Earticle

이 연구는 창작 음악극과 라이선스 뮤지컬의 비교분석을 통해 신과 인간의 관계를 조명하며 인간으로서 생존 필연적 법칙, 존재 원인과 이유, 숙명과 운명, 의지와 선택의 문제 사이에서 그 갈등과 고민이 여전히 우리에게 해결되지 않는 중대한 것임을 상기시킨 것에서 출발한다. 그만큼 오랫동안 고대 그리스 비극과 신화는 기록과 구전으로 전해 내려와 과거부터 현재까지 예술적 장르로서 무대극의 형식으로 인간의 신체를 빌려 몸과 언어를 사용해 표현해냄으로써, 그 궁금증을 표출해왔다. 시간의 흐름에 따라 현대사회의 발전과 대중문화의 번성으로 종교적 의미의 제의는 연극으로, 연극은 순수예술에서 상업예술로 점차 몸집을 키워 견고한 성벽처럼 느껴지던 고전마저도 젊은 예술가들의 상상력을 더해 새 유형의 음악이 조화를 이뤄 기존의 것과는 전혀 다른 모습으로 대중 앞에 등장하였다. 이 연구는 사례연구로서, 현재 공연예술계에 나타나는 현상학적 사례분석을 통해 위 두 작품을 가까이서 느끼고 직접 관람하며 관련 분야 전문가들의 인터뷰와 선행연구 등을 바탕으로 고전에 더한 음악의 중요성에 관한 고찰에 이르게 되었다. 특히, 앞서 제시한 두 작품의 비교연구에서 주목할 만한 공통점으로 첫째, 극 중 해설자 역할의 등장과 둘째, 그리스 비극과 신화를 작품의 소재로 활용한 점 셋째, 신과 인간의 관계를 주제로 다루고 넷째, 타 극과 달리 코러스와 앙상블의 적극적 개입을 꼽을 수 있다. 반면에 차이점으로는 첫째, 음악적 스타일 둘째, 안무의 표현법 셋째, 형식적 측면에서 원작의 재해석과 창작극이라는 점 넷째, 창작진의 결말에 대한 해석 등이 필자가 본 연구를 통하여 밝히는 바이다.

This study illuminates the relationship between God and humans through comparative analysis of creative musical plays and licensed musical, and the conflicts and concerns between the laws of survival as humans, the cause and reason for existence, fate and fate, and the problems of will and choice are still to us. It starts with a reminder that it is a serious unresolved issue. For that long, ancient Greek tragedies and myths have been handed down through records and oral traditions, and from the past to the present, they have expressed their curiosity by borrowing the human body and expressing them using body and language within the form of stage plays as an artistic genre. As time goes by, with the development of modern society and the flourishing of popular culture, religious rituals are transformed into plays, and plays have grown from pure art to commercial art. In harmony with the music, it appeared in front of the public in a completely different form from the existing ones. This study is a case study. Through phenomenological case analysis that appears in the current performing arts world, it is possible to feel and directly view the above two works, and to consider the importance of music in addition to the classics based on interview with experts in related fields and previous studies. In particular, noteworthy commonalities in the comparative study of the two works are the appearance of the narrator in the play and the use of Greek tragedies and myths as the subject matter of the work. Dali mentions the active intervention of the chorus and ensemble. On the other hand, the differences are first, musical style, second, expression of choreography, third, reinterpretation of the original work in terms of formality and creative play, and fourth, interpretation of the ending of the creative team, etc are what the author reveal through this study.

본 논문은 무용 작품 ｢멈추지 않는 순간｣을 구성하는 단계에서 설정한 ‘불교생명론 윤회의 특징을 통 한 삶과 죽음의 자기성찰’이라는 안무 의도와 주제가 작품에서 잘 표현되었는지 연구한 것이다. 윤회(輪 回)의 특징이 어떻게 한국무용의 움직임과 안무자의 독창적 춤 방법으로 구성되는지를 살펴보고, 이를 통해 구현되는 예술적 의미를 살펴보는 데 목적이 있다. 본 연구는 문헌 연구를 통해 무용 작품 ｢멈추지 않는 순간｣의 주제와 내용을 설정하였고 연구한 내용을 기반으로 도출한 윤회의 특성을 뽑아 작품의 핵 심 내용으로 구축하였다. 이를 윤회의 상징성을 지닌 ‘원’에 내재한 특성과 결부하여 작품으로 구상하였 다. 이러한 주제와 구성의 연관성에 주목하여 문헌 연구와 실기기반연구(Practice Based Research)를 병 행하여 연구하였다. 이를 통해 첫째, 작품에서 윤회의 특성인 ‘순환성은 죽음’의 주제를 표현과정에서 다 시 제자리로 돌아오는 환원성(還元性)으로 표현되었다. 둘째, 오브제인 원을 통한 공간의 제한적 사용은 작품에서 무용수를 통해 되돌아오고 다시 출발하는, 또는 다른 자극이나 변화에도 그 상태를 유지하는 에너지로 표현되었다. 셋째, 움직임을 구와 절로 만들어 반복하고 오브제 원을 한 개에서 세 개로 변화함 으로써 새로운 공간인 가변적 공간이 창조되었다. 넷째, 윤회의 특성인 영원성(永遠性)을 표현하면서 작 품을 통해 무대 뒤로 퇴장함으로써 완전히 비워내는 것으로 구성하였다. 이를 통해 모든 것으로부터 자 유로워지는 시·공간적 공(空)의 단계를 표현하면서 초월성을 만들어내었다. 본 연구자는 윤회의 특징에 몰입하는 구성을 통해 내재 된 움직임에 집중하면서 오브제의 활용의 표현과 움직임을 보다 밖으로 표출 하는 방법을 경험하며, 독창적 춤 언어를 정립해갔다는 점에서 연구의 의미가 있다. 본 안무자는 주제에 입각한 움직임의 구성을 통해 예술적 가치관을 확립해 나가고 더 나아가 새로운 표현 방식을 만들어내는 데 기여하고자 한다.

