Earticle

“연기란 배우가 등장인물이 되어 관객에게 이야기를 들려주고 보여주어 관객에게 감흥을 일으키는 예술 적 행위이다”라고 일반적인 정의를 내릴 수 있겠다. 그러나 언어와 인물 내면이 연기의 중심인 스타니슬 랍스키의 사실주의 연기, 신체의 유연성을 강조하는 메이어홀드의 생체역학(biomechinics)3) 연기, 배우와 등장인물간의 거리두기를 통해 소외효과(alienation effect)를 강조하는 브레히트4) 연기론 등등, ‘연기란 무 엇인가’에 대한 기본 정의는 맥을 같이하여도 연기 방법론은 시대에 따라, 연극사조에 따라 혹은 연출가 의 사상에 따라 그 연기방법론을 달리하여 연구되고 발전되어왔다. 창작 탈놀이극과 탈놀이 연기방법은 우리나라 민속예술인, 탈춤, 풍물굿, 무속굿, 전통무용, 민요, 판소 리 등과 지난 70-80년대에 성행한 마당극에 그 뿌리를 두고 있다. 창작 탈놀이 연기는 현실을 재현하는 사실적 연기와는 달리 몸의 신체적 표현을 중시하는, 탈놀이 고유의 특징적 연기 방식이 자리 잡고 있으 며 그 제 요소들의 방법론적 중요성은 매우 크다 할 것이다. 본 논고에서는 우리나라에서 70년대부터 자생적으로 나타난 창작 탈놀이극의 연기 방법과 창작 탈놀 이극 두 편의 공연에 적용된 사례를 통해 탈을 쓰고 놀 때, 탈을 가지고 놀 때에 나타나는 탈놀이 연기의 특징과 한계 그리고 앞으로의 발전가능성을 살펴보고자 한다.

Acting is generally defined as “an artistic activity in which a story is told by means of its enactment by an actor or actress who adopts a character to inspire audience”. However, various acting methodologies have been studied and developed according to the times, according to the theater theory, or according to the idea of the director even though the basic definition of ‘what acting is’ is the same. Examples are such as; Stanislavsky's realism focused on language and inner sides of characters, Mayerhold's Biomechanics emphasizing the flexibility of the body and Brecht’s theory which emphasizes the alienation effect through the distance between the actor and the characters, Creative Mask play and its acting method are rooted in Korean traditional fork arts such as mask dance, poongmulgut(percussion music), moosokgut(shamanism), korean dance, folk song, pansori(solo epic chant) and madangkuk(open air play) which was flourished in 70s and 80s. In contrast to the realistic performance that reproduces reality, the act of creative play has a unique characteristic of acting, which emphasizes the physical expression of the body and its methodological importance is enormous. In this paper, I will discuss the acting methodology of Creative Mask play originated from 1970s in Korea. In addition, I will examine the characteristics, limitations and possibility of future developments of this Creative Mask play.

본 연구는 취업에 성공한 예술기반 미술치료사들이 지각하는 취업 성공 요인을 알아보기 위하여 개념 도 연구(concept mapping)를 시행하였다. 이를 위해 연구자는 취업에 성공한 미술치료사 18명을 대상으로 개념도 연구 방법을 적용하여 미술치료사의 구직 성공 요인에 관한 연구를 진행하였다. 그 결과 첫째, 미술치료사들은 그들의 취업 성공 요인을 ‘부수적인 사항-필수적인 사항’과 ‘미술치료사로서의 태도-구직 자로서의 태도’라는 두 가지 차원으로 인식하고 있음이 밝혀졌다. 둘째, 미술치료사들이 인식하는 구직 성공 요인은 ‘구직 준비과정,’ ‘미술치료사에게 필요한 경험,’ ‘미술치료 전문성 향상을 위한 노력,’ ‘미술치 료 전문성 외 추가적 노력,’ ‘미술치료 이용자가 선호하는 미술치료사,’ ‘구직기관에서 선호하는 미술치료 사’ 총 6개이다. 이러한 결과는 미술치료사들이 취업에 성공하기 위해서 미술치료 업무 능력 이외에 일반 구직자들과 동일한 구직 준비과정이 동반되어야 함을 시사한다. 본 연구는 기존에 정의되어 있지 않던 미술치료사들의 구직 성공 요인을 제시함으로써 미술치료사라는 직업적 특수성을 고려한 구직 성공 요 인에 관한 기초자료를 제공할 수 있다는 점에서 의의가 있다.

