Earticle

본 연구는 연기예술인이라는 직업적 특수성을 갖고 있는 연기인들의 심리적 불편함과 어려움을 지원하기 위해 공연수행과 관련된 다양한 멘탈케어 구성요소를 분석하고 이를 진단할 수 있는 검사지를 개발하는데 그 목적이 있다. 이를 위해 한국형 스포츠멘탈케어 진단검사지 구성내용을 토대로 전문가들의 의견을 수렴하는 델파이 조사(Delphi Technique)를 사용하였고, 6명의 스포츠 멘탈전문가 및 연기인 멘탈전문가 협의를 통하여 도출된 연기예술인 공연수행 멘탈파워 진단검사지의 구성 내용은 다음과 같다. 첫째, 연기예술인의 멘탈케어 현황에 대한 환경적 요인에 따른 특성을 배우들의 생활 및 연기스킬을 위해 자아존중감, 자기 관리력, 자기효능감 을 분석한 결과 연기예술인이라는 직업적 특수성에 관한 자아개념 실현을 위해 스스로 목표설정이 중요하며 이에 따른 배우 스스로의 주도적 성향이 작품의 캐릭터를 소화해내는데 자기 주도성이 필요한 것으로 나타났다. 또한, 다양한 작품, 수많은 캐릭터를 소화하기 위한 자기관리의 도모를 위해 연기스킬이 자신의 철학과 직업적 신념에 따른 스스로의 관리가 필요한 것으로 분석되었다. 둘째, 공연수행 전 인지적 준비도와 컨디셔닝 준비도는 각자 본인이 맡은 다양한 역할들을 잘 소화하기 위해 연기에 대한 목표 인식이 뚜렷해야 하고 신체적 이완과 정신적 불안 조절 능력이 중요한 것으로 나타났다. 셋째, 연기예술인들에게 있어서 공연장은 자신의 가치를 증명하는 곳이기 때문에 공연장 환경과 무대 구성은 소홀히 할 수 없고, 그중 실내·외 공연장 환경과 무대 구성에 적응력이 필요하다고 하였다. 또한 공연수행 중 위기상황들이 일어날 때 대처하지 못하고 실패로 돌아갈 때 나 자신에게 심한 자괴감과 자신감 하락으로 인해 무대 트라우마가 생기기 쉬우므로 위기상황인지와 상황에 맞는 위기상황대처들이 필요한 것으로 나타났다. 마지막으로 연기예술인들의 멘탈케어 를 위한 진단검사를 도모하려는 피드백에 관해 자신의 역량을 인지하며 자신의 장점을 부각시켜 욕심을 내세우기보다 자신과 맞는 역할을 원활하게 소화해낼 수 있는 캐릭터를 만들어가는 연습 하는 법을 익혀가는 게 중요한 것으로 나타났다.

The purpose of this study is to develop a test paper to analyze and diagnose various mental care components related to performance in order to support the psychological discomfort and difficulties of actors with the professional specificity of acting artists. To this end, Delphi Technique was used to collect opinions from experts based on the composition of the Korean sports mental care diagnostic test paper, and the composition of the performance mental power diagnostic test paper for acting artists was as follows. First, as a result of analyzing self-esteem, self-management, and self-efficacy for actors' lives and acting skills, it was found that self-setting is important to realize self-concept about professional specificity of acting artists, and accordingly, self-directed tendencies are needed to play the character. In addition, it was analyzed that acting skills need to manage themselves according to their philosophy and professional beliefs in order to promote self-management to digest various works and numerous characters. Second, cognitive preparation and conditioning preparation before performing a performance should have a clear perception of the goal of acting in order to play various roles, and physical relaxation and mental anxiety control ability are important. Third, for acting artists, the concert hall is a place that proves their value, so the environment and stage composition of the concert hall cannot be neglected, and among them, adaptability to the indoor and outdoor concert hall environment and stage composition is necessary. In addition, when crisis situations occur during the performance and fail, stage trauma is likely to occur due to severe self-esteem and self-confidence, so it is necessary to cope with crisis situations and situations. Finally, it was found that it is important to learn how to practice creating characters that can smoothly play their roles rather than recognizing their capabilities and highlighting their strengths in feedback to promote diagnostic tests for mental care of acting artists.

본 연구자는 중국전통연극의 활성화를 위하여 <중국전통연극의 독창적 연극 스타일>이라는 주제를 설정하여 <수재와 사형집행자>의 작품 속에 녹아있는 다양한 전통연극 스타일의 특징을 고찰했다. 분석 결과 주요 내용은 다음과 같다. 첫째, 연구의 목적과 방법에서는 서양연극기법의 영향을 받은 중국의 일 부 전통연극인들은 서양 연극예술형식과 기법을 추종하게 되었다. 둘째, 기존의 논의를 검토한 결과, 중 국전통연극 계승·창조를 위한 배우와 새로운 중국전통연극 스타일에 관련된 논의가 이루어졌음을 알 수 있었다. 셋째, 플롯 구조를 분석한 결과, 연출자 귀어샤오난은 <수재와 사형집행자>의 무대에서 인형 들이 표현하는 모습을 가무악(歌舞樂) 전통연극의 혼합체로 구성한 결과, 플롯 구조가 돋보였다. 넷째, <수재와 사형집행자>의 가면의 특징은 나희 가면을 그려 민속문화의 의미를 더해 주고 있다. 다섯째, <수 재와 사형집행자>에서 주인공 이외의 배우는 ‘기능적 배우’로 활용하는 연출 기법이 이채롭다. 여섯째, 등장인물의 대사는 중국 경극의‘자기소개’기법이 주목된다. 이는 일반연극의 해설과는 의미가 다르다. <수재와 사형집행자>에서는 자유롭게 처리된 대사가 많다. 이 때문에 표현 방식은 ‘자기보고’의 형태로 자신을 소개했다. 일곱째, 캐릭터의 격식화된 연기는 이미 정해진 마음 상태와 결합되면 강력한 표현력 을 발휘할 수 있다. 여덟째, <수재와 사형집행자>의 무대디자인 기법은 빈 무대 전체의 뒷부분에는 수묵 화 하얀 천이 걸려 있다. 그림의 내용은 추상적이고, 다양한 위치를 통해 빛의 변화가 나타난다. 따라서 이러한 중국 근현대 연극인들이 전통연극의 기법을 공부한 결과 배우들이 일정한 성과를 거두고 있다. 이에 따라 현대연극교육에서도 중국전통연극의 주요 교육내용과 연극 스타일 및 연극기법을 잘 활용한 다며 더욱 독창적인 전통연극을 창조하여 중국전통연극을 활성화할 수 있다.