This thesis presents with the study on to what extent the choreographic intention and the theme, namely ‘introspection on life and death through the features of Buddhist samsara’, set during the stage of designing the dance work｢Immortal life through passage of time｣were effectively expressed in the work. Its purpose is to examine how the features of samsara were integrated in the movements of Korean dance and the choreographer’s original dance method, along with the artistic meaning that this realizes. The process of this study consists of the first step plan and design, the second choreograph and practice, the third perform and appreciate, the fourth analyse and evaluate. This was associated with ‘space’, ‘movement’, and ‘time’ of the work and realized into a dance work. The result of studying｢ Immortal life through passage of time｣with the focus on the relationship between such theme and the composition is as below. Firstly, samsara is described as a return in the work. This was shown as the circle, the objet used in the work, played a role of revealing the relationship between the ‘circularity’ and ‘spatiality’. Secondly, restricting the space through the circle resulted in the energy flow moving in one direction, which appeared as an expression of ‘the constancy of spatiality’ in the work. Thirdly, the choreography based on the relationship between ‘repeatability’ and ‘movement’ created the new world of ‘changeable space’. Finally, the researcher realized that it is possible to concentrate on the movements inherent in body through the compositional method that focuses on the features of samsara that consists of karma and samsara. The significance of the study is that, through this, one experienced the method of expressing externally and established an original dance language. Through this, the researcher has received a lot of help in establishing the artistic values on stage, and seeks to contribute in creating a new way of expression.

이 연구는 미국의 여성 영화감독인 캐서린 비글로우의 영화를 살펴보고 그의 영화가 어떤 방식으로 작동하는지를 살펴보는 데 그 목적이 있다. 이를 위해 캐서린 비글로우의 작품 전반에 보편적으로 드러 나는 캐릭터의 특성과 그들이 내러티브 안에서 위치하는 지점을 우선 살펴보고, 캐서린 비글로우가 자신 의 영화에서 끊임없이 주창하는 이데올로기에 대해 논의한 후 그것을 물리적으로 구현하는 스타일로서 의 핸드헬드에 대해 논한다. 이를 위해 가장 중요하게 언급되는 영화는 <허트 로커>인데 이 영화의 마지 막 폭발물 해체 장면을 샷 단위로 살펴보면서 캐서린 비글로우의 핸드헬드가 어떻게 구성되고 작동하는 지를 논의한다. 또한 보조적 수단으로 빠른 리듬의 편집이 핸드헬드 샷과 어떻게 결합하는지도 살펴본다. 그 결과 긴장 상태에 놓여있는 캐릭터의 등장과 자위권 옹호 이데올로기가 비글로우 영화를 관통하는 특 징과 철학임을 주장하였다. 또한 그것을 작품에 실체적으로 구현하는 방법에 있어서 가장 핵심적인 방식 은 핸드헬드 촬영과 빠른 편집이며 그 핸드헬드의 방식이 흔들리는 화면이 만들어내는 화면상의 ‘물리적 긴장감’에 더해 캐릭터가 느끼는 ‘감정으로서의 긴장감’까지 포괄하고 있음을 <허트 로커>라는 대표 작 품의 사례를 들어 규명하였다. 이 연구가 비글로우 영화에 관한 접근 및 스타일을 관통하는 방법론과 핸 드헬드 방식의 원리 및 그 효용성을 강화하기 위한 후속 연구에 있어 초석으로 작용하길 기대한다. 이 연구에서는 선행연구 중 장서붕과 양윤호의 연구(2021)에 상당 부분 동의하며, 본 연구 역시 캐서린 비글 로우의 <허트 로커>가 중요한 분석 도구로 사용된다는 점에서 유사성을 가진다는 점을 전제한다. 그러나 장서붕과 양윤호가 취했던 논의 전개 방식, 즉 핸드헬드에 대한 큰 전제와 설명, 정의로부터 <허트 로커> 라는 개별작품으로 좁혀 들어가 논증하는 방식과는 궤를 달리하고자 한다.

