Earticle

본 연구는 배우의 감정 표현 과정을 현대 뇌과학이 밝혀낸 감정 이론을 통해 살펴봄으로써 자연스러운 감정에 대한 효과적인 접근 방법을 모색했다. 이를 통해 배우의 감정 접근 방법에 대한 새로운 시각을 제시한다. 감정은 조절하기 어렵고, 직접적인 접근 방법은 오히려 역효과를 초래할 수 있다. 하지만, 연기의 최종 목적지는 감정의 영역이며, 이러한 감정의 특성 때문에 배우들은 감정을 표현하는 과정에서 오류에 빠지거나 어려움을 겪을 수 있다. 배우들은 감정을 억지로 만들어 내는 것이 아니라, 자연스럽게 조절하고 활용하는 방법을 익혀야 한다. 고전적 심리학에서는 인간의 감정이 타고난 것이라고 믿어져 왔다. 하지만, 리사 펠드먼 배럿의 구성된 감정 이론에 따르면 인간의 감정은 선천적으로 정해진 보편적 반응이 아니라, 우리의 뇌가 과거 경험, 신체 감각, 언어적 개념, 그리고 상황적 맥락을 통합하여 구성해 낸 결과이다. 또한, 현대 뇌과학은 감정이 생존과 적응을 위해 진화한 신경 회로 시스템의 결과임을 밝혀냈다. 감정은 과거 경험을 바탕으로 현재 상황에 대한 적절한 반응을 유도하며, 이는 신경전달물질과 호르몬 작용을 통해 이루어졌다. 예를 들어, 공포를 느낄 때 편도체가 활성화되어 ‘투쟁-도피’ 반응을 촉진하고, 이는 심박수 증가와 근육 긴장 등의 신체 변화를 일으켜 위험에 대비하게 만든다. 이러한 생존 메커니즘이 배우들의 감정 표현에도 중요한 역할을 할 수 있다. 따라서 본 연구는 현대 뇌과학에서 밝혀낸 감정 이론을 이해하고 구성된 감정 이론에 근거하여 배우의 감정 표현 과정을 뇌과학적으로 고찰했다. 이를 통해 배우의 감정 표현에 대한 과학적 접근 방법을 제시했다. 이 연구를 통해 연기 분야에도 과학적인 접근 방법이 도입될 것으로 기대된다. 더불어 이러한 과학적 발견을 배우 훈련에 적용한다면, 보다 체계적이고 실증적인 연기 방법론을 구축할 수 있을 것이다. 따라서 현대 뇌과학이 제시하는 감정 이론에 근거하여 배우의 자연스러운 감정 표현을 위한 새로운 접근 방안을 찾을 필요가 있다.

This study examined actors’ emotional-expression processes through the lens of contemporary neuroscience theories of emotion, in order to identify effective approaches for achieving naturalistic emotional performance. The research offers a fresh perspective on how actors approach emotion. Emotions are notoriously difficult to regulate, and direct, forceful techniques often backfire. Yet the ultimate aim of acting is to inhabit the emotional realm, and these very characteristics of emotion can lead performers into mistakes or emotional blocks. Rather than fabricating feelings from the outside, actors must learn to modulate and harness their emotions organically. Classical psychology assumed that human emotions are innate, hardwired responses. In contrast, Lisa Feldman Barrett’s Theory of Constructed Emotion posits that emotions are not universal, preordained reactions but the brain’s on-the-fly constructions—integrating past experiences, bodily sensations, linguistic concepts, and situational context. Moreover, modern neuroscience has shown that emotions arise from evolved neural circuits designed for survival and adaptation. Emotions guide appropriate responses to current situations based on past learning, mediated by neurotransmitters and hormones. For example, when fear is experienced, the amygdala activates the fight-or-flight response-raising heart rate and tensing muscles to prepare the body for danger. Such survival mechanisms also underpin actors’ emotional expression. Accordingly, this study first clarifies the neuroscientific underpinnings of emotion, then, drawing on the Theory of Constructed Emotion, investigates actors’ emotion-generation processes from a brain-science perspective. By doing so, it proposes a scientific approach to training emotional expression in performance-and anticipates that acting pedagogy will increasingly embrace such evidence-based methods. In addition, if these scientific findings are applied to actor training, a more systematic and empirical acting methodology can be established. Therefore, it is necessary to find a new approach for expressing actors' natural emotions based on the emotional theory proposed by modern brain science.

소극은 배우의 신체에 의존해 억압된 인간의 본성을 드러냄으로써 관객의 웃음을 유발하는 연극적인 연극이다. 소극의 플롯은 매우 빈약하며 논리적 개연성보다는 희극적 상황을 연결하는 정도로 헐렁하다. 소극의 행동은 인과관계가 아닌 인간의 원초적인 본성에 기인한 충동에 있으며, 그것은 소극 인물의 유형성을 강화하는 과장되고 경도된 낯선 신체로 드러난다. 이렇듯 소극에서 배우의 신체는 헐렁한 플롯을 채우는 대체제이자 웃음의 원천으로, 소극의 웃음은 유형적 인물에 관통한 신체적 낯설게하기에 의해 창출된다. 관객 앞에 적나라하게 드러난 신체는 심리적 거리를 두고 마주하도록 유도하고 이에 관객은 폭소하게 되는 것이다. 결국 소극의 웃음 창출 방법은 신체적 낯설게하기에 의한 정서적 거리두기에 있다. 소극은 과장되고 적나라한 배우의 신체를 앞세워 관객의 감정이입 대신 웃음의 에너지를 통해 연극의 능동적 참여자가 되게 하는 것이다. 마치 브레히트가 관객의 비판적 사고를 유발하기 위해 거리를 두고 생소화를 일으켜 관객이 무대 위 사건에 감정적으로 동화되는 것을 방지하려는 것과 유사하다. 이러한 생경함의 인식은 관객에게 새로운 인식의 결과를 마주하게 하는 기회를 제공함으로써 관객을 의미 생성의 주체로 자리매김하게 한다. 이는 소극의 양식이 구조적으로 브레히트의‘낯설게 하기’방식을 내포하고 있음을 의미한다. 본 연구는 소극의 웃음이 브레히트의‘낯설게 하기’기법과 유사한 맥락에서 창출되고 있으며, 소극의 놀이성은 신체적 낯설게하기에 따른 관객 참여에 있음을 피력하고자 한다. 이에 필자는 소극의 양식을‘낯설게 하기’로 살펴보고, 소극이 배우와 관객이 상호작용을 하는 연극의 본질적 의미를 강화할 뿐 아니라 놀이의 연극으로서 관객을 의미 생산의 주체로 유도하고 있음을 논증하고자 한다. 더불어 필자는 소극의 연극성을 ‘낯설게 하기’에 의한 희극성으로 정의하고, 놀이로서의 소극의 웃음 창출 방법과 그 양상이 어떻게 ‘낯설게 하기’ 기법에 부합하는지 고찰하고자 한다. 이는 오랜 시간 동안 웃음만을 유발하는 연극으로 폄하되었던 소극의 진정한 웃음의 의미를 회복하기 위함이기도 하다. 소극의 웃음은 억압된 정서의 해방 및 배우와 관객이 지금, 여기 함께 공존하며 생성되는 에너지, 즉 상호작용에 따른 놀이 활동의 산물로서 관객을 의미 생성의 주체로 자리매김하게 하는 연극의 본질을 수호하고 있음을 증명하려는 것이다.

