that can help the development and market expansion of musicals in the future.

최근의 공연예술은 작품 속 배경 또는 인물이 살아 움직이는 방식 등을 활용하여 관객의 오감을 자극 하고 관객과 작품 간의 적극적이면서 몰입도 높은 참여를 이끌어낸다. 공연예술 변화의 흐름과 미디어아 트에 대해 구체적으로 확인해보고, 미디어아트가 접목된 공연예술을 기준으로 관객의 관람에 어떤 영향 을 미치는지 연구가 필요하다. 본 연구는 공연예술과 미디어아트 융합이 관람에 어떠한 영향을 미칠 수 있는지 논의하는데 목적을 둔다. 공연예술 변화의 흐름과 미디어아트에 대해 구체적으로 확인해보고, 미 디어아트가 접목된 공연예술을 기준으로 관객의 관람에 어떤 영향을 미치는지 확인해보고자 한다. 융· 복합형 콘텐츠들은 관객들에게 새로운 경험을 제공해줌으로써 대중문화 소비층뿐만 아니라 문화예술 향 유층까지 확대시키고 있다. 공연예술에 있어서 기술융합에 대한 다양하고 적극적인 태도는 공연예술의 한계를 뛰어넘어 새로운 장르를 개척해나가는 계기가 되었다. 매체 간 경계가 허물어지면서 모든 영역에 서의 통합현상이 두드러지게 나타나고 있다. 또한, 시시각각 변화하는 화려한 디지털 퍼포먼스는 무대를 장악하며 관객의 시선을 사로잡는다. 이러한 변화는 공연예술 산업의 확산과 새로운 시장으로의 확대 등 잠재된 가능성을 탐색할 수 있는 기회를 제공할 수 있다. 예술 분야의 대표적인 융·복합 통합현상은 첨 단기술과 아트가 결합 된 미디어아트라고 말할 수 있다. 미디어아트의 활성화를 위해서는 무엇보다도 미 디어아트에 대한 인식 개선이 필요하다. 이를 위해 미디어아트 작가들을 지원하고 교육 프로그램을 마련 하며, 미디어아트 전용 공간을 확보하는 등 다각적인 노력이 요구되어야 할 것이다. 공연예술과 미디어 아트 간 하나의 분명한 목적을 가지고 예술로서 승화시킨다면 공연예술분야에 새로운 한 획이 될 수 있 을 것이다.

Recent performing arts stimulate the audience's five senses and induce active and immersive participation between the audience and the work by utilizing the background of the work or the way the person moves alive. It is necessary to check the flow of changes in performing arts and media art in detail, and to continue to study how it affects the audience's viewing based on performing arts incorporated with media art. Convergence and complex contents are expanding not only to popular culture consumers but also to cultural and artistic enjoyment by providing new experiences to the audience. Various and active attitudes toward technological convergence in performing arts have served as an opportunity to explore new genres beyond the limits of performing arts. As the boundaries between media are broken down, the phenomenon of integration in all areas is remarkable. It can be said that the representative convergence and complex integration phenomenon in the art field is media art that combines high-tech and art. In order to revitalize media art, above all, it is necessary to improve the perception of media art. To this end, various efforts should be required, such as supporting media art writers, preparing educational programs, and securing space dedicated to media art. If it is sublimated as an art with one clear purpose between performing arts and media art, it could be a new milestone in the field of performing arts. The spectacular digital performance, which changes from time to time, dominates the stage and catches the audience's attention. These changes can provide opportunities to explore potential possibilities such as the spread of the performing arts industry and the expansion of new markets.