The purpose of this thesis is to examine the films of Catherine Bigelow, an American female film director, and to explore and articulate how her films work. First of all, we look at the characteristics of the characters with their place/role in the narrative which is universally revealed in Catherine Bigelow's work. Arming the points, this thesis further discusses the ideology that Catherine Bigelow constantly advocates in her films. This would then this research considers the handheld as a way to facilitate and work by means of physical implement through Bigelow’s films. Based on the aforementioned concepts and approaches, this thesis explores how Catherine Bigelow's handheld is constructed and works centered on the film <The Hurt Locker> while examining the final explosive dismantling scene shot-by-shot. It also looks at how fast-rhythmic editing can be combined with handheld shots as a secondary means. As a result, it was argued that the appearance of the character in a state of tension and the ideology of defending the right to self-defense are the characteristics and philosophy that permeate the Bigelow’s movie. And the most essential method for realizing it in the work is handheld shooting and rapid editing. Using the case of the representative work <The Hurt Locker>, it was investigated that the handheld method encompasses the ‘physical tension’ created by the shaking screen as well as the ‘sensation as an emotion’ felt by the character. It is expected that this study will serve as a touchstone for the follow-up researches to develop/facilitate the principles and effectiveness of the concepts and handheld method penetrating the approach and style of Bigelow’s films. This study largely agrees with the study of Jang Seo-bung and Yang Yun-ho (2021), and this study also presupposes that Catherine Beagle's “Hurt Locker” is used as an important analysis tool. However, it is different from the way Jang Seo-bung and Yang Yun-ho developed the discussion, that is, from the big premise, explanation, and definition of hand hel, they narrow down to an individual work called “Hurt Rocker” and argue.

본 논문은 균형과 불균형의 경계에서의 움직임을 탐구하여 창작한 무용작품 ｢경계에서｣를 연구하여 연구자의 안무방법을 개발하고, 안무가로서 점검과 예술적 방향을 확립하는데 목적이 있다. 본 연구는 실기기반연구법(Practice Based Research)을 사용하여 무용작품 ｢경계에서｣의 작품구상부터 안무 및 연습, 그리고 공연까지의 전 창작과정과 공연된 작품을 분석하였다. 본 연구의 내용과 결과는 다음과 같다. 첫째, 움직임 탐구과정에서 무용수들의 자발적 참여를 촉진하는 워크숍을 진행한 결과, 무용수들은 자신 만의 고유한 균형 상태를 ‘감각’하였다. 둘째, 불균형 상태의 감각을 느끼게 함으로써 중심축 정렬의 변 화, 다양한 방향으로의 무게중심 이동, 무용수들 간의 몸, 몸과 지면 간의 접촉에 의한 상호 작용을 통해 ‘새로운 움직임’을 이끌어낼 수 있었다. 셋째, 작품분석을 통해 균형과 불균형이 공존하는 영역인 경계에 서 ‘불안정성’, ‘역동성’, ‘유동성’의 움직임 특성이 드러났다. 본 연구는 작품줄거리의 전개나 특정 관념 을 표현하는 발레 창작과 달리 실험적 방식으로 움직임 탐구를 통해서 발레 작품을 창작했다는 데에 의 미가 있다. 또한 안무자와 무용수의 관계가 창작의 동반자로서 소통의 중요성을 확인하고, 이들의 상호 작용이 작품의 예술적 표현에 긍정적인 영향을 줄 수 있음을 확인하였다. 마지막으로 안무자로서 예술에 대한 도전의식을 함양하고, 포스트모던 시대의 안무방식에 새로운 방향성을 모색하는데 의의를 가진다. 더불어 본 연구에서 클래식발레에서의 균형에 대한 인식을 확장하여 몸의 균형과 불균형을 오고가는 과 정에서 발레무용수가 어떠한 선택과 결정을 통해 움직임을 이어가는지 면밀히 탐구하고자 한다. 그리고 균형에서 벗어난 불균형 상태에서 다시 새로운 균형의 상태로 넘어 가고자 하는 경계에서 나타나는 독창 적인 움직임과 그 특성을 확인하였다. 실기기반연구를 활용한 본 연구가 움직임 탐구를 기반으로 창작발 레를 하려는 예술가들에게 하나의 참고가 되기를 바란다.

The current study covers the entire creative process and description of the dance artwork ｢Liminality｣. ｢Liminality｣ is an exploration of the movements that occur at the boundary between balance and off-balance of ballet dancers. The purpose of this study is to develop a new method and establish self-examination and artistic direction as a choreographer. As for this purpose, this practice-based research analyzed ｢Liminality｣'s entire creative process including the conception, choreography, practice, and performance of the artwork. The results of the study are as follows. First, in the process of exploring the movements, the dancers were able to ‘feel’ their own state of balance. In this exploration process, the choreographer conducted a workshop to facilitate the voluntary participation of the dancers instead of presenting the movements, which was effective in sensing a state of balance. Second, by feeling the sense of imbalance, the dancers were able to create ‘new movements’ on the border between balance and off-balance. In this process, they derived new movements through the interactions of the shift of the central axis, the shift of the center of gravity, the dancers' bodies, and the contacts between the body and the ground. Third, the analysis of the artwork revealed the characteristics of the movements of ‘instability’, ‘dynamics’, and ‘fluidity’. Considering the overall Korean ballet creation that expresses story development or ideas, it is significant to create a ballet artwork using movement explorations in an experimental way. In addition, it emphasizes the democratic communications of the choreographer and dancers as creative partners rather than a hierarchical relation. This interactive way of communications helped to make the artwork more artistic. Furthermore, this study has the significance of seeking a new direction for art in the postmodern era and a sense of challenge for art where a choreographer should always make new attempts. It is hoped that this study contributes to the artworks of other choreographers who aim to do creative ballet based on movement explorations.

