Earticle

본 연구는 학생배우들에게 보다 효과적으로 장면연기를 코칭하는 방식에 대한 연구이다. 연기의 코칭 이 권위주의적이거나 결과지향적으로 이루어지면 이를 수용하는 학생배우의 입장에서는 바람직한 학습 이 이루어지기 어렵기 때문에, 그들이 이해 가능하고 스스로 길을 찾아갈 수 있는 방향으로 연기코칭이 개발되어야 한다. 이를 위하여 연기코치가 미리 해결책을 제시하기보다는 학생배우들이 스스로 해결책 을 찾아갈 수 있도록 질문법을 사용하려고 한다. 다양한 연기의 분야 가운데에서 시선과 동선의 지도에 초점을 두어 스스로 그들이 연기의 방향을 찾아갈 수 있도록 돕는 연기코칭의 방식을 연구한다. 그간 동 선에 관한 연구는 어느 정도 있었으나 시선에 관한 연구는 거의 전무하다시피 했다. 시선은 마음의 방향 을 따라가게 되어 있고, 그 욕구가 더욱 커지면 동선으로 이어질 수 있다. 시선과 동선은 때로는 다른 방 향을 향할 수도 있으며 시선이 짧은 순간에 변화하여 의미를 창출할 수도 있다. 시선과 동선을 발견하기 위해서 필요한 작품 분석과 장면 분석은 단락분석이나 비트분석까지 세밀화 할 필요가 있는데, 각 단위 에서 지위의 변화 양상, 이끌어가는 인물이 누구인지, 내적 갈등, 그리고 주어진 환경 등에 대한 분석이 필요하다. 본 연구자는 시련의 2막 초반을 먼저, 네 개의 단락으로 나누고, 각 단락마다의 제목을 정하였 다. 단락마다 지위거래가 이루어지는 방식이 시선의 방향과 가지는 연관성을 고찰한 후, 단락마다 리딩 캐릭터가 누구인가와 관련하여 변화하는 시선의 방향을 고찰하였다. 또한 내적갈등을 가장 효과적으로 드러내기 위해서 시선과 동선의 방향을 복합적으로 사용할 수 있는 가능성을 고찰하였다. 주어진 환경을 드러내는 시선의 사용방법을 연구하면서 인물의 심리를 고려함과 동시에 대본의 전후 상황을 고려해야 하는 필요성도 논하였다. 시선과 동선에 대한 연구와 연기코칭을 위한 질문법의 사용법에 대한 연구가 더욱 활발해지기를 기대한다.

his study is about how to coach student actors scene study efficiently. When acting coaching goes in a brutal way or with result-oriented direction, student-actors tend to fail to get effective learning. thus, acting coaching should be developed through a comprehensible and self-learning way. I selected question and answer method for student actors to find creative way by themselves. I focus on gaze and blocking using question and answer method of teaching so that student actors can find creative direction on their own. There are nearly none of former studies on actor’s gaze, while there are some on blocking. Gaze tend to follow person’s mind and as his impulse accumulates, gaze can be turned to blocking. Sometimes gaze and blocking may go towards diverse directions and gaze can be changed in a short moment to reveal clear meaning of the play. It is necessary to analyze not only whole play, but also scene, unit and bit, so that we can discover proper gaze and blocking for each moment. Moreover, we need to analyse many aspects of play including status change, leading character and led character, inner conflict and given circumstance, for those concepts can be strongly related to the direction of gaze and blocking. I examine the direction of gaze and blocking of <the Crucible> act 2 regarding status change, leading character and led character, inner conflict and given circumstance. I devide for units from first scene of act 2 and named each units. And I examined the relationship between status and gaze and blocking and leading character and gaze and blocking. Next, I tested the possibility of complex the direction of gaze and blocking to reveal inner conflict and character’s inner circumstance.

현대공연예술에서는 예술과 과학을 결합하려는 시도가 높아지며 기존의 전형성을 뛰어넘는 공연들이 각광 받고 있다. 가상현실이나 증강현실과의 결합뿐만 아니라 로봇이 무대에 등장하는 등 다양한 융·복 합 공연이 생겨나고 있는 것이다. 주지하다시피 기존의 로봇은 예술의 영역과는 대척점에 있는 최첨단 과학기술 영역에 속했기에 더욱 주목된다. 그 중에서도 소셜로봇은 인간과 정서적 교감을 하고 소통하는 로봇으로 예술의 주체나 배우로의 진화 가능성을 보인다. 이에 본고에서는 공공장소에서 활동하며 사람 들과 적극적으로 소통하는 소셜로봇에 대한 연극학적 관점의 해석에 주안점을 두었다. 이를 위하여 인천 국제공항이라는 특수한 장소에서 활동하는 소셜로봇 “에어스타”를 중심으로 고찰하였다. 에어스타의 다 양한 행위와 엔터테인먼트적 요소를 하나의 퍼포먼스로 간주하고 에어스타를 공연의 주체로 바라보며 에어스타와 만나는 공항 이용객들의 모습을 관객의 입장으로 분석했다. 먼저, 소셜로봇의 사회적 기능과 특성에 대해서 이론적 배경을 고찰하였다. 또한, 관객으로 분류되는 이용자들과의 교감기능을 바탕으로 예술 주체로서의 에어스타를 해석하였다. 본고에서는 이를 뒷받침하기 위하여 현대공연예술에서의 일상 성과 관객성을 에어스타와 관련지어 해석하였다. 일상성은 예술과 일상의 경계가 허물어진 상황에서 에 어스타를 공연으로 간주할 수 있는 근거를 마련해 준다. 관객성은 공항 이용객이 에어스타와 만나고 그 상호작용의 결과로 발현되는 성격이다. 현대공연예술의 대표적인 두 경향인 일상성과 관객성이 에어스 타와 연결되어 공연학적 관점으로 해석 가능하게 된 것은 바로 에어스타가 비교적 높은 수준으로 사람들 과 교감을 맺을 수 있고, 정서적인 지원이 가능한 소셜로봇이기 때문이다. 본고의 연구자는 이러한 논의 가 앞으로 현대공연예술에서 퍼포먼스의 범위를 어떻게 상정해야 할 것 인지에 대해서도 재고하는 기회 가 될 것이라고 본다. 그 결과 현대공연예술의 의미를 확장하고 나아가 진정한 예술과 과학의 융·복합 적 발전의 시발점이 되어 새로운 차원으로 발전시킬 것으로 기대한다.