The characteristic of farce, a theatrical genre formed in the mid-15th century based on literary forms, is that it consists of the physical actions of actors and accidental events rather than the completeness of the plot. Farce elicits laughter of audience by intentionally distancing itself from the audience and revealing the suppressed human nature through reliance on the actor's body. Similar to Brecht's method of inducing critical thinking of the audience and preventing their emotional identification with the events on stage by causing defamiliarization through distancing from the audience, farce makes the audience an active participant in the play by generating the energy of laughter instead of empathy through exaggerated and explicit physical representations of the actors, meaning that the form of farce structurally contains Brecht's 'defamiliarization' method. This study, in this context, argues that the audience's laughter in farce is created through a process similar to Brecht's 'defamiliarization' technique and that the playfulness of farce lies in the audience's participation through defamiliarization. This study, accordingly, clarifies the form of farce as ‘defamiliarization’ and argues that farce not only reinforces the essential meaning of theatre as the interaction between actors and audience, but also induces the audience as the subject of meaning production through theatre as play. The passive laughter is intended to prove that it protects the essence of the play, which establishes the audience as the subject of meaning creation, as the product of the play activities created by the actors and audiences coexisting here and now, that is, the energy created by interaction. I would like to define the theatricality of passive as the comedy by 'unfamiliarizing', and consider how the method of creating laughter of passive as a play and how the aspect fits the 'unfamiliarizing' technique. This is also to restore the meaning of the true laughter of passive, which has been denigrated as a play that only induces laughter for a long time. The passive laughter is intended to prove that it protects the essence of the play, which establishes the audience as the subject of meaning creation, as the product of the play activities created by the actors and the audience coexisting here and now, that is, the energy created by interaction.

본 연구는 현대 영화 및 OTT시리즈 제작과정에서 감독의 영화 연기연출 방법의 새로운 가능성을 모색하는 데 그 목적이 있다. 배우에게 역할에 몰입하고 자연스러운 연기를 끌어내는 데 초점을 맞춘 켄 로치(Ken Loach)의 독창적인 연기연출은 현대 영화감독 및 OTT시리즈 감독에게도 시사하는 바가 크다. 그의 작품은 전문 배우와 비전문 배우 모두에게서 연기의 진정성을 극대화할 수 있는 방법론들을 입증했다. 무명 배우인 피터 뮬란(Peter Mullan)은 켄의 작품을 통해 칸 영화제 남우주연상을 받았고, 비전문 배우였던 아역 배우 데이비드 브래들리(David Bradley)는 영국 영화 아카데미에서 신인연기자상을 수상하였다. 본 논문은 이러한 켄의 연기연출 방법론 연구를 토대로 그의 사회적 사실주의(Social Realism) 연기연출 방법 분석을 담고 있다. 첫째, 네오리얼리즘으로부터 기인한 켄의 비전문에 대한 캐스팅 방법론과 함께 비전문 배우와 전문 배우의 앙상블을 통한 ‘현존성 강화’ 방법에 관해 탐구하였다. 둘째, 배우와 ‘주어진 상황’(Given circumstance)에 대한 토론을 통한 현장 연출 방식을 통해 배우의 자발성(Spontaneity)을 강화하며 독립된 영역인 연출과 연기를 관통하는 감독과 배우의 소통 방법을 모색했다. 셋째, 카메라의 초점거리와 카메라의 위치를 활용하여 연기적 자율성과 배우의 몰입을 방해하지 않는 기술 계획(Technical plan)을 제시하였다. 이를 위해 켄의 연기연출 방법론을 ‘배우에 대한 접근 방법’과 ‘촬영 기술에 대한 접근 방법’으로 나누어 고찰하였다. 기술 중심의 연출 방식이 강조되는 현대의 제작 환경 속에서, 본 논문이 주장하는 배우의 자발성과 몰입을 중시하는 연기연출 전략은 감독과 배우의 창조적 소통을 유도하며 영화 제작 환경에서 사실적인 연기 예술을 구현하는 데 실질적인 기여를 할 수 있을 것으로 기대한다.

This study aims to reestablish the roles of directors and actors in the production of contemporary films and OTT series and to explore new possibilities in film directing methods. Ken Loach’s innovative approach to acting direction, which focuses on immersing actors in their roles to elicit natural performances, offers significant insights for modern filmmakers and directors of OTT series. Loach’s works have demonstrated methodologies that effectively maximize the authenticity of performances from both professional and non-professional actors. This study contains an analysis of his acting direction methodology in Social Realism, based on a study of his approach to acting direction. First, it examines his casting methods for non-professionals derived from Neorealism, and the “enhancement of presence” through ensembles of non-professional and professional actors. Second, it explores the director-actor communication that penetrates the independent realms of directing and acting, enhancing actors’ spontaneity through on-set directing methods that involve discussions about “given circumstances”. Third, it presents a technical plan that utilizes camera focal lengths and positioning to facilitate acting autonomy and actor immersion without interference. To achieve this, the paper divides and examines his directing methodologies into two main approaches: one towards the actors and another towards the techniques used on the set. In response to the increasing reliance on technology-oriented directing methods in contemporary film production, this study proposes an alternative strategy of acting direction that foregrounds actors’ spontaneity and immersive engagement. This approach aims to facilitate creative collaboration between directors and actors, ultimately contributing to the development of realistic performance aesthetics in cinematic practice.