문화관광부 ‘문화비전2030’의 내용을 살펴보면 지역문화분권을 실현하고, 지역적 특성과 지역의 문화 예술을 주민들과 활성화하는 문화실현에 앞장서고 있다. 이에 각 지역의 특성과 특수성, 문화의 다양성 을 인정하며 문화예술 콘텐츠를 제작하고 창조하는 것은 매우 고무적이라고 본다. 각 지역은 지역별로의 특수성과 문화원형, 역사적 사실 및 역사적 인물이 존재하고 있다. 그리고 공연콘텐츠 제작에 있어서 역 사적 인물이나 사건은 공연콘텐츠 개발의 소재로 많이 활용되는 요소이다. 이에 본 논문에서는 충북지역 역사 인물을 중심으로 한 공연<광풍의 절개>를 중심으로 공연 콘텐츠 개발사례를 연구하고자 한다. 공연 <광풍의 절개>의 중심인물인 중봉 조헌은 본디 충북 태생은 아니지만, 충북의 옥천에서 후율당을 설립하 여 후학을 양성하는 등의 활동을 하였고, 후에 의병장으로서 청주성을 탈환하는 등의 충북과 인연이 많 은 문인이자, 의병장이자 정치개혁가라고 할 수 있다. 본 연구를 위해 충북지역 역사 인물의 공연 콘텐츠 화 사례를 살펴보고, 공연 <광풍의 절개>의 중심인물인 중봉 조헌의 일대기를 연구해보고자 한다. 또한 본 공연에 있어서의 실제화 작업에서 스토리텔링의 방향성 및 대본 개발의 과정 및 공연에서의 음악을 통한 공연의 리듬감, 무대와 영상을 활용한 시공간의 확장을 중심으로 공연을 분석해보고자 한다. 이를 통해 많은 예술가들이 각 지역의 대표적인 역사 인물을 중심으로 한 다양한 문화예술 콘텐츠를 개발하고 다양한 연극적 요소를 활용하여 지역을 대표하는 공연 콘텐츠로 더 나아가 세계적인 공연 콘텐츠로 거듭 나기를 바란다.

If you look at the contents of the Ministry of Culture and Tourism’s ‘Culture Vision 2030’, it is taking the lead in realizing local cultural decentralization and revitalizing local characteristics and culture and arts with residents. Therefore, it is very encouraging to produce and create cultural and artistic contents while acknowledging the characteristics, specificity, and cultural diversity of each region. Therefore, in this thesis, we are going to study the case of development of performance contents, focusing on the performance <The Consancy in the Storm> centered on historical figures in the Chungbuk region. Jungbong Joheon, the central figure in the performance <The Consancy in the Storm>, was not originally from Chungbuk Province, but established ‘Huyuldang’ in Okcheon, and engaged in activities such as nurturing younger students. It can be said that he is a writer with many connections, a medical officer, and a political reformer. For this study, we would like to examine the case of performance contentization of historical figures in the Chungbuk region, and study the biography of Jungbong Joheon, the central character of the performance <The Consancy in the Storm>. Also, in the actualization of this performance, we will analyze the performance focusing on the direction of storytelling, the process of script development, the rhythm of the performance through music, and the expansion of space and time using the stage and video. Through this, we hope that many artists will be able to develop various cultural and artistic contents centered on representative historical figures of each region, and we hope that various theatrical elements will be used to create regional performance contents and global performance contents.

마당극은 1960년대에 시작된 전통연희의 창조적 계승을 위한 탈춤부흥운동의 성과를 바탕으로 70년 초에 탄생한 한국의 고유한 공연양식이다. 전통 민속예술인 가면극, 풍물, 전통무용, 판소리, 민요 등을 공연의 주 창작 재료로 받아들여 민족적이고 민중적인 가치를 지닌 삶의 연극을 주장하였고 이를 바탕으 로 공연 예술적 미학을 굳건하게 세웠다고 할 수 있다. 70년대 초반 마당극이 탄생한 이후 약 20여 년 동 안은 반민주 독재 권력에 맞선 저항예술로서, 또한 사회경제적 불평등의 해소와 실천을 위한 진보적이고 민중적인 예술로서 시대적 소명을 갖고 정치적이고 사회 참여적 예술로서 왕성한 활동을 펼쳤다고 할 수 있다. 그러나 마당극은 70년대의 성장기와 80년대의 전성기를 거친 후, 90년 중반 이후부터 현재까지는 정체기 또는 침체기를 겪고 있다. 90년대는 국외적으론 소련연방의 해체와 세계화 시대가 도래하고 국내 적으론 김영삼 문민정부가 탄생하자 일정부분이나마 정치는 안정되고 사회 불평등이 해소될 기미가 보 이게 되었고 이는 마당극의 주요 개념인 민중과 민주의 가치가 자연스레 약화할 수밖에 없었다. 이러한 까닭에 90년대 중반 이후 마당극이 지향해야 할 목표가 약화하거나 해소되어 마당극단은 자신의 정체성 을 잃고 표류하기 시작했고 마당극의 쇠퇴기가 도래하기 시작하였다. 이러한 현상은 2021년 현재까지도 지속되고 있다고 할 수 있다. 그러므로 지난 50년간의 마당극 공연사를 조명해봄으로써 마당극의 전성기 가 다시 살아날 수 있는 계기를 마련하고 또한 마당극 양식성의 재정립을 위한 연기법, 연출법, 무대 구 성법 등의 실제적 방법론 모색을 위한 발판을 마련하여 마당극이 우리나라의 공연예술을 대표하는 공연 양식으로 자리매김하도록 하고 현재의 침체기를 벗어나는 데 도움을 주고자 한다. 더불어 70년대 마당극 의 탄생부터 시작하여 2020년 현재까지 10년 터울로 마당극의 각 단계를 구분하여 마당극의 공연역사에 기억될 만한 작품을 중심으로 하여 문헌 연구로 이루어진다. 특히 2000년대 이후 현재까지는 마당극의 침체기임에도 불구하고 서울, 수도권과는 달리 지역에서 활발하게 마당극 공연 활동을 이어오고 있는 극 단들의 현황을 살펴봄으로써 마당극의 미래를 가늠해보고자 한다.