In order to revitalize The Traditional Chinese play, the researcher set the theme of "The original theatrical style of the Traditional Chinese play” to consider the characteristics of various traditional theatrical styles in the works of "The Talented and the Executioner.” The main contents of the analysis are as follows. First, in the object and method of study, some traditional theatrical people in China, influenced by Western theatrical techniques, have become followers of Western theatrical art forms and techniques. Second, a review of the existing discussions showed that discussions were made on actors for the succession and creation of traditional Chinese plays and new styles of traditional Chinese plays. That Chinese traditional play should inherit the inherent tradition of Chinese theatrical art and recreate the people's play. Third, as a result of analyzing the plot structure, the director Guir Xiaonan's plot structure stood out as a mixture of traditional plays with the appearance of the puppets on the stage of "The Talented and the Executioner.” In addition, the harmony of singing and dancing through dolls was well received by the audience. Fourth, the features of the mask of "The Handmaid and the Executioner” have been added to the meaning of folk culture by painting the mask of Nahui. In particular, the Mask of Na Hui in "The Prodigal and the executor” is a vehicle for the fusion of man and God, and a symbol of the combination of fantasy and reality. Fifth, in "The Talented and the Executioner”, actors other than the main character were used as "functional actors”. Functional actors act as different people and objects in different scenes. Sixth, the "self-introduction” technique of Chinese Chinese dramas draws attention to the characters' lines. Seventh, the character's formalized acting, when combined with the preordained state of mind, can exert a powerful expressive force. Eighthly, the stage DESIGN OF "SU ZAI AND EXECUtor” IS EMPTY stage whole back part hangs ink-and-wash painting white CLOTH, by stage DESIGN teacher Wang Weiyu DIRECTLY. The content of the picture is abstract, and the changes of light appear through various positions. "The Genius and the Executioner” well organized a very beautiful freestyle set and achieved realistic set effects with two scene plots.

본 연구는 이상심리학 과점을 통한 인물행동구축을 후안 마요르가(Juan Mayorga)작 <하멜린(Hamelin)> 중, ‘몬테로’의 모순적 행동을 자기애성 성격장애 분류에 대입하여 진행하였다. 작품의 실제 공연 프로덕션 과정에서 기존에 소개된 인물 접근방법을 통한 분석으로 인물의 모순적 행동의 내적 타당성을 확립하지 못하였다. 이러한 문제를 극복하기 위해 작품 집필의 모티브가 된 <피리 부는 사나이>에 대한 분석과 스페인 라발지구에서 발생한 아동성추행 및 아동 음란물 제작 사건의 조사를 바탕으로 언론과 사법부의 사건조작과 은폐사실이 인물의 창작과정에 영향을 준 것을 확인할 수 있었고, 후안 마요르가의 작품 창작의도가 어른들의 탐욕과 모순된 행동으로 인해 아이들이 희생되는 주제의식을 반영하고 있음을 도출하였다. 그 과정에서 인물의 모순적인 행동의 분석이 이상심리학에서의 자기애성 성격장애를 적용함으로써 분석 가능하다는 사실을 포착하였다. 따라서 이상심리학의 정의와 역사, 이상행동 정신장애의 판별 기준을 조사하여 이상행동 의 분류를 정신장애의 유형을 크게 20가지의 범주로 나누고 있는 정신장애의 진단 및 통계편람(DSM-5)의 진단 기준을 통해 ‘몬테로’의 장면별 행동을 텍스트를 중심으로 DSM-5의 자기애성 성격장애 판단기준에 적용하여 분석한 결과 인물의 행동양상이 자기애성 성격장애 중 극심한 자기애, 목표달성을 위한 난폭성에 해당한다는 진단결과를 찾아 볼 수 있었다. 이를 통해 인물 분석과정에서 이상심리학을 통한 접근을 연구하 였다. 즉 본 연구를 통해 극 중 인물의 모순적 행동양상을 분석하는 접근방법으로 이상심리학을 중심으로 인물행동 구축과정에서의 내적 타당성 확립을 도출할 수 있었다. 연구의 결과 DSM-5를 통한 인물의 심리적 분석이 통해 인물행동구축으로의 적용 가능성을 확인하였고, 이는 실제 공연에 적용하여 인물의 내면적 충동 분석을 통한 연기자의 행동의 정당성 구축에 도움이 된다는 결론을 도출하였다.

In this study, from the perspective of abnormal psychology, character building was carried out by applying the contradictory behavior of Montero in Juan Mayorga's <Hamelin> to the classification of narcissistic personality disorder. While preparing “Hamelin” theatrical production, the analysis through the existing character approach failed to establish the internal validity in explaining Montero's contradictory behavior. In order to solve this problem, I analyzed <The Pied Piper>, which became the motive for <Hamelin>, and found out that the character was created by referring to the cases of child molestation and child pornography that occurred in Laval, Spain, and it was found that the depiction of children sacrificed due to adults' greed and contradictory behavior was expressed as the creative intention of this work. In the process, it was discovered that a character's contradictory behavior can be analyzed by referring to the narcissistic personality disorder in abnormal psychology. Through this, I tried to study the approach of abnormal psychology in the character analysis process. In other words, through this study, as a way of approach to analyzing the contradictory behavior patterns of characters in the play, it was possible to derive the establishment of internal validity in the process of building character behavior, focusing on abnormal psychology. As a result of the study, it was confirmed that psychological analysis of characters through DSM-5 can be applied to character construction. I applied it to actual performance and drew the conclusion that analyzing the inner impulses of characters helps to have the internal validity of an actor's acting.

본 연구는 장기공연을 수행하고 있는 배우나 과도한 음성사용 이후 음성피로감을 느끼는 배우들을 위한 음성피로 완화 방안을 모색하고, 해결책으로 반폐쇄 성도훈련과 과도한 후두의 주변 근육을 이완하는 것을 제안함으로써, 공연 후 단계에서 배우가 능동적으로 음성 건강을 획득하고, 음성 기관의 빠른 회복을 장려하 는 데에 목적이 있다. 음성피로는 과도한 음성사용 후 국소적인 피로감과 약한 목소리 증상의 발현으로, 오랜 음성 사용의 결과로 발생하는 부정적인 음성 적응이라고 정의할 수 있다. 역할을 창조해야 하는 배우의 발성패턴과 일상 생활에서 구사하는 발성 패턴과는 차이가 있으며 공간, 거리감, 관객을 고려한 발화 방식 등의 수많은 조건들이 음성기관에 무리가 가는 요인들로 작용하기에 장기공연을 수행하거나 과도한 음성을 사용하는 배우들에게 음성피로는 불가피하며, 이것은 발성외상으로 발전될 가능성이 있다. 개인마다 다양한 증상이 초래될 수 있겠지만 주로 발성을 할 때 발성 노력이 증가하고, 후두의 불편감을 초래하며, 말할 때 숨이 차거나 목과 어깨의 긴장이 수반되는 등의 증상을 찾아볼 수 있다. 이밖에도 거칠고 쉰 목소리의 발현, 피치 브레이크(Pitch Break), 피치의 범위 감소, 발성 조절 능력의 감소, 목의 통증, 음성의 손실, 말을 하면 할수록 증상이 악화되는 현상을 보인다. 강한 보컬 에너지를 탐색하고, 자신의 음량 상한을 경험하며, 소리의 크기를 배울 수 있는 음성훈련과 발성법들이 소개되고 있지만, 장시간의 성대의 진동이나 성대의 과도한 접촉으로 자신의 음성 용량을 초과함으로써 이미 진행된 음성피로는 이러한 훈련들로는 완벽하게 개선되기 어려운 것이 사실이다. 따라서 본 연구에서는 공연 후 단계에서 배우가 능동적으로 적용 가능한 쿨다운 루틴으로써 낮은 성문압차의 원리를 이용한 반폐쇄 성도훈련과 함께, 후두의 위치를 안정화하면서 과활동과 보상작용으로 발현된 후두 주변 근육의 긴장을 이완하는 훈련들을 완화 방안으로 제안한다.

