Earticle

본 연구는 ‘몸’과 ‘행동’을 중심으로 하는 현대 연기의 흐름과 궤를 같이 하고 있으나 그 가치에 비해 상대적으로 크게 주목받지 못했던 우타 하겐의 연기술에 관한 고찰이다. 하겐의 연기술은 스타니슬랍스 키 초기이론에 의존한 ‘메소드’의 한계를 극복하고 후기이론인 ‘신체적 행동법’을 보완한 독자적이고 체 계적인 배우훈련법이라 평가 받는다. 하겐은 배우 자신의 내·외적 동기들을 자연스럽게 극 안으로 끌어 들이기 위한 대표적 방법을 제시했는데 그것은 자기관찰을 통한 ‘전이(Transference)’이다. 하겐이 주장 한 전이는 그의 초기 이론서인 『Respect for Acting』에서 ‘대체(Substitution)’의 개념이 발전된 것이다. 하 겐은 대체가 역할과 사건과의 동일시를 위해 심리적 계기를 마련하기 위한 도구로써 사용되는 것이라 규 정하며 한 개인의 경험이나 유사한 기억 그 자체를 재생, 복제해 분출하는 리 스트라스버그의 정서의 기 억과 변별했다. 전이는 자기 몰두에만 빠져 있는 것이 아닌 후속 행동을 유발하기 위한 자극제이며 수단 으로써 기능한다. 하겐은 배우가 전이의 과정까지 도달하는 동안 ‘만약 내가~’, ‘상상력’, ‘실물가치부여’, ‘특수화’, ‘동일시’ 등의 장치들과 유기적으로 작용하도록 함으로써 상상 그 자체 혹은 과도한 상상의 위 험에서 벗어나도록 정교한 장치를 마련했다. 전이는 리 스트라스버그의 정서의 기억을 원용한 대체로부 터 시작된 것이기는 하나 그것과 비교해 차별화되고 발전된 개념으로 볼 수 있다. 프로이트가 전이를 환 자가 자신의 본능에 기초한 감정과 행위를 분석가에게 투사하는 것으로 정의한 것처럼 하겐은 자유로운 감정의 이동 수단이 되는 정신분석에서의 전이 개념을 수용하여 배우가 대체물을 통해 전이되는 배우와 관련된 대상인 역할을 구체화하는 과정을 제시했다. 즉 대체 보다 심리적으로 고양된 의미를 부여한 것 이다. 하겐의 연기술은 몸과 행동을 중시하는 현대 연기 양상에서 기존 이론들의 한계를 극복할 수 있는 하나의 대안으로 유의미하다. 그러나 논리적이고 과학적인 접근을 통해 사실적인 연기를 추구하는 스타 니슬랍스키와 그의 영향을 받은 몇 가지 이론들의 영향에서 크게 벗어나기 힘든 한계가 있다.

This paper considers Uta Hagen’s acting technique, which is in line with the flow of modern acting focused on ‘body’ and ‘behavior’ but has not received the attention it deserves relative to its significant value. Hagen suggested a representative way to naturally draw the actor’s own internal and external motivations into the play, which is ‘transference’ through self-observation. Transference is a developed concept of ‘substitution’ outlined in his early book, Respect for Acting. In Respect, Hagen refers to this technique as ‘substitution’. Hagen defined substitution as a tool to create psychological triggers for identifying characters and events and distinguished it from the emotional memory of Lee Strasberg which reproduces and erupts experiences, similar memories themselves. The function of transference is not just self-absorption, but also stimulating subsequent action. It stimulates you to act, to do something consequential about what you feel and want. Hagen tried to eliminate the potential risk of imagination itself or excessive imagination by organically working with sophisticated devices such as ‘if I~,’ ‘imagination,’ ‘endowment,’ ‘particularization,’ and ‘identification’ while the actor reached the transference. Hagen embraced Freud’s concept of transference in psychoanalysis and used transference as a means of free movement of emotions. She presented a process by which actors transfer to their characters through substitutions. In other words, it gave a more psychologically elevated meaning. Hagen’s technique is significant as an alternative to overcoming the limitations of existing theories in modern acting aspects that value body and behavior.

2019년 12월에서 시작된 코로나19는 전 세계로 확산되었다. 이러한 펜데믹의 영향으로 일상생활에서 비대면 서비스가 증가했고 야외활동은 위축되었으며 집 안에서 즐기는 언택트 문화생활은 확대되었다. 영 화는 개봉 1주일 안에 승패가 결정되기 때문에 영화개봉을 앞두고 영화마케팅을 위한 전쟁은 치열하다. 영화의 홍보·마케팅이 그만큼 중요하다는 것을 뜻하는 것이다. 언택트 시대에 살아남기 위한 돌파구로 영화 홍보·마케팅 관계자들은 마케팅 플랫폼을 바꾸고자 하였다. 진입장벽이 쉬우면서도 주관객인 젊은 층을 공략할 수 있는 ‘모바일 플랫폼’을 활용하기 시작한 것이다. 영화시장의 마케팅 플랫폼으로 부각된 ‘모바일 플랫폼’이 현재의 위기를 극복하고 대안으로 제시 될 수 있을까? 소비자의 모바일 이용형태의 변 화와 새로운 형태의 콘텐츠의 등장, 전통매체를 제외한 SNS 등 모바일 플랫폼에서의 온라인 마케팅 방법 에 대해 살펴보고, 그에 대한 대안을 제시해본다. 이전에도 존재했던 마케팅 전략이지만 코로나19라는 변 수는 콘텐츠 소비자들의 이목을 더욱 사로잡았다. 이 연구는 새롭게 시도되는 다양한 영화 마케팅 전략이 관객들의 실제 영화 관람에 있어서 과연 어떠한 영향력을 미쳤는가에 주목하고자 한다. 코로나19 장기화 로 인한 언택트 환경에 따른 모바일로의 영화 마케팅 플랫폼 변화에 대해 살펴보고자 한다. 모바일 미디어 환경 변화, 숏폼 콘텐츠 플랫폼 등장, SNS 플랫폼을 활용한 마케팅 등의 방법들을 통해 모바일 플랫폼 의 중요성과 가치성을 찾아낸다면, 향후 영화 마케팅 전략 수립에 도움이 될 것이라 사료된다. 소비자들의 성향을 정확하게 파악할 수 있어야 하고, 타겟층이 영화콘텐츠에 가장 많은 관심을 보일지, 또 정말 원하 는 게 무엇인지를 분석하고 파악하는 것이 중요하다. 코로나19로 발생한 변화들을 통해 앞으로의 극장 위 기를 극복하고 영화 마케팅 방식에 있어서 새로운 변화를 기대해본다.

Beginning in December 2019, Corona 19 spread around the world. Efforts are being made to prevent the spread of infections not only in Korea but also around the world. Due to this influence of Fendemics, non-face-to-face services have increased in daily life. With the transition to the Untact era, outdoor activities have been reduced to near the house and cultural life enjoyed inside the house has been expanded. Before the release of the movie, a marketing war will take place. This is because the movie’s victory or defeat will be decided within a week after its release. Due to the change in the platform of film marketing, pre-marketing is carried out in various ways. In a breakthrough to survive the era of “Untact,” film promotion and marketing officials sought to change their marketing platforms. It has begun to utilize a “mobile platform” that can target young people who are easy to enter and are the main audience. Although it is a marketing strategy that existed before, a variable called Corona 19 has attracted more attention from content consumers. In response, this study looks at the change in film marketing platforms to mobile due to the contact environment caused by the prolonged COVID-19 period. If we look at changes in the mobile media environment, the emergence of short-form content platforms, and marketing using SNS platforms to find the importance and value of mobile platforms, it will help establish future movie marketing strategies. It is important to be able to accurately identify consumers’ tendencies, analyze and understand whether the target audience will be most interested in movie content, and what they really want. Through the changes that occurred with Corona19, we hope to overcome the theater crisis and make new changes in the way movies are marketed.