In the contemporary performing arts, attempts to combine art and science are increasing, and performances beyond the existing typicality are in the spotlight. Not only virtual and augmented reality, but also various convergence performances such as robots appearing on stage are emerging. It is all the more noteworthy because the established robots were part of the cutting-edge science and technology field opposite the art. Among robots, social robots are robots that communicate with human emotionally. Therefore, this research paper focused on the interpretation in the view of performance studies on social robots that actively communicate with people while working in public places. To this end, this paper focused on “Airstar,” a social robot operating in a special place called Incheon International Airport. This paper considered Airstar's various acts and entertainment elements as a form of performance. Also, it viewed Airstar as a main performer, and analyzed the users who meet Airstar as audiences. First of all, the theoretical background was discussed on social functions and characteristics of social robots. It also interpreted Airstar as the subject of performing arts based on its interaction with users classified as audience. To support this, ‘dailiness’ and ‘audience characteristic’ of the contemporary performing arts were interpreted in relation to Airstar in this paper. The dailiness provides a basis for considering Airstar as a performance in a situation where the boundaries between art and daily life have been broken. The dailiness can be explained by Richard Schechner. This paper researcher thinks that these discussions will help predict how the future relationship between Airstar and the audience can move in a more advanced direction. Also, it will be an opportunity to reconsider how the scope of performance should be assumed in the contemporary performing arts. As a result, it expects to expand the meaning of the contemporary performing arts. It will further develop into a new dimension by becoming the starting point for the real convergence of art and science.

코로나_19로 인해 파생되는 여러 가지 사회적 변화에 있어 공연업계의 변화 또한 많은 부분 발생하고 있다. 특히 소극장에서 운영되는 연극작품들은 방역과 관련된 사회적 거리두기 등의 이유로 많은 공연들 이 공연 날짜를 연기하거나, 소규모의 인원을 대상으로 한 공연의 진행 또는 온라인 중계를 통한 방법으 로 현재의 상황에 대한 대응을 하고 있는 것이 현실이다. 기존 연극공연의 상연에 있어 중계를 통한 방 식이 최선의 방법은 아니겠으나, 코로나19로 인하여 나타난 대안으로서 자리잡아가고 있는 온라인 중계 시스템에 관하여 살펴보고 조금 더 효율적인 연극공연의 영상전달방식이 무엇인지 연구해야 할 필요가 있어지고 있다. 이는 연극공연을 영상화 하는 과정속에서 극장에서 연극을 보는 관객의 입장이 영상을 통해 시청하게끔 되는 시청자의 입장으로 변화하는 측면에서 고려해야 할 상황들이 발생하게 된다. 이러 한 상황에서 연극공연을 영상화 하여 전달하는 과정에 있어 관객과 시청자를 동일한 개념으로 접근하기 위해 영상화 하는 과정에서 고려해야 할 요소들이 있다. 본 연구자는 연극공연 자체를 영화의 표현방식 처럼 영상화 하는 과정이 아닌, 연극공연의 현장성을 조금 더 효율적으로 영상화하여 전달하는 중계의 방식에서 접근하고자 한다. 이러한 부분에 있어, 4개의 영역(중계 방식의 설정, 현장관객의 유무, 촬영방 식의 설정, 조명 설정)으로 크게 구분하여 연극 중계 방식에 있어 특히 온라인 생중계를 할 때 적합한 방 법은 무엇인지, 그리고 그러한 과정 속에서 공연제작팀과 영상제작팀 각각 어떤 부분을 사전 검토하고 결정하여 협업해야 할 것인지 살펴보고자 한다. 또한, 본 논문에서는 영상이라는 매체를 통해 제공 되어 지는 연극공연이 연극의 범주에 속하는지 그렇지 않은지를 논하는 것이 아닌, 코로나 시대에 대응하기 위한 대안 중 발생한 방법 중 한가지로서 접근하고자 한다.

There has been chainging variously in the play arts derived from the Covid_19. In particular, the reality is that many of the theater's plays are being delayed due to social distinctions related to quarantine, only accepted in a small group audience, or released using broadcasting(on-line streaming system). While broadcasting is not the best way to present existing theatrical performances, it is necessary to examine the online relay system, which has become an alternative to Covid_19. In this circumstance, studying what is a more efficient method of video transmission for the theatrical performances is needed. In the process of visualizing theatrical performances, the audience's position in the theater changes to that of the viewers who watch the play through the video. In this situation, there are factors to consider in the process of visualizing and delivering theatrical performances in order to approach the audience and viewers in the same concept. This researcher didn’t want to approach the theater performance itself from the process of visualizing it likes a movie's expression, but from the way of broadcasting to more efficiently visualize and convey the realism of theater performances. In this regard, I will look at the four areas (set of relaying methods, presence of on-site audience, setting of camera methods, and setting of lighting) to see what is particularly suitable for live broadcasting of the play, and which parts of the performance production team and the video production team should review, decide, and collaborate in advance.

세계적으로 유행하고 있는 코로나19의 확산으로 인하여 교육부에서는 방역을 위하여 그동안 대면방 식으로 이루어져왔던 수업방식을 비대면 방식으로 전환함에 따라 교육현장에서는 온라인 수업에 적응하 느라 교수자 뿐만 아니라 학습자까지 큰 혼란을 겪게 되었다. 한편, 코로나19의 여파가 아니더라도 4차 산업혁명시대에 적응하기 위한 새로운 교수학습법에 대한 연구로서 오프라인과 온라인 방식의 수업방식 과 그 효과에 대하여 다양한 연구가 진행되고 있다. 예술실기교육은 학습자가 이론으로 배운 것을 실습 으로 경험하면서 예술을 익힐 수 있도록 가르치는 것이기 때문에 교수자가 학습자를 대면하여 직접 실 습시키는 방식의 수업이 당연시되어 왔다. 또한 실습을 위한 이론교육도 익숙한 대면방식 수업이 당연 시되어 왔다. 그렇기 때문에 예술실기교육을 갑자기 비대면으로 해야 한다는 것은 교수자 뿐만 아니라 학습자에게도 낯설게 느껴지는 수업방식으로 적응하기가 어려울 수밖에 없다. 그러나 코로나 팬데믹의 장기화와 코로나이후에서도 비대면 수업진행에서 예술실기교육이 피해갈 수 없는 상황이 될 것이므로 이러한 위기 상황을 극복하기 위한 수업방안이 모색되어야만 한다. 이 연구는 코로나19에 대한 대처뿐 만 아니라 4차 산업혁명시대로의 진입을 위한 예술실기교육의 새로운 교수학습법 개발에 대한 연구이 다. 본 연구자가 이미 시도해왔던 프로젝트 기반 학습과 플립 러닝에 더하여 온라인 실시간 화상강의를 조합하는 블랜디드 러닝을 적용한 예술실기교육의 교수학습법을 설계하고 운영한 결과로서 새로운 예술 실기 교수법을 제안하고자 하였다. 더불어 이 연구에서는 연극연출 수업에서 실행하고 있던 프로젝트 기반 플립 러닝에 온라인 실시간 양방향 화상 강의의 도입으로 연극연출 수업의 교수 및 학습 효과를 극 대화할 수 있는 교수학습법을 도출하고자 하였다.