This study conducted concept mapping to examine the job-seeking success factors that art therapists succeeding in finding a job perceived. For this, the researcher processed the study of success factors to a job-hunting for the 18 art therapists who succeeded to get a job after applying the study method of the concept mapping into the factors. As a result, first, it was shown art therapists were recognizing the cluster of their job-seeking success factors as two dimensions: ‘subordinate-essential’ and ‘Attitude as an art therapist-attitude as a job-seeker’. Second, it was revealed the job-seeking success factors that art therapists recognized were total 6 things: ‘art therapist experience,’ ‘Art therapist preferred by the service users,’ ‘Art therapist preferred by institution,’ ‘effort to improve the art therapy professionalism,’ ‘Additional effort in addition to the art therapy professionalism,’ and 'job-seeking preparation process’. This study implies that art therapists should be accompanied by the same job-seeking preparation process as general job-seekers in addition to the art therapy ability in order to succeed in finding a job. This study is significant in terms of being able to provide the basic materials on the job-seeking program production considering the occupational distinctiveness of the art therapist by suggesting the job-seeking success factors of the art therapists which were not defined before.

퍼포먼스는 가장 오래된 인간의 예술행위 중 하나다. 모든 인간들은 연기하는 DNA를 가지고 있다 해 도 과언이 아니다. 아들, 배우자, 선생님, 작가 등 사회와 문화는 다양한 역할로서 개인을 규정하며 인간 들은 그 규정된 역할에 맞게 행동하게끔 교육되어 왔다. 각 역할에 맞는 적합한 행동을 우리는 매일 연기하고 행위 하고 있는 것이다. 따라서 영화와 퍼포먼스는 대단히 밀접한 관계다. 더욱이 초기 한국 실험영화 류의 범주로 포함될 수 있는 그림자극 <만석중놀이>와 <의리적 구토>로 대표되는 연쇄극 형식 은 퍼포먼스와 적극적으로 결합된 영화 형식 표현이다. 또한 변사로 대표되는 변사 류 <무성영화>의 경우도 시네마와 퍼포먼스가 결합된 라이브 시네마(Live Cinema)의 확장된 퍼포먼스 영화형식으로 볼 수 있다. 본 연구에서는 이렇듯 퍼포먼스 형식이 실험영화 창작에 매우 중요한 요소로 자리 잡은, 70년대 한국 최초 여성 실험영화 집단인 <카이두>의 작품들에서 찾아볼 수 있는 퍼포먼스 형식에 관해 논의해 보려 한다. <카이두> 실험영화에 차용된 퍼포먼스를 이해하기 위해 퍼포먼스를 영화적 관점에서 넓게 조망하고, 영화매체 퍼포먼스의 두 종류라 분류할 수 있는 시네마 퍼포먼스와 퍼포먼스 시네마에 관해 고찰해 퍼포먼스 형식이 <카이두> 실험영화 창작의 중요한 형식적 기저였음을 확인한다.

Performance is one of the oldest human artistic practices. It is not an exaggeration to say that all humans have DNA to act. Societies and cultures, such as sons, spouses, teachers, writers, etc., have defined individuals as diverse roles and humans have been educated to act according to their prescribed roles. We are acting and acting every day for the right behavior for each role. Therefore, movies and performances are closely related. Also, in the case of the non-verbal version, which is represented by the presenter, it is an extended performance movie format of Live Cinema which is a combination of cinema and performance. In this study, I try to discuss the form of performance that can be found in the works of <kaidu>, the first female experimental film making group in Korea in the 1970s, which is a crucial factor in the creation of experimental films. In order to understand the performance borrowed from the experimental film, I will examine the performance from a cinematic point of view and examine the cinema performance and performance cinema which can be divided into two kinds of cinema related performance. It confirms that it was an important formal basis of experimental film creation.