Madangkuk is a unique performance style in Korea that was born in the early 1970s based on the achievements of the mask dance revival movement for the creative succession of traditional performances that began in the 1960s. By accepting traditional folk arts, such as mask plays, pungmul (percussion instruments), traditional dance, pansori (korean unique song), and folk songs, as the main creative materials for performances, they argued for a play of life with national and popular values, and based on this, it can be said that the performing arts aesthetics were firmly established. For about 20 years after Madangkuk was born in the early 1970s, it has been used as a political and socially participatory art with the vocation of the times as a resistance art against the anti-democratic dictatorship, and as a progressive and popular art for resolving and practicing socioeconomic inequality. It can be said that he was very active. However, after going through the growth phase of the 70s and the heyday of the 80s, Madangkuk has been going through a period of stagnation or stagnation from the mid-1990s to the present. In the 1990s, with the dissolution of the Soviet Union and the advent of the era of globalization abroad, and the birth of the civilian government, Kim Young-sam, domestically, there were signs that politics would be stabilized and social inequality would be resolved, at least in part. The value had to be weakened naturally. For this reason, after the mid-1990s, the goal of the Madang Theater was weakened or resolved, and the Madang Theater lost its identity and began to drift away, and the decline of Madang Theater began. This phenomenon can be said to continue even to the present day in 2021. Therefore, by illuminating the performance history of Madangkuk over the past 50 years, we provide an opportunity to revive the heyday of Madangkuk, and explore practical methodologies such as acting, directing, and stage composition for re-establishing the stylistic of Madangkuk. We aim to escape the current stagnation by establishing itself as a representative performance style.

코로나 팬데믹은 전 세계에 엄청난 사회적, 경제적 타격을 입혔다. 이는 공연예술계도 예외는 아니다. 한정된 공간에서의 예술 활동이 이뤄지는 공연장 및 전시장 등은 코로나바이러스의 감염 위험으로 인해 휴관하기에 이르렀으며 예술단체들은 공연을 제작하여 시연할 수 있는 공간을 잃어버리고 그와 관련된 예술인들은 설 자리를 잃어갔다. 이는 결국 공연예술산업이 축소되는 상황에 이르게 된 것이다. 공연은 4차 산업혁명의 핵심단어인 ‘연결’이라는 단어와 일맥상통한다고 할 수 있다. 이는 공연이 관객과 시연자 와의 소통과 공감을 통해 연결되는 것이기 때문이다. 이러한 연결은 코로나바이러스로 인해 공연예술계 의 전통적 공연방식인 대면을 통해서 이뤄지기 어려운 시대가 되었다. 이로써 비대면 공연이라는 용어가 등장하며 새롭게 정의되는 공연 용어가 된 것이다. 코로나 팬데믹과 4차 산업혁명 시대의 결합은 공연예 술계에 많은 변화를 가져왔으며, 그중에서도 가장 대표적인 것은 일반적인 오프라인 공연 형태인 대면 공연에서 온라인 공연 형태인 비대면 공연으로의 변화이다. 비대면 공연의 핵심은 영상콘텐츠이며 대면 을 할 수 없는 상황에서 관객과 시연자들의 연결은 영상이라는 매개체를 통해서만 이뤄질 수 있는 상황 이 되었다. 또한, 비대면 공연은 기존의 일차원적 전달 형식의 영상 활용뿐만 아니라, 가상의 공간에서 실제 공연장의 효과로 대체하기 위한 여러 가지 시도들이 진행되고 있으며, 이는 다양한 플랫폼 활용을 통해 이뤄지고 있다. 이제 공연을 위해서는 영상 미디어를 통한 기술적 접근이 반드시 필요한 요소가 된 것이다. 본 연구에서는 비대면 공연이 4차 산업혁명의 첨단기술을 통해 어떻게 이뤄지고 있는지 국내의 대표적 공연예술 단체들의 사례를 살펴보고 앞으로 다가올 포스트 코로나 시대에 맞는 공연예술계의 변 화를 고찰해보고자 한다.