Due to COVID-19 pandemic, the Ministry of Education switched from the face-to-face teaching method to the non-face-to-face method for quarantine, causing great confusion not only for instructors but also for learners in the educational field adapting to online classes. Without the aftermath of Corona 19, however, various studies on on-offline teaching methods and their effects are being conducted for adapting to the 4th industrial revolution era. Since art education is completed when learners put what they have learned through theory into practice, the face-to-face teaching has been taken for granted. Even most theory classes for practice have been taught in the familiar face-to-face mode. Therefore, this sudden demand made not only learners but also instructors vulnerable and helpless. However, as the corona pandemic prolonged, it became inevitable for art practical education to adapt non-face-to-face classes, and measures must be sought to overcome this crisis. As a result of designing and operating a teaching-learning method for arts practical education that applies blended learning that combines online real-time video lectures in addition to project-based learning and flip learning that this researcher has already tried, we attempted to propose a new art practical teaching method. This study is not only about coping with COVID-19, but also the development of a new teaching method of art practical education for entering the era of the Fourth Industrial Revolution. This paper addresses, in addition to the project-based learning and the flip learning that the author has been using, how online real-time video lectures can be blended as a new art practical education method.

본 연구는 통섭의 시대 민속춤과 포스트모던댄스의 즉흥 창의성 비교를 통해 한국적 통섭 방법을 제 언하고자 한 연구이다. 불확실한 현대에서 즉흥을 통해 현실의 문제를 해결하고 창의성을 발휘하는 과정 은 예술 분야에서 즉흥을 통해 창의성을 발현하는 과정과 흡사하다. 민속춤과 포스트모던댄스에서 나타 나는 즉흥의 강조는 곧 현재성에 대한 강조로 연결되어 관객을 무대에 참여하게 하는 즉흥 춤이 된다. 그런데 현재를 인식하는 관점의 차이에 따라 민속춤은 감성을 중심으로 흥과 신명을 중시하고, 포스트모 던댄스는 이성을 반대하는 방식으로 인식적 속성을 띤다. 참여를 이끌어내기 위해 민속춤은 단순미와 ‘무기교의 기교의 움직임’으로 기량의 역량을 조절하고 움직임을 향유하는 데 있어 모두의 춤이 되길 지 향했다. 포스트모던댄스는 이전에 무용 작품 움직임이 될 수 없었던, 일상 움직임을 통해서 ‘움직임 언어 의 확장’을 가지고 왔다. 민속춤과 포스트모던댄스의 현재성에 대한 강조로 즉흥의 중요성에 대해 인식 하고 있지만, 그 현재를 어떻게 받아들일 것인지에 대한 차이에 의해 지향성에 차이가 난다. 민속춤 즉흥 창의성 방식은 각각의 차이를 받아들이면서, 변화를 제어하는 것이 아닌 변화 자체가 되어 즐기는 것에 있었다. 서로 다른 분야와의 통섭이란 어려운 문제이다. 단순한 기술적, 기능적 접근이 아닌 다름을 통해 오히려 적극적으로 연희를 완성하는 민속춤의 특성은 통섭을 위한 한국적 방법론이 될 수 있다. 본 연구 의 방법으로는 민속춤과 포스트모던댄스의 즉흥을 살펴봄으로써 즉흥을 표현하는 방식을 파악하고 즉흥 의 기법이 되는 관객의 참여 움직임, 예술가의 움직임, 포스트모던댄스의 접촉즉흥을 민속춤 접촉즉흥의 방식과 비교의 방식으로 연구를 진행한다. 그리고 그 유사점과 차이점을 비교해 한국만의 즉흥 창의적 특성을 파악하고 통섭과 관련해 제언한다.

This study aims to suggest a Korean method of consilience through a comparison between improvisational creativity of folk dance and postmodern dance in the era of consilience. The process of solving problems and showing creativity through improvisation in the uncertain world in modern society is similar to that of expressing creativity through improvisation in the art field. The emphasis on improvisation in folk dance and postmodern dance leads to an emphasis on presentness and becomes an improvisation dance that invites the audience to participate in the stage. According to view difference in recognizing the present, however, folk dance emphasizes fun and excitement centering on sensibility, and postmodern dance has cognitive properties in a way that opposes reason. In order to invite participation, the folk dance aimed to become a dance for everyone in enjoying the movement and controlling the competence of the skill with the simplicity of beauty and the “movement of the technique of non-technique” Postmodern dance brought 'extension of movement language' through daily movements, which could not have been a movement in a dance work in the past. The importance of improvisation is recognized as an emphasis on the presentity of folk dance and postmodern dance, but the goal differs by the difference in how to accept the present. By accepting the difference in folk dance’s improvisational creativity method, it does not control the change, but enjoy the change itself. Interaction with different fields is a difficult problem. The characteristic of folk dance that actively completes theatricals through a difference rather than a simple technical and functional approach, can be a Korean methodology for consolidation.

