Earticle

한국의 뮤지컬 공연산업은 2000년대 들어 급성장을 이루면서, 해외 라이센스 뮤지컬 뿐 아니라 창작뮤지컬의 활성화도 점차 확산되고 있다. 더불어 근래 들어 한류문화의 관심증대로 인한 한국뮤지컬 시장은국내외적으로 각광을 받고 있는 상황이다. 그런 관점에서 본 연구는 한국뮤지컬의 시장 확대 방안의 하나로 대두되고 있는 국제공동합작의 권역별, 유형별 현황을 분석하고 활성화 방안을 도출하였다. 한국뮤지컬의 국제공동합작 유형을 공동투자(Co-financing), 공동제작(Co-production), 공동창작(Co-creation)으로설정하고, 여기에 산업 개발형의 한·중 합작, 한류콘텐츠 집중형인 한·일 합작, 장기 자본 이동형의한·영 합작의 산업적 특성을 접목하여 한국뮤지컬 산업 현황을 분석하였다. 이를 통해 기획에서 유통까지의 단계별 합작을 확대하고, 투자·제작·창작의 각 분야별 전문 인력 양성과 법률·회계·홍보 등의컨설팅을 제공함으로써 합작단계별 전문성을 강화시킬 수 있으며, 글로벌 보편성을 갖춘 스토리의 개발과 활용을 통해 한국뮤지컬의 국제공동합작이 더욱 확대될 것으로 기대한다.

International collaboration of Korean musicals has increased since the 2000s and it starts out as being largely divided into two forms. First is the collaboration in England and America for the occupancy of license and loyalty reduction. Second is the collaboration with Asian countries to increase the market of Korean original musicals. To classify the types of international collaboration, general types of international collaborations on cultural contents were first analyzed in this study. The unique characteristics of musicals were applied to this classification, and the international collaboration of Korean musicals was sorted into co-financing, co-production, and co-creation. By looking at the state by regions, two kinds of international collaboration are in progress in China and Korea; incorporation through equity joint venture of separate producers and business agreement for distribution. In Japan, Korea-Japan collaboration for the localization of Korean original musicals is being actively carried out. There are even cases of targeting the markets of both Korea and Japan from the planning stage of the collaboration, and this kind of collaboration is usually deeply related to the Korean Wave. Korean producers have been continuously interacting with England and America through licenses, and based on this fact, the producers are increasingly participating in the musicals of the region as a co-financer or a co-producer. Furthermore, Korea is expanding and reinforcing the joint network with England and America markets through geographical and cultural unity with Asian regions. Specifically, the target of investment should be classified according to the scale of capital investment, and an appropriate support system must be established. Also, expansion of collaboration at each stage, from planning to distribution, is required. This can be externalized by matching partners for each collaboration stage through the musical market and carrying out investment by each process through regulatory investment funds. By fostering human resources in the area of investment, production, and creation and providing consultation for law, accounting, and promotion, the professionality of each collaboration process can be strengthened. Lastly, expansion of the foreign market can be attempted through development and use of universal stories. Based on these efforts, we wish for the Korean musical to grow as a content that is increasingly loved in the global stage.

멀티미디어 시대에 살고 있는 우리들에게 생활 전반의 발전과 변화는 문화나 인류가 느끼는 감각보다도 더욱 빠르고, 다양하게 변화하고 있다. 특히 영상미디어예술의 그간의 역사를 되돌아 볼 때, 20세기TV의 창출로 다채로운 영상콘텐츠의 산출되었고, 21세기 컴퓨터시스템의 발현은 미디어예술의 획기적인변모를 이루어 현재는 영상미디어예술의 정점의 시대라 해도 과언이 아닐 정도다. 이러한 변화된 환경에따라 영화연기에서도 변화된 모습은 기술적인 측면에서도 나타난다. 본 연구는 이러한 관점에서 연기도메커니즘의 특징이나 방법들을 잘 이해하고 연기하면 보다 좋은 표현이 될 수 있다는 것을 입증하는연구이다. 이러한 기술적측면의 연기 연구의 입증을 위해서 손예진이라는 배우가 출연했던 두 작품을통하여 살펴보았다. 작품은 <클래식>과<덕혜옹주> 두 작품이며, 이는 두 작품의 제작시기의 차이에 따른환경변화와 메커니즘을 이해하는 연구가치가 있으며, 영화기법상의 쇼트와 영상 편집 위주의 연구를 통해 매체연기의 연기특징을 분명하게 제시하여 영상미디어 중심의 연기행위 형식을 보다 밀도 높게 고찰하고자 한다.