The purpose of this study is to find ways to mitigate vocal fatigue in actors performing in long-term professional contracts or actors who feel voice fatigue after excessive voice use, and to suggest SOVTE and releasing excessive perilaryngeal muscles as a solution. At this stage, the goal is to actively maintain vocal health and encourage rapid recovery of the vocal organ. Vocal fatigue is the manifestation of local fatigue and weak voice symptoms after excessive voice use and can be defined as negative vocal adaptation that occurs as a consequence of prolonged voice use or vocal load. vocal fatigue in actors is inevitable because the requirements of the actor’s voice differ from the vocalization patterns used in daily life. This is especially acute in actors who need to create roles in the stage, and many conditions such as space, distance, and consideration for the audience act as factors that strain the vocal organ. While symptoms vary between individuals, primary symptoms include increased effort when vocalizing, laryngeal discomfort, shortness of breath when speaking, and tesion in the neck and shoulders. Additionally, individuals may experience hoarseness, pitch break, decrease in pitch range, decrease in vocal control, sore throat, and voice loss, especially if they continue to use their voice without intervention. Although many effective vocalization methods and exercises have been proposed, vocal fatigue which has already progressed due to prolonged vocal cords vibration or excessive vocal cord contact cannot be completely improved with these methods and exercises. Therefore, this study proposes two solutions to vocal fatigue: SOVTE using the principle of transglottal pressure as a cool-down routine that the actor can actively apply at the post-performance stage, and training to stabilize the larynx position and release the muscles around the larynx, which have been agitated by overactivity and compensatory action for maintenance of voice quality.

본 연구자는 중국 하얼빈공업대학에서 제작·공연하는 중국 연극의 가상현실 적용, <선전에 온 두아> 를 연구 주제로 삼아 연구했다. 주요 분석결과는 다음과 같다. 가상현실 기술이 극장 무대 및 공연 공간 을 구축하였고 로봇, 인공 지능 및 기타 수단을 사용하여 다각도, 다방향, 몰입형 및 대화형 극장을 구현 하는 데 중국에서 그 효용성을 입증하였다. 그리고 <선전에 온 두아>의 공연 이후 중국 연극 무대의 대 부분은 멀티미디어 방법 LED 영사 및 홀로그램 영사 기술을 사용했다. 무대의 아주 작은 부분이나 보조 배우 개인이 가상현실 기술을 사용하여 몰입형 극장 분위기를 조성했다. 이로써 <선전에 온 두아>의 시 도는 가상현실 기술을 연극 무대에 적용하는 가능성을 증명하였다. 또한, 중국 연극의 무대 설치가 너무 단순해 관객들의 몰입감 있는 관람을 어려웠다는 한계를 가상현실 활용으로 이 문제를 적절하게 극복할 수 있었다. 그리고 중국 연극의 전통 연출 방식을 최대한 살리면서도 전통연극의 제작방식을 변화시켜 현대인들이 쉽게 받아들일 수 있도록 했다는 점이다. 그러므로 가상현실의 적용은 중국 연극의 지나치게 엄격하고 격식에 얽매인 창작 방식과 플롯 구조를 변화시켰다. 동시에 중국 연극의 영상을 보존하는 중 요한 기술적 수단으로 사용되어 전통의 연극 계승과 발전에 도움을 줄 수 있었다는 점이다. 그리고 가상 현실은 현대연극의 무대 설치에 대한 통념을 바꿔 전통무대미술과 디자인으로는 불가능한 장면의 일부 를 가능하게 했다. 특히 가상현실 연극의 촬영기법이나 가상현실의 무대장치는 연극배우의 연기를 변화 시켰다. 적응 카메라의 개입과 무대 위 가상 세트는 가상현실 연극배우들에게 꼭 필요한 도구와 장치가 됐다. 이에 따라 가상현실을 연극에 적용하면 관객은 새로운 유형의 공연 관계와 공연 공간을 시도할 수 있으며 연극의 창작 및 리허설 과정에서 더 유연하게 작용 될 수 있다. 그리고 극장 관객의 미적 지향성 을 미묘하게 스크린으로 회귀시킬 수 있다. 그러므로 가상현실 연극은 공연 공간, 배우의 공연 형태, 관 객의 효용성을 촉진하는데 긍정적인 역할을 할 것이다.

The researcher focused on the scope of the convergence of virtual reality as a research range, focusing on the virtual reality theater <Douya cama to Shenzhen>, which is produced and performed by Harbin Institute of Technology University in China.Among them, the focus was on how to apply virtual reality in the field of theater and the effects of Chinese traditional and modern theater.The main analysis results are as follows.In Chapter 2, the concept of virtual reality, the scope of application in China, and the concept of the CAVE(Cave Automatic Virtual Environment) immersive virtual reality were analyzed in detail as an example of the play <Douya came to Shenzhen>.The virtual reality experimental drama <Douya came to Shenzhen>, which was performed at Harbin Institute of Technology University's digital theater, was successfully attempted.Therefore, virtual reality technology has established a theater stage and performance space, and has proved its utility in China to implement multiple angles, multiple directions, immersive and interactive theaters using robots, The aesthetic method of traditional Chinese theater has the characteristics of imagination, virtual and participation. While making the most of the way of directing the traditional Chinese theater, the production of traditional plays was changed so that modern people could easily accept it. The addition of new technologies has changed the structure and plot structure that is overly strict and formal in Chinese traditional plays. which can help the inheritance and development of traditional plays.In the case of modern theater, virtual reality changed the myth about the installation of the stage of modern theater, enabling some of the scenes that were impossible with traditional stage art and design. In addition, the filming techniques of virtual reality plays and the stage devices of virtual reality have changed the actor's acting. The intervention of the adaptive camera and the virtual set on stage became the tools and devices for virtual reality theater actors. As a result, applying virtual reality to the play can make the audience attempt a new type of performance and performance space, and this type of play can be more flexible in the creation and rehearsal process.