이 연구는 동시대에 여전히 주요한 흐름으로 논의되고 있는 사실주의 연기의 초기 유입 양상과 형성 과정을 심도 있게 살피고, 한국 연기사적 의미를 고찰하는 데 목적을 둔다. 20세기 초 사실주의 연극의 태동과 함께 형성된 사실주의 연기술을 스타니슬랍스키의 연기 원리를 바탕으로 화술, 연기, 무대 연출의 세 가지 측면에서 분석하였다. 첫째, ‘화술’에서는 화법과 어조 그리고 인칭의 변화가 가장 두드러졌으며, 이러한 변화는 일상적인 화술로의 이행을 통해 이루어졌다. 독백에서 대화 구조로의 전환, 영웅조에서 일상적 구어조로의 변화, 삼인칭 설명체에서 일인칭 대화체로의 이동은 연기와 대사의 관계를 근본적으로 재구성하였다. 이로 인해 관객과의 소통이 더욱 긴밀해지고, 극적 몰입감과 현실감이 향상되면서 사실주의의 구조적 기반이 더욱 확립되었다. 둘째, ‘연기’적 측면에서는 진실성과 움직임, 그리고 관객과의 호흡의 변화가 이루어졌다. 이 과정에서 스타니슬랍스키의 주된 ‘심리적 사실주의’ 기법이 묻어나기 시작했으며, 사실주의 연기술의 핵심인 ‘현존을 위한 연기’로 이어졌다. 외적 진실성에서 내적 진실성으로의 변화는 배우가 감정과 경험을 깊이 이해하고 표현할 수 있도록 하였으며, 양식화된 움직임에서 자연스러운 움직임으로의 변화는 무대에서의 현실감을 극대화하였다. 또한, 이화 작용에서 동화 작용으로의 변화는 배우와 관객 간의 보다 깊은 정서적 공감을 촉진했다. 마지막으로, ‘무대 연출’적 측면에서는 서구식 극장의 설립으로 ‘제4의 벽’이 형성되어 사실주의 연기를 위한 환경이 내·외적으로 조성되었다. 극적 진실성을 위한 무대 장치의 발전은 극의 몰입감을 높이는 데 중요한 역할을 했으며, 체계적인 연습과 전문성의 확립은 연기의 예술성을 향상시켰다. 이러한 변화는 오늘날 우리가 접하는 사실주의 연기 예술의 기초가 되며, 이후의 많은 연극적 실험과 발전에 큰 영향을 미쳤다. 따라서 본 논문에서는 한국 사실주의 연기술의 형성 과정을 면밀히 분석함으로써 동시대 한국 사실주의 연기에 대한 깊이 있는 미학적 담론을 형성하고, 앞으로 나아가야 할 방향을 모색하는 데 중요한 기초 자료를 제공하고자 한다.

This study aims to examine in depth the early introduction and development of realist acting, which is still discussed as a major contemporary trend, and to consider its significance in the history of Korean acting. Formed at the dawn of realist theater in the early 20th century, realist acting techniques were discussed based on Stanislavski’s acting principles and were divided into three main elements: the actor’s speech, acting, and stage direction. First, in “speech,” the changes in speech, tone, and persona were most pronounced, marked by a shift toward everyday language. The transition from monologue to dialog structure, from heroic to everyday speech, and from third-person exposition to first-person dialog fundamentally reconfigured the relationship between acting and lines. Second, on the “acting” side, there was a shift in authenticity, movement, and interaction with the audience. It was in this process that Stanislavski’s main technique of psychological realism began to emerge, leading to the “acting for presence” that lies at the heart of realist acting technique. Finally, in terms of “stage direction,” the establishment of Western-style theaters introduced the concept of a “fourth wall,” enabling an environment conducive to realistic acting both internally and externally. The development of staging devices for dramatic authenticity played an important role in increasing theatrical immersion, and the establishment of systematic practice and professionalism enhanced the artistry of acting. These changes laid the foundation for the realist acting art we see today and greatly influenced many subsequent theatrical experiments and developments. Therefore, by closely analyzing the formation process of Korean realist acting techniques, this paper seeks to contribute to a deeper aesthetic discourse on contemporary Korean realist acting and provide important foundational material for exploring future directions.

본 연구는 영화 〈블루 재스민〉의 주인공 재스민 캐릭터를 심리적 방어기제의 관점에서 분석하였다. 이를 통해 인물의 복합적인 내면 구조를 파악하고, 이를 연기적으로 어떻게 구현할 수 있을지를 탐색하고자 하였다. 분석은 정신분석학의 주요 방어기제 개념인 부정, 억압, 투사, 합리화, 해리를 이론적 틀로 삼아, 재스민이 위기 상황 속에서 이들 방어기제를 전환하거나 중첩적으로 사용하는 과정을 중심으로 고찰하였다. 재스민은 서사의 전개에 따라 점진적인 심리적 퇴행을 겪는 인물로 나타났으며, 이러한 변화는 영화의 구조적 흐름 속에 유기적으로 반영되었다. 케이트 블란쳇은 각 방어기제를 목소리 톤, 신체 긴장, 시선 처리, 발화 리듬 등의 미세한 연기 요소를 통해 설득력 있게 표현하였다. 부정은 고정된 미소와 반복되는 자기 서사로, 억압은 감정 표현의 부재와 경직된 자세로, 해리는 멍한 응시와 정서적 단절로 구현되었으며, 투사와 합리화는 각각 타인에 대한 비난과 논리적 정당화 방식으로 드러났다. 이러한 연기 방식은 인물의 무의식적 심리 상태를 신체적으로 가시화하는 구체적 전략으로 작용하였다. 장면 전개에 따라 방어기제는 점진적으로 전이되거나 중첩되며, 배우는 이를 통해 감정의 흐름과 리듬을 섬세하게 조율해 나간다. 결과적으로, 방어기제를 중심으로 한 연기 표현의 분석은 배우가 인물의 심리 구조를 정밀하게 구성하고, 무의식적 정서를 신체적·언어적으로 통합하는 데 효과적인 접근이 될 수 있음을 시사한다. 특히 언어적 표현과 비언어적 정서 사이의 긴장 관계를 포착하고 이를 연기로 전환하는 데 있어, 방어기제 분석은 실천적 훈련 도구로서의 가능성을 제시한다. 나아가 이러한 접근은 단일 캐릭터 분석을 넘어 연기 교육과 배우 훈련 전반에 응용될 수 있으며, 심리학과 연기예술 간의 학제적 연계를 통해 인간 심리의 복합성을 창조적으로 표현하는 연기 방법론의 발전에 기여할 수 있을 것이다.