4차 산업혁명과 더불어 코로나 팬데믹은 전 세계의 공간에 대한 개념을 바꾸어 놓는 계기가 되었다. 비접촉이라는 환경적 요인을 강제적으로 실행하게 하였고, 이는 우리 실생활에도 그대로 적용되었다. 무 대라는 한계적 공간을 통해 관객들에게 예술을 체험하고 공감하게 하는 공연예술은 공간에 대한 근간을 흔드는 매우 커다란 어려움에 직면하게 되었던 것이다. 관객들이 가까이에서 직접적인 공연을 볼 수 없 었으며, 모일 수도 없었다. 따라서 공연예술은 비대면 온라인 공연이라는 기술 융합을 통해서만 살아남 을 수 있었다. 이에 따라 과거에는 기술접목에 적극적이지 못하였던 공연계가 파격적이고 공격적인 시 도를 하게 되었다. 이 과정 가운데 공연은 새로운 기술을 받아들이는 계기가 되었으며 관객들도 그런 공연을 접하는 것을 자연스럽게 생각하게 되었다. 2023년 키워드는 ‘공간’이라 정의해 본다. 컴퓨터와 전화기를 합쳐 놓은 획기적인 스마트폰에서 이제 HMD를 통해 실생활이 가능해지는 ‘공간 컴퓨팅(Spatial Computing)’이라는 개념도 나오기 시작했다. 공연예술에 있어서 공간은 무대로 통칭할 수 있으며 공연예 술의 세계라고 해도 과언이 아닐 것이다. 이제 무대라는 공간이 기술의 적용을 보편화하는 시대가 도래 하고 있다. 본 연구는 코로나 팬데믹 시기라는 환경적 요인에 의해 대면적 공간이 온라인 공간으로 변화 해 가는 상황 속에서 제작된 실감형 창작 뮤지컬 <키가 다른 기념비>의 첨단기술 융합 사례를 분석해 보 고자 한다. 이를 통해 새롭게 등장한 가상공간인 메타버스 세계관과 이를 완성해줄 인공지능, 실생활 실 감형 컴퓨터의 시대에 공연예술계가 첨단기술의 활용과 함께 예술의 본질을 더욱 확장해 나가는 계기가 되길 기대해 본다.

The COVID-19 pandemic has changed the concept of space around the world with the 4th Industrial Revolution. It forced non-contact environment to proceed to, which led to our actual life. Performing arts, which make the audience experience and feel the art through the stage with limited space, faced a great challenge shaking the foundation for space. The audience couldn’t watch the performance themselves and get together. Accordingly, performing arts could survive only under the technological convergence of non-contact performance. Therefore, the performance industry being passive to applying technology in the past made an unconventional and aggressive attempt. The performance became a trigger to accept the new technology and audience naturally took the performance as such a thing. The keyword of 2023 is ‘space’, I think. The concept, ‘Spatial Computing’, allowing the real life through HMD, began to appear after a groundbreaking smartphone combining computer with telephone. In the performing arts, space can be collectively referred to as a stage, and it is no exaggeration to say that the stage is the world of performing arts. Now, this new era becoming common to apply technology to stage is coming. This study aims to analyze the case of high-tech convergence of immersive creative musical <Monument of Different Height> produced at a situation where contact space is changing into an online space by environmental factor like COVID-19 pandemic. With this change I hope the performing art industry expands its artistic nature with high technology in the era of newly emerging virtual space ‘Metaverse Outlook’ with artificial intelligence, and real-life immerse computer.