본 연구는 국내의 연기교육 방법론 확대방안의 일환으로 리차드 셰크너(Richard Schechner, 1934- )의 ‘라사박스(rasaboxes)' 연기 훈련법을 소개하는 데 있어 그 원리와 미학을 고찰하는 연구로써 실질적으로 교육현장에서 연기교육 방법론의 하나로 활용할 수 있을지에 대한 논의이다. 현재까지 미국 중심의 발전된 연기법을 겨우 답습하는 가운데 국내에서는 특히 다채로운 미디어콘텐츠나 현대공연예술에 발맞춘 새로운 연기교육 방법의 연구가 전혀 이뤄지지 못하는 실정이다. 이는 우리나라의 연기교육환경 자체가 열악하고 그에 관련한 연구가 뚜렷하지 못하며, 전문적인 연기 교육자가 부재한 현실의 폐해 때문이다. 또한, ‘신체적 행동 방법론'을 정립하며 신체의 활용을 강조한 스타니슬랍스키의 후기 연기교육이 그의 초기 연기이론이었 던 ‘정서 기억법' 비해 국내에 제대로 파급되지 못하고 제자리에 머물러있다. 급변화하는 시대를 반영하지 못하고 체계적이고 다양성이 추구되는 연기훈련이 수반되지 않은 연기는 배우에게 발전 가능성을 가져다줄 수 없다. 그 결과, 국내의 연기예술은 발전과 혁신을 기대하기 어려운 상태로 머무르게 될 것이다. 이에 대한 대안으로 연구자가 국내에 소개하려는 연기교육 방법론은 동양의 시학이라 불리는 인도의 󰡔나티아 사스트라󰡕에 제시된 라사미학을 토대로 미국 아방가르드 연극계와 이후로도 연기훈련을 선도한 라사박스 연기 훈련법이다. 셰크너와 미국의 동부 연안 예술가그룹으로부터 고안된 라사박스 연기 훈련법은 배우의 정서 반응을 기초로 하는 스타니슬랍스키의 이론과는 반대로 배우가 감정을 즉각적으로 자유롭게 조절하여 재현하는 방법을 지향한다. 또한, 이는‘진실’과 같은 요소를 사용하지 않고도 다양한 표정이나 표현까지 풍부하게 발전시킬 수가 있는 효과를 말한다. 신체적 체현이나 표현에 중점을 두고 이루어지기 때문에 라사박 스 트레이닝의 결과로 인간의 감정적 관련 사항들을 스스로 발견해내는 능력을 강화 해주는 훈련이 되는 것이다. 따라서 본 연구는 이렇게 기존과 다른 연기 훈련법을 국내의 교육현장에 소개하는 과정을 통해 연기교육의 방법론을 확장을 시도한다.

This study is a part of the expansion of Korea’s methodology of acting education by introducing the “Rasaboxes Exercise” devised by Richard Schechner and is a discussion of whether this technique can practically be used in an educational setting as a methodology of acting training. Despite Korea’s culture and arts content currently gathering the attention of the world, Korea’s acting education still hasn’t evolved much from Russia’s early practices of Stanislavski’s theories. While Korea has barely imitated the acting techniques developed in America, studies on new acting education methodology that go hand-in-hand with the diverse media content and contemporary performing arts are not being done at all. Also, Stanislavski’s later acting training that established “The Method of Physical Action” and emphasized the usage of the body is stagnant and has not been circulated in Korea as much as his early training methods of “Emotional Memory.” Acting that doesn’t reflect the rapidly changing times and that isn’t accompanied by systemized acting training that pursues diversity leaves no room for improvement for actors. As a result, Korean performing arts is in a difficult situation where it is hard to look forward to development and innovation. The Rasaboxes Exercise, which was devised by Schechner and East Coast Artists in America, is the opposite of Stanislavski’s theory that is based on an actor’s emotional reaction in that it seeks to have the actor immediately and freely control and reenact a certain emotion. Also, it shows that a variety of expressions and facial expressions can be richly developed even without the use of factors like “truth.” Because it doesn’t emphasize physical embodiment or expression, Rasaboxes Exercise results in an actor’s strengthened ability to discover his/her own emotions and things related to emotions. Therefore, this study aims to expand the methodology of today’s acting education through the process of introducing this new acting training method to Korean education.

본 연구는 감정의 이입만을 추구하는 연기술에서 종종 과도한 억양, 불안정한 호흡, 과장된 몸짓 등 관객으로부터 공감하기 힘든 연기가 발현되는 문제를 해결하고자 브레히트의 게스투스를 활용하여 객관 적 역할창조에 다가가는 것을 목표로 했다. 즉 연극 <후설>의 연습 과정을 통해 희곡과 공연에서 배우가 객관적인 시선으로 역할을 연출하는 개념을 발전시키는 것이 연구의 목적이다. 첫째로 적용1에서는 대본 외 창작을 통해 장면별 서브 텍스트를 구체화하는 과정을 연구했다. 사용하는 소품의 구체적 의미 부여 와 객관적 감정의 사용을 통한 표현이 창조되었다. 둘째, 적용2에서 배역 바꾸기 적용을 통해 상대 배역 과의 호흡을 새롭게 정립하고 이후 테이블 작업에서 이전보다 명확한 토론이 가능했다. 마지막 응용에서 는 미카엘 체홉의 ‘제3의 시선’을 브레히트의 ‘게스투스’에 적용하는 연구를 통해 역할을 연출하는 개념 을 정립했다. 또한, 제3의 시선을 게스투스에 적용하는 연구를 통해 ‘자신의 연기를 볼 수 있었는가’에 대 한 질문도 탐구할 수 있었다. 배우 스스로 역할을 연출할 수 있는 시선을 지닐 수 있는가의 물음에 따라 앞서 다뤄진 내용의 이점과 한계점을 통해 <후설> 공연에 나타난 결론에 도달했다. 결과적으로 역할을 연출하는 개념에 대해서는 배우 스스로가 자신의 배역을 연출하면서 객관적으로 바라볼 수 있다는 이점 이 나타났다. 또 객관성에 초점을 맞춰 세부적으로 역할을 연출하는 기법을 통해 역할의 특징과 각 장면 의 주제를 뚜렷하게 만드는 요소를 발견할 수 있었다. 즉 20세기 연기자 미카엘 체홉과 브레히트의 연기 론을 접목해 객관성을 유지하며 정형화되지 않은 역할창조가 가능했다. 그렇지만 감정의 이입에 객관성 을 유지하는 것은 특히 관객과 배우에게 ‘보여지는’ 것과 정서적 표현 사이에 딜레마를 초래할 수 있다는 점이 있다. 이에 본 연구자는 배우가 스스로 역할을 바라보는 객관성을 유지하되 연습 과정에서 감정의 이입과 배제를 모두 실연해보는 것이 필요하다는 주장이다.

This study aimed at objective role creation by utilizing Brecht's Gestus theory to solve the problem of acting that is difficult to sympathize with because the actor is too empathetic. In other words, the purpose of the experiment is to develop the concept of an actor directing a role objectively through the rehearsal process of the play <Husseol>. In the introduction, the main flow of the study was presented, and the necessity, scope and method of the study were presented and compared with previous studies. Next, through the play and character analysis, 1, the process of materializing subtext for each scene was studied through creative experiments outside of the script. Expression was created through giving specific meaning to the props used and using objective emotions. Second, through the casting change experiment in Application 2, breathing with the other role was newly established, and clearer discussions than before were possible in the subsequent table work. Lastly, in the application, the concept of an actor directing a role was established through a study of applying Michael Chekhov's 'third gaze' to Brecht's 'Guestus'. In addition, through the study of applying the third gaze to Gestus, it was possible to explore the question of 'whether you could see your own acting'. In response to the question of whether an actor could have the perspective to direct the role himself, we reached the conclusion shown in the Play of <Husseol> through the advantages and limitations of the contents discussed above. In other words, it was possible to create unstructured roles while maintaining objectivity by grafting the acting theories of Michael Chekhov and Brecht, 20th century actors. However, it was pointed out that maintaining objectivity while empathizing can lead to a dilemma between 'what is seen' and emotional expression, especially for the audience and actors. Accordingly, this researcher argues that it is necessary for actors to demonstrate both empathy and exclusion in the course of practice while maintaining objectivity in looking at their roles.