이 연구는 에이젠슈테인의 영화연기에 관한 논의 가운데 표현역학이 고안된 과정을 추적하면서, 충격 과 매혹이라는 배우 연기의 의미를 고찰하였다. 이 주제를 선택한 이유와 목적은 대중영화의 강력한 표 현성이 배우의 연기에서 비롯된다는 전제를 메이예르홀트의 생체역학과 에이젠슈테인의 표현역학에서 찾아보고자 함이다. 첫째, 새로운 형식의 연극 실험을 위한 배우훈련체계로 고안한 메이예르홀트의 생체 역학을 살펴보았다. 배우훈련법으로서 생체역학은 당대의 새로운 형식의 연극에 적합한 리드미컬한 움 직임, 제스처, 자세를 구성하기 위해 메이예르홀트가 제안한 연기의 양식화된 미학적 원리이다. 둘째, 메 이예르홀트의 생체역학에서 표현역학을 정립한 에이젠슈테인의 논의 및 실제의 적용과정을 추적하였다. 메이예르홀트의 워크숍에서 연구조교로 수학한 에이젠슈테인의 퍼포먼스 실험은 생체역학을 과학적으로 이론화하고 실연하는 것이었다. 셋째, 배우의 유형 분류로 설명할 수 있는 전형화, 일종의 단절된 연기로 이해할 수 있는 컷-액팅을 양식화한 표현역학의 목적 및 효과를 살펴보았다. 넷째, 표현역학의 이념이라 할 수 있는 충격과 매혹의 어트랙션을 제시하였다. 영화에서 에이젠슈테인의 표현역학은 메이예르홀트 의 생체역학의 원리를 회화의 입체적인 단축법으로 표현한 것이며, 배우의 단축법적 움직임은 관객의 감 정을 환기시키는 강력한 어트랙션이다. 근육의 기계적 훈련을 강조한 유기적 연기훈련으로서의 생체역 학과 총체적 표현성을 극대화한 표현역학의 대표적인 사례로 찰리 채플린이 언급된다. 메이예르홀트와 에이젠슈테인의 문헌들에서 인용되는 채플린 연기의 강력한 표현성이 충격과 매혹의 어트랙션이며, 채 플린의 영화적 매력이 생성되는 방식이 지금의 대중문화에도 유효하다. 일례로, 무술 스턴트의 퍼포먼스 에서 유기체적 생체역학을, 영화배우 마동석은 근육의 표현성을 극대화한 표현역학을 확인할 수 있다. 이 연구는 영화의 역동적 표현성을 구축하는 몽타주의 체계화 이전에, 메이예르홀트의 생체역학을 응용 한 에이젠슈테인의 표현역학을 연구하는데 그 목적이 있다. 더불어 에이젠슈테인에 관한 기존의 논의가 대부분 몽타주의 원리에 할애된다면, 이 연구가 보다 근원적으로 배우의 연기에서 영화의 총체적 표현성 을 확인할 수 있다는 점에서 의의가 있다.

This article traced the process of the expressive movement in Eisenstein’s discussions on film acting. The reason for choosing this theme is that Meyerhold’s biomechanics and Eisenstein’s expressive movement have a great influence on the premise that the powerful expressiveness of popular films comes from the actor’s acting. First, the biomechanics of Meyerhold as an actor training system, which was designed as an experiment for a new form of theatre, was examined. Meyerhold’s actor training, biomechanics, is an aesthetic principle of stylized acting to construct rhythmic movements, gestures and postures suitable for new forms of play. Second, the discussion of Eisenstein, who established the expressive movement in Meyerhold’s biomechanics, and the actual application process were followed. Eisenstein’s performance experiment, who studied as a research assistant at Meyerhold’s workshop, was to scientifically theorize and demonstrate biomechanics. Third, the purpose and effect of the expressive movement stylized in the typage that can be explained by the classification of the actor’s type and the cut-acting that can be understood as a kind of disconnected acting is were examined. Fourth, he presented an attraction of shock and fascination, which can be said to be the ideology of the expressive movement. In the film, Eisenstein’s expressive movement expresses the principle of Meyerhold’s biomechanics as a three-dimensional raccourci in fine arts, and the actor’s foreshortening movement is a powerful attraction that evokes the emotions of the audience. This study aims to study Eisenstein's expression dynamics, which applied Meyerholt's biomechanics, prior to the montage systematization of building the dynamic expressiveness of the film. In addition, if most of the existing discussions on Eisenstein are devoted to the principles of montage, this study is meaningful in that it can more fundamentally confirm the overall expressiveness of the film in the actor's performance.

미국의 이바나 처벅(Ivana Chubbuck)은 현재 헐리우드에서 상당한 영향력을 발휘하고 있는 연기 교육자 이자 이바나 처벅 스튜디오의 감독이다. 그녀는 샤를리즈 테론, 브레드 피트, 할리 베리, 짐 캐리 등 헐리우 드의 명실상부한 스타 배우들의 연기를 지도하면서 ‘헐리우드의 비밀병기’로 불리고 있는 인물이다. 그녀 는 스타니슬랍스키와 스트라스버그의 연기이론의 영향 아래 놓이면서도 다른 연기 교육자들이 제시하지 않았던 자신만의 독자적이고 독특한 연기이론을 주장하게 되는데, 공포, 약물 중독, 섹슈얼 케미스트리, 연 쇄 살인범, 임신, 죽음 등의 특정 장면의 존재를 연기하기 위한 세부적인 연기 방법론들을 제시한다. 본 논 문에서는 현대적인 연기이론을 대표하고 있는 ‘처벅 테크닉(Chubbuck Technique)’의 특징적인 부분과 그녀 의 이론이 전통적인 연기이론과 어떻게 차별화되는지를 비교를 통해 논하며, 그녀의 연기술의 이해를 돕기 위해 그녀가 제시한 연기 방법론 중 공포, 섹슈얼 케미스트리에 대한 연기 방법론을 예를 들어 설명한다. 처벅은 매체의 성질의 차이에 따른 영화에서의 연기와 연극에서의 연기의 차이를 명확하기 구분하지는 않 았지만, 오늘날 영상매체에서 주를 이루는 극단적인 내용들, 파편화되고 조각되며 분산되는 연기의 내용들 을 적극적으로 반영하고 있다. 이러한 조건들 안에서는 보다 세밀하고 섬세한 연기가 요구되며, 처벅의 독 창적이고 세분화된 연기술은 현대의 이러한 구체적인 서사의 특징들이 반영된 결과물이라고 할 수 있다. 따라서 본 논문은 국내에 아직 소개되지 않은 이바나 처벅의 연기 방법론을 소개하고 전통적인 연기이론과 의 비교를 통해 그녀가 어떻게 자신의 이론을 개진하고 발전시키고 있는지, 더불어 현대의 영상매체에서 요구하고 있는 연기의 특징들과 그녀의 연기 방법론이 지니는 의미를 논하고자 한다.