This study investigates the character of Jasmine, the protagonist of the film Blue Jasmine, through the lens of psychological defense mechanisms, offering a systematic framework for understanding complex character psychology and its translation into performance techniques. Drawing on psychoanalytic theory, the research examines five primary defense mechanisms—denial, repression, projection, rationalization, and dissociation—analyzing their manifestation across verbal, physical, and emotional dimensions. The analysis reveals a distinct psychological trajectory: Jasmine initially relies on denial and rationalization but progressively shifts to repression and projection as her crisis deepens, ultimately reaching a dissociative state that signifies profound psychological regression. Cate Blanchett's performance masterfully articulates these layered psychological transitions through precise modulation of vocal tone, gaze control, bodily tension, and speech rhythm. This study demonstrates that the concept of defense mechanisms provides a powerful interpretive framework for analyzing inner conflicts and irrational behavior in character development, offering actors concrete strategies for emotional calibration and psychological authenticity. The defense mechanism analysis establishes an innovative methodological approach for articulating the tension between spoken content and unspoken emotional truth in performance. This research significantly advances the interdisciplinary dialogue between psychology and the performing arts by providing both theoretical insights and practical applications that enrich acting pedagogy. The findings contribute valuable tools for acting training and character construction that authentically reflect the complexity and contradictions of human psychology in dramatic representation. The purpose of this study is to analyze in-depth the operational aspects of the five main defense mechanisms shown by the main character Jasmine in "Blue Jasmine"—denial, oppression, projection, rationalization, and dissociation—and expand them into practical analysis tools of acting art. Through this, we intend to present a systematic character analysis approach that can be used by actors to grasp the psychological structure of complex characters and express them physically and emotionally.

본 연구는 국내 최초 뮤지컬 스토리텔링 레스토랑 ‘몽드샬롯’을 공연학적 관점에서 고찰한 사례연구이다. 몽드샬롯은 샤롯데씨어터 내에 조성된 다이닝이라는 일상적 행위를 하나의 예술적 퍼포먼스로 확장한 레스토랑으로 뮤지컬 콘텐츠를 테마로 한 코스메뉴 구성과 스토리텔링을 통해 다감각적 예술 경험을 제공한다. 이에 연구자는 몽드샬롯을 하나의 퍼포먼스로 인식하고 이를 통해 공연예술의 개념을 재정의하고 확장할 가능성을 확인하고자 하였다. 이를 위해 퍼포먼스 이론과 수행성 개념을 이론적 틀로 설정하고 관객의 감각적 경험과 수행 중심의 참여 양상에 주목하였다. 몽드샬롯에서의 전체 공연 과정은 관객의 상상력을 비롯하여 청각, 촉각, 후각, 시각, 그리고 미각의 오감을 총동원하는 공연적 요소를 모두 활용하는 감각적 행위로 구성되며, 이로 인해 관객은 몰입과 수행을 적극적으로 경험하게 된다. 관객은 이러한 수행을 통해 자신이 공연 일부가 되었음을 자각하고 점차 스스로를 공동창작자로 인식하게 된다. 또한, 관객은 공연 체험 이후 SNS에 후기 콘텐츠를 생성하며 공연의 재생산자로 기능함으로써 공연의 확산과 재창조에 자발적으로 참여한다. 공연학적 관점으로 봤을 때, 이는 관객의 정체성을 고객에서 능동적 관객으로 변모시키며 새로운 관객성 형성에 기여한다고 볼 수 있다. 이러한 다감각적 경험은 관객의 몰입도를 증대시키고, 레스토랑이라는 비공연 공간을 예술 무대로 전환하는 매개가 되는 것이다. 본 다이닝 퍼포먼스는 관객의 수행성을 기반으로 성립되어 결과보다 과정을 중시하는 퍼포먼스의 미학과도 맞닿아 있으며 일상과 예술의 경계를 해체하는 실천적 사례로 평가될 수 있다. 그 결과 본 연구는 기존의 수동적 관객성과는 구별되는 공동창작자적 관객성의 가능성을 확인하고, 다이닝 퍼포먼스를 하나의 공연예술로 인식하는 계기를 형성하여 국내 공연예술계의 확장 가능성과 제고에 기여할 수 있는 학문적 및 실천적 의의를 지닌다.

This study examines Mong de Charlotte, Korea’s first musical storytelling restaurant, from the perspective of performance studies. Located within the Charlotte Theater, Mong de Charlotte reinterprets the everyday act of dining as an artistic performance, offering a multisensory experience through a course meal themed around musical content and narrative storytelling. The researcher approaches this space as a form of performance and explores its potential to redefine and expand the boundaries of performing arts. To that end, this paper is grounded in performance theory and the concept of performativity, with particular focus on the sensory experiences of the audience and their participatory actions. Erika Fischer-Lichte’s theory of performativity and the autopoietic feedback loop provide key theoretical frameworks to explain how the audience functions as co-creators of the performance. The study analyses a practical case: the themed dining experience based on the musical <Hadestown>. At the beginning of the performance, the storyteller introduces the narrative world and structure of Mong de Charlotte, gradually stimulating the audience’s senses through symbolic tools and props. The performance unfolds as a sensory act mobilizing all five senses—hearing, touch, smell, sight, and taste—thereby inducing deep immersion and performative participation. Through this process, the audience gradually realizes they are part of the performance and adopts the role of co-creator. After the performance, audience members voluntarily generate and share content on social media, participating in the reproduction and dissemination of the experience. This shift transforms the audience’s identity from passive consumers to active participants, contributing to a new mode of spectatorship. The multisensory nature of the performance bridges emotional immersion with physical experience, converting the restaurant into a performative venue. As such, the dining performance aligns with the aesthetics of performance that value process over outcome and blurs the boundary between art and everyday life. This study confirms the possibility of a co-creative spectatorship distinct from conventional audience roles and presents Mong de Charlotte as a viable model for dining as a legitimate performance art. It further suggests that dining performance may foster the growth and sustainability of the Korean performing arts scene by connecting artistic innovation with popular engagement.