이 연구에서는 배우의 연기에서 발생하는 무언과 침묵의 순간에 관심을 갖고, 그 순간이 갖고 있는 창 조력에 관해서 질 들뢰즈의 예술론을 바탕으로 접근하여 분석하였다. 먼저 질 들뢰즈의 철학 중 사유에 대해 논한다. 창조 행위로서 파악될 수 있는 사유 활동과 사유의 재료가 되는 기호들에 관한 주장들을 살펴보며 들뢰즈의 예술론을 정리하였다. 들뢰즈는 우연적인 순간에 사유의 대상을 마주치게 되며, 그 우연적인 마주침으로부터 사유가 발생하는데 이때의 사유는 필연적인 것이라고 한다. 또한 아무런 전제 없이 이루어지는 사유를 순수 사유라고 하며, 순수 사유가 가능하게 하는 것이 바로 예술의 기호들이라 고 한다. 이를 바탕으로 무언과 침묵의 순간을 분석하기 위해 이 연구에서는 무언과 침묵에 대해 사전적 정의를 살펴보고, 무언의 표현 방식으로 인해 발생하는 침묵의 상태를 “언어의 공간”이라고 조작적 정의 를 내렸다. “언어의 공간”은 예술의 기호로서 해독되고 사유를 강요한다. 또한 관객에게 비자발적으로 주 어지는 사유의 재료가 된다. “언어의 공간”은 순수 사유가 이루어지는 사유의 환경을 만들 뿐 아니라 그 자체가 하나의 이질적 사건이 된다. 들뢰즈는 이질적인 존재가 갖고 있는 가능성과 잠재성, 그리고 잠재 적인 것이 현실화되는 과정을 창조의 과정으로 해석한다. 이에 따르면 이질적 사건을 마주하는 주체는 연기를 하고 있는 배우가 아니라 그 사건을 목격하는 관객이며, 관객이 “언어의 공간”을 경험하는 것이 다. 이렇게 무언과 침묵이 갖고 있는 창조력은 관객의 입장에서 발현되는 것임을 확인하였다. 본 연구는 그동안 연기 예술 분야에서 잘 다루어지지 않은 질 들뢰즈의 철학을 연구 방법으로 적용하여 연기에서의 무언과 침묵을 분석했다는데 의의가 있다. 더불어 본 연구자는 연기에서 무언과 침묵이 각각 어떤 의미 인지 다시금 살펴보고, 무언과 침묵이 어떤 순간을 발생시키며 그것이 무슨 의미가 있는지 알아보는 것 에 집중하고자 한다. 또한 무언과 침묵 자체가 갖고 있는 보이지 않는 에너지를 ‘창조력’으로 보고 그 창 조력이 누구에 의해 어떻게 실현되는가를 논하고자 한다.

In this study, I focused on the moments of tacit and silence that occur in an actor’s performance, and analyzed their creative potential based on Gilles Deleuze’s theory of art. Firstly, I discuss Deleuze’s concept of thought in his philosophy. I have summarized Gilles Deleuze’s art theory based on the activities of thought that can be recognized as acts of creation and the philosophy concerning the signs that serves as the materials for thought. Deleuze states that thought encounters its objects by chance, and from this fortuitous encounter, thought emerges as something necessary. Furthermore, he describes thought that occurs without any presuppositions as pure thought, which is made possible by the signs of art. Building upon this, in order to analyze the moments of tacit and silence, this study examines their dictionary definitions and defines the state of silence resulting from the expression of tacit as the “linguistic space,” providing an operational definition. The “linguistic space” is decoded as an artistic sign and imposes thought, while also becoming the involuntary material for thought for the audience. The “linguistic space” not only creates the environment for the occurrence of pure thought, but also becomes a heterogeneous event in itself. Deleuze interprets the existence of potentiality and latency inherent in heterogeneous events and the process of actualizing the latent potential as a creative process. Consequently, the subject encountering the heterogeneous event is not the actor performing, but rather the audience who witnesses the event and experiences the “linguistic space.” Therefore I have confirmed that the creative potential embedded in tacit and silence is manifested from the perspective of the audience. This study is significant as it applies Gilles Deleuze’s philosophy, which has not been extensively explored in the field of acting, as a research method to analyze tacit and silence within performance. In addition, this researcher intends to focus on re-examine what silence and silence mean in acting, and to find out what moments silence and silence occur and what they mean. In addition, I would like to view the invisible energy of silence and silence itself as "creative power" and discuss how the creative power is realized by whom.