The COVID-19 Pandemic has taken a tremendous toll on the society and economy of the world. The performing art community is no exception. Stage and exhibit hall in the limited space have been closed due to the risk of contagion with COVID-19 and then art group has lost space to demonstrate their performance and artists post has been disappeared, leading to a situation where the performing arts have been reduced. The performance can be in line with the word ‘connection’, which is the key elements of the 4th Industrial Revolution. This is because the performance is connected with interaction and emphathy of the audiences and performers. These conncetion has been blocked with Corona Viruses, which is the traditional manner of performing arts fields. Hereby untact performance was born and it has been become a newly terms for performing arts. The cohesion of COVID-19 Pandemic and the 4th Industrial Revolution era has generated many changes to the performing arts fields and the most representative thing is the change from the in-person performane which means ordinary offline type to the untact performance standing for the online performance. The key elements of untact performance is the image contents, resulting in the connection with only images for performers and audiences in a situation where they are not facing with. In addition, untact performance has been generating not only one-dimensional delivery manner of image but also various attempts for cyber spaces to substitute for actual stages through diverse platforms. For now the technological approaches with image media have become the essentail factors for the performance. This study will look into the cases of domestic representative performing art groups to see what the untact performance has been going with state-of-the-art technology of the 4th Industrial Revolution and consider the changes of performing arts fields in line with post-Corona era to come.

2000년 이후 범죄 스릴러 한국 영화가 새로운 방식을 개척하여 할리우드 스릴러 영화의 독점 상황을 무너뜨리고, 할리우드 모델의 장점을 기초로 냉담하고 함축적인 동양적 요소를 추가하여 한국 민족의 사 회 비판 의식과 선명한 민족 특색을 선명하게 부각시켰다. 이와 동시에 중국 영화 시장에도 우수한 작품 이 다수 등장하여 아시아는 물론이고 나아가 세계에 깊은 영향을 끼쳤다. 한국과 중국은 지리와 문화 측 면에서 일정한 유사성을 지니고 있으며, 한국식 스릴러 영화는 홍콩의 초기 범죄영화에 대한 리메이크에 서 중국 범죄영화에 대한 리메이크로 발전하여 다양한 중국 영화가 최근 몇 년 동안 한국에서 잇따라 리 메이크 되었다. 한국과 중국의 양국 영화가 빠르게 발전한 오늘날, 중국 범죄영화의 리메이크에 대한 연 구는 일정한 현실적 의미를 지니고 있다. 본 연구의 대상인 <침묵>(한국)과 <인질>(한국)은 각각 <침묵의 목격자>(중국)와 <세이빙 미스터 우>(중국)를 바탕으로 각색된 작품이며, <침묵>과 <인질>은 한국 범죄영 화의 일관된 창작 특징을 연속할 뿐만 아니라 중국의 원작을 기초로 대폭적인 각색을 진행하여 리메이크 라는 특수한 영화 창작 형식에 새로운 구상을 제공하였다. 본 연구는 한국 영화 <침묵>과 <인질>을 사례 로 최근 한국의 중국 범죄영화에 대한 리메이크 현황과 전략에 초점을 맞추었다. 연구 결과 한국 리메이 크 영화의 문화 배경은 사회 현실을 토대로 한국 상황에 맞게 각색하여 민족적 특징을 지닌 인물 캐릭터 로 설정하였고, 시청 언어는 한국의 풍토와 인정을 최대한 표현했다는 사실을 발견하였다. 즉, 비교적 성 공을 거둔 원작 텍스트를 바탕으로 한국의 창의적 각색을 통해 리메이크 영화를 한국 관객의 기호에 맞 도록 적절히 수정하고, 원작의 부족한 부분을 더욱 보완한 것이다.

Since the 21th century, South Korean crime thrillers with their unique features have broken up the monopoly of Hollywood thrillers. Based on the advantages of the Hollywood model, they integrate sober and introspective Eastern elements and highlight the local social criticism and distinctive national features. Many contemporaneous works of the Chinese film market have also received popular recognition, some of which have had a profound impact in Asia and even internationally. This study selected two films of South Korea Heart Blackened and Hostage: Missing Celebrity as subjects which are respectively remade from Silent Witness (China) and Saving Mr. Wu (China). The two remakes remain consistent with the typical features of Korean crime films, and adopt major changes from the original Chinese version, providing a new way for remakes. This paper mainly focuses on the current situation and strategies of South Korean remakes of crime films of the mainland China in recent years, it is concluded that the cultural background of South Korean remakes is localized based on social reality; the setting of characters is localized with national features; and audiovisual language focuses on the localized presentation of local customs, etc. By innovative adaptations with local features based on the successful text of the original works, the remakes can meet the interests of Korean audiences while making up for the shortcomings in the original works.