최근 온라인 뮤지컬공연은 급속히 발전하는 디지털 기술과 미디어 환경을 기반으로 오프라인 공연의 일시적인 대안에서 벗어나 새로운 형식의 문화예술 콘텐츠로 확산하고 있다. 이제 공연장에서 대면으로 펼쳐지던 공연예술이 뉴미디어와의 융복합을 통해 디지털 영상콘텐츠로 제공됨으로써 관객들은 오프라인 공연의 시간적·공간적·경제적 제약에서 벗어나 온라인을 통해 공연예술에 쉽게 접근할 수 있게 되었다. 본 연구는 온라인 뮤지컬공연의 소비유형을 도출하고, 소비유형별 인구통계학적 특성과 소비행태, 소비가치를 실증적으로 밝히는 데 그 목적이 있다. 연구를 위한 설문 조사는 전문기관에 의뢰하여 240명의 응답자를 대상으로 진행하였고, 수집된 데이터는 SPSS 26.0으로 분석하였다. 연구결과, 첫째, 온라인 뮤지컬공연의 소비유형은 “고 소비집단”, “중 소비집단”, “저 소비집단”의 3개로 도출할 수 있었다. 둘째, “고 소비집단”은 유행 추구, 과시적 추구성향을 보이는 30~50대 대졸 이상 학력의 회사원, 전문직, 전업주부가 주된 관객층이고, 응답자의 약 69%가 연간 3회 이상 유튜브와 OTT 서비스를 통해 유료(약 83%)로 관람하며, 감정적 가치와 사회적 가치를 추구하는 특성을 가진다. 셋째, “중 소비집단”은 자기 주도적 추구, 고품격 추구성향을 보이는 30~40대 대졸 이상 학력의 회사원, 공무원이 주된 관객층이고, 응답자의 약 53%가 연간 3회 이상 유튜브와 OTT 서비스, 네이버 V 라이브를 통해 유료(약 72%)로 관람하는 특성을 가진다. 넷째, “저 소비집단”은 합리적 추구성향을 보이는 10~30대의 학생 또는 대졸 이상 학력의 회사원, 프리랜서가 주된 관객층이고, 응답자의 약 39%가 연간 3회 이상 유튜브와 OTT 서비스를 통해 유료(약 65%)로 관람하며, 사회적 가치를 추구하는 특성을 가진다. 본 연구의 결과는 온라인 뮤지컬공연의 관객개발에 이론적·실무적 시사점으로 활용되었으면 하며 향후, 다양한 인구통계학적 특성을 갖는 관객층의 소비성향과 소비행태, 소비가치 등을 좀 더 정교하게 다루는 후속 연구가 진행되었으면 한다.

Recently, online musical performances are spreading to new forms of cultural and artistic content, away from temporary alternatives to offline performances based on rapidly developing digital technology and media environments. Now, performing arts, which were held face-to-face at the concert hall, are provided as digital video content through convergence with new media, allowing audiences to easily access performing arts online, free from the time, space, and economic constraints of offline performances. The purpose of this study is to derive the consumption types of online musical performances and to empirically reveal the demographic characteristics, consumption behavior, and consumption value of each consumption type. The survey for the study was conducted on 240 respondents by requesting a specialized institution, and the collected data were analyzed as SPSS 26.0. As a result of the study, first, the consumption types of online musical performances could be derived into three types: “high-consumer group”, “medium-consumer group”, and “low-consumer group”. Second, the "high-consumer group” has the main audience of office workers, professionals, and full-time housewives with college graduates or higher in their 30s and 50s who show a tendency to pursue fashion and show off, and about 69% of the respondents watch it at a fee (about 83%) through YouTube and OTT services more than three times a year, and have the characteristics of pursuing emotional and social values. Third, the "medium consumer group” has the main audience of office workers and civil servants with college graduates or higher in their 30s and 40s who show a tendency to pursue self-directed pursuit and high-quality, and about 53% of the respondents watch it at a fee (about 72%) through YouTube, OTT services, and Naver V Live more than three times a year. Fourth, the "low-consumer group” has the main audience of students, and office workers, freelancers with college graduates or higher in their 10s and 30s who show reasonable pursuit, and about 39% of the respondents watch it at a fee (about 65%) through YouTube and OTT services more than three times a year, and have the characteristic of pursuing social values. The results of this study are intended to be used as theoretical and practical implications for the audience development of online musical performances, and follow-up studies dealing with consumption propensity, consumption behavior, and consumption value of audiences with various demographic characteristics will be conducted in the future.

본 연구는 음악대학 학생들의 진로 선택 어려움에 대한 불안 의식과 기존 실기 중심 교육과정의 한계를 바탕으로, 예술계열 맞춤형 진로교육 교과목의 개발 필요성을 제기하고, S 대학교 음악학부에서 시범 운영된 <진로와 취·창업> 교과목의 설계 및 실행 과정을 분석하였다. 음악전공자들은 졸업 후 연주자 및 교육자 외에도 다양한 진로를 탐색할 필요가 있으나, 체계적인 진로교육의 부재와 정보 부족으로 인해 높은 수준의 진로 불안을 경험하는 경향이 있다. 이에 본 연구는 음악전공 학생을 위한 정규 교과 기반의 진로교육 프로그램 개발 사례를 중심으로 실천적 방안을 모색하였다. 연구 방법은 교과목 수업계획서 분석, 설문 조사, 학생 과제물 및 발표 내용 검토, 교수자의 상담자료 분석 등 사례연구 방식으로 구성되었으며, 총 15주 차 수업의 주 차별 구성과 평가 방식, 교육 효과 및 한계점을 고찰하였다. 그 결과, 본 교과목은 학생들의 진로 인식 전환, 자기 주도적 경력 설계 역량 강화, 실질적 진로 탐색의 동기 부여에 긍정적인 효과를 보였다. 또한, 해당 교과목의 개선 방향으로 음악계열 전공 확대 운영, 후속 심화 교과목 개발, 외부 전문가 및 기관과의 협업, 교수자의 진로지도 역량 강화 필요성을 제시하였다. 특히 본 교과목은 단회성 특강이나 비교과 중심의 기존 진로교육을 넘어, 졸업 후 음악전공자의 진로 설계를 위한 교육 모델의 가능성을 실증적으로 제시하였다. 이는 향후 다양한 음악대학에서 체계화된 진로교육을 도입하는 데 있어 기초 자료로 활용될 수 있으며, 음악 교육 및 고등예술교육 정책의 개선 방향에 중요한 시사점을 제공할 것이다. 나아가 실기 중심으로 구성된 음악대학 교과과정 내에서 상대적으로 소외되어온 진로교육의 공백을 정규 교육과정 차원에서 보완한 실제 사례로서, 향후 다양한 음악전공 유형에 적합한 맞춤형 진로교육 커리큘럼 개발로 확장될 수 있다.