본 연구는 최근 관심을 끌고 있는 메타버스 뮤지컬에 대해 관객들이 가지는 이미지를 의미분별법 (Semantic Differential Method)을 통해 파악하고, 관객의 성별, 연령, 뮤지컬 관람 유무와 함께 메타버스 이용 경험, 메타버스 뮤지컬 관람 경험 및 관람 의도 등의 변수들에 따른 이미지 차이를 분석하였다. 메 타버스 뮤지컬에 대한 이미지는 36개의 형용사를 통해 추출하였으며 10대 ~30대 남녀 326명을 대상으로 한 설문조사를 통해 파악하였다. 연구 결과 첫째. 메타버스 뮤지컬에 대한 이미지는 새롭다, 신기하다, 독창적이다, 자유롭다, 궁금하다, 흥미롭다, 다양하다 등이 대표적이었다. 둘째, 메타버스 뮤지컬에 대한 이미지는 ‘예술성’, ‘참신성’, ‘기능성’, ‘친밀성’, ‘실재성’의 5개 요인으로 설명되었으며, 그중에서도 ‘예술 성’이 가장 큰 비중을 차지하였다. 셋째, 메타버스 뮤지컬에 대한 이미지 중에서 ‘참신성’과 ‘기능성’이 가 장 긍정적으로 평가되었다. 넷째, 여성이 남성보다 메타버스 뮤지컬의 ‘참신성’에 대해 보다 더 긍정적이 고, 10대가 20~30대 연령층에 비해 ‘기능성’과 ’실재성‘에 대해 보다 더 긍정적이었다. 다섯째, 메타버스 플랫폼과 메타버스 뮤지컬을 경험한 집단은 경험하지 못한 집단에 비해 ‘예술성’, ‘기능성’, ‘친밀성’, ‘실 재성’에 대해 상대적으로 보다 더 긍정적이었다. 여섯째. 메타버스 뮤지컬 관람 의도가 있다는 집단은 메 타버스 뮤지컬의 ‘참신성’과 ‘기능성’에 대해 매우 긍정적인 반면 관람 의도가 없다는 집단은 ‘예술성’, ‘친밀성’, ‘실재성’에 대해 부정적이었다. 결론적으로, 무대에서 실연으로 이루어졌던 기존의 뮤지컬을 메 타버스라는 가상현실로 확대해 나기기 위해서는 메타버스 뮤지컬이 가지는 ‘참신성’과 ‘기능성’을 뛰어넘 어 ‘예술성’과 ‘친밀성’, ‘실재성’에 대한 부정적인 인식을 줄일 수 있는 기술적인 발전과 창의적인 노력이 필요할 것으로 사료 된다.

This study extracted images of metaverse musicals, which have recently attracted attention, through semantic differential method and analyzed image differences according to characteristic factors of audience. The image of the metaverse musical was measured on a five-step scale for 36 adjectives, and was identified through a survey of 326 men and women in their teens to 30s. Research shows that the first. Representative images of metaverse musicals include new, novel, original, free, curious, interesting, and diverse etc. Second, the images of metaverse musical were divided into five characteristic factors: ‘artistry’, ‘novelty’, ‘functionality’, ‘intimacy’, ‘reality’ and ‘artistry’ accounted for the largest portion among them. Third, although ‘artistry’ accounted for the largest proportion of the image factors of the metaverse musical, ‘novelty’ and ‘functionality’ were evaluated most positively. Fourth, women were more positive about the ‘reality’ of metaverse musicals than men, and teenagers were more positive about ‘functionality’ and ‘reality’ than other age groups. Fifth, the group that experienced the metaverse platform and metaverse musical was relatively more positive about ‘artistry’, ‘functionality’, ‘intimacy’ and ‘reality’ than the group that did not experience it. Sixth, the group that had intention to watch the metaverse musical was very positive about the ‘novelty’ and ‘functionality’ of the metaverse musical, while the group that had no intention of watching was negative about ‘artistry’, ‘intimacy’ and ‘reality’. In conclusion, in order to attract existing musical audiences in the future, metaverse musicals need technological development and creative efforts to reduce negative perceptions of ‘artistry’, ‘intimacy’ and ‘reality’ as a comprehensive performing art beyond ‘novelty’ and ‘functionality’.

이 연구는 왕정복고 이후 영국 사회에서 주류문화를 선도한 감상희극(sentimental comedy)의 특성을 분석 하고, 희곡 문학에서 발견된 아이러니(Irony)의 극적 효과 연구를 통해 현대 극예술의 접목 방안을 고찰하였다. 18세기 영국의 희곡문화는 왕정복고 시대의 방탕과 혼란스러운 사회 분위기를 개선 시키고자 ‘인간에 대한 교화’를 모티프로 삼은 감상희극이 대두되었다. 당대 감상희극의 간략한 특성으로는 도덕적 교훈을 강조하기 위해 타락한 남녀 주인공들을 도덕성을 갖춘 인물로 변환하여 굴복시킨다. 이 과정에서 사건 전개 및 인물 유형은 현실과의 괴리를 드러냄으로써 아이러니를 발생시킨다. 극 중 아이러니 양상을 구체적으로 살펴보기 위해 본 연구자는 당시 대중성과 작품성을 확보한 감상희극 중 조지 파커의 <멋쟁이의 책략>을 선택하였다. 위 연구에서 드라마의 전개 요소 중 특히 아이러니에 주목한 이유는 다음과 같다. 작가가 의도하는 바를 사고의 전환을 통해 대사 또는 극 중 사건의 강조점을 포착하고, 텍스트에 내재 된 연극적 의미를 관객의 시선에서 능동으로 해석할 수 있다는 점에 초점을 맞춘다. 위 내용은 언어학자 소쉬르의 기호학 이론을 연구방법론으로 설정함으로써 아이러니의 양상을 언어, 행위, 운명의 세 가지 측면에서 확인할 수 있다. 한편 아이러니의 효용성에서 볼 때, 의사소통의 실효성 문제를 제기할 수 있다. 다시 말해 아이러니의 사용이 관객들에게 혼란을 초래하여 극의 몰입을 분산시킴으로써 본래의 기능을 상실할 수 있다는 점을 꼽을 수 있다. 결국 아이러니가 내재하고 있는 모호성과 불완전함이 양면성을 드러낸다는 점이다. 인물의 행위 또는 상황에서 아이러니의 사용은 새로운 자극이며 연극적 의미를 재구성한다. 따라서 아이러니의 사용은 관객과 의 긴밀한 의사소통과 극의 함축된 의미를 집약적으로 드러내기 위한 매개체로 활용될 수 있다. 독자는 희극 작품 안에서 겉으로 드러나지 않은 반전의 효과를 유추해냄으로써 극의 속도감을 조절할 수 있고, 작가가 의도한 특정 장면을 모순된 형태로 극화하면서 직간접적인 단서를 제공한다. 동시에 등장인물과 극 중 사건에 대한 긴장감을 끌어낼 수 있다. 본 연구자는 감상희극 작품에서 본 아이러니의 활용과 오늘날 극예술 속 유의미한 의사소통을 위한 아이러니 표상 연구로 마치려 한다. 심리와 철학을 기반으로 한 표상 연구의 한계임을 밝히고, 아이러니가 지니는 언어적 가치를 소쉬르의 기호 물질성 이론을 근거로 연구 범위를 제한함으로써 향후 아이러니에 대한 깊이 있는 연구를 기대하며 후속 연구로 남겨두고자 한다.