이 연구는 가상자산인 NFT와 메타버스를 문화예술산업에 어떻게 활용할 수 있을까의 문제의식에서 출발하였다. 연구의 방법은 문헌연구를 중심으로 이루어졌으며, NFT와 메타버스를 활용한 문화예술산업 의 발전을 모색하는 인식의 변화를 가져오기 위한 것이었다. 이 연구의 결론은 다음과 같다. 첫째, 가상 자산인 NFT와 메타버스의 활용은 디지털 문화예술산업의 토대를 만들 수 있는 바탕이 된다. 특히 지자 체에서 문화예술산업으로 육성시킨다면 미래에 지역을 이끌어가는 기반 자산이 될 수 있다. 둘째, NFT에 대한 비판적 시각에서 주장하는 실물이 없는 데이터일 뿐이라는 주장도 일부분 타당성이 있으나 인간은 시대적 상황에 따라 편의성을 추구했다는 점을 인식해야 한다. 현재 사용되고 있는 종이화폐 100$는 그 만큼의 가치를 가지고 있는가를 생각해 보면 쉽게 이해될 수 있다. 셋째, 기성세대는 청년들이 현실에서 달성하기 어려운 미래에 대한 꿈을 가상공간에 두고 있다는 점을 인정해야만, 가상공간에서 작용하는 NFT나 메타버스에 대한 방향성이 보인다는 점이다. 미래는 청년세대가 이끌어간다는 점을 인식하면서 새로운 변화의 흐름을 바라볼 필요가 있다. 이미 NFT와 메타버스는 청년들을 디지털 예술산업으로 유입 시키고, 그 토대를 공고히 하고 있다. 넷째, 사이버 공간의 문화예술을 뒷받침하는 것은 예술가와 과학, 프로그래머와 정보통신기술의 융ㆍ복합이다. 가상공간의 문화예술은 실제 물리적 공간을 적게 차지하면서 도 인간이 필요로 하는 많은 것을 해결해 주고 있으며, 대중이 인정하고 있다. 다섯째, NFT와 메타버스 는 모든 시민이 소유와 놀이를 병행하면서 함께 제작과 전시를 할 수 있는 기획을 통한 활동공간을 제공 한다면 엄청난 비용효과를 가져올 수 있으며, 개인의 삶의 질을 향상하고, 사이버 공간의 문화예술을 통 해 오프라인 사회의 경제를 성장시키게 된다. 여섯째, 개인의 창의력을 발산할 기회는 인종과 국가, 성별 을 불문하고 모두에게 제공되어야 한다. NFT와 메타버스는 인간의 창의력과 상상력을 펼칠 수 있는 차 별 없는 공간으로서 모두 평등한 기회가 부여되어야 한다. 일곱째, 가상공간은 모두에게 기회를 제공하 지만, 선점 효과가 작용한다는 점이다. 다시 말하면, 누구나 할 수 있지만 아무나 할 수 없는 것이다. 청 년세대의 미래를 위해서 기성세대는 무엇을 할 것인가를 생각해 볼 필요가 있다.

This study started from the awareness of how virtual assets NFT and metaverse can be utilized in the culture and art industry. The research method was focused on literature research, and it was intended to bring about a change in perception to seek the development of the culture and art industry using NFT and metaverse. The conclusions of this study are as follows. First, the use of NFT and metaverse, which are virtual assets, is the basis for creating the foundation for the digital culture and art industry. In particular, if the local government fosters the culture and arts industry, it can become a base asset that will lead the region in the future. Second, there is some validity to the claim that it is just data without real data from a critical perspective on NFT, but it should be recognized that humans pursued convenience according to the circumstances of the times. Third, the older generation has to admit that young people have dreams of the future that are difficult to achieve in reality in virtual space, and then the direction of NFT or metaverse operating in virtual space can be seen. Fourth, it is the convergence of artists and science, programmers and information and communication technology that underpins the arts and culture of cyberspace. The culture and art of virtual space takes up little real physical space and solves many human needs, and is recognized by the public. Fifth, if NFT and Metaverse provide an activity space through planning where all citizens can produce and exhibit together while owning and playing at the same time, it can bring tremendous cost-effectiveness, improve the quality of life of individuals, and Through the culture and art of space, the economy of offline society will grow. Sixth, opportunities to unleash individual creativity should be provided to all regardless of race, country, or gender. NFT and metaverse are spaces without discrimination where human creativity and imagination can be unfolded, and equal opportunities should be given to both. Seventh, the virtual space provides opportunities for everyone, but the preoccupation effect works. In other words, anyone can do it, but not everyone can do it. For the future of the younger generation, it is necessary to think about what the older generation will do.

본 연구는 현대 민족지 사진의 연구와 창작에 일정한 의미가 있는 이론 기초를 제공하고, 민족지 사진 창작과 민족 문화 전통의 보전 및 계승에 관련된 핵심 요소를 고찰한 정성 연구이다. 본 연구는 인류학의 시각으로 ‘사진 전환(pictorial turn)’ 이후 사진 민족지 이념을 연구하고, 민족 문화 컨텍스트를 배경으로 현대 민족지 사진의 창작과 이념 표현 문제를 고찰하며, 다양한 민족의 역사와 문화 영향에 따른 사진가의 예술 스타일과 민족지 표현의 각종 특징을 분석하였다. 본 연구는 한국과 중국의 대표적인 민족지 사진가, 즉 한국 사진가 류은규의 작품 󰡔청학동 이야기󰡕와 중국 사진가 여남(呂楠)의 작품 󰡔사계절: 티베트의 일상생 활(西藏的日常生活)󰡕을 구체적으로 분석하며, 해당 작품의 주제, 화면, 민족 감정의 표현을 비교 연구하고, 예술 스타일과 사진 언어의 차이를 고찰한다. 본 연구를 통해 류은규의 작품 스타일은 소박하고 다원적이며 온정이 가득하고, 여남의 작품은 깊고 강력하며, 냉정하다는 것을 발견하였다. 이러한 사진 스타일과 이념의 차이는 주로 사진가의 성장 경력과 민족 문화의 근원 등에서 비롯되고, 이 요소들은 사진가의 감정, 가치관과 문화 동일시를 구축하였다. 이에 본 연구는 대표적인 한·중의 두 사진가에 대한 비교를 통해 스타일 형성 이면의 문화 요소를 분석하였다. 따라서 본 연구의 의미는 두 사진가의 사진을 통해 독자가 더욱 깊게 한중 전통문화의 의미를 이해하고, 이미지에 대한 감상을 통해 직관적으로 한국 전통문화의 특징과 계승 상황, 그리고 중국 티베트 문화의 특징과 종교적 의미를 느끼는 것이다. 또한 이를 통해 양국 민족 문화의 현대 상황 그리고 한국과 중국 전통문화를 이해하고, 양국의 문화 교류를 위한 상호 감상의 시각과 양국의 문화유 산과 민족지 보존에 기초적인 연구 자료를 제공하는 것이다.