This study explores the necessity of developing a career education course tailored to the needs of students in the arts, by addressing the career-related anxiety experienced by music college students and the limitations of performance-centered curricula. It analyzes the design and implementation of Career and Entrepreneurship, a course piloted at the Department of Music, S University, as a model of curriculum-based career education for music majors. While music students must explore a wide range of career paths beyond performance and teaching, many experience career anxiety due to the lack of systematic education and limited access to information. This study seeks to identify practical strategies for embedding structured career education into the formal curriculum. A case study methodology was used, analyzing course materials including the syllabus, student surveys, assignments, presentations, and counseling records. The 15-week course was examined in terms of weekly instructional components, assessment methods, educational outcomes, and limitations. The findings show that the course contributed to shifts in students’ career awareness, enhanced self-directed planning abilities, and increased motivation to explore diverse career options. Recommendations for improvement include expanding the course to other music disciplines, developing advanced modules, collaborating with external professionals and institutions, and strengthening instructors’ career guidance capacities. Moving beyond short-term lectures and extracurricular programs, this course presents an empirically grounded model for career education within the formal curriculum. It offers a foundation for structured, discipline-specific career education in music colleges and provides insights for future curriculum and policy development in higher arts education. Ultimately, this case illustrates how a regular, credit-bearing course can fill the long-neglected gap in career education within performance-oriented programs and suggests the potential for developing tailored curricula across various music disciplines.

‘살롱드라마’란 1960년대 극장이 절대적으로 부족했던 당시의 상황을 타개하기 위해 다방, 호텔, 강당등 대안적인 공간에서 행해졌던 작은 규모의 연극 공연을 통칭하는 용어이다. 이에 대한 기존의 연구는연극사의 관점에서 새롭게 등장한 공연 장소와 그에 따라 형성된 연극 미학에 주목하는 것이었다. 하지만 살롱드라마의 발생과 전개는 1960년대 초반부터 본격화되었던 도시 서울의 양적 팽창, 상업화, 소비및 유흥 공간의 확대, 현대적 도시 스펙터클의 출현과 긴밀히 관련되어 있다. 살롱드라마가 발견한 대안적 공간들인 다방, 호텔 등의 소비 공간, 강당이나 홀 등의 행사장은 현대적 도시를 향한 서울의 변화 과정에서 급속히 확산했고, 살롱드라마 관극은 변화하는 도시 공간에 대한 체험과 분리될 수 없는 것이었다. 관객들은 살롱드라마를 보기 위해 새로이 도입된 빠른 속도감의 교통수단을 통해 마천루가 운집한도심에 진입하고, 티켓을 구하거나 공연장을 찾으며 명동과 종로 등 상업화가 빠르게 진척되고 있는 거리의 현대화를 실감하고, 공연이 시작되면 현대적으로 꾸민 호텔, 다방, 강당이 최신 사조의 연극적 공간으로 변환되는 현장을 목격한다. 이러한 과정을 통해 그들은 살롱드라마를 감각적, 지적으로 특별한 이벤트로 여기게 된다. 이처럼 살롱드라마는 도심 공간을 무대로 하여, 도회적 소비와 여흥, 최신 문화 조류에 대한 지적 호기심, 현대적 미감을 충족하는 문화적 퍼포먼스였다고 할 수 있다. 1970년대 민간 소극장 설립이 이루어지면서 살롱드라마의 공간적 대안성의 성격은 점차 약해지게 된다. 그러나 오늘날 카페, 식당, 펍, 문예회관의 행사장에서 확산하고 있는 다양한 공연들은 그 내적 미학뿐만 아니라, 공연 생산과수용의 환경 및 과정의 체험을 포괄하는 일련의 퍼포먼스로서의 성격을 이어받고 있다. 본 연구는 살롱드라마의 대안성을 공간에 초점에 두고 1960년대에 한정하여 살펴본 한계를 지닌다. 향후 시기와 장르를확장하여 다양한 공연의 대안성과 복합성에 대한 연구가 요청된다고 할 수 있다.

The term ‘salon drama' refers to the small-scale theatrical performances that were held in alternative spaces such as coffee shops, hotels, and auditoriums in the 1960s to overcome the absolute lack of theaters. Existing research on this topic has focused on the newly emerged performance venues and the theatrical aesthetics that were formed accordingly from the perspective of theater history. However, the emergence and development of salon drama is closely related to the quantitative expansion of urban Seoul, which began in earnest in the early 1960s, the expansion of commercialization, consumption and entertainment spaces, and the emergence of modern urban spectacle. As audiences enter the skyscraper-lined city center via the newly introduced rapid transit system to purchase tickets or find a venue, they experience the modernization of rapidly commercializing streets such as Myeongdong and Jongno, and witness the transformation of modern hotels, coffee shops, and auditoriums into venues for the latest theatrical productions. Through this process, they come to view salon drama as a sensory and intellectual event. As such, salon drama was a cultural performance that took place in urban spaces and constructed a narrative of urban consumption and entertainment, intellectual curiosity about the latest cultural currents, and the fulfillment of modern aesthetics. With the establishment of private small theaters in the 1970s, the spatial alternative nature of the salon drama of the 1960s gradually waned. However, the various performances that are proliferating today in cafes, restaurants, pubs, and halls have inherited the character of cultural performance that encompasses not only the internal aesthetics but also the environment and process of production and reception. This study is limited to examining the alternative nature of salon drama in the 1960s with a focus on space. Future research on the alternativity and complexity of various performances by expanding the time period and genre is called for.