This study analyzed the characteristics of sentimental comedy, which led mainstream culture in British society after the Restoration of the monarchy, and considered the incorporation of modern theater art through a study of the dramatic effects of irony found in drama literature. In the 18th century, British theater culture emerged as a appreciation play using "cultivation of human beings” as a motif to improve the debauchery and chaotic social atmosphere of the Restoration of the monarchy. As a brief characteristic of the appreciation play of the time, in order to emphasize moral lessons, the fallen male and female protagonists are converted into moral characters and subjugated. In this process, the development of the event and the type of person create irony by revealing the gap from reality. In order to examine the irony aspect in the play in detail, this researcher chose George Parker's "The Stylish Man's Strategies” among the appreciation plays that secured popularity and workability at the time. In the above study, the reasons for paying particular attention to irony among the developing elements of the drama are as follows. It focuses on the fact that the author's intention can be interpreted as active from the audience's perspective by capturing the emphasis of the dialogue or event in the play through the conversion of thought. In the end, the ambiguity and imperfections inherent in irony reveal ambivalence. The use of irony in a character's behavior or situation is a new stimulus and reconstructs the theatrical meaning. Therefore, the use of irony can be used as a medium for close communication with the audience and intensively revealing the implications of the play. At the same time, it can draw tension about the characters and events in the play. This researcher intends to end with a study of irony representation for the use of irony seen in appreciation play works and meaningful communication in today's dramatic art. It is revealed that it is a limitation of representative research based on psychology and philosophy, and the linguistic value of irony is limited based on Socher's symbolic materiality theory, so we hope for in-depth research on irony in the future and leave it as a follow-up study.

본 연구에서는 넷플릭스 드라마 <스위트홈>에서 구현된 다양한 형태의 크리쳐(creature)에 대한 유형적, 디자인적 분석을 통해 한국 영화/드라마 속 괴물의 표현 특성을 살펴보고자 한다. 괴물이란 비현실적 존재의 현실화는 다양한 장르에서 표현되고 있다, 그 중 게임과 영상 속에 등장하는 괴물을 ‘크리처’라 칭한다. 여러 가지 모습으로 디자인된 크리쳐는 컴퓨터그래픽을 비롯한 영상기술의 발전과 많은 영상전문가들의 노력으로 좀 더 현실적이고, 실사 화된 가상피사체 구현으로 이어지고 있다. 한국은 세계 최고 수준의 VFX산 업을 보유하고 있어서 크리쳐가 등장하는 영화와 드라마의 제작에 매우 유리한 환경을 가지고 있다. 많은 제작자나 감독 들이 기획 단계나 스토리 구상 단계부터 특정 크리쳐의 디자인을 구상하고, 스토리를 이끌어 가는 주인공으로 설정하는 사례를 자주 볼 수가 있다. 또한 스토리와 감독의 메시지를 이끌어나가는 인상적인 크리쳐의 등장은 대중들에게 인기를 얻고, 시리즈로 이어져 브랜드 형태의 캐릭터가 될 가능성은 당연히 높을 것이다. 넷플릭스 드라마 <스위트홈>에 등장하는 많은 크리쳐 캐릭터는 여러 가지 점에서 상당한 매력을 갖고 있다. 감독은 웹튠 원작을 드라마로 변환시키면서 두 장르의 특성을 정확하게 이해하면서 효과적인 캐릭터를 구현해냈다. 인간의 욕망에 대한 괴물화를 설정한 <스위트홈>의 캐릭터들은 그 욕망에 걸맞은 독특한 외형을 보여주고, 그 행동방식의 특성을 세밀하게 보여주었다. 드라마 <스위트홈>은 단순히 기괴하고 거대하고 비현실적인 요소의 크리처가 아닌 현실적인 서사와 사실적 표현을 강조하여 대중들에게 공감대를 얻어냈다. 이 드라마를 사례로 분석함으로써 한국 영화/드라마도 ‘크리쳐’에 대한 작가 주의적 고찰이 이어지 고, 에일리언, 고질라 같이 성공한 K-크리쳐를 선보일 수 있기를 기대해본다.

This study aims to examine the characteristics of the cinematographic expression of monsters in Korean movies/dramas through tangible analysis and design analysis about various forms of creatively implemented monsters in the Netflix drama Sweet Home. The realization of unrealistic existences as monsters is expressed in various genres. Monsters are called as “Creatures” among games and videos. Designed creatures in various shapes are embodied as more practical and photorealistic virtual characters by the development of imaging technology including computer graphic imagery and the effort of many imaging experts. Korea has the world's best level of VFX industry, so it is a very advantageous environment to produce movies and dramas featuring various creatures. It is often seen that many producers and directors design specific creatures from the planning stage or the conceptual stage of story and set them as the main characters leading the story. In addition, the appearance of impressive creatures which leads stories and director's messages will naturally be popular with the public and it will be led to a series and becoming a brand-type character. Many of the creative characters in the Netflix drama "Sweet Home” are quite attractive in many ways. While converting the original Webtoon into a drama, the director accurately understood the characteristics of the two genres and embodied effective characters. The drama "Sweet Home” gained a consensus from the public by emphasizing realistic narratives and realistic expressions, not just creatures of bizarre, huge, and unrealistic elements. By analyzing this drama as an example, we hope that Korean movies and dramas will continue to have writers's review of "Creatures” and that they will be able to showcase successful K-Creatures like Alien and Godzilla.