America's Ivana Chubbuck is a highly influential acting coach in Hollywood and director of Ivana Chubbuck Studio. Having coached Hollywood stars such as Charlize Theron, Brad Pitt, Halle Berry, Jim Carrey. she is being called Hollywood's ‘celebrity whisperer.’ Building on the acting theories of Stanislavski and Strasberg, she developed her own distinctive, unique, and unprecedented acting theory, which presents detailed acting methodologies that teach actors how to create organic fear, portray substance abusers, create sexual chemistry, play a serial killer, experience feeling pregnant, create death and dying, etc. so that they can act out such scenes. This paper discusses the characteristics of the ‘Chubbuck Technique,' the prevailing modern acting technique, and compares how her theory differentiates from the traditional acting theory. Out of all the acting methodologies she proposes, those that relate to fear, sexual chemistry with examples to help better understand her acting technique. Although Chubbuck does not clearly distinguish between screen acting and stage acting, she actively takes into consideration the extreme content that dominates today's video media and how fragmented, sculpted, and dispersed the acting becomes. Chubbuck's segmentalized, distinct acting techniques interpret and reflect today's trends. In other words, one could say that her acting technique is an outcome that reflects the characteristics of these specific contemporary narratives. Thus, this paper introduces Ivana Chubbuck's acting technique, which has not yet been introduced in Korea, as well as explores how she is expressing and developing her theory by comparing it with traditional acting theories. The paper will also discuss the characteristics of acting required by modern video media and the meaning behind this.

최근 우리사회는 코로나_19로 인해 발생하는 여러 문제와 더불어 공연예술 관련 산업 전반에 걸쳐 파 생되는 변화 또한 지대하다. 최근 장기화되고 있는 코로나 사태 속에서 대학교육뿐만 아니라 공연예술 관련 강의 또한 안전상의 이유로 점차 비대면화 되고 있다. 이 연구는 교육 관련 종사자 전환 프로그램 에서 실시간으로 진행되는 비대면 뮤지컬교육의 수요자 만족도 조사와 더불어 교육내용의 개선 방향에 대하여 고찰하고 있다. 본 연구는 2020년 9월 서울 동작구 육아 종합 지원센터 주관으로 <교사의 감성 ON> 교육 프로그램으로서 슬기로운 뮤지컬 생활 – 세계 4대 뮤지컬이라는 주제로 실시간 화상 시스템 줌(Zoom)을 활용하여 보육교사 50명을 대상으로 진행되었으며, 교육 이후 구글 설문지(Google Research) 를 활용하여 무기명 10문 10답으로 6시간 이내에 응답지를 회수하였다. 예술교육 강사는 단지 교육에서 그치지 않고 교육수요자에 대한 만족도 조사를 통해 지속 가능한 교육방식을 개발하는 등의 노력이 요구 된다. 공연은 관객, 배우, 무대의 3요소가 온전히 갖춰졌을 때 그 매력을 발휘하는 법인데, 코로나 사태의 맹위 속에서 문화예술업계는 새 돌파구를 찾아야만 했다. 그렇게 등장한 것이 바로 ‘온라인공연’ 소위 ‘언택트 공연’이다. 공연뿐만 아니라 문화예술교육도 마찬가지이다 이 연구의 결과는 향후 교육 관련 종 사자를 위한 문화예술 관련 비대면 수업을 하는 데에 기본 자료로서 의의가 있으며, 시대 상황에 발맞추 어 그에 맞는 적절한 대응을 하는 동시에 올바른 방향 제시와 계속되는 코로나 국면 아래 임시방편 식으 로 필수 불가결이었던 비대면 예술교육이 단기적 활용에 그치지 않고, 교육수요자의 만족도 조사를 통한 평가 도구의 적절한 활용으로 뮤지컬 언택트 교육의 장기적인 계획을 수립하는 것에 그 목적이 있다.

In recent years, apart from the various problems arising from Corona 19, the changes derived from the entire performing arts industry has been significant. Amid the prolonged corona crisis, lectures related to performing arts as well as university education have been gradually becoming non-face-to-face due to safety reasons. This study examines the direction of improvement of educational content along with a survey of the consumer satisfaction in non-face-to-face musical education conducted in an education-engaged employee conversion program. This study was conducted via the online communication system Zoom for 50 teachers at child care facilities in September 2020 under the theme of `A Wise Musical Life- World's Big Four Musicals' as an education program <Teacher's Emotion ON> under the supervision of Dongjak-gu, Seoul, Korea. Within 6 hours after training, the respondents were collected with 10 anonymous questions and 10 answers using Google Research. Arts education instructors are not limited to just education, and efforts such as developing sustainable education methods are required through satisfaction survey with education consumers. The results of this study are meaningful as the basis for future culture-art non-face-to-face classes for education-related workers. At the same time, the right direction and temporary non-face-to-face art education are not only short-term use, but also “Unact” in front of the musical. As the contact becomes commonplace after the Corona crisis, it is also often used as words such as “you contact, no contact, zero contact” in Europe, the U.S., and Canada. The purpose is to establish a long-term plan for education.

본 연구는 2019년 개봉작 토드 필립스 감독의 영화 조커에 드러나는 잔혹극적 특징들을 고찰한 연구 이다. 서론에서는 본 연구자의 연구목적, 연구 배경, 문제 제기를 언급하였고 연구의 주제가 되는 영화 조커의 선행연구와 잔혹연극론 관점을 활용하여 진행할 연구 방법과 방향에 대하여 명시하였다. 본론에 서는 영화 조커를 폭력적 행위, 언어, 사회적 파급력으로 구분하고 이에 잔혹극의 폭력적 행위, 형이상학 적 언어, 잔혹극의 사회적 파급력을 대입하여 조커에 드러난 잔혹극의 특징을 고찰하였다. 결론에서는 본 연구의 내용을 종합하여 영화 조커에 드러나는 잔혹극적 특징에 대한 결과와 본 연구자의 견해를 서 술하였고 동시에 한계와 의의에 대하여 서술하였다. 이 연구는 영화 조커의 이야기를 단순한 소시민의 삶을 광대라는 직업에 투영시켜 비극적으로 그려낸 이야기로 해석하는 사회적 담론의 차원에서 나아가 영화를 제작한 감독과 배우의 직접적인 메시지에 근거, 아방가르드 연극의 시초가 되었던 잔혹극의 관점 으로 바라봄으로써 작품에 투영된 잔혹성과 광기라는 인간 근원에 대한 새로운 시선을 제공했다는 점에 서 연구의 의미가 있다고 사료된다. 연구를 진행하며 본 연구자는 영화 조커에서 많은 잔혹극적 특징들 을 발견했고, 작품이 주는 보편적인 메시지에서 나아가 인간 존재의 근원, 본질, 차별이라는 것에 대한 심도 있는 질문과 사유를 유도하는 가능성을 발견했다. 이에 본 연구는 토드 필립스(Todd Phillips, 1970-) 감독의 영화 조커(JOKER)의 장면에 드러나는 앙토냉 아르토(Antonin Artaud, 1896~1948)의 잔혹극적 특 징을 고찰한 연구로, 개봉 이후 세계적으로 인정받으며 이뤄낸 결과와 사회적 영향력에 대한 본질적인 이유를 평론가들의 담론으로 치부하지 않고, 영화를 제작한 감독과 배우의 직접적인 언급에 근거하여 영 화 속 잔혹극의 특징으로 볼 수 있는 ‘잔혹성’과 ‘광기’ 때문이라는 본 연구자의 주장을 입증하는 것에 연 구 목적을 둔다.