본 연구는 이브 엔슬러(Eve Ensler)의 희곡 <버자이너 모놀로그>(The Vagina Monologues)를 분석 대상으로 삼아, 작품이 지닌 후연극적 서사 구조가 여성 주체성 구성에 어떠한 역할을 수행하는지를 규명했다. 기존 연구들이 사회적 영향이나 공연 실천에 초점을 맞춘 반면, 본고는 텍스트 내부의 구조적 전략에 주목하여, 탈중심성, 다성성, 상호텍스트성 등의 요소가 어떻게 전통적인 선형 서사를 해체하고, 여성의 다원적 경험을 수용할 수 있는 개방적 표현 공간을 창출하는지를 고찰했다. 이 작품은 단편화된 다중 독백 형식을 통해 단일 시각을 해체하고, 상이한 젠더 경험들을 병치함으로써 여성 주체성이 자율적으로 서사화될 수 있는 구조적 조건을 마련했다. 이러한 서사는 관객에게 정서적 공감뿐 아니라 인지적 전환의 계기를 제공하며, 개인의 젠더 정체성과 사회적 위치를 재고하게 한다. 서로 다른 목소리들이 병존하는 서사 구조는 관객이 기존의 성별 규범을 거리 두고 비판적으로 인식할 수 있도록 유도했다. 이 과정에서 텍스트는 더 이상 닫힌 예술 작품이 아닌, 관객과의 상호작용을 통해 사적 경험을 공적 담론으로 이행시키는 서사적 장치로 작동했다. 특히 이 작품이 ‘V-Day’ 운동으로 확장되며 세계적으로 재현된 사례는 특정한 중심 서사 없이도 다양한 여성 경험이 서로 교차, 재맥락화되며 사회적 실천으로 발전할 수 있음을 보여준다. 결론적으로, <버자이너 모놀로그>의 서사 구조는 단순한 형식적 실험이 아니라, 텍스트의 구성에서 관객의 수용을 거쳐 사회적 파급에 이르는 다층적 과정을 통해 여성 주체성을 재현하고, 개별 경험과 집단 실천을 연결하는 연극의 수행적, 전략적 가능성을 드러냈다. 이에 본 연구는 <버자이너 모놀로그>가 탈중심화된 서사 구조를 통해 전통 연극의 표현 패러다임을 어떻게 전복하며, 여성 주체의 가시성을 어떤 방식으로 구축하는지를 분석하고자 한다. 나아가 이와 같은 서사 구조가 공적 영역으로 확장되는 과정에서 여성 주체성의 사회적 표현을 어떻게 매개하는지를 고찰하는 데 목적이 있다.

This study investigates how the postdramatic narrative structure of The Vagina Monologues, a play by Eve Ensler, functions in the construction of female subjectivity. While previous research has primarily focused on the work’s social impact or its performance practices, this paper centers on the internal structural strategies of the text itself, examining how elements such as decentering, polyphony, and intertextuality dismantle the conventional linear narrative and create an open expressive space that embraces pluralistic female experiences. Through its fragmented format composed of multiple monologues, the play dismantles a singular perspective and juxtaposes diverse gendered experiences, thereby establishing structural conditions under which female subjectivity can be autonomously narrativized. This narrative not only evokes emotional empathy in the audience but also prompts cognitive shifts, encouraging a reconsideration of one’s gender identity and social position. The coexistence of divergent voices within the narrative structure enables the audience to critically distance themselves from normative gender ideologies. In this process, the text no longer functions as a closed artistic artifact, but rather as a narrative apparatus that transforms personal experiences into public discourse through interaction with the audience. Notably, the global dissemination of this work through the “V-Day” movement demonstrates that diverse female experiences can intersect, be recontextualized, and evolve into social action even without a central narrative. In conclusion, the narrative structure of The Vagina Monologues is not a mere formal experiment; rather, through its multilayered trajectory—from textual composition to audience reception and social dissemination—it reveals the performative and strategic potential of theatre to represent female subjectivity and to connect individual experiences with collective practice. Therefore, this study aims to analyze how "Bergeiner Monologue" subverts the expression paradigm of traditional plays through a decentralized narrative structure and builds the visibility of female subjects. Furthermore, the purpose of this study is to examine how such a narrative structure mediates the social expression of female subjectivity in the process of expanding into the public domain.

본 연구는 국악, 연극, 영상을 유기적으로 결합한 장르 융합 공연 <한 입, 한 소절>의 창·제작 과정을 실천적 사례 연구로 다루며, 장르 간 협업의 구체적인 구조와 연출 전략을 분석하고자 한다. 본 공연은 음식과 음악이라는 일상적이면서도 감각적인 소재를 중심으로 기억과 공감을 끌어내는데 주안점을 두었으며, 서로 다른 장르가 단순히 병렬적으로 나열되는 방식이 아닌, 하나의 서사와 정서를 공동으로 전달하는 복합적인 예술 형태로 기획되었다. 연구자는 본 공연의 연출자로 참여하여 초기 기획 단계부터 공연 창·제작의 전 과정에 깊이 관여하였다. 이를 통해 협업 과정에서 나타나는 다양한 예술 주체 간의 소통 방식, 창작 접근법의 차이, 그리고 통합을 위한 조정의 실제 사례들을 관찰하고 분석할 수 있었다. 특히 연극적 대사와 음악적 구조가 어떻게 유기적으로 연결되며, 무대 위의 퍼포먼스와 영상이 공연의 정서적 흐름과 어떻게 상호 작용하는지를 구체적으로 검토하였다. 공연의 중심 개념이자 서사 구조는 ‘음식을 매개로 한 감각의 공유’였으며, 이를 통해 관객이 과거의 기억과 현재의 정서를 연결하도록 유도하였다. 본 연구는 공연 제작을 위한 협업의 과정이 단지 실용적 분업이나 기능적 조율에 그치는 것이 아니라, 공동 창작을 통해 새로운 예술 언어와 공연 문법을 생산해 내는 창의적 실천임을 강조한다. 장르 간 융합은 각 예술 분야의 고유성을 상실하는 것이 아니라, 오히려 그 본질을 새롭게 조명하며 확장하는 기회가 된다. <한 입, 한 소절>의 창·제작 과정은 바로 이러한 예술 간 경계 허물기와 새로운 창작 모델 형성의 실험이었으며, 이는 향후 장르 융합 공연의 지향점을 제시하는 데 중요한 사례가 될 수 있다. <한 입, 한 소절>의 창·제작 과정은 단지 한 편의 공연을 완성하는 데 그치지 않고, 동시대 공연예술의 창작 생태계 속에서 예술가들 간의 협업이 어떻게 이루어질 수 있는지, 그리고 장르 간 통합을 통해 새로운 형태의 공연 언어가 어떻게 탄생할 수 있는지를 보여주는 하나의 실기 기반 연구 사례로 의의가 있다. 본 연구는 이러한 실천적 경험을 바탕으로, 융합형 공연예술의 창작 방법론을 탐색하고 그 이론적 정립 가능성을 제시하고자 한다. 앞으로도 다양한 장르를 유기적으로 결합한 공연예술의 시도가 활발히 이루어지기를 바라며, 본 연구가 그 흐름 속에서 유의미하기를 기대한다.