This research provides a meaningful theoretical basis for the research and creation of contemporary ethnographic photos, and points out the key information. It is a qualitative study on the creation of ethnographic photos and the preservation and inheritance of national cultural traditions. From the perspective of anthropology, this paper studies the concept of photo ethnography after the "image turn", and discusses the creation and concept expression of contemporary ethnographic photos in the context of national culture. Analyze the different characteristics of photographers' artistic style and ethnographic expression under the influence of different national history and culture. This paper selects typical ethnographic photographers in Korea and China for comparison, and specifically analyzes the works of the Korean photographer Yu Yingui "The Story of Qinghedong" and the Chinese photographer Lu Nan's work "The Four Seasons: Daily Life in Tibet". The themes, pictures, and expressions of national emotions in their works are compared and analyzed, and the differences in their artistic styles and photographic languages are analyzed. Through the research of this paper, it is found that Liu Yingui's works are simple, diverse and warm, while Lu Nan's works are heavy, strong and calm. The main reasons for these differences in photographic styles and concepts are the photographer's upbringing and national cultural roots. These elements shape the photographer's emotions, values and cultural identity. Therefore, this study analyzes the cultural drivers behind the formation of their styles by comparing the differences between the two Korean and Chinese photographers.

이 연구는 가상현실 기술을 바탕으로 한 Virtual Production 공정을 면밀히 분석하여 영상 제작 실습 교육 도구로서의 Virtual production 활용 가능성과 방법을 제시하고자 하였다. 최근 영상 제작 산업 프로 세스의 변화와 Virtual production 활용도의 중요성을 고려하면, 계속 진화 중인 이러한 기술 기반의 새로 운 실습 교육에 관한 연구가 필요하다. Virtual production 공정을 효과적으로 영상 제작과 관련된 실습 교육 목적으로 사용하기 위해서는 학습자에게 가상 제작 시스템에 대한 이해와 장비 운용에 대한 충분한 학습이 요구된다. 본 연구에서는 Virtual production을 활용한 실습 교육을 위해 필요한 개념과 발전과정, Virtual Production 유형에 대한 이해를 바탕으로 가상 제작 프로세스 배경지식을 재정립하고, 학습자의 창의력향상 및 Virtual Production 기술의 습득을 목적으로 실습 교육을 설계하였다. 이를 통해 Virtual production 기술을 활용하여 영상 제작 실습 교육의 궁극적인 목표인 창의적인 시각 연출과 실무 환경에 적응할 수 있는 인재 양성을 충족하는 방향으로 제작 실습 환경을 개발하고 실습 과업을 수행하기 위한 새로운 방안을 제시하고자 한다. 영상 제작을 위한 촬영 로케이션을 이동해야 하는 점과 교육자가 촬영 현장에서 즉각적으로 편집의 효과까지 교육하기 어려운 점 등의 현실적인 문제로 학생들의 창의적인 영 상 제작 활동 및 교육에 기존의 실습 교육만으로는 한계가 있다. 하지만 Virtual production은 학생들에게 적극적인 참여와 함께 창의적인 활동을 할 수 있는 환경을 제공하여 높은 교육 효과를 달성할 수 있는 교육 도구로서의 잠재력을 가지고 있다. 이에 이 연구의 목적은 Virtual production 기술을 활용하여 영상 제작 실습 교육의 궁극적인 목표인 창의성과 실무 환경에 적응할 수 있는 인재 양성을 충족하는 방향으 로 제작 실습 환경을 개발하고 실습 과업을 수행하기 위한 방법을 제시하는데 있다.

This study analyzes the Virtual Production process based on virtual reality technology and presents the possibility and method of utilizing Virtual Production as a practical video production education tool. Considering the recent changes in the video production industry process and the significant of virtual production utilization, research on new technology-based practical education is needed. In order to effectively use the Virtual Production process for practical educational purposes related to video production, learners are required to understand the virtual production system and learn sufficient equipment operation. In this study, practical education using virtual production requires an understanding of concepts, development processes, and virtual production types, and after re-establishing the background knowledge of the virtual production process, practical education was designed to improve learners' creativity and acquire virtual production technology. Using Virtual Production technology, to develop a production practice environment and suggest new measures to perform practical tasks in the direction of meeting creative visual production and nurturing talent who can adapt to the working environment. In particular, the educational use of Virtual Production can be a key technology in fostering future talent by cultivating learners' ability to cope with field situations and testing technical requirements as well as producing creative videos. Therefore, the purpose of this study is to develop a production practice environment and study methods to perform practical tasks in the direction of utilizing virtual production technology to meet the ultimate goal of video production practice education, creativity, and human resources who can adapt to the working environment.