본 논문은 ‘조커 시스템’과 ‘관객-배우(spect-actor)’로 대표되는 아우구스또 보알의 배우 개념을 고찰한 다. 관객과 배우의 경계가 모호해지는, 혹은 참여로서의 관객의 역할을 적극 이용하는 공연들이 많이 등장하고 있는 오늘날의 연극적 상황에 있어서 보알의 배우 개념에 대한 재고는 연극과 배우 예술 전반 에 걸쳐 의미 있는 사고의 틀을 제공할 수 있을 것이다. 보알은 그의 후기 저서에서도 ‘창의적 참여는 우리 세계의 다양한 가능성들을 상상하는 인간 능력을 증가시키고, 더 나아가 이러한 독려는 그것을 하 는 욕망을 자극시킨다.’고 주장하며 ‘관객참여’에 대한 우위를 양보하지 않았다. 즉, 관객들이 적극적으로 예술 생산의 전과정에 참여하는 것을 예술의 가장 중요한 지점으로 계속해서 상정하고 있는 것이다. 그렇기 때문에 그의 조커시스템과 관객-배우 개념은 관객 참여 연극뿐만 아니라 공연예술 전반에 걸쳐 배우가 누구이고 어떤 역할을 하는가에 대한 문제에 응답할 수 있는 실마리를 제공할 것이다. 1장에서는 먼저 아우구스또 보알의 연극론 일반에 대한 역사적 고찰을 해 나갈 것이다. 시기별로 다르게 나타나는 연극론을 상세히 고찰하고 조커시스템과 관객-배우의 출현의 배경을 살펴본다. 2장에서는 본격적으로 조커시스템을 분석한다. 조커의 개념과 역할, 그 미학적 의의를 따져보고 전통적 연극에서의 배우 개념 과 비교해 본다. 또한 조커 시스템의 한계를 언급한 논의들도 살펴본다. 마지막으로 3장에서는 관객-배 우의 역할과 의의를 살펴보고 과연 이들을 ‘배우’라는 개념의 테두리 안에 넣을 수 있는 것인가에 대해 생각해 보고자다. 결국 이 논문은 아우구스또 보알의 배우 개념 고찰을 통해 동시대 배우의 개념과 역할 에 관한 자리매김을 시도하는데 목적이 있다.

In this thesis, I examine Brazilian theatre practitioner, Augusto Boal’s ‘Theatre of the Oppressed’. For many years, theatre practitioners and others the world over used Theatre of the Oppressed as a tool for social change. His project and method are a umbrella term for a community of techniques as ‘rehearsal for the revolution’. In his theatre work, the oppressed practice techniques to overcome their oppression and oppressors in their lives. Especially, I focus on two major concepts, ‘Jocker System’ and ‘Spect-Actor’. Using ideas from both concepts, I propose the identity and role of the actor in contemporary theatre. First of all, I analyse his ‘Jocker System’, in which all the actors play all the characters. Boal insisted that in jocker system, we eliminate the actor’s mediation in the presentation of character to spectator, in which all styles are permitted. Then, I consider the spect-actor’s concept, the goal of his theatre. This concept evolved organically from simultaneous dramaturgy. Although an limitation of his theory, his project and concept of the actor can provide some identification to the contemporary actors and theatre practitioners.

이 연구는 예술가적 역량을 가진 초보미술심리치료사들이 창작자이자 예술치료자로서의 직업적 포기 고민 과정에서 어떠한 경험과 노력들을 하였는지에 대해 살펴보고자 한다. 이를 위해 1개월 이상 3년 미만의 경력을 가진 초보미술심리치료사 5명을 대상으로 심층면담을 진행하였다. 수집된 자료는 Giorgi(2009)의 현상학적 연구방법으로 분석하였는데, 139개의 의미단위와 26개의 전환된 의미단위, 그리 고 이를 포함하는 보다 상위의 개념인 11개의 하위구성요소들이 도출되었다. 그 결과는, 1) 초보미술심리 치료사의 직업에 대한 기대, 2) 초보미술심리치료사가 경험하는 직무환경에서의 어려움, 3) 초보미술심리 치료사의 개인적 어려움, 4) 초보미술심리치료사의 직업적 포기 극복을 위한 노력이라는 총 4개의 구성 요소로 나타났다. 이 연구는 초보미술심리치료사들의 직업적 포기 고민 과정에서 포기 고민에만 초점을 두지 않고 직업적 포기 극복을 위해 시도한 노력들을 중심으로 개선되어야 할 부분에 대해 살펴보았다는 점에서 의의가 있다. 또한 본 연구를 통해 예술가적 역량을 가진 초보미술심리치료사들이 앞으로 창작자 이자 예술치료자로서 직업을 지속적으로 영위할 수 있도록 미술심리치료분야의 이해를 돕고 직업적 포 기 고민에 대처할 수 있는 방안을 위한 기초 자료로 제공할 수 있을 것으로 기대한다.