이 연구에서는 코로나19로 인해 촉발된 연극을 비롯한 공연예술계의 환경변화와 이를 극복하기 위한 새로운 공연 전달방식에 대한 모색과 방법에 대해 고찰하였다. 따라서 본 연구는 코로나 사태에 대한 강구 책 비대면 ‘언택트 공연’의 개념을 이해함과 동시에, 현장에서 다양한 형태로 전달되는 ‘언택트 공연’을 탐구하였다. 이에 실제 코로나 사태로 인해 기존 관객과의 대면공연 방식을 포기하고‘방송을 위한 연극’으 로 제작된 연극 <나는 꽃이 싫다>를 중심으로 제작과정에서 방송 송출까지 살펴보았다. 그 결과 새로운 공연 전달 방식은 기획에 있어서 몇몇 변화를 갖게 되었는데, 그에 따라 방송 송출을 위한 촬영팀 섭외, 관객유치가 아닌 시청자 포섭을 위한 마케팅 전략 등에 변화가 있었다. 방송이라는 마케팅에 비해 시청률 은 기대에 크게 못 미쳤지만, 채팅을 통해 실시간으로 시청자들의 평가와 반응 그리고 그에 대한 기획팀의 간단한 답변은 새로운 공연의 소통문화가 될 것으로 전망된다. 또한 테크니컬디자이너들도 ‘방송을 위한 연극’제작을 위해 변화를 피할 수 없었는데, 온라인 송출 방식 개념에 대한 정확한 이해를 바탕으로, 연출 과 더불어 명확한 의도와 내용을 방송으로 송출하기 위해 촬영감독과 사전 협의를 필히 진행해야한다는 결론이다. 아울러 방송을 하기 위해서는 영상제작이 매우 중요하다. 더구나 생방송 송출에서는 철저한 약 속과 계산된 ‘카메라 워크’ 계획이 필수적이다. 따라서 카메라 감독들은 대본을 숙지해야하고 ‘카메라 워 크’를 배우의 연기 호흡과 함께 해야만 섬세한 표정과 감정을 전달할 수 있다. 기존에 방송국마다 연극뿐 아니라 뮤지컬이나 오페라 등을 제작·편성하여 방송하는 경우가 많았는데, 지금까지는 대부분 녹화하여 편집 방송하는 구조였다. 그러나 코로나 이후 각 포털사이트를 통해 연극도 라이브 송출이 되는 구조로 변모되고 있는 것이 현실이다. 따라서 코로나 상황이 종식되지 않는다면 ‘방송을 위한 연극’제작과 생방송 송출은 당분간 유행처럼 지속되지 않을까 사료된다.

The study considered the environmental changes in the performing arts industry, including plays triggered by the Corona(Covid-19) and ways to deliver new performances to overcome them. Therefore, this study understood the concept of the ‘untact performing' on the Corona situation, while exploring ‘untact performing' delivered in various forms at the site. In response, due to the actual Corona incident, we gave up on the way to face-to-face performances with existing audiences, and even looked at broadcasting during the production process, focusing on the play <I Hate Flowers> produced as a ‘Play for Broadcasting’. As a result, the new method of delivering performances has changed a few things in planning, including casting a filming team for broadcasting and marketing strategies for attracting viewers, not attracting audiences. Technical designers were also forced to make changes for the production of ‘Play for Broadcasting’. Based on an accurate understanding of the concept of online transmission methods, it is concluded that prior consultation with the filming director should be carried out in order to send clear intentions and contents to broadcasting as well as directing. Camera directors must be familiar with the script and ‘camera walk’ must be accompanied by the actor's acting breathing to convey delicate expressions and emotions. Previously, each broadcasting station produced and organized musicals and operas as well as plays, but until now, most of them were recorded and edited. However, the reality is that the play has been transformed into a live broadcast through each portal site since the Corona. Therefore, if the Corona situation does not end, the production of ‘Play for Broadcasting’ and live broadcasting will continue like a trend for the time being.

본 연구는 얼굴 근육 해부학과 근육 행동의 객관적인 기준을 제시하는 FACS(Facial Action Coding System)를 적용한 자각화 프로그램이 연기자의 얼굴자각 능력 향상을 위한 얼굴훈련으로 어떻게 활용될 수 있는지 밝히고 그 효과를 검증하여 연기자 훈련의 새로운 방법론을 제시하는 것이다. 이러한 목적을 바탕으로 연구 범위를 텍스트 발화 부분을 제외하고 자각화 프로그램의 범주를 머리부터 목까지로 한정 함으로써 연기자가 비언어적 훈련에 더 집중할 수 있도록 하였다. 더불어 프로그램의 효과를 검증하기 위해 연구 참여자들을 대상으로 신체자각에 관한 2가지 척도의 사전·사후 변화를 측정하였고, 연구 참 여자들의 심신적 변화를 심도 있게 탐구하고자 심층면담, 연구자 관찰일지, 자기보고서를 추가적으로 수 집하였다. 수집된 자료들은 통계 분석 패키지(IBM SPSS Statistics 22)와 NVivo 12 소프트웨어를 사용한 양 적·질적 분석이 이루어졌다. 결과적으로 첫째, 자신의 습관과 타인에 대한 얼굴 자각화는 얼굴표현의 절제와 중립의 상태를 일깨워주었고 내적 표현에 머무는 것이 아니라 외부 표출의 중요성을 알려주었다. 둘째, 자각화를 통한 얼굴 근육의 섬세한 조절은 감정환기를 불러일으켰고 얼굴의 무표현 또한 표현의 범주에 속한다는 것을 확인할 수 있었다. 본 연구에서 연구 참여자들이 본 프로그램을 경험한 후 얼굴 자각 능력 향상과 연기자를 위한 얼굴훈련의 토대를 만들었다는 결과를 밝힐 수 있었다. 본 연구의 목적 은 FACS를 활용한 자각화 프로그램이 연기자를 위한 얼굴자각 능력 향상 훈련으로써 그 효과를 검증하 고 어떻게 활용할 수 있는지를 밝힘으로써 새로운 방법론을 제시하는 것이다. 따라서 자각화 프로그램은 연기자가 얼굴표현에 집중할 수 있도록 텍스트를 제외한 비언어적 범위로 연구 범위를 축소하였고 훈련 의 신체 범주도 머리에서부터 목까지로 제한하였다.

The purpose of this study is to clarify how the awareness programme applying FACS(Facial Action Coding System), which presents an objective criterion for facial muscle anatomy and muscle action, can be used as facial training to improve the actor's facial awareness ability. It is to prove and propose a new methodology of actor training. In this purpose, except for the speech part based on text utterance in the research scope, the body category of the training was limited to the face from head to neck so that the young actors could focus more on non-verbal face training. To verify the effectiveness of the programme, the pre-and post-changes of two scales of body awareness among young actors were measured. Additionally, in-depth interviews, researcher observation logs, and self-reports were collected in order to closely investigate the psychological and physical changes of the young actors. The collected quantitative and qualitative data were analysed using a statistical analysis package(IBM SPSS Statistics 22) and a qualitative analysis using NVivo 12 software. As a result, firstly, the self-awareness of one's own habits and other people's faces awakened the state of restraint and neutrality in facial expressions, and informed the importance of external expressions rather than staying in inner expressions. Secondly, it was confirmed that the delicate control of facial muscles through self-awareness evoked emotional arousal, and non-facial expressiveness also belonged to the category of expressiveness. As a result, it was possible to reveal that the younge actors improved their facial awareness ability and laid the foundation for facial training for actors after experiencing this programme.