This study examines the creation and production of the genre-hybrid performance <One Bite, One Verse>, which integrates traditional Korean music, theater, and video. As a practice based research, it analyzes interdisciplinary collaboration and directorial strategies. Focusing on the sensory themes of food and music, the performance aimed to evoke memory and empathy through a unified narrative rather than a parallel display of genres. The researcher, who also directed the work, was involved throughout the entire process, enabling close observation of communication dynamics, creative approaches, and methods of artistic integration. The study investigates how theatrical dialogue and musical elements were organically linked, and how performance and video interacted to create emotional continuity. The central concept—"sharing sensory experience through food"—invited audiences to connect past memories with present emotions. This research underscores that collaboration in performance-making is not merely technical coordination but a creative process that produces new artistic expressions. Rather than compromising each form’s uniqueness, genre fusion offers opportunities to reframe and expand their essence. <One Bite, One Verse> stands as an experimental model of dismantling artistic boundaries and creating innovative structures. Ultimately, this study provides a case that illustrates how genre convergence operates in contemporary performance contexts. It explores hybrid creative methodologies and proposes directions for theoretical development. The work contributes to the growing discourse on convergent performing arts and encourages continued interdisciplinary experimentation. The purpose of this study is to analyze how creators understand and share each other's work methods and integrate artistic language. This approach will vividly illuminate the specific problems and solutions of creating genre fusion performances and provide practical insights to artists who attempt similar creations in the future as a practical case study.

본 연구는 뮤지컬에서 드라마 표현의 핵심적 요소인 ‘노래’의 실질적인 교육 전략을 제시하여 노래의 극적 표현의 중요성을 고찰하는 데 목적이 있다. 또한, 뮤지컬 교육 현장에서 교육-학습으로 전환하는 교육적 접근을 위해 노래를 극적 요소로 인식하고 학습하는 방법을 제안했다. 이를 이론적으로 고찰하기 위해 뮤지컬 노래의 극 기능을 유형화시킨 존 켄릭(John Kenrick)과 래리 브라운(Larry Brown)의 이론과 드라마의 기능을 극 구조로 구분 지을 수 있는 프라이탁(Freytag)의 5단계, 노래의 음악적 요소(조성, 리듬, 반복 등)를 종합적으로 고려하여 뮤지컬 노래의 극적 표현의 분석 방법을 제시한다. 이를 위한 연구 사례는 현대 뮤지컬 <넥스트 투 노멀(Next to Normal)>(2008)의 주요 넘버를 중심으로 서사 구조 내에 노래가 이바지하는 기능과 감정 흐름을 표현하기 위한 음악의 표현 전략 등을 탐구하였다. 분석 결과, 뮤지컬 노래는 인물의 감정과 심리적 변화 및 갈등을 구현하면서 관객에게 정서적 몰입과 긴장감을 전달하였다. 본 연구는 이러한 분석을 바탕으로 노래가 제공하는 정서적 양상을 탐색하고, 학습자의 감정 몰입을 위한 보컬 훈련 및 연기-음악의 통합 수행의 교수학습 전략을 제안하였다. 특히 고등 예술교육인 대학에서 교육 가능한 3단계 연계형 수업 모델(분석–훈련–발표)과 평가 기준(감정 정확성, 연기-음악 일치도, 몰입도 등)을 개발하여, 실용성 있는 방법을 제시하였다. 이러한 연구를 통해 뮤지컬 교육에서의 표현을 위한 핵심 매개체인 ‘노래’가 기술 중심의 교육이 아닌 자기표현 예술로 전환할 수 있는 기초 자료가 될 것이다. 더불어 본 연구는 뮤지컬 교육의 표현 교육을 위한 실천적 전략을 개발하기 위해 뮤지컬 작품 분석을 통한 노래의 드라마의 기능을 탐구하고, 학습자의 감정과 정서의 몰입을 통해 표현 능력의 향상과 내면화, 음악과 연기의 통합을 위한 표현 방법을 제시하고자 한다. 이는 뮤지컬 노래를 극의 서사적 정서적 표현의 핵심 장치로 인식하면서 기존 뮤지컬 교육의 한계를 넘어선 표현 교육을 중심으로 실천적 토대를 제안하는데 그 목적이 있다.

The purpose of this study is to examine the importance of dramatic expression in song by presenting practical educational strategies for teaching songs, which are a core element of dramatic expression in musical theatre. Furthermore, the research suggests an educational approach that views songs as dramatic elements and incorporates them into teaching and learning practices in the context of musical theatre education. To explore this from a theoretical perspective, this study employs the theories of John Kenrick and Larry Brown, who classify the dramatic functions of songs in musical theatre, along with Freytag’s five-stage dramatic structure. It further incorporates musical elements—such as tonality, rhythm, and repetition—to propose an analytical framework for understanding the dramatic expression of songs in musical theatre. As part of the case analysis, the study investigates how key numbers in contemporary musicals contribute to narrative structure and examines the musical techniques employed to convey emotional dynamics. The analysis revealed that songs in musical theatre effectively express characters’ emotional states, psychological transitions, and conflicts, while fostering emotional engagement and a sense of tension in the audience. The study, based on the analysis, investigates the emotional aspects conveyed by songs and presents teaching strategies for vocal training and the integration of acting and music to promote emotional engagement in learners. The research develops a practical three-step instructional model (Analysis–Training–Performance) and evaluation criteria (emotional accuracy, acting-music alignment, immersion, etc.) specifically for higher arts education, such as in universities. This study will provide foundational data for transforming "song,” a core medium for expression in musical theatre education, from a technique-driven approach to an art of self-expression. In addition, this study explores the function of song drama through musical work analysis to develop practical strategies for expression education in musical education, and proposes an expression method for improving and internalizing expression ability and integrating music and acting through the immersion of learners' emotions and emotions. The purpose of this study is to recognize musical songs as a key device for narrative and emotional expression of plays and to propose a practical foundation focusing on expression education that goes beyond the limits of existing musical education.