This study examines characteristics related to the theater of cruelty that appear in the 2019 film Joker directed by Todd Phillips. This study aims to deduce characteristics related to the theater of cruelty that appear in the film based on direct references from the film producer and to prove that the essential reasons for the public’s enthusiasm towards the film Joker are cruelty and lunacy. The introduction mentions the research purpose, research background, and research problem and the planned research method and direction were specified using previous research on the film Joker, which is the topic of this study, along with perspectives on the theory of the theater of cruelty. The body of the study classifies the film Joker through seditious acts of violence, language, and social ripple effects and substitutes this with the seditious acts of violence, metaphysical language, and social ripple effects of the theater of cruelty to examine characteristics of the theater of cruelty that appear in Joker. The conclusion summarizes the contents of this study and describes results regarding the characteristics of the theater of cruelty that appear in the film Joker along with the opinions of the researcher and at the same time, describes the limitations and significance of this study. This study goes beyond dimensions of social discourse that simply interpret the film Joker as a story that tragically depicts the lives of the petit bourgeois by projecting them into the performer occupation and makes observations from perspectives of the theater of cruelty, which was the beginning of the avant-garde play, based on direct messages from the film director who produced the film and its actors, and it has research significance in that it provided new points of view regarding the human origins of cruelty and lunacy that are reflected in the work. While conducting this study, the researcher discovered many characteristics related to the theater of cruelty in the film Joker and moved beyond the universal message given by the work to discover possibilities that induce grounds and in-depth questions regarding the origin of human existence, human essence, and discrimination.

본 연구는 배우의 존재에 대하여 심도 있는 사유를 하기 위해 기억이 배우에게 끼치는 가치와 영향을 통해 단순히 지문에 따라 몸을 움직이는 것이 아닌 진정성을 갖고 행위에 닿는 과정을 고찰한 연구이다. 연기 예술의 재료와 과정을 깨닫기 위하여 스타니슬라브스키와 앙리 베르그송의 이론을 바탕으로 연기 예술의 중요한 가치와 행위를 찾는 것을 주된 목적으로 둔다. 배우는 관객으로부터 공감을 얻기 위해서 배우 자신의 내면 안에서 일어나고 있는 내적 충동들을 꺼내어 외형으로 표현해 낼 수 있어야 한다. 따 라서 배우는 자신 안에 내재된 다양한 기억 곧, 자신의 서사를 바탕으로 역할을 구축하여 객관적 타당성 을 획득해야만 한다. 스타니슬라브스키는 신체와 정신의 일치를 강조하며, 이는 자신이 ‘배우’로서 존재 할 수 있는 의미를 구축하는 과정이 되는 것이라 말했다. 배우가 한 인물이 되기 위해서는 자신의 내면 으로부터 감정을 불러내야 하므로, 배우는 직관적으로 자기 자신의 기억을 끄집어 내 역할 창조의 재료 로 사용하게 된다. 직접 겪은 기억을 통해 인물의 삶을 창조하는 것이다. 베르그송은 기억을 두고 모든 체험의 과정을 담고 있는 ‘경험의 총체’라고 말했다. 그에 따르면 기억은 감각, 지각을 통해 저장되어 심 리적인 요소가 핵심을 이루고 있음을 짐작할 수 있다. 또한 기억은 감정을 불러일으켜 상황을 만들어 내 므로 매우 복잡한 형태로 얽혀 인간에게 영향을 끼치고 있다는 것을 알 수 있다. 저자는 이러한 두 인물 의 주장을 통해 ‘연기 예술’을 깨닫는 과정은 곧 배우 자신만의 진정한 연기 예술 목적을 수립하는 과정 이 되는 것이자, 배우로서의 존재 할 이유를 획득할 수 있을 것이라 기대하며, 기억을 토대로 한 창조과 정 속에서 배우의 연기 예술이 궁극적으로 진정성을 획득할 것이라는 결론에 이르고자 한다. 즉, 내/외적 에너지의 교류를 통한 진정한 합일치를 이루어 그것을 바탕으로 하여 연기를 선보일 수 있다면 비로소 ‘살아있는 인간’의 실현을 기대해볼 수 있을 것이다.

This study examines the ‘presence of actor’ by understanding the process of acting with authenticity through how ‘memory’ affects and delivers value to the actor rather than simply acting on the bases of theatrical text. The main goal is to recognize materials and processes for art of acting by discovering the essential value and implication underlying the action of performing art based on the theories of Konstantin Stanislavsky and Henri Bergson. An actor must exteriorize conflicted and sophisticated inner emotions to gain empathy from the audience. However, without a profound study of its objective, an actor tends to depend on the technical interpretations. Hence, an actor must construct the role using the various ‘memories’ within, building a character with personal narratives to acquire validity. Stanislavski emphasized on the alignment of body and mind which in itself is the process of cultivating a meaning to exist as an actor. In order for an actor to transform into a character, emotions are brought from inside and intuitively reach into one’s memories as source of materials for the creation of a role. Bergson recalls memory as ‘Sum of experience’, encompassing all the experience and history from one’s birth. Through Bergson’s theories, we assume that ‘memory’ has a psychological element at its core since it is stored through sensations and perceptions. Furthermore, we know ‘memory’ is entangled in a complicated form that affects one’s being because memory summons emotions and creates reactions. By theories of two admired scholars, this study aims to conclude that seeking an enlightenment about art of acting is the process of establishing a true objective and with a great expectation, obtaining a reason to exist as an actor.

따라잡기 어려울 정도로 급변하는 연기 환경과 치열해진 진입 장벽 속에서 더욱 철저하고 강고 높은 배우 훈 련 과정이 요구되어지고, 다양한 매체를 넘나들고 적응 할 수 있는 배우 양성을 위한 진화된 훈련 프로그램이 절실하다 할 수 있다. 본고는 호흡 훈련의 목적을 강력한 음성 기관을 이용한 호흡 테크닉을 체득하는 과정에서 한 발 더 나아가, 적극적 정서자극의 통로로서 목소리의 잠재력을 발견하고, 배우로서 새로운 천성을 만드는 과 정으로 해석하고자 한다. 에쭈드는 이미 알려진 바와 같이 스타니슬랍스끼 ‘신체 행위법’의 유기적 실행 도구로 서 즉흥극과는 달리 잘 짜여진 극 구조 안에서 심리·신체적 행동을 의식적으로 유발하여 잠재의식을 자극하고 진실한 체험을 통해 즉흥을 만들어 내도록 설계되어진 훈련 모델이다. 본고는 에쭈드 창조 과정 중 제시된 극적 상황 속에서 자연스런 정서적 도발을 통해 불러 일으켜진, 진실한 체험의 순간을 중심으로 연구하였다. 우리는 성장하면서 많은 사회적 규범과 제약을 익히도록 교육받으며 자연스런 감정들을 숨기도록 훈련받는다. 이러한 과정은 연기자가 천성적 자유로움에서 벗어나 긴장이나 형식적인 태도를 선택하게 한다. 이렇듯 의식적이지 않 은 생리학적 과정을 이해하고 창조하여 허구에 세계에서 안전하게 존재하여야 하며, 교육된 많은 규율과 규범에 서 자유로워져 배우로서의 새로운 천성을 우리의 신체에 재탄생시켜야 하는 것이다. 따라서 이 연구는 배우의 신체에 새로운 천성을 만드는 과정의 첫걸음으로서 호흡 훈련을 제안하고 그 방법론으로 ‘호흡 에쭈드’의 훈련 모델을 소개하고자 한다. 호흡 에쭈드의 훈련 모형을 1.선행 훈련 - 인간 기계만들기, 불뿜는 용, 2. 동물 에쭈드, 3. 사물 에쭈드, 4. 호흡 에쭈드 4가지 유형으로 제시하고자 한다. 이러한 훈련 모델을 통해 배우는 충동과 정서 를 예민하게 읽어낼 수 있도록 자신의 신체를 조율하여 진실한 정서를 이끄는 과정을 견인함으로써, 배우의 자 아를 확장하고 목소리의 잠재력을 일깨워 창조의 세계로 다가 설 수 있도록 안내 하고자 한다.