본 연구는 비대면 렉처 퍼포먼스의 구조와 미학을 사유하기 위해 렉처 형식의 의미 그리고 예술 형식 으로서 퍼포먼스를 연구하고, 나아가 라캉의 정신분석 이론을 바탕으로 비대면 렉처 퍼포먼스만의 미학 적 특징을 탐색하였다. 현존의 대표 매체인 퍼포먼스가 부재를 상징하는 온라인 시, 공간에서 유영하며, 언어와 내러티브를 주 소재로 하는 렉처가 몸과 행위, 수행을 기반으로 하는 퍼포먼스와 만나는 지경을 선행연구들과 작품들 그리고 라캉의 이론을 통해 분석했다. 결과적으로 비대면 렉처 퍼포먼스는 온라인 이라는 비대면 기술환경과 렉처라는 언어를 사용하는 형식 그리고 퍼포먼스라는 행위 중심의 퍼포머의 수행이 모두 합쳐진 융·복합 예술 형식으로서, 나름의 독특한 시, 공간 구조를 가지고 있다. 관객이 작 품의 응시를 통해 승화적 경험을 체험하게 함으로써, 라캉이 이야기하는 상상계로의 상징계로부터의 회 귀를 불러일으키는 미학을 지향하고 있음을 추론했다. 아울러 이제 막 그 형식적, 미학적, 구조적 특징이 주목받고 있는 비대면 렉처 퍼포먼스 연구에 그 방법론으로써 라캉의 이론을 접목한 점은 본 연구가 학 술적으로 평가받을 수 있는 의미 있는 시도라 생각된다. 최근의 비대면 렉처 퍼포먼스는 실시간 렉처도, 대면 퍼포먼스도 아닌 비상상황에 어쩔 수 없는 형식적 껍데기였을 수도 있지만, 이를 활용하는 예술가 들과 관객들로 인해 새로운 예술 형식의 하나로 인식되고 또 그 유형과 장르를 변모시키는 중이다. 그리 고 비대면 렉처 퍼포먼스는 4차 산업혁명이라는 환경 속에서 가장 실험적인 예술 형식으로 거듭날 저력 과 욕망을 내포하고 있다. 구체적으로 라캉 정신분석 이론의 세 범주인 상상계, 상징계, 실재계를 사유하 며, 라캉의 욕망이론을 통해 비대면 렉처 퍼포먼스의 구조와 미학을 직조해보고자 하는 시도이다. 이를 통해 라캉의 정신분석 이론이 비대면 렉처 퍼포먼스의 미학을 연구하고 분석하는 연구 방법론으로서 기 능할 수 있음도 함께 제시하고자 한다.

This research studied both the aesthetics of performance and art form of lecture format to justify the structure and aesthetics of online lecture performance. Furthermore, based on Lacan's theory, the aesthetic of online lecture performance were explored. Performance, the representative medium of the present, is played in online times and spaces that symbolize absence. The point where lecture, which mainly focuses on language and narratives, meets body, behavior, performing-based performances was studied through prior related studies, works, and Lacan's psychoanalysis theory. As a result, online lecture Performance is a fusion contemporary art form that combines the non-face-to-face technical environment of online, the language or narrative of lecture, and the performance of performing-oriented performers. By having its own unique time and spatial structure and allowing the audience to experience sublimation experiences through the application of the work, it was inferred that Lacan was aiming for aesthetics that evoked a return from the symbolic world to imaginary. In addition, the fact that Lacan's theory was applied as a methodology to the online lecture performance study, which is just drawing attention to its formal, aesthetic and structural features, is considered a meaningful attempt for this study to be evaluated academically. The contemporarty online lecture performance may have been an inevitable form of formality in Covid-19 emergency, not a real-time lecture or face-to-face performance, but artists and audiences using it have recognized it as one of the new form of art and are transforming its style and genre. And the online lecture performance implies the potential and desire to be reborn as the most experimental contemporary art form in the environment of the Fourth Industrial Revolution.

인간의 바른 생각은 올바른 예술 세계를 추구할 것이다. 바르게 생각한다는 것은 지혜롭게 아는 것, 바른 행동, 건강한 육체의 조화로움에서 비롯될 수 있다. 자아 정체성에 대한 바른 이해와 예술 세계의 감각을 지혜롭게 그리고 비교적 정확하게 알고 있어야 어떻게 생각하고 행동하는지를 예측할 수 있으며, 예술 작품의 건강한 방향을 가늠할 수 있을 것이다. 예술 감각을 이해한다는 것은 나를 보다 세부적으로 알 수 있게 되는 것이다. 예술 세계의 긍정적 변화에 있어서 실러(1982:74)는 “인간의 예술본능은 인간의 궁극적인 두 가지 개념인 인격과 감각적 상태에 도달하게 한다.”고 하였다. 인간의 본질적 요소는 바로 인격적인 부분과 예술 감각적인 부분으로 구성되어 있다. 그렇기 때문에 인간은 살아가면서 이 두 가지 요소에 영향을 받기도 하고 때로는 영향을 주기도 한다. 예술과 인격적 요소는 매우 가치 있는 연구이지 만 본 연구에서는 예술 감각에 주안점을 두었다. 이 연구에서는 인간의 근원적 본능으로서 예술본능의 상태를 인지하기 위해서 예술 감각의 구조를 기질적 요소, 긍정성의 요소, 창의적 요소로 구조화 하고자 한다. 예술인의 자아 정체성, 회복탄력성, 창의적 유창성 및 독창성에 자각을 위한 예술 감각의 측정 지 표를 나타낼 수 있는 예술 감각의 측정도구 개발에 목적을 둔다. 또한, 예술 감각의 구성과 그 요소를 측 정할 수 있는 도구를 개발하는 것이다. 결과적으로 예술 감각 요소의 성격 및 기질 영역 4문항, 긍정성과 자기조절 정도의 회복탄력성 영역 6문항, 양면성과 발상력의 창의성 영역의 4문항으로 총 14문항의 예술 감각을 측정할 수 있는 검사 도구를 개발하였다. 신뢰도 분석과 요인분석 그리고 상관분석을 통하여 측 정도구가 활용할 만한 것임을 증명하는 통계 지표를 밝혔다.