이 연구는 문화 예술 분야의 기술융합 사례 가운데 최근 큰 이슈가 되고 있는 NFT 관련하여 NFT 디 지털 아트를 중심으로 기존 문헌연구 및 최근 관련 기사를 통해 이론적 배경 및 사례를 분석하였다. 사 례 분석을 통해 알 수 있었던 긍정적인 측면으로는 첫째, NFT 기술을 통해 기존 미술계에 존재해왔던 문 제들, 작품의 진위성, 고유성, 거래의 투명성 등을 해결할수 있다는것 둘째, NFT아트 플랫폼을 통해 누 구나 자유롭게 작품을 거래할 수있 게 되었다는 점 셋째, NFT 디지털 아트가 코로나 19로 인해 위축되었 던 문화 예술 분야에 새로운 형태의 대안점으로 떠올랐고 작가들에게 기회의 장이 확장되었다는 점이다. 반면 부정적인 측면으로는 디지털 작품의 저작권 및 소유권에 관한 법적 다툼 및 논쟁이 지속적으로 발 생하고 있고, 디지털 취약계통에게는 NFT 플랫폼 이용방법에 있어 새로운 기술에 대한 접근성이 상대적 으로 낮은 점, 그리고 플랫폼에 해킹과 같은 피해 발생 시 복구 및 보상이 어려울 수 있는 점 등 해결해 야 할 문제점들이 발견되었다. 이러한 쟁점들을 통해 그에 따른 시사점을 알아보았고 향후과제는 다음과 같다. 첫째, 현행 저작권법과 구분하여 NFT관련 저작권 및 소유권에 관한 기술적,제도적 규정이 필요하 다, 둘째, 점점 늘어나고 있는 NFT 거래 플랫폼의 경우, 이용 시 발생할 수 있는 소비자의 및 원작자의 피해를 최소화하기 위한 정부의 법적 규제 및 가이드라인이 필요하다. 셋째, 작품의 예술적 가치에 대한 객관적 기준 없이‘화제성’에 의해 일부 고액에 거래되어 지고 있는 거품성 ‘거래가격’에 관해 적정 가치 에 대한 재고와 신뢰성에 대한 대안이 필요하다. 앞으로 이러한 과제들을 통해 NFT 관련 피해 방지를 위 한 다양한 관점에서의 기술적, 제도적 법령이 필요할 것으로 보인다.

This study analyzed the theoretical background and case through existing literature research and recent related articles, focusing on NFT digital art, which has recently become a big issue among technology convergence cases in the field of culture and arts. The positive aspects that could be found through case analysis are as follows. First, NFT technology can solve problems that have existed in the existing art world, the authenticity, uniqueness, and transparency of transactions. Second, through the NFT art platform, anyone can freely trade works. Third, NFT digital art has emerged as a new type of alternative to the field of culture and arts, which has been dampened by COVID-19, and the field of opportunity has expanded for writers. On the other hand, on the other hand, legal disputes and disputes over the copyright and ownership of digital works continue to occur, and the access to new technologies in how to use the NFT platform for digital vulnerable systems is relatively low, and recovery and compensation are difficult in case of hacking. Through these issues, the implications were examined, and future tasks are as follows. First, technical and institutional regulations on copyright and ownership related to NFT are needed separately from the current copyright law. Second, in the case of the increasing NFT trading platform, the government's legal regulations and guidelines are needed to minimize damage to consumers and original authors. Third, it is necessary to reconsider the appropriate value and alternative to the reliability of the bubble 'transaction price' that is traded at some high prices by 'topicity' without objective standards for the artistic value of the work. In the future, technical and institutional laws and regulations from various perspectives are expected to be needed to prevent NFT-related damage through these tasks.

본 연구는 송범 무용극 분석을 통해 한국무용극의 지속가능성에 대한 고찰과 함께 발전 방법을 모색 하는데 목적이 있다. 먼저, 무용극의 가치를 확인해야 할 필요성을 느껴 질적 연구를 근거로 한 문헌연구 를 통해 무용극이 한국 춤 역사에서 가지는 예술성을 발견했다. 또한 융·복합 예술로서 무용극 장르가 충분한 경쟁력을 갖추고 있음을 확인할 수 있었다. 서양 춤에 영향을 받은 신무용 시대에 들어서면서 한 국 춤 역사에서 무용극은 무대예술로서 자리 잡았다. 초기 무용극의 기반을 마련한 인물은 조택원이라 할 수 있으나, 본격적으로 무용극을 양식화 한 인물은 국립무용단 초대 단장 송범이다. 그는 발레의 표현 양식을 한국 춤에 대입하여 창작한 무용극으로 국내·외적 성과를 거둔바 있으며, 국립무용단의 레퍼토 리 기틀을 마련하였다. 본 연구에서는 한국무용극의 선구자적 인물인 송범의 대표작으로 꼽히는 <도미부 인>, <은하수>, <그 하늘 그 북소리>를 사례로 분석하였다. 또한 이를 기반으로 현대에 재창작된 작품인 <2012 도미부인>, <2022 무용극 호동>과 비교분석을 통해 현재 국립무용단이 시도하고 있는 무용극 미래 방향성을 파악할 수 있었다. 결론적으로 국립무용단의 과거와 현재의 무용극 발전 동향과 함께 미래의 한국무용극 발전을 위한 필수적 과제 또한 도출할 수 있었다. 첫째, 관객이 공감가능 한 스토리를 바탕으 로 극 개발을 해야 한다. 둘째, 지속가능한 공연을 목표로 무용극 레퍼토리화에 대한 해결책이 필요하다. 마지막으로 한국 춤이 가지는 특이성을 기반으로 미래의 무용극의 형태를 구축해나가야 한다. 본 연구결 과가 앞으로의 무용극 연구에 있어서 중간역할을 하는 기초적 자료로서 활용되기를 기대한다.

The purpose of this study is to find way to develop Korean Dance Drama based on analysis of Song Bum’s dance drama. First of all, to verify the value of dance drama, the artistry of dance drama in Korean dance history is found through qualitative research of references. Also, the dance drama genre has enough competitiveness as a convergent art. In the New Dance era which is influenced by Western Dance, the dance drama is developed into the performing arts. The man who established initial dance drama is Cho Taek Won, but Song Bum made the dance drama into a kind of repertory. He applied ballet’s form to Korean dance and made Korean dance drama. Also, he made domestic and international achievements by his own dance drama while working as a leader of National Dance Company. He established and developed National Dance Company’s original repertory of dance drama. This study focused his major works - <Madame Domi>, <Galaxy>, and <The Sky, the Sound of Drum>. And based on analysis, this study compared it with revised work by National Dance Company in nowadays - <2012 Madame Domi>, <2022 Dance Drama Hodong> - to analyze National Dance Company’s future directivity. As a result, this study found out the trend of National Dance Company’s dance drama from the past to the future. and the tasks that are indispensable to develop Korean dance drama are drawn. First, the dance drama has to be developed based on popular and familiar stories. Second, the dance drama have to be repertory targeted to be sustainable show. Last, we have to establish the dance drama with uniqueness of Korean dance. I hope this study can be used as basic data with intermediate role in further dance drama studies.