Amid the rapidly changing acting environment and the continued heightening of barriers for entrance into the acting world, more thorough and firm training courses for actors are required. There is also an urgent need for evolving training programs that can foster actors who are capable of adapting across various media channels. In response, we seek to study and present the ‘Respiratory Etude’ as a training model based on the principles of etude creation, focusing on the respiratory training process during the training process of voice acting skill enhancement. The purpose of respiratory training is to go one step further than just using it as a process to learn breathing techniques by using powerful speech organs, instead interpreting it as a means to utilize it as a channel for active emotional stimulation in order to discover the potential of an actor’s voice and create a new nature for him as an actor. In other words, we would like to propose the use of respiratory training as a medium to awaken emotional responses in the actor’s body and to evoke true living, breathing emotions. As is already well known, the etude, unlike improvisation, is an organic implementation tool of the Stanislavski ‘Method of Physical Actions’, a training model designed to consciously trigger psychological and physical behavior in a well-organized theatrical structure in order to stimulate the subconscious and create improvisations through genuine experiences. This study focuses on the moment of genuine encounter brought about by the provocation of natural emotions in a given dramatic situation during the creation process of an etude. With our findings, the following four types of training models for respiratory etudes are presented: 1, warm up – human machine making, fire-breathing dragon 2, animal etude 3, object etude 4, respiratory etude. Through this training model, the actor will be able to tune his body to read his impulses and emotions in a sensitive manner in order to drive a process provoked by impulses that lead to genuine emotions, thereby expanding the actor’s self and awakening the potential of his voice to the world of creation.

이 연구는 남북한 공연예술의 특징 및 교류 현황을 살펴보고 지속적인 교류가 가능한 다양한 협력 방 안 모색을 목적으로 한다. 2018년 판문점 회담을 기점으로 형성된 한반도의 평화 국면은 2019년 북측의 남북공동연락사무소 폭파 이후 급속하게 냉각되었다. 그리고 그 여파로 남북한 교류협력 사업은 전면 중 단되었다. 역사적으로 남과 북은 한반도 긴장 해소를 위한 국면 전환이 필요할 때 문화교류를 활용하였 다. 근래에 조성되었던 평화 국면 역시 2017년 우리 정부의 베를린 구상에 북측이 화답하고 평창 동계 올림픽 남북선수단 공동입장 및 합동 공연 등 문화적 교류 형태로 가시화 되었다. 그러므로 최근 전개된 긴장 국면에서 새로운 문화예술 교류를 모색해야 할 필요가 있다. 새롭게 모색되는 문화예술 교류의 형 태 및 방법은 과거의 한계를 극복하고 지속성을 담보할 수 있는 것이어야 할 것이다. 과거 문화예술 교 류는 첫째, 대부분이 남쪽 주도로 이루어 졌으며 둘째, 일회성 이벤트 위주로 진행되었고 셋째, 정치적 상황에 따라 매우 유동적이었다는 것을 한계로 들 수 있다. 이러한 현실 인식을 토대로 남북이 상호 동 등한 입장에서 지속적으로 진행가능하며 정치적 영향으로부터 비교적 자유로운 문화예술 교류의 가능성 을 탐색한다. 그리고 구체적으로는 문화예술 중 연극, 가극 등 스토리텔링과 연기 예술을 기반으로 하는 공연을 그 대상으로 삼는다. 공연예술 분야는 남북 중 어느 한 쪽이 비교 우위를 점한다고 볼 수 없기에 상호 동등한 입장에서 교류 협력이 가능하다는 장점이 있다. 나아가 전문 예술가를 중심으로 예술 작품 및 단체 간의 교류도 모색할 수 있다는 점에서 다양한 가능성을 내포하고 있다. 이에 이 연구를 통해 남 북 공연 예술 교류 방안을 모색하고 그 실현 가능성을 살펴보고자 한다. 또한, 극 중심의 공연예술 교류 를 중심으로 연구하는 목적은 공연예술 교류를 통해 상호 이질성을 수용하고, 다양한 사회문화교류협력 의 대안을 모색하며, 교류를 위한 새로운 콘텐츠 개발의 아이디어를 제공하기 위함이다.

The purpose of this study is to examine the current status of arts and cultural exchanges between South and North Korea and to propose various cooperative measures to enable continuous interchanges. The peace phase on the Korean Peninsula, which began with the Panmunjom talks in 2018, cooled rapidly after the North's recent bombing of the South-North Joint Liaison Office. In the aftermath of the event, all cultural exchange programs were completely suspended. Historically, South and North Korea have eased the tensions by exchanging arts and culture when they need to. The alleviated tenion created recently had also settled through cultural exchanges including the North's response to the South Korean government's Berlin initiative in 2017 and the joint entrance of the inter-Korean athletes to the PyeongChang Winter Olympics and joint performances. These examples show that cultural and artistic exchanges played a vital role in inter-Korean relations. Therefore, there is no doubt to seek new cultural and artistic exchanges in the middle of the harsh situation South and North Korea have faced now. The newly sought form and method of cultural and artistic exchanges should be to overcome the limitations of the past and ensure sustainability. The newly sought form and method of cultural and artistic exchanges should be to overcome the limitations of the past and ensure sustainability. In the past, most of cultural and artistic interchanges were conducted as one-off events led by the South, and it was easily swayed by a political situation. Based on this perception of reality, this research aims to discover and develop the ways to trade culture and arts, which can continue to be carried out on an equal footing between the two Koreas and are relatively free from political influence. In this study, we will also find the ways to produce works together and cross-produce repertoires by a meeting of South and North Korean performing artists and examine the feasibility.