Man's right thoughts will pursue the right art world. Thinking right can result from knowing wisely, doing right, and harmony of healthy bodies. Knowing the right understanding of self-identity and the sense of the art world wisely and relatively accurately will allow us to predict how we think and act, and will be able to gauge the healthy direction of the work of art. To understand the sense of art is to get to know me more deeply. In the positive changes of the art world, F. Schiller(1982:74) said, “The human art instinct brings us to the two ultimate concepts of man: character and sensual state.” The essential elements of man are composed of the personal and artistic parts. That's why humans are influenced by these two factors in their lives and sometimes affect them. Art and personality factors are very valuable research, but this study focuses on artistic sense. In this study, in order to recognize the state of art instinct as the fundamental human instinct, we want to structure the structure of art sense into substrate elements, positivity elements, and creative elements. The aim is to develop measurement tools for artistic sense that can represent measurement indicators of artistic sense for self-identity, resilience, creative fluency and originality of artists. In this study, it is to develop the composition of the artistic sense and the tools to measure its elements. As a result, a test tool was developed to measure a total of 14 artistic sensations with four questions in the character and substrate area of art sense element, six questions in the area of resilience of the degree of positivity and self-regulation, and four questions in the area of creativity of ambivalence and imagination. Through reliability analysis, factor analysis, and correlation analysis, statistical indicators were presented to prove the usefulness of the measurement tool.

본 연구는 게임 이론과 관련한 문헌 정리와 연구를 통해 한국 리얼리티 쇼 <대탈출>과 중국판 <밀실 대탈출>을 연구 텍스트로 하여 크리스 크로포드(Chris Crawford)의 게임화 모델을 토대로 리얼리티 쇼와 게임 사이에 많은 공통점이 있고, 내용 텍스트에 스며들어 있으며, 뉴 미디어 기술의 지원을 통해 리얼리 티 쇼는 명확한 규칙, 경쟁과 도전성, 그리고 일정한 충돌이 존재한다는 것을 알 수 있다. 또한, 양자는 응시적 시청과 임무식 인터렉션 사이의 장벽에 일정한 차이가 있다. 위카이 초우(Yu-kai Chou)의 옥탈리 시스(Octalysis)를 토대로 리얼리티 쇼의 게임화 분석에 따라, 한국판 <대탈출>은 프로그램의 아이템과 난 관 디자인, 인물 캐릭터와 인물 관계 디자인, 촬영, 편집과 소리 측면에서 중국판 <밀실 대탈출>에 비해 뛰어난 우위를 지니고 있으며, 프로그램 기획, 인물 디자인, 시청에서 게임화의 특징을 더욱 적절히 보여 주고 있다. 중국판 <밀실 대탈출>은 비교적 프로그램의 코미디 효과, 스타 마케팅을 더욱 중시하고 프로 그램 자체의 품질을 소홀히 하였다. 따라서, 한국 TV 프로그램의 제작진이 리얼리티 쇼의 게임화에 대한 이해 수준이 더욱 높고, 한국 리얼리티 쇼 프로그램이 더욱 성숙되었다고 할 수 있다. 오늘날 중국 프로 그램 창작자들이 생각해야 할 문제는 외국 프로그램 형식에 대한 참고를 기초로 중국 시청자와 커뮤니케 이션 정책에 적합한 길을 모색하고, 게임화의 핵심 구동력을 이용하여 리얼리티 쇼 프로그램 자체의 게 임화 디자인 방식을 탐색하는 것이다.

Given the current digital media era, the gamification of media experience has been evident in various fields. Being a popular variety show genre, reality shows have gained audience recognition for their innovative program formats. Both the South Korean TV reality show The Great Escape and the Chinese version of The Escape Room are very popular among audiences. By reviewing and studying the relevant literature on game theory, this paper has taken the South Korean reality show The Great Escape and the Chinese version of The Escape Room as the research subjects. Supported by new media technologies, reality TV shows have well-defined rules, which are competitive and challenging, as well as conflicting. The only difference between the two lies in the barrier between gaze viewing and task-based interaction. The original Korean version of The Great Escape has more advantages than the Chinese version of The Escape Room regarding its props and level design, character and relationship design, photography, editing and audio, which reflect its game-like characteristics in program planning, character design and audio-visual presentation. In contrast, the Chinese version of The Escape Room emphasizes more on the comedic effect of the show and the marketing of the celebrities, while the quality of the show itself is being neglected. As a result, with Korean TV producers having a deeper understanding of the reality show gamification process, Thus, it is believed that Korean reality shows are also more mature. Currently, it is important for Chinese show producers to explore a way to adapt to their own audiences and communication policies by drawing on foreign show models. They need to correctly apply the core driving force of gamification and discover ways in which reality shows themselves can be designed for gamification.

본 연구는 2006년부터 2011년까지 방영된 미니시리즈 중에 시청률 상위 5위 이내에 진입한 작품들의 갈등구조를 분석하였다. 갈등의 설정 요인으로는 주인공의 직업, 신분, 계층 등과 같은 외형적 요인과 등 장인물들의 심리적 갈등상태와 같은 내면적 요인으로 구분하여 분석하였다. 내면적 요인은 성격, 가치관, 감정을 핵심 카테고리로 분류하였으며, 각각에 해당하는 내용은 갈등 발생의 원인을 제공하는 가치를 중 심으로 분류하였다. 갈등의 주제별 분석은 상황적 갈등과 갈등 주체 간 수평/수직적 관계를 구분하여 분 석하였다. 마지막으로 갈등의 해결 방식은 용서, 화해, 결혼과 같이 갈등 관계가 해소되면서 새로운 관계 로 정립되는 것을 긍정적 방법으로, 자살이나 죽음, 이별 등과 같이 갈등으로 인해 관계가 단절되는 것을 부정적 방법으로 설정하여 분류하였다. 2000년부터 2005년까지 성공한 미니시리즈를 분석한 이전 연구 와 비교할 때, 애정 관계를 중심으로 한 갈등이 가장 보편적인 소재로 활용되고 있다. 그러나 가치관이나 직업의 전문성을 갈등의 소재로 부각한 드라마가 증가하는 추세에 있으며, 부정적 갈등 해결 방식이 증 가하고 있다는 측면에서는 이전 시기 분석 결과와 차이가 있다. 부정적 갈등 해결의 빈도가 지속적으로 증가하는 추세는 장르 드라마의 증가와 관련 있다. 장르 드라마의 증가는 드라마가 사회를 은유하고자 선택하는 사건과 갈등이 다양해지면서, 사회를 은유하는 방식과 표현의 심도, 표현의 구체성이 섬세해지 고 있음을 함의한다. 그리고 데우스 엑스 마키나 방식의 대단원이 줄어들면서 전통적인 멜로드라마 갈등 구조에서 탈피하는 특징도 발견할 수 있었다. 이러한 결과는 이 시기가 드라마 장르가 다양해지기 시작 한 시기라는 함의를 갖는다. 이에 이 연구는 사회 변화 시기에 드라마는 어떠한 이슈를 반영하여 드라마 를 제작하였고, 그 이슈를 어떠한 방식으로 다루었는지를 분석하는 것은 드라마의 사회적 기능뿐만 아니 라, 우리 드라마산업의 발전 과정을 분석하는 의미를 찾아보는 것을 목적으로 한다.