The objective of this study is to examine the in-depth significance about what experiences novice art therapist with artistic ability went through in the process of abandoning and agonizing about their professions. In-depth discussion sessions were held subject to 5 new art therapists for this. Collected data was analyzed in phenomenological research method of Giorgi. 139 semantic units, 26 converted semantic units, and 11 subordinate factors including these were deducted from this method. Consequently, 4 elements were drawn including 1) expectation of novice art therapist about the profession, 2) environment difficulties as novice art therapist, 3) personal difficulties as novice art therapist, 4) efforts to over come the abandonment of profession. This study has significance in the fact that it is not only focused on the abandonment in process of abandoning and agonizing about the profession of novice art therapist, but it is also focused on the part where it is in need of improvement centrally on the effort to overcome the abandonment problem. Also, it is expected that this study will provide fundamental data to create solution for novice art therapists to overcome the agony of abandonment and help understanding of the field so that they could keep the profession.

지방자치제가 본격적으로 시행되면서 지방자치단체는 지역 활성화, 관광객 및 기업유치 등의 일환으 로 문화예술콘텐츠의 활용을 주요정책으로 수립하고 있다. 이에 본 연구에서는 도시마케팅을 위한 수단 으로서 문화예술콘텐츠의 활용의 가능성을 공연예술콘텐츠를 중심으로 살펴보았다. 활용의 현황과 성과는 문화체육관광부에서 선정한 우수축제와 지역별로 개최되는 문화예술축제를 중 심으로 살펴보았다. 그리고 지역별 공연예술콘텐츠를 분석하고 방문객과 콘텐츠를 위해 투입된 예산을 비교하여 성과를 알아보았다. 그 성과를 중심으로 지방자치단체의 도시마케팅 수단으로서의 공연예술콘텐츠의 활용 방안은 다음과 같다. 활동 목적의 명확성, 독특하고 차별화 된 지속가능한 콘텐츠, 원활한 구성원의 협력, 지속적인 의 지와 홍보 노력, 공연예술콘텐츠에 대한 수용 태도와 인식의 변화로 요약 할 수 있다.

Local autonomous governments are setting up a major policy of cultural art as part of the revitalization of local governments, as local autonomy is practiced in earnest. In this study, the study focused on the use of performing art contents as a means of utilizing cultural contents as a means of city-marketing The current status and performance of the utilization was focused on the cultural and artistic arts festival selected by the Ministry of Culture, Sports and Tourism. We analyzed the local performing art contents and comparing them with the budget injected for visitors and content. Based on the results of the performance, the utilization of the performing art contents as a means of city marketing and local governments is as follows : Clarification of the purpose of activities, distinctive and differentiated content, cooperative members' cooperation, continuous commitment, continuous commitment and awareness of performance and recognition of performing art contents.

일반 고등학교라는 배움터에서 교육과 공연의 변증법 속에 이루어지는 연극 제작은 예술 고등학교 내지 전문극단에서 올리는 공연과는 그 접근 방식이나 목표에서 근본적인 차이점이 있다. 무엇보다 일반 고등학교에서 연극제작을 담당하는 연극교사는 교육적인 면과 예술적 성취가 동시에 균형을 이루도록 지도해야 한다. 또한 교육적이면서 예술가적인 기질을 발휘하여 참여 학생들을 북돋우고, 가르치고, 보 호하고, 마음을 사로잡고, 영감을 줄 수 있어야 한다. 마지막으로 연극교사는 교육과 연출의 이상적인 접목을 통해 연극제작의 총체적인 지휘자로서 기능하여 교육 참가자들의 긍정적인 변화를 모색해야 한 다. 요컨대, 본 연구는 일반 고등학교에서 연극제작을 담당하고 있는 교사에게 필요한 자격요건을 제시 함으로써 학교에서의 연극제작을 통한 교육적･예술적 효과를 높이는데 실질적인 도움을 주고자 한다.