문화원형(Acrchetype)에 대한 관심은 문화관광부와 한국 콘텐츠 진흥원에서 진행한 ‘문화원형 디지털 콘텐츠화 사업’을 계기로 각계에서 관심이 촉발되었고, 이에 따라 한국의 역사, 전통, 풍물, 생활, 문화, 예술, 지리 등 다양한 분야에서 우리의 ‘문화원형’이 발굴되고 있다. 문화원형은 한국 문화 콘텐츠 연구 에서 중요하게 다루어지고 있으며, 문화원형에 대한 폭넓은 정의로는 전통문화 가운데 그 민족 또는 그 지역의 특징을 잘 담고 있어 다른 지역과 차별화된 문화를 지칭하고 있다. 충북지역 중에서도 청주는 문 화원형을 활용하여 문화예술 콘텐츠 개발의 필요성을 직시하고, 이에 따라 문화원형을 토대로 한 문화예 술 콘텐츠 개발에 힘쓰고 있다. 더불어 세계 최초의 금속활자인 ‘직지심체요절’ 등 청주가 가지고 있는 다양한 문화원형을 통해 연극, 영화, 뿐만 아니라 국악, 무용 등 원소스 멀티 유즈(One Source- Muti Use) 의 개념을 활용하여 다양한 예술로서 표현하고 있다. 문화원형을 중심으로 한 문화예술콘텐츠의 개발은 지역의 특수성과 특성을 매개로 하고 있기 때문에 다양한 부분에서 지역민들의 삶의 질을 향상시키고, 애향심을 고취 시킬 수 있는 장점이 있을 뿐만 아니라, 지역의 문화원형을 통한 지역의 특수성도 살펴 볼 수 있기 때문에 문화예술계에서는 중요한 연구대상이자 개발의 필요성이 있다고 할 수 있다. 이에 따 라 본 연구에서는 청주의 다양한 문화원형 중, 건축분야의 유형문화재인 <망선루>, 미술분야의 유형문화 재 <을축갑회도>, 마지막으로 역사적 사실을 근간으로 한 인물과 그 인물을 중심으로 한 <서원향약>을 중심으로 문화원형을 공연예술에 접목한 사례를 연구해 보고자 한다. 이를 통해 ‘기록문화도시 청주’는 기록의 산문화인 문화원형을 통한 문화예술콘텐츠의 개발을 통해 문화예술도시로서의 청주로 한 단계 더 발돋움해 나갈 수 있다고 본다.

Interest in Acrchetype was triggered by the ‘Cultural Circle Digital Contents Project’ conducted by the Ministry of Culture and Tourism and the Korea Cultural Contents Promotion Agency. ‘Our cultural archetype’ is being discovered in various fields such as, art and geography. Cultural archetypes are considered important in the study of Korean cultural contents, and the broad definition of cultural archetypes refers to a culture that is differentiated from other regions as it contains the characteristics of the people or regions among traditional cultures. Among the Chungbuk region, Cheongju faces the necessity of developing cultural and artistic contents by utilizing cultural archetypes, and accordingly, is striving to develop cultural and artistic contents based on cultural archetypes. Through various cultural archetypes such as 'Jikji Simcheyojeol', which is the world's first metal type, Cheongju uses the concepts of One Source-Muti Use, such as plays, movies, as well as Korean traditional music and dance. Accordingly, in this study, among the various cultural archetypes of Cheongju, <Mangseonru>, a tangible cultural property in the field of art, <Eulsaenggaphoedo>, and finally <Seowon> focusing on figures and figures based on historical facts. Accordingly, ‘Cheongju, the City of Recorded Culture’ has the potential to develop as an element of performance and performing arts by incorporating storytelling through cultural archetypes possessed by the region in order to grow one step further as a culture and art city. Accordingly, in this study, Cheongju I would like to study the case of the development of cultural and artistic contents using local cultural archetypes.

본 연구는 문화관광축제에서의 동물 이용에 관한 문제점을 ‘동물권’ 시각으로 비판한 연구이다. 최근 문화관광축제에서 동물을 다루는 축제가 동물에 대한 배려나 생명경시를 야기 시킨다는 비난과 함께 ‘동 물학대’, ‘동물학살의 날’로 명명되어 강한 비판에 직면하고 있다. 본 연구는 한국의 문화관광축제에서 대 표적인 동물학대 사례를 분석하고 축제에서의 동물 이용에 대한 대립되는 의견을 가진 전문가 그룹의 심 층인터뷰로 진행하였다. 인터뷰 대상은 문화관광축제의 평가 체계를 만들고 평가를 진행하는 전문평가위 원들 및 동물권 운동의 학문적 연구와 동물권 운동을 실천하는 학자들이다. 연구결과, 문화관광 분야 관점 에서는 ‘동물권 인식의 부재’와 동물에 대한 ‘착취적 관점’, ‘에코라벨링’의 문제가 제기되었으며, 동물권 분야 관점에서는 ‘전통이라는 이름의 동물학대’, ‘지역경제 활성화라는 방패’, ‘타자화’가 논의되었다. 동물 의 이해와 동물권의 회복은 축제에서의 동물 담론을 넘어 인간성의 회복과 교육의 문제로 이어진다. ‘타자 화’를 통한 ‘본래의 나의 모습 찾기’는 인간과 동물의 경계를 허무는 좋은 장치가 될 것이다. 또한 벤야민 의 아우라 이론에서 ‘가깝고도 먼 것의 독특한 결합’은, 데카르트의 ‘마음 없는 자동기계’로 취급되는 동물 이 인간과 같은 고통과 감정을 느끼는 ‘생명 그 자체‘로 인식하는 계기를 마련할 것이다. 현재 동물축제가 동물학대가 아닌 동물을 이해하는 생명존중과 가치지향적인 공존의 축제로 나아가기 위해서는 현재 익숙 한 방식의 구조를 변화시키고 족쇄를 벗어 던져야 한다. 이제 익숙함을 벗어나 브레히트의 생소화 또는 낯설게 하기(verfremdung)로의 도전은 무대와 객석을 가로질러 배우와 관객의 대화를 단절시켰던 시대를 마감하기 위한 노력처럼 인간과 동물이라는 이분법적 경계를 지우는 일이 될 것이다. 이에 본 연구의 목 적은 다음과 같다. 첫째, 문화관광축제에서의 동물권 인식을 통해 동물을 이용한 축제의 문화사회 적 영향을 분석한다. 둘째, 축제에서의 동물과 다른 생명의 존재와의 관계를 타자화의 관점에서 분석한다. 셋째, 축제에서 발생하는 동물학대의 문제를 가로막고 있는 요인을 분석하고 이를 해결 하기 위한 방안을 모색한다.

This study criticizes issues related to the use of animals in cultural tourism festivals from the perspective of ‘animal rights.’ The distance between nature and humans revealed the limits of human-centered thinking and became an opportunity to reconsider the relationship between humans and the environment. Cultural tourism festivals dealing with animals are facing strong criticism that they lead to the belittlement of consideration or life of animals, thus called ‘animal cruelty’ and ‘animal slaughter day.’ As for the research method, literature studies of animal festivals in the cultural tourism festival and in-depth interviews with experts were conducted. The target audience is a cultural tourism festival expert, animal rights expert and cultural researcher. The primary issues of this study included the ‘lack of awareness of animal rights’ in the field of cultural tourism in animal festivals and the ‘exploitative perspective’ and ‘eco labeling’ of animals. From the animal rights perspective, ‘traditional animal cruelty,’ ‘excuse of revitalizing the regional economy,’ and ‘otherization’ were discussed as study topics. Understanding of animals and recovery of animal rights reach beyond the ‘discourse of animals in festivals’ and lead to the recovery of humanity and problems in education. Finding ‘my original self’ through ‘otherization’ can be a useful device to break the boundary between humans and animals. In addition, ‘unique combination of the near and the far’ in the concept of aura by Benjamin will give way to recognize animals regarded as ‘mindless machines’ by Descartes as ‘life forms’ that feel the same pains and emotions as human beings. In order for the ongoing animal festival to move toward a festival of life-respecting and value-oriented coexistence that understands animals, not animal abuse, it must change the structure of the current familiar way and throw away the shackles. Now the challenge of Brecht's challenge to “verfremdung” will be to erase the dichotomous boundaries between humans and animals, just like the effort to end the era that cut off the dialogue between actors and audiences across the stage and the audience.