본 연구는 발달장애인 대상 이벤트로 진행 된 스페셜올림픽 코리아의 스페셜 뮤직앤아트 페스티벌의 코로나 전후 기간 동안 플랫폼 변화에 따른 프로그램 비교분석을 통해 국내 발달장애인 대상 이벤트의 글로벌 성장을 위한 프로그램 구성과 운영 연출의 방향성을 모색하고 발전 방안을 도출하고자 하였다. 코 로나 이전의 스페셜올림픽 코리아의 스페셜 뮤직앤아트 페스티벌은 해외 참가자들이 참여하며 세계적인 국제 이벤트로서 발돋움을 준비하였고 이를 위해 문화적 체험의 활동을 다양하게 마련하였다. 그러나 코 로나바이러스가 발생하면서 각국의 방역지침들이 강화되자, 2020년도에는 사전 제작한 공연 영상을 중계 하는 것으로 페스티벌을 마무리하였다. 2021년에는 사전에 모집한 소수를 대상으로 교육 레슨을 진행하고 이를 영상 촬영하여 영상 중계하였으며 문화 체험 활동을 관람하도록 하였다. 2022년에는 방역지침을 지 키며 대면의 페스티벌로 진행하였다. 그러나 해외 참가들은 참여할 수 없어 콘서트는 유튜브를 활용하여 생중계 하였는데 예상외로 많은 관람객을 유치하고 높은 조회 수를 기록하였다. 즉, 대면으로 진행 할 때 보다 대면과 비대면을 혼용하여 진행하였을 때, 시간과 공간의 제약으로 참여하지 못했던 세계의 장애인 과 비장애인이 참여하는 긍정적인 효과가 있었던 것이다. 그러나 국제 이벤트의 본래 취지가 문화적 특성 을 고려하여 자국을 홍보하고 교류하는 것에 의미가 있는 것에 반해 문화 체험활동은 크게 축소되었으며 전통문화체험은 전혀 진행하지 못했다. 스페셜 뮤직앤아트 페스티벌은 다양한 분야로 그 규모를 확대하며 페스티벌 명칭도 스페셜올림피아드로 바꾸고 해외 참가들도 더욱 유치하면서 발달장애인 대상 글로벌 페 스티벌로서의 성장을 기대하였으나 불가피한 코로나 비대면으로 진행하면서 글로벌 국제 이벤트 성장에 난항을 겪게 된 것이다. 코로나가 종식된 시점에서 이 페스티벌의 지속적인 성장과 발전을 위해 해외 참 가자를 적극적으로 유치하고 대면뿐만 아니라 비대면 온라인 플랫폼을 활용하여 시간과 공간의 제약을 넘어 더 많은 전 세계 장애인과 비장애인이 함께 문화적 교류를 이룰 수 있는 토대를 마련해야 할 것이다.

The study seeks and develops the direction of program composition and direction for the global growth of events for the aritsts with disabilities in Korea through comparative analysis of programs according to platform changes during the period before and after the COVID-19 of the Special Music & Art Festival(SMAF, officially Special Olympiad since 2020), which was conducted as a special event for the artists with disabilities. SMAF before the COVID-19 was prepared to rise as a global festival event with the participation of foreign participants, and various cultural experience activities however with the outbreak of the COVID 19 virus, the quarantine guidelines in each country were strengthened and in December 2020, the festival was concluded by streaming video produced in advance. In 2021, festival had delivered educational music and art lessons for a small number of people recruited in advance, filmed them and streamed and did not delivered cultural experience activities. While the original purpose of the global event was to promote and exchange the country in consideration of its cultural characteristics, cultural experience activities were greatly reduced and traditional culture experiences were not conducted at all. SMAF was expected to grow as a sustainable global event for the artist with disabilities by expanding its categories from music to art and sports but due to the corona situation, the growth of events has been changed to non-face-to-face platform. At the point where Corona has ended, as SMAF 2023 is coming soon. SMAF 2023 will utilize not only face-to-face but also non-face-to-face online platforms to exceed the limitations of time and space, and more people with/without disabilities around the world. It is necessary to harmonize with people to achieve solid foundation for continuous development and growth of arts of artists with disabilities.