Play educators in general highschool are required to have both educational qualifications and artistic qualifications, which are inseparable concept like the front and back of coins considering special conditions and circumstances of production of play performed in highschool. That's why production of play in highschool absolutely requires the ability of teachers who have direction competence that can manage broad areas such as teaching, artistic performance, designing and producing. What are qualifications that play educators should have in the highschool play production environment? Specifically first, they should have continuous the attitude of self-examination. Second, they always have to hold the attitude of critics during the process of producing plays. Another qualification is the one as a director. First, they should have exuberant artistic imagination. Second, they have to interpret scenario clearly and to share the interpretation. Third, the harmony of acting and other technical elements is important. Lastly, the researcher of this study emphasized that the combination of education and ideal direction should be pursued. First, play educators should play a role as an overall director of production of play. Second, they have to seek education participants' positive changes.

영화의 제목에서 시작한 이 글에서는 시간을 지각하는 사람들과 그 삶 속에서 시간의 중요성에 집중한 왕가위의 영화들에 포스트모던한 사회, 문화적인 현상에 대한 문제와 진단이 고스란히 담겨있다는 것을 확인하였다. 왕가위는 이러한 포스트모던한 현상을 자신의 영화에서 인간 생활의 가속, 영원과 안정성에 대한 상실, 그리고 과거와 미래에 대한 현재의 전면적인 지배로 묘사한다. 왕가위는 이와 같은 특성을 등장인물의 성격과 관계를 통해 전달할 뿐만 아니라 이미지의 구성, 보이스오버나 광각렌즈의 사용과 같은 영화 양식의 사용과 현재가 부각되는 내러티브 구조를 통해 전달한다. 결과적으로 그는 개인의 생활 과 문화에서 점차 시간에 응하지 못하고 불필요하고 반복되는 시간이 증가하는 현상에 집중한다. 비록 전통적인 시간 개념이 가진 중요성이 점차 줄어들고 있지만 이러한 시간에 대한 사고가 삶의 경험에서 부재하게 될 때 발생하게 되는 문제에 대해 간과해서는 안 된다. 영화 속의 많은 등장인물들이 임의적으로 시계 시간 자체에 의미를 부여하는 태도에서 알 수 있듯이 전통적인 시간성이 붕괴된 상황은 등장인물들에게 혼란을 주고 심지어는 트라우마를 발생시킨다. 왕가위의 영화들은 과거, 현재, 미래로 명확하게 나누어지는 시간을 자연스럽게 따르는 영화에서 끊임없이 계속되는 현재만이 존재하고 다른 어떤 시간도 구별할 수 없는 대안적인 영화적 시간의 성격을 보여준다.

From the titles of Wong Kar Wai’ films, they depicts in his films such postmodern phenomena as the acceleration of pace of human life, the loss of permanence and stability, and a total domination of the present over the past and the future. He delivers these traits not only characters and relations among them, but also narrative structures emphasizing present, various imagey and filmic styles such as voiceover and the use of wide angle lens. Consequently, he draws attention of the increasing inadequacy and redundancy of time individual lives and cultures. Although the tradition conception of time is becoming insignificant, the effect of its absence from human experience can not be ignored. Many are confused, even traumatized by this phenomenon, as their defensive expedient of replacing meanful time with raw time testifies. Wong Kar Wai ‘s oeuvre is one of transition between a cinema that respects and take for granted the notion of time as neatly divided between past, present and future, and a cinema of timelessness that does not know any other time apart from never ending present.

본 연구는 작업실 미술치료 사례를 통해 미술작업과정에서의 창조성과 작품의 심상표현을 살펴봄으로 서 미술의 치유적인 속성을 알아보고자 하였다. 미술치료에서 작품은 언어와는 다른 차원의 소통을 가능 하게 하며, 미술치료의 치료효과 중 작업의 심상표현과 창조적인 작업과정은 ‘치료로서의 미술’에서 중요 하게 다루어져야 하는 부분이다. 이 사례의 내담자는 미술작업을 통해 자신의 느낌과 생각을 표현함으로 써 제한적인 자신의 환경에서 벗어나 타인과 소통하고자 하였고, 그의 노력은 자신뿐 아니라 다른 사람 들에게 또 다른 창의적 영감을 줄 수 있었다. 미술의 치유적인 속성에 많은 비중을 두는 ‘치료로서의 미술’의 의미를 재탐색하고 타 심리치료와 차별화할 수 있는 미술치료의 특수성과 미술작업의 중요성을 강조하고자 한다. 이를 통해 작업실 미술치료가 활성화되고 더 나아가 미술치료의 정체성을 확고히 하는데 기여할 수 있 기를 바란다.