이미지는 언어와 마찬가지로 구축과 커뮤니케이션이 가능하며, 이를 통해 사람들의 생활을 기록하고 재현할 수 있으나 이미지를 통한 생활의 재구축은 객관적으로 사물을 반영하는 것이 아니라 새로운 의미 가 담겨 있다. 오늘날 시각 이미지는 이미 사람들 생활과 소통의 주요 매체가 되었으며, 그에 따라 영상 에 대한 연구에 이미지 기호학 이론에 따른 체계적인 연구가 필요하게 되었다. 신디 황은 한국계 미국 시각 예술가로 한국에서 태어났으나 어린 시절부터 워싱턴의 메트로폴리탄 지역에서 성장하였고, 이후 뉴욕으로 이주하였다. 그녀의 예술 작품들은 대부분 문화, 생활 경험, 전통과 현대 등이 어떻게 개인 아 이덴티티와 집단 아이덴티티를 구축하는지에 대한 주제로 표현된다. 한편 중국의 다큐멘터리 사진작가 강건은 1984년 전문적으로 사진 창작을 시작하며, <주인> 시리즈 환경 초상 작품을 통해 중국의 사진 역 사에서 중요한 지위를 얻게 되었고, 그의 작품은 중국과 해외에서 사진과 관련한 많은 상을 받았다. 그리 고 한중 두 사진작가의 시리즈 작품은 모두 다큐멘터리 사진을 통해 동서양 문화의 가정을 기록하였다. 본 연구는 기호학 이론을 토대로 한국과 중국의 사진작가 신디 황과 강건의 공통점과 차이점, 그리고 기 호화된 창작 방법을 살펴보며, 이를 위해 한국계 미국 사진작가 신디 황의 작품 <혼혈>과 중국의 사진작 가 강건이 중국 개혁개방 이후 특정한 역사 시기에 창작한 작품 <주인>을 중점적으로 연구한다. 즉, 기호 학 이론을 바탕으로 사진의 주제 선택, 구도, 조명, 촬영 각도 등의 측면에서 두 사람의 사진 작품에 구현 된 장면 공간의 기호학 및 미학적 특징을 고찰하는 것이다.

As language, images could organize, tell, record and reproduce the life. However, images could inject new connotations rather than simply making objective displays. The arrangement of images, the formation of the subject and the art creation method are among the constant topics of discussion in the theory of visual arts. As a subject derived from linguistics, semiotics explores mankind communication, deals with symbolic structures, and embodies ideology. Nowadays, semiotics has had its influence penetrated into all areas of the modern society. For photography, images replace the role of texts, and the textual interpretation of the symbols refers to the in-depth understanding of texts through the superficial level of the images. As images have emerged as main media in daily life and for communication, rational and semiotic theory-based researches are necessary for studying them. Cindy Hwang, as a Korean-American visual artist born in South Korea, lived in Washington Metropolitan Area in her childhood and then moved to New York, her artistic works mainly explore the role of culture, life experience, tradition and modern elements in building individual and group identities. The Hybrid series is a photograph-and-text-based project that shows 19 families in New York and Beijing as well as “mixed-blood” children with various racial, ethnic group and cultural backgrounds in these families. Jiang Jian, as a Chinese documentary photographer who started his career since 1984, wins his reputation in Chinese photography with his environmental portrait series Householder, a series winning many famous domestic and foreign photography prizes. Both two photographers record families in Eastern and Western cultural backgrounds in their work series using a staged documentary method. This paper analyzes the similarity and difference between the Chinese photographer Jiang Jian and South Korean photographer Cindy Hwang based on the semiotics theory.

본 연구는 선비와 충절의 고장 충남 예산 지역의 인구 8만의 작은 소도시에서 해마다 치러지고 있는 예당국제공연예술제에 대한 변천사 연구이다. 예당국제공연예술제는 충남 유일의 국제공연예술 축제로 써 8회라는 짧은 운영 기간임에도 불구하고 국제공연예술축제로 꾸준히 성장해 오고 있다. 예당국제공연 예술제는 수도권과 지역의 예술적 양극화 심화 속에서 예술성과 창작성을 통해 질적으로 특화되고 향상 된 콘텐츠 개발의 성공적인 공연예술축제로 평가되고 있다. 예당국제공연예술제를 고찰해보는 것은 지 역축제의 정체성을 형성하고 국제화를 지향하는 공연예술축제로써의 특화된 콘셉트의 중요성을 인식하 는데 필요하다. 지방 자치 시대의 도래로 축제를 통한 문화예술의 무형의 가치를 이용한 부가가치를 창 출하려는 움직임이 활발하게 이루어지고 있다. 공연예술축제는 문화예술의 가치적 접근과 문화소비를 촉진하는 도시 재생사업의 발전적 변화의 인식을 필요로 한다. 본 연구는 예당국제공연예술제의 변천사 에서 중요 내용을 연구함에 있어 개최동기, 국제교류, 공연의 발전내용, 연극예술인 발굴 등의 내용을 살 펴보고 예당국제공연예술제의 변천사를 연구하여 발전 방안을 모색하고자 하였다. 예당국제공연예술제 의 발전과정을 살펴보면서 지역민들에게 자부심과 정체성을 심어주고 지역 이미지 구축 제고와 지역 활 성화를 지속시키는데 효과적인 전략으로 활용될 수 있는 실증적 틀의 방안을 제시하였다. 모색된 방안으 로는 내재된 문화자원을 활용한 공연예술제와의 연계성 필요와 소비문화를 바라보는 상업적 관점에서의 전략적 검토가 이루어져야 할 것으로 사료 된다. 이에, 예당국제공연예술제의 변천사를 연구하여 공연예 술제가 국제화를 지향하는 글로컬(glocal) 축제로써 성장할 수 있는 잠재적 가능성을 확인한 것이라고 하겠다.

This research is about the transition history of the Yedang International Performing Arts Festival, which is held every year in small cities with a population of 80,000 in the hometown of Seongbi and Chungcheong Province. The Yedang International Performing Arts Festival is Chungnam's only international performing arts festival and continues to grow into an international performing arts festival despite its short operation of eight. Amid the deepening polarization of the metropolitan area and regions, Considering the Yedang International Performing Arts Festival is necessary to recognize the importance of a specialized concept as a performing arts festival aiming to form the identity of local festivals and internationalize them. With the advent of the era of local autonomy, moves to create added value by utilizing intangible values of culture and the arts through festivals have become more active. Performing arts festivals require the recognition of the value approach of culture and art and the developmental changes in urban regeneration projects that promote cultural consumption. The purpose of this research is to explore the motivation, international exchange, performance development, and the discovery of theatrical artists, and to study the history of the transition of the Geijut International Performing Arts Festival, and to explore the development of methods. He also observed the development process of the Yedang International Performing Arts Festival and proposed a demonstrative framework that can be used to instill pride and identity in local residents and to promote regional image development and revitalization. The measures sought should include the need for cooperation with the performance art festival utilizing the cultural resources inherent in it, and a strategic review from a commercial perspective that looks at the consumption culture. In response, it can be said that it studied the history of the international performing arts festival and confirmed the potential for the festival to grow into a global festival aimed at internationalization.