본 연구는 빅터 터너의 통과 의례인 ‘분리-전이-통합’의 개념을 속곳과 관련된 의례의 춤에 대입하여 표현성을 연구하였다. 이는 획일화되는 세계 문화보편주의의 해결 방안으로 문화적 다양성과 예술현장 에서의 콘텐츠활용을 위한 목적을 가지고 있다. 속곳춤은 중심이 아닌 사회적으로 주변부인 여성의 춤이 자, 민중이 주체가 되는 춤이다. 하나로 수렴되는 현상을 분산시킬 수 있는 힘을 가진 춤을 연구의 핵심 으로 삼았다. 속곳춤은 기본적으로 여인들이 마을의 안녕을 기원하는 춤이다. ‘분리’의 단계를 만들어 내 는 춤의 대상은 마을의 안전을 해치는 도깨비, 원혼, 질병이다. 부정의 대상을 강압적으로 제거하는 것이 아니라 여성적 생명성을 강조한 쫓아냄의 춤을 춘다. ‘전이’는 빅터 터너가 중요시한 의례 단계이다. ‘리 미날리티(Liminality), 커뮤니타스(Communitas)’로 경계, 반구조, 중간단계의 시공간이다. 이때 여성은 오 히려 사회적 억압의 기제에서 벗어나 여성성이 강화된 춤을 춘다. 그것은 사회적으로 드러낼 수 없었던 속옷을 드러내고 심지어 아랫 속옷을 위로 입고 춤을 추는 전복적 형상을 만들어 낸다. 커뮤니타스에서 좀 더 여성들의 집단성이 강화된다. 그 표현방식으로 남녀 모두에게 금기시 되는 피의 드러냄이다. 의례 에서 피는 부정과 오염이다. 하지만 속곳에 피를 묻혀 극단적 더러움을 표현함으로써 역설적으로 여성의 월경을 연상하게 한다. 월경은 생명을 탄생시킬 수 있는 여성성의 상징이자 생명으로 인해 죽음이 공존 함을 드러낸다. 피 묻은 속곳을 디딜방아에 씌우거나, 막대기에 걸어 부정의 대상들을 쫓아내는 것은 여 성의 신성한 힘을 드러내는 방식이다. ‘통합’은 전이의 국면을 함께 경험함으로써 다시 돌아가게 되는 일 상은 다른 일상이 된다. 마을의 문제를 해결하는 데 일조한 여성들을 사회에 필요한 일원으로서 자긍심 을 느끼게 한다. 이 과정에서 의례의 엄격함보다는 모두가 참여하도록 한 의례의 간결함에 있다. 표현에 있어 단순함은 공감의 신명을 공유할 수 있는 힘이 된다. 본 연구에 나타난 특성을 통해 작품에 활용되기를 제언한다.

This study investigated expressiveness by applying Victor Turner’s concept of ‘separation-transitionintegration’, a rite of passage, to a ritual dance related to a place. It aims to promote cultural diversity and utilization of contents in the art scene as a solution to global cultural universalism. Sokkgot dance is a dance of women who are socially peripheral rather than central, and a dance in which the people are the main actors. This dance, which has the power to disperse the phenomenon of convergence, was the core of the research. It is basically a dance in which women pray for the well-being of the village. The objects of the dance that create the stage of ‘separation’ are ghosts, spirits, and diseases that harm the safety of the village. It is a dance of exorcism that emphasizes feminine vitality rather than forcibly removing unclean objects. ‘Transition’ is a ritual stage that Victor Turner emphasized. ‘Liminality, Communitas’ is a boundary, semi-structure, and in-between time and space. At this time, women perform a dance that strengthens their femininity by breaking free from the system of social oppression. It creates a subversive figure that reveals underwear that cannot be revealed socially and even dances with the lower underwear on top. It creates a more feminine collectivity in the communitas. As a form of expression, it is the display of blood, which is taboo for both men and women. In ritual, blood is unclean and polluting. However, by expressing extreme uncleanness through the use of blood on the inside, it paradoxically evokes women’s menstruation. Menstruation is a symbol of femininity, capable of giving birth to life, but it also reveals the coexistence of death with life. Putting a bloody insole on a treadmill or hanging it on a stick to drive away the unclean is a way to reveal the power of feminine divinity. ‘Integration’ is a phase of transition that is experienced together, so that the routine that is returned to becomes a different routine. The women who have helped solve the village’s problems feel a sense of pride as necessary members of society. In this process, it is not the rigor of the ritual but the simplicity of the ritual that allows everyone to participate. Simplicity in expression is the power to share the mandate of empathy. It is suggested that the characteristics identified in this study be utilized in artworks.