A play has been developed through lots of social phenomenon, science technology and ideas. through these, the play has autogenic power and repeat change and improvement. To make progress in the play, the things that never change is 'actor and audience'. Trend, structure of theatre and performing style has been changed, and yet the actor and the audience have not. Therefore, the actor is thought to be 'flower of the play'. To bloom the flower, the actor needs water. The water that is a variety of training. Training is the most important and basic to the actor and even though the style of the performing differs, the actor should remember training. Because, in temporary theatre, the actor performs presentational acting and limited acting at the same time. Also there should be a new training which is not bounded by the trend and combining the aspect of those acting for the actor. The limited acting is based on traditional western realism. It is not only exceedingly ordinary and natural but also reproducing and copying daily experience. Different from the limited acting, there is presentational acting which gets out of the traditional way of acting style. It is copying form of the Aristotle, the actor exists as a form of re-analysis and doubt of acting. All the actor want-to-bes should know the presentational acting and the limited acting and learn how to do them. Yet it is depend on tendency of director or acting methods. These kinds of differences can awaken characteristics of acting training.

배우 연기훈련에 있어 가장 기본적이고 기초적인 것이 바로 ‘배우의 존재’와 ‘의식’이라고 할 수 있다. 그리고 배우가 무대 위에 서기까지 배우라는 ‘존재’와 ‘의식’을 토대로 하여 역할을 창조하고, 이에 맞는 다양한 행동을 만들어 낼 수 있다. 이러한 영향은 배우의 역할 창조에 있어서도 영향을 미치게 된다. 특히 역할 창조에 있어서도 연기하는 그 순간 ‘현존하는 나’(자기 자신)와 등장인물(극중 캐릭터)에 대한 혼재로 공연연습을 하는 중간 중간 배우 스스로 혼돈을 가져 오기도 한다. 때로는 내 연기가 ‘완벽하지 못하다’라는 사고로 인해 무대 위에서 ‘잘해야 한다.’ ‘관객에게 감동을 주어야 한다.’ 등의 일종의 강박관 념에 시달리게 되면서 신체적이고, 정서적인 긴장감들을 짊어지고 있기도 한다. 그리고 이러한 긴장감들 이 연기에 있어 신체적이나 정서적인 장애물로 표현되어 지기도 한다. 본 연구에서는 배우를 둘러싼 세 개의 원을 중심으로 배우의 존재와 의식에 관한 고찰을 해보고자 한다.

It is like a giant mountain that has not been conquered yet. A realism theatre and the Stanislavsky system are the most interesting and the oldest subject to the performing field of Korea. This thesis explains meaning and principle of ‘the actor’s three circles’ and how does it integrate into the field. First circle: I = small universe, I = actor, character = small universe, I = actor = small universe. Second circle: It is the second circle that affect I (=character). There are ‘situation’ and ‘partner’ in the second circle. Therefore I(=character) only act(interact) the situation and with the partner. This is a real world, so it is a rule of nature. Third circle: There situate charisma, feeling, tempo, rhythm, atmosphere, attention, nuance, energy, emotion that emphasized by traditional theatre and etc. However, why do you think that the important things are in the third circle? The answer is that the ‘I(=actor)’ cannot see, feel or touch anything in the third circle because the ‘I(=actor)’ is surrounded by the second circle. That is the core message of the plan. Trying to feel, make or express these makes hypocritical or false act. That is ‘Stanislavsky’s discovery’. The core is that do not think about making or expressing. The first circle is for creating the character. The second circle, depth of act(situation), vitality and extemporaneousness(=partner), is related to charisma, probability and confidence of the act. Finally, a true understanding of this plan is criteria of Stanislavsky’s ‘true acting’ or ‘proper acting’.