디지털 방송 리얼리티 쇼는 인기가 많은 예능 프로그램 유형이기 때문에 항상 비교적 높은 시청률을 나타내고 프로그램의 종류 역시 매우 다양하며, 그중 경기 유형과 감정 체험 유형이 대부분을 차지하고 있다. 최근 몇 년 동안 드라마 서사 방식으로 프로그램 플롯을 구축하고, 강한 몰입감을 제공하는 플롯 리얼리티 쇼 프로그램이 기본 형식을 극복하여 많은 시청자들의 인정과 사랑을 받게 되었다. 이는 일반 리얼리티 쇼에 비해 탐험과 스릴러 등의 요소를 지닌 플롯이 존재하고, MC 그리고 진실한 반응과 결합하여 참여자가 스토리 상황에 몰입하며, 또한 상황에 따른 진실한 선택과 반응을 나타내고, 이를 통해 현장에 없는 시청자 역시 플롯 발전에 따라 다양한 느낌이 발생하여 몰입 체험을 얻게 된다. 본 연구는 “몰입식” 플롯 리얼리티 쇼 중에서 한국의 대표적인 원작 방송 리얼리티 쇼 <크라임씬>과 중국에서 현지화를 통해 각색된 방송 리얼리티 쇼 <명성대정탐(明星大偵探)>을 연구 대상으로 커뮤니케이션학의 상징수렴이론을 중심으로 하고, 심리학의 몰입 이론을 보조적으로 사용하여 한중 “몰입식” 플롯 리얼리티 쇼 프로그램 영상의 환상 주제의 인물, 플롯, 인정받는 “대리인” 등의 요소와 장면 설정, 복장과 메이크업, 포스터 편집 화면에서 구축된 특성을 분석한다. 또한 수사적인 시각으로 “몰입식” 플롯 리얼리티 쇼 프로그램의 서술 논리성과 시공간에 대한 재구축 그리고 감정 공감에 대해 서술하고, 해당 리얼리티 쇼 프로그램의 영상 특징을 요약하여 프로그램에서 플롯과 장면, 허구와 진실, 기술과 예술의 더욱 적절한 유기적 결합을 촉진하여 더욱 뛰어난 수준의 몰입식 플롯 리얼리티 쇼 프로그램을 창작할 수 있도록 일정한 참고를 제시하여 한중 시청자들이 더 높은 예술 심미에 대한 수요를 만족시키고 더욱 진실한 몰입 체험을 제공하고자 한다.

Reality show is a kind of film and television variety show suitable for all ages, which has always maintained a high audience rating; There are many kinds of programs, most of which focus on competitive and emotional experience. In recent years, the reality show breaks through the barriers of the existing program form and is recognized and loved by the audience through the narrative way of film and television drama to shape the plot of the program and bring a strong sense of immersion experience. Compared with the conventional reality show, the combination of adventure, suspense elements and MC's real reaction makes the participants immerse in the story situation, and make real choices and performance according to the situation. This paper selects the Korean original reality show Crime Scene and the Chinese localized version of reality show Who's the Murderer as the research objects. Based on the semiotic aggregation theory of communication, supplemented by the psychological Flow Theory, it analyzes the characters, plots and public characters of fantasy theme in the images of Korean and Chinese “immersive” reality show. Also, this paper analyzes the elements of “immersive” and the characteristics of scene setting, costume make-up, post editing and other picture construction, and from the perspective of rhetoric, expounds the narrative logic, space-time remodeling and emotional resonance of the images of “immersive” reality show. This paper attempts to summarize the image characteristics of this kind of reality show to promote the better organic combination of plot and scene, fiction and reality, technology and art in this kind of program, so as to create a higher quality “immersive” reality show, meet the demand of Korean and Chinese audiences for higher artistic aesthetics, and bring a more real immersion experience.

본 연구는 제천시에서 활동 중인 문화예술인을 위한 지원 실태를 살펴보고 이를 활성화하기 위한 방 향을 모색하고자 한다. 본 논문은 이 지역의 문화예술생태계 육성과 진흥을 목표로 2019년에 출범한 제 천문화재단의 설립 취지를 개괄적으로 살펴보았다. 문화재단이 추구하는 가치와 추진 전략은 설립 이전 까지 이 지역의 문화예술인 지원 과정에서 반복적으로 제기되었던 개선 사항을 보완하기 위한 실질적인 시도로 이해할 수 있다. 이러한 맥락에서 본 연구는 문화예술의 본질적 특성에 대한 논의를 중심으로 지 역사회에 있어 문화예술의 위치와 역할은 이 지역 시민의 경험을 통한 기대 충족 여부에 따라 예술작품 의 속성과 가치가 충족될 수 있다는 사실에 주목하였다. 이는 곧 문화예술 단체 및 프로그램 운영을 위 한 지원체계는 지역과의 밀착성을 전제로 독자적인 문화예술로써 차별화에 이를 수 있으며, 공공의 재정 적 지원에서 탈피하여 문화예술인들의 자생력을 활성화할 수 있다는 사실을 의미한다. 본 연구는 이러한 논의를 토대로 제천시에서 활동 중인 문화예술가 및 실무자를 대상으로 실시한 심층 인터뷰(FGI)를 분석 하여 이 지역의 특성과 상황에 부합되는 문화예술인 지원체계 활성화 방안을 도출하고자 했다. 특히 이 과정에서 드러난 전문 인력 양성의 필요성, 문화예술교육 프로그램 활성화, 지역특화 콘텐츠 개발, 공유 공간 구축의 필요성 등은 지역사회 전체의 소통과 협력을 바탕으로 실현 가능한 것이며, 이 지역 문화예 술인들이 궁극적으로 추구해야 할 방향성을 시사하고 있다. 본 연구에서 제시된 방안은 향후 이 지역 문 화예술 지원체계를 활성화하기 위한 기초자료로서 의미가 있다고 생각된다. 아울러 제천 시민이 실질적 으로 주도하고 참여 주체가 될 수 있는 사업을 토대로 문화예술 향유자가 예술에 대해 가지는 의식 및 가치를 향상할 수 있는 전환점으로서 작용하길 기대한다.

This research examines a way to facilitate subsidy system by reconsidering and analyzing those local artists’thoughts and concepts in Jecheon, South Korea. This research provides an account of a key prospectus from Jecheon Cultural Foundation which intends to resolve some problematic issues derived from the previous years, and to improve the process towards subsidy system enhancement. This thesis articulates the essential quality of culture and arts within the given society where its place and role also has to be correspond with what the spectator/citizen would expect. This process enables them to meet their demands through his/her experience in enhancing the nature and value of specific culture and arts. In other word, cultural identity with differentiation from another can be archived by connectivity apart from the amount of subsidy that leads the artists as to be distinct and independent subject. Arming this point of view, this research uses and analysis Focus Group Interview(FGI) in which the aforementioned artists and managers have engaged in finding and articulating appropriate concepts beyond some of the historical and practical limitations that they have faced with. As a result of this, this thesis argues that communicating in-between the artists and officials for the local harmony could be a touchstone to resolve the following issues including the necessity of skilled manpower, an art educational program, development of localized contents, public spaces for interaction and collaboration where the artists and officials necessarily need to go. The ideas described as an alternative way(s) discussed in this thesis will make a promise to the reader providing a set of conceptual and practical tools in order to help them better meet the demands of today’s alternative subsidy system. In addition, it is hoped that citizens in Jecheon can lead and participate in these works will be able to act as a turning point to improve their understanding and values in culture and arts.