This study analyzed the structure of conflicts adopted by TV mini series which have been among the top 5 most watched during the 2006-2011 period. The factors of conflict were analyzed by dividing into external factors such as the protagonist's occupation, status, class, and internal factors such as the psychological conflict state of the characters. The inner factors were categorized into core categories, such as personality, values, and emotions, and the contents of each were categorized based on values that provide the cause of conflict. Conflict analysis by subject was analyzed by dividing the contextual conflict and the horizontal/vertical relationship between the conflict subjects. Finally, the method of resolving conflict is to establish a new relationship as the conflict relationship is resolved, such as forgiveness, reconciliation, and marriage, as a positive method. Suicide, death, breakup, etc., were classified as negative methods. It was observed that the most commonly used subject was the conflicts associated with romantic relationships, the same as between 2000 and 2005 - the period which our earlier study covered. On the other hand, two differences from the earlier period were found: A rising number of cases were found where values were used as the cause of conflicts or some profession was a major backdrop of the whole structure. Secondly, more dramas ended with a negative resolution of the conflicts, which might have been related to the rise of the genre dramas. In addition, as the deus ex machina method decreased, it was possible to find a feature that escaped from the traditional melodramatic conflict structure. These results have implications that this period is when the drama genre began to diversify.

음악은 순수함을 추구하고 정치, 경제 등에서 자유로워야 한다는 미학관을 가지고 있다. 하지만 일제 강점기 시대의 정권의 지배세력들은 이러한 음악의 기본적인 본질을 무시한 채 이를 정치적으로 다루기 시작하였다. 본 연구는 일제강점기의 시대별 분류를 통해 음악검열이 나타나게 된 당시의 상황과 음악관 련 검열 제도에 대해 살펴보고 그 제도적 통제 장치의 특징을 고찰하는데 목적이 있다. 우선 시대별 분 류는 일제강점기 이전 시기와 제1기인 1910년도에서 1919년까지의 무단통치시기, 제2기인 1919년부터 1931년까지의 문화통치시기, 제3기인 1931년부터 1945년까지의 민족말살통치시기로 분류하였다. 일제강 점기 이전 시기를 살펴보면 통감부의 설치와 함께 항일운동창가와 음악교과서, 창가책, 노래책과 노래 등을 검열하여 금서를 양산하였고, 제1기 무단통치시기부터 제3기 민족말살통치시기까지는 금지된 노래 와 공연행위에 대해 헌병경찰력을 활용한 강압적이고 폭력적인 제재와 함께 조선총독부의 일본 신민화 를 위한 음악교과서 검열, 식민지 지배정책을 보다 강화시키는 음반검열의 시행, 군국가요의 권장 및 보 급, 종교음악의 검열, 황국신민화를 위한 학교의 교가 검열, 미국과 영국음악을 추방하는 적성음반 일소 운동 그리고 악극단과 공연단의 공연 전 실연을 통한 사전검열 등을 실시하였다. 이 연구는 일제강점기 시대의 대중음악 검열을 통해 대중음악 속에 숨어 있는 정치성과 시대에 관련된 총체적인 관점, 지배이 데올로기가 반영된 당시 지배양식의 성격을 규명해 보고자 한다. 더불어 본 연구에서는 일제강점기를 일 제강점기 이전시기, 제1기 무단통치시기, 제2기 문화정치시기, 제3기 민족말살통치시기의 4단계로 나누 어 검열이 나타나게 된 그 당시의 상황과 음악관련 검열 제도에 대해 알아보고 그 특징들을 면밀히 살펴 볼 것이다. 그리고 당시 음악검열에 적용된 법률을 연구자가 모두 수집하고 정리하여 일제강점기 지배이 데올로기가 반영된 음악검열의 개념과 상황, 규모에 대해 알아보고 시대별 전개를 통한 음악검열의 특징 들을 살펴보고자 한다.

The aesthetic view is that music should pursue purity and be free in politics, economy, etc. However, the ruling forces of the Japanese colonial era era ignored the basic nature of music and began to deal with it politically. The purpose of this study is to learn about the situation at which music control emerged through the period classification of Japanese colonial era and the music-related censorship system and to examine the characteristics of its institutional controls. First of all, the classification by period was classified as the period before Japanese colonial era, the period of unauthorized rule from 1910 to 1919, the period of cultural rule from 1919 to 1931, and the period of national extermination from 1931 to 1945. Before Japanese colonial era, anti-Japanese movement songs, music textbooks, singing books, and songs were controlled along with the establishment of the Ministry of Unification. During the Japanese colonial era, forced and violent sanctions by military polices on banned songs and performances took place, as well as the Chosun Government-General's control of music textbooks for the colonial policy, the promotion and dissemination of military songs, the control of religious music, and the censorship of schools songs, campaign to expel American and British music, and pre-screening through performances by musical bands and performers. The study aims to identify the political nature of popular music, the overall perspective related to the times, and the nature of the ruling style that reflects the ruling ideology through the Japanese colonial era popular music control policy.