For those of us who are living in the age of multimedia, overall development and change in our lives are changing faster and more diverse than the senses felt by mankind. It is natural to see the difference between the generations. The camera acting has also changed a lot. When we think of TV dramas, analogue generation has been a long period of time with the introduction of color TV in the theatrical way of working in the generation of black and white transmission. Then, with the development and introduction of computers and the introduction of digital equipment, we have developed from the beta equipment to the ultra-speed environment that includes Digibeta and the sophisticated camera equipment now called Red. In addition, the development of CG has alleviated much of what humanity has thought impossible and made the imagination real. In addition, technical research must be conducted in such a situation. Obviously, technical methods may distract and interfere with the performers rather than at the shooting or acting sites, leading to the unfavorable direction of story development or flow. However, in order to deal well with guns and cars, as well as understanding and using the resources, characteristics, and methods of use of guns and cars in harmony with them, understanding the characteristics and methods of acting, we can often confirm good expression. This is not to say that technical research is absolute, but that it is a necessary factor to be aware of during and during acting training. I would like to take a look at the works of this technical aspect through two works by Son, Ye Jin. Both works are works <classic> and <The last Princess Deokhye>. This study investigated the reduction in SHOT and video editing. Like the spring water that comes out of the wave, this research seems to be worthy of the study because there are many parts to study.

연기란 배우가 어떠한 배역을 맡아서 그 역할을 창조하여 관객 또는 카메라 앞에서 재현하는 것을말한다. 배우가 연기를 하기 위해서는 우선 배역을 맡아야 하고, 역할을 창조하는 과정을 거쳐야 하며, 관객 또는 카메라 앞에서 역할의 행동을 재현(representation)하면서 극적기능을 수행함으로서 완성된다. 관객 또는 카메라 앞에서 배우가 연기를 하는 순간에 배우는 배우이면서도 배우가 아닌 역할로서 존재해야 하는 매우 특수한 상황에 처하게 된다. 이러한 상황을 만일 배우의 이중의 정체성이라고 볼 때, 본연구는 배우로 존재하면서도 역할로서도 존재해야 하는 배우와 역할의 정체성의 특수한 공존상태에 관한 연구이다. 연기자에게 역할을 수행하는데 있어서의 특수한 공존상태는 늘 상 존재한다. 그것은 결코분리되거나 연기영역에 따라 어느 한쪽 면으로 해석될 수 있는 문제도 아니다. 때문에 배우는 늘 이러한이중의 정체성을 인정하고 연기행위의 전제를 두어야 한다는 점이다. 이는 연기에 있어서 배우의 정체성에 대한 잘못된 이해와 혼돈의 문제를 해소하기 위함이다. 더 나아가 본 연구로 인하여 배우가 자신의연기를 역할화-이입화, 동질화-를 꾀하는데 있어서 효율적인 방향을 고찰한다.

Acting refers to an activity in which an actor creates a character and plays it in front of the audience or camera. When the actor plays the role in front of the audience or the camera, the actor is laid in a very special situation in which he/she must exist as an actor and the character at the same time. At any moment of acting, the actor should not exist only as an actor himself, nor should he exist as a role. This means that an actor must maintain dual identity in acting. Actually, some actors understand acting as a complete synchronization of characters, and they sometimes suffer from identity problem and struggle with other actors because of too much empathy with characters. On the other hand, there are actors who always adopt himself/herself into the character making no conflict. This duality of identity is inevitable in all forms of acting since acting is a mimetic activity in its nature as Aristotle defined it in [Poetics]. The dual identity is a common characteristic of acting, but its outcome may look different depending on the style of performance. Some performances require more character-like identity, but others may need more actor-like identity. The proportion is linked to the style of acting. In resolving actor’s identity problem, this paper investigates dual identity in acting, and further acting realm where an actor has to live with the dual identity.