이 연구는 충북지역 공연예술의 현황분석을 통해 제도와 공연 현장의 문제점을 파악하고, 이에 대한 해결 및 활성화 방안에 대해 연구이다. 연구범위는 충북지역에 한하며, 연구 대상은 공연예술 중 연극을 중심으로 한다. 연구방법은 ‘문예연감’(2015년 ~ 2020년)을 통해 먼저 전국을 기준으로 충북지역과 중앙 의 공연예술 현황을 비교 분석한 이후, 충북지역 창작초연과 재공연의 현황을 세부적으로 분석함으로써 공연예술계에서 충북지역 공연예술의 위치를 확인한다. 이후 충북문화재단의 ‘연차보고서’(2017년, 2019 년, 2020년)를 통해 충북지역 내에서 공연예술의 분야별 현황을 분석한다. 마지막으로 위의 분석을 바탕 으로 충북지역 공연예술 제도와 공연 현장의 문제점을 파악하고 이에 대한 해결 및 활성화 방안을 제시 한다. 결론에서는 크게 4가지 문제로 정리한 후 이에 대한 10가지 세부 사항으로 연구를 요약하면서 다 음과 같이 정리한다. 첫 번째, 공연예술인력 문제에 대한 방안이다. 1) 현재의 공연예술인력을 재교육하 고 우수 인재를 유치해야 한다. 2) 충북지역의 연극영화학과와 지역 연극인들과의 교류를 확대하면서 이 에 대한 새로운 협회 및 단체를 설립해야 한다. 3) 젊은 연극인 및 단체에 대한 혜택을 늘리고 적극적인 유치가 필요하다. 두 번째, 공연예술 단체 및 예술가 지원에 대한 방안이다. 1) 창작단체와 예술가 개인에 대한 지원금 규모 확대 및 지속적인 지원체제를 확립해야 한다. 2) 충북지역을 연고로 하는 기업들이 기 업문화재단을 설립하여 예술단체를 적극적으로 후원해야 한다. 세 번째, 관객을 위한 서비스에 대한 방 안이다. 1) 충북형 관객개발이 필요하다. 2) 창작거점공간으로써 소극장의 역할을 확대해야 한다. 3) 예술 행정을 전문화 시켜야 한다. 네 번째, 충북을 대표할 단체 및 공연행사에 대한 방안이다. 1) 충북 도립극 단을 설립해야 한다. 2) 충북을 대표할 만한 국제 공연행사를 만들어야 한다.

This research is a study on the current status analysis and revitalization plans of performing arts in the northern Chungcheong region. The scope of the study is limited to the northern Chungcheong region, and the subject of the study is centered on theatre among the performing arts. As for the progress of research, starting with the 'Culture & Arts Yearbook' (2015-2020), the ‘Annual Report’ (2017, 2019, 2020) of the Chungbuk Cultural Foundation was analyzed. Finally, based on the above analysis, the problems were identified, and solutions and revitalization plans were presented. In the conclusion, it is summarized as follows. First, it is a plan for the problem of performing arts personnel. 1) It is necessary to retrain the current performing arts personnel and attract excellent talents. 2) While expanding exchanges between departments of theatre and film in the northern Chungcheong region and local theatrical people, new associations and groups should be established. 3) It is necessary to increase the benefits for young theatrical people and organizations and actively attract them. Second, it is a plan for supporting performing arts groups and artists. 1) The scale of subsidies for creative groups and individual artists should be expanded and a continuous support system established. 2) Companies based in the northern Chungcheong region should actively support art organizations by establishing corporate culture foundations. Third, it is a plan for service for the audience. 1) The northern Chungcheong-type audience development is needed. 2) The role of the small theater as a creative base space should be expanded. 3) Art administration should be specialized. Fourth, it is a plan for organizations and performance events that will represent the northern Chungcheong region. 1) A provincial theatre company in the northern Chungcheong must be established. 2) An international performance event that can represent the northern Chungcheong region must be created.

본 연구는 본 연구자의 무용작품 『사이』 에 관한 연구이다. 비움공간에 대한 노자 사상을 적용하여 현 대 공간의 문제성과 인간관계라는 주제성을 표현한 작품이다. 철학적 관념을 몸으로 시지각화 과정과 안 무방식은 다양한 안무적 방식에 하나의 자료로써 연구 목적을 가진다. 『사이』 는 노자의 ‘도(道)와 명(名)’, ‘대(大)’, ‘현(玄)’을 적용하여 작품전개의 구성과 오브제, 음악, 공간의 표현성을 이루었다. 1장 생성의 공 간으로 태아와 여성적 방향을 강조하였으며, 변각구도를 중심으로 비움과 채움을 안무하였다. 2장 차이 의 공간으로 철학적 개념을 역으로 활용하여 고립된 공간에서의 인간관계를 설정하여 분리와 고립의 움 직임성을 강조하였다. 3장 관계의 공간으로 오브제를 해체하고 관객에게 끈 오브제를 무용수가 전달함으 로써 공간을 비우면서 관계를 이루도록 하였다. 이는 관객이 무대 안으로 들어오게 함으로써 직접적 관 계를 표현한 것이다. 결론적으로 『사이』 무용작품의 특징적 안무방식을 살펴볼 수 있다. 첫째, 공연 장소 인 홀Ⅰ을 원형적으로 그대로 비움으로써 극의 환상성이 아닌 일상의 공간을 활용했다. 그래서 오히려 공간에 있는 문과 거울을 활용하여 표현성을 다양화할 수 있게 했다. 둘째, 접촉이 아닌 상관적 관계의 즉흥적 군무를 통해 새로운 방식의 움직임 표현력을 구현하도록 했다. 셋째, 보기만 하는 관객과 무용수 의 역할을 해체함으로써 관객은 극에 직접적으로 참여할 수 있도록 하였다. 어떠한 것에 중점을 두고 안 무할 것인지는 안무방식에 직접적으로 영향을 미친다. 메타포가 강한 동양 사상을 중심으로 안무한 것은 안무법의 다양성에 한 부분을 차지할 것이며, 창작 역량에 본 연구가 도움이 되길 바란다. 더불어 본 작 품은 그것을 해석하고 몸으로 시지각화 하는 안무법이다. 이는 관념의 시각화라는 하나의 안무법을 제시하는 데 목적과 필요성이 있다. 그리고 본 연구자의 안무방식을 구축하는데 기본적 연구로 의미 를 지닌다.

This is a study on researcher’s dance work <Between>. It is a work that expresses the problem of modern space and the subject matter of human relations by applying Lao-tzu's idea on empty space. The process of visual perception and the choreography method on philosophical ideas with a body has a purpose for research as a material for various choreographic methods. <Between> applies Laozi's ideas of ‘way(道)’, ‘name(名)’, ‘greatness(大)’, and ‘mystery(玄)’ to achieve the composition of the work development and the expressiveness of object, music, and space. In Chapter 1, the fetus and the feminine direction are emphasized as a space of creation, and emptiness and filling are choreographed while centering on the changed angle. The space of the difference or Chapter 2 emphasizes the mobility of separation and isolation by establishing human relations in an isolated space with philosophical concepts in reverse usage. Chapter 3 is the space of the relationship and the boundary is dismantled by emptying the space when dancers deliver the object of string to the audience after the object is dismantled. It illustrates a direct relationship by allowing the audience to enter the stage. In conclusion, it is possible to examine the characteristic choreography method of the dance work <Between>. First, Hall 1, the performance venue is emptied in its original form to utilize the space of daily life, not the fantasy of the play. Rather, it allows the diversity of expressiveness by using a door and a mirror. Second, a new way of expressiveness of movement was implemented through impromptu group dance of correlational relationship rather than contact one. Third, by dismantling the roles of the audience and dancers, the audience were allowed to directly participate in the play. What to focus on in choreography directly affects the choreography method. The choreography of space and human relations centered on oriental philosophy will be a part of the diversity of choreography with Strong Metaphor, and this study hopes to be helpful for creative capacity.