이 연구의 목적은 노인들을 위한 문화예술교육 프로그램이 여성노인의 노화불안 감소에 미치는 효과 가 어떠한가를 분석함에 있다. 노인복지관을 이용하고 있는 여성노인 20명을 대상으로 사전검사를 실시 하고 6회기에 걸친 프로그램을 종료한 후 사후검사를 실시하였다. 노인문화예술교육 프로그램이 여성노 인의 노화 불안 감소에 미치는 효과를 알아보기 위해 평균의 차이검증(paired t-test)을 실시하였다. 연구 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 여성노인의 노화 불안 인식은 사전검사와 사후검사 간에 통계적으 로 유의미한 차이가 나타났다. 사전검사의 평균 보다 사후검사의 평균이 낮게 나타나서 노인문화예술교 육 프로그램은 여성노인의 전체적인 노화불안 감소를 가져오는 효과가 있었다. 둘째, 노인문화예술교육 프로그램은 노화 불안을 구성하는 네 가지 하위요인 모두에서도 노화불안 감소 효과가 있는 것으로 나타 났다. 노인을 대상으로 한 문화예술교육 프로그램은 여성노인들로 하여금 노화에 따른 불안감을 감소시 켜 줌으로써 성공적인 노년기를 보내기 위한 정서적 개입을 하였다는 점에서 중요한 의미를 지닌다고 볼 수 있다. 문화예술교육 프로그램이 확대 개발되고 보급되어야 하며, 남성노인들에게도 문화예술교육 프 로그램을 적용하여 노화에 따른 불안감 감소 및 노년기 삶의 질에 미치는 효과를 검증하는 후속연구가 필요하다. 더불어 본 논문은 노인문화예술교육 프로그램은 노인들이 노화에 대한 불안을 줄이고 성공적 인 노후를 살아갈 수 있도록 사회적응력을 높이기 위한 현실적인 방안이 될 것으로 기대되며 이 연구는 노인들을 위한 문화예술교육 프로그램이 여성노인의 노화불안 감소에 미치는 효과가 어떠한가를 분석함에 있다.

The purpose of this study is to analyze the effects of culture and arts education programs for the elderly on the reduction of aging anxiety among elderly women. A pre-test was conducted on 20 elderly women using the elderly welfare center, and a post-test was conducted after the six sessions of the program were completed. A paired t-test was conducted between pre-test scores and post-test scores in order to find out what effects the elderly culture and arts education program has on the reduction of aging anxiety among elderly women. The summary of the research results is as follows. First, it was found that there was a statistically significant difference in the perception level of aging anxiety among the elderly women before and after. Since the average of the post-tests was lower than the average of the pre-tests, it can be seen that the elderly culture and arts education program has an effect on the overall reduction of aging anxiety among the elderly. Second, it was found that the elderly culture and arts education program has the effect of reducing aging anxiety in all four sub-factors that constitute aging anxiety. Culture and arts education programs for the elderly can be seen as having an important meaning in that they provided emotional interventions for successful elderly life by reducing the anxiety of elderly women. Culture and arts education programs should be expanded and distributed, and a follow-up study is needed to verify the effects of reducing anxiety caused by aging and the quality of life in old age by applying culture and arts education programs to male elderly people.

본 연구의 목적은 2019년에 방영된 KBS 수목 드라마 <동백꽃 필 무렵>의 언어 특성을 분석하는 것이 다. <동백꽃 필 무렵>은 2019년 KBS에서 인기리에 방영되었는데 그 드라마가 인기를 끄는 이유에 대해서 는 다양한 관점이 있다. 혹자는 드라마가 로맨스와 추리물 등 장르 구성을 조화롭게 구성한 점에서 그 이유를 찾고, 혹자는 배우들의 명연기에서 그 이유를 찾지만 연구자는 그 이유를 작가의 대본에 있다고 판단하였다. 그리하여 연구자가 이 연구에서 다룬 내용은 2019년 KBS TV에서 방영한 드라마 <동백꽃 필 무렵> 40회 전편에서 나오는 등장인물들의 언어이다. 그중에서 연구자가 보기에 재미있게 느껴지는 부분 을 발췌해서 연구자가 고안한 범주에 따라 분류하였다. 표현상의 무지함, 사투리의 반복, 기대를 뒤집는 발언 또는 통쾌한 표현, 외래어 사용과 오용, 인식오류 등이 그것이다. 그리고 그런 용례를 보여준 대사 를 드라마를 보면서 낱낱이 기록하였다. 또한 본 연구에서 사용한 연구방법은 드라마의 분석방법론 중 ‘인물분석’이다. 이것은 인물들이 쓰는 말의 특성을 통해 인물의 성격을 분석하는 방법이다. 가령 주인공 동백은 거의 언제나 말끝을 흐리는 데 그런 특성은 그녀의 삶이 엄마에게 버림받고 늘 사람들에게 소외 됨으로써 충분한 사랑을 받지 못한 성격을 드러낸다. 또는 규태라는 인물의 언어는 언제나 소신이 없음 을 보여준다. 성장과정에서 어머니나 아내에게 주체적인 대우를 받지 못하였기 때문이다. 그리하여 본 연구의 관심은 드라마 <동백꽃 필 무렵>의 ‘시청각적 요소’에 두었다. 그중에서도 인물들의 대사에서 시 청자를 웃기거나 재미를 느끼게 하는 청각적 요소에 집중하였다. 말하자면 드라마의 다른 요소, 즉 시각 적 요소에는 관심을 두지 않았다. 마지막으로 본 연구는 철저히 인물의 언어적 특성을 가지고 드라마의 내용과 인물들의 성격을 파악하는 ‘외부자적 접근법’을 취하였다.

The purpose of the study is to analyze the characteristics of the language on When Camellia blooms. The drama was broadcasted from September 18th, 2019 to November 21th, 2019 in 40 episodes. The drama was popular issue among people because its audience rate was increased every week. Its main story was that young man(Yongsik) and woman(Dongbak) would meet and love against so many obstacles in a fishing village so called Oongsan. There were many different views for its popularity. For example, someone said the drama was well structured with some romance and some mystery. And someone said th drama’s characters were acting excellently, like Duksun and Yongsik. Thus I wanted to know what the reason of its popularity was. I supposed that it was the play-writer’s language power which is audiovisual elements, especially auditory ones. And thus the study has taken outsiders perspectives. Then I collected the dialogues of the main characters in 40 full episodes. Then I chose the dialogues which I felt interesting and categorized it. The category is as follows :ignorance, dialects, humor or wit, utterance which is not expected or not used properly or expressions from error of their identities. The method of the study is character analysis among drama analyzing methods. For example, Dongbak, main character, has used the expression which the end of utterance is properly not done. This mothod is to analyze the characteristics of the characters through the expressions which the characters have used in the drama. In conclusions, I argue that the play writer seems to use all the elements that people feel funny and smiling, And furthermore I tried to argue that there is some significant relationship between the expressions which the main characters have used and their life background.