2017 년은 중국 드라마 110주년 되는 해입니다. 중국 문학, 회화, 민속 음악, 무용, 예절과 같은 중국문화 유산에서 파생 된 말, 운동, 무용, 음악 등 다양한 예술적 장치를 사용하는 이른바 중국 극적인공연 시스템에 따르면, 배우와 배우, 음운론 및 의상 등 전통 중국의 미학이 관객 앞에서 무대에 서서서정적이고 서술적인 목적으로 포괄적인 예술 형식을 구현합니다. 이 중국 극적인 공연 시스템은 뚜렷한중국 국가 특성과 높은 미학적 성취를 특징으로 합니다. 내재적인 미적 정신은 “예술적 개념의 이론”이며개인이 아닌 민족 전체를 포함합니다. 중국 연극의 연기 시스템의 ‘예술적 경지’의 창작 과정은 바로 ‘실경의 가상화’의 과정이라고 할 수 있습니다. 지난 20년 동안 저자는 드라마 창작을 통해 예술적 개념의아름다움을 탐구하고 추구하는데 상당한 성과를 냈습니다. 동시에 시종일관 중국 연극이 어떻게 하면서양의 문화 배경 아래서 중국적인 자아를 표현하고, 중국적인 표정과 중국적인 음색을 낼 수 있는지깊이 고민해 왔습니다. 본고는 중국연극의 연기시스템, 민족연기 시스템에 대한 고찰을 통해, 중국 연극무대의 계승, 실질적인 추구를 통해 명료하게 중국 연극의 연기시스템의 ‘예술적 경지’를 탐색하고자 한다.

2017 marks the 110th anniversary of Chinese drama. According to the so-called Chinese dramatic performing system, actors and actresses, employing a variety of artistic devices including speech, movement, dance, music etc. derived from Chinese cultural heritage such as classical literature, painting, folk music, dance, etiquette, phonology and costume etc. and traditional Chinese aesthetics, act out a story on the stage before the audience, thereby realizing a comprehensive art form of both lyrical and narrative purposes. This system features distinct Chinese national characteristics and high aesthetic achievement. The inherent aesthetic spirit is “the theory of artistic conception”. Over the past two decades, the author has made substantial achievement in the exploration and pursuit of the beauty of artistic conception through the practice of drama creation.

2017年，中国话剧诞生110周年。而所谓中国戏剧表演体系的形成，是集中贯彻中国古典文学、 中国民族音乐、民族舞蹈、民俗礼仪礼节、音韵和服饰文化、中国绘画等多方面的传统民族文 化，继承中国的传统美学思想而形成的，又不乏戏剧中语言、动作、舞蹈、音乐等表演形式，由 演员扮演角色在舞台上当众表演故事，达到叙事达意的一种综合艺术形态。这是一个具有鲜明的 民族特色和高度美学成就的表演体系。因此，其内在的美学精神，就是“意境说”。近二十年来， 笔者一直在戏剧创作中探索、追求意境之美，颇有建树。

서양 연극은 20세기 초, 언어 중심의 연극에 대한 한계점과 인습적인 공연 형식과 공연 공간에 사용, 텍스트 중심의 공연 형태, 연기 양식 등 기존의 서양 연극에 대한 새로운 개념과 전통 연극에 대한 반항과 도전으로 아방가르드(Avant-Garde) 연극의 출현이라는 격변기를 맞게 된다. 이에 많은 연출가와 학자, 그리고 1960년대 이후 실험 연출가들은 새로운 형식, 새로운 개념을 실험하며 공연성 회복을 위해 다양한 모습을 보인다. 이에 대한 대안(Alternative)으로 동양연극을 차용, 모방, 또는 직접적으로 착안하여 새로운 형식, 무대 언어, 연기론 등을 다양한 형태로 구성하였다. 본 논문에서는 1960년대 새로운 연극의개념을 창안한 리차드 셰크너의 환경연극을 통해, 기존의 공연과는 다른 다양하고 새로운 공연예술의공연 공간의 활용과 관객 참여 형태, 연기 창조 방법에 대해서 문화상호적 양상을 살펴보고자 한다. 또한셰크너의 환경연극에 있어 ‘보는 이’로 그쳤던 관객을 ‘참여자’의 형태로 부각시켰다. 이러한 새로운 시도는 ‘상호 교류’라는 부분에서 그 뿌리를 같이 한다고 볼 수 있을 것이다. 문화상호주의의 관점에서 보았을 때, 공연 공간의 활용은 기존의 공간에 대한 새로운 시도라고 생각한다. 그리고 관객 참여 형태 또한새로운 시도인 동시에 공연과 함께하는 공연적 요소가 될 수 있음을 고찰해 보고자 한다.

Staring from the concept of Richard Schechner's Environmental theatre, performance group has shown mutual culture aspect through the performance that are practical use of performing space, forms of audience's participation and way of creating acting. The stage is diversified and outgrown from its former western proscenium self. Through this, the audiences bring out themselves as 'participant' that were as 'viewer'. If a new act system is materialized, various space can be expressed when maximizing the use of and creating the space. Especially for the interaction between the performer and the audiences, the actors should season their act style to get rid of boundary between the stage and the audiences. Through performing space composition of Schechner's like 《Dionysus 69》 and 《Makbeth》, it becomes an opportunity to create new performing space and environment, also looking forward to performing with using environment and space where is very familiar to the life.