Earticle

본 연구는 ‘연기행위(Acting)’가 예술작품의 승화를 위한 전문적 기예와 훈련도구에 한계 짓지 않고, 일반적 의미에서 사회적 확장 가치에 천착하여 분석하고자 한다. 문헌고찰을 통해 인간의 창의성 지능 개발에 역할연기(연기행위)가 어떻게 접목되고 일반화 될 수 있는가에 연구방향을 집중하고, 그에 따른 방법론적 측면까지 모색하는데 목표를 둔다. 본 논문은 연기행위(역할연기)의 사회적 확장 가치에 관한 기반 연구에 해당한다. 인류는 현재 4차 산 업혁명시대에 직면하면서, 인간의 본질적인 존재적 가치와 지향성격에 대하여 끊임없이 성찰하고 있는 상황이다. 2016 다보스포럼을 통해 4차 산업혁명의 도래를 주창한 ‘클라우스 슈밥’(Klaus Schwab/세계경 제포럼 회장)은 인류가 현재와 미래에 직면한 기회와 위기의 현실에서 인간의 존재적 가치는 소위 4가지 지능요소를 균형감 있고 견고하게 개발 및 유지하는 인간형이라는 점을 밝히고 있다. 4차 산업혁명에 부 응하기 위한 지능개발 요소로 <상황맥락(Contextual)지능>, <정서(emotional)지능>, <영감(inspired)지능>, <신체(physical)지능>을 강조하면서, 이것은 지금에 보편적으로 널리 인식되고 있는 ‘창의적 융합 인재형’ 과 맞닿아 있다. 여기서 주목하는 점은, 4가지 지능요소가 연기행위, 곧 ‘역할연기’라는 범주에 모두 내재 되어 있다는 점이다. 일반적인 배우들의 연기행위를 들여다보면, ‘역할(Role)’을 대상으로 상황맥락 차원의 인지분석과 이해, 정서 차원의 감정동화 및 구현, 영감 차원의 등장인물에 대한 합일된 영혼화, 신체 차원에서의 역할인물의 소리와 몸의 표현 개발과 구현이 펼쳐지고 있다. 이러한 맥락과 연계지점을 고려 할 때, 창의성 기반의 융합형 인재구현에 ‘역할연기(연기행위)’의 접목이 충분히 효용가치가 있음을 시사한다.

This article attempts to lay a foundation for future work on values gained by socially expanding acting. Encountering the 4th industrial revolution era, we've constantly introspected existential values inherent in human beings and tendency. Klaus Schwab, who argued the advent of the 4th industrial revolution in Davos Forum 2016, remarks that human beings' existential value can be implemented in a type of human who develops and maintains four firm and balanced elements of intelligence in the reality full of opportunities and risks which human beings are facing in the present and the near future. He emphasizes four types of intelligence as elements to be developed in order to respond to the 4th revolution: contextual intelligence, emotional intelligence, inspired intelligence, and physical intelligence, all of which are associated with a widely-recognized 'concept of talent marked by creativity and integration'. To explore the purpose of this article, I point out that the four types of intelligence are inherent in acting behaviors, so called a category of 'role-playing'. Acting behaviors which general actors show on the stage involve cognitive analysis and understanding on 'the roles' in the contextual dimension, empathy and representation in the emotional dimension, unified spirit with characters in the inspirational dimension as well as expressional development and implementation of sounds and bodies they act on in a physical dimension. When this context and a linkage point considered, it is implied that utilizing 'role-playing(acting)' has wide usefulness in implementing integrated talents with creativity. This study delves deeper into the value achieved by social expansion of acting in a general sense, not limiting acting as a professional art and a tool used in training for sublimation of artwork. Not only do I put on focus on how role playing(acting) can be used in the development of creativity; I also examine how it can be generalized with an aim to look for feasible approaches.

이 연구는 모노드라마를 통해 드러나는 기호적 연극성에 대해 문헌분석을 통해 알아보고자 한 것이다. 1917년에 발표된 카프카의 단편 『학술원에 드리는 보고』가 극예술의 중심에 ‘기호의 기호’인 배우 혼 자서 연극적 실천을 재현 하는 모노드라마 형식으로 <빠알간 피터의 고백>, <이원승이 원숭이>로 해석된 상이한 공연 텍스트를 기호적 관점에서 양면적 연극성을 연구한 것이다. 이 연구를 나타난 결과를 정리 하면, 첫째, 모노드라마는 배우 혼자서 공연하는 것이 아니라 관객을 배우삼아 공연되는 것이라는 점이다. 둘째, 연극성 기호는 사건이 기호로 발화되어 상징성과 은유성을 내포하게 되며, 인간의 삶에서 상징 성은 절대성으로, 은유성은 변화를 내포하고 있다는 점이다. 셋째, 공연에서 양면적 연극성의 동일성은 공통 텍스트의 골격을 바탕으로 두 공연 텍스트가 재해석된다. 원숭이가 인간적 언어 습득의 동기화로 변화된 삶의 환경과 추구성에 관련된 자기 고백적 보고 내용이 기본 골격이다. 상이성은 공통 텍스트가 연출 관점, 구성의 접근 방법, 연기의 해석 양식에 따라 상이하게 무대화 된다는 점이다. 이에 본 연구는 추송웅과 이원승이 동일 텍스트인 『학술원에 드리는 보고』의 공연에서 추구한 동일성과 상이성의 연극성 발견을 목적으로 한다.

The study examines both-sided theatricality of the two different monodramas, <Confession of Red Peter> and <Lee Won-seung is a Monkey>, created by dramatizing Kafka’s short story 「Report to an Academy」 published in 1917, in terms of sign. The mono drama means that a stage actor, ‘sign of signs’ in the center of the dramatic art, plays alone. Same point in both-sided theatricality is that two drama texts are reinterpreted based on the same text skeleton. In other words, the main frame is that a monkey narrates, in the form of the report, one’s story of trying to adapt oneself to changed environment while learning a human language. Different point in both-side theatricality is that two drama texts are differently enacted depending on viewpoint of direction, approaching way in a plot and interpretation style of acting. The drama texts is worth studying in that the actor imitates gestures of a monkey, not a human, which is more dramatic, and stage symbolization of one actor is an unique style. The researcher looks into stage acting expression and environment of the monodrama. Theatricality of two performance texts is complicated with symbolized deformation and is explained with sign system such as indicator on the map and symbol. Based on this, the study examines the relation of the two performance texts including the sameness and difference. By widely expanding the monodrama, drama style of one actor, the study analyzes the stage symbolization process of the actor as theatricality.

연기훈련에 있어 메소드 연기의 훈련방법은 기초적 방법론으로 각광을 받아오고 있다. 특히 매체의 발달로 영상 관련 산업이 활성화 되면서 보다 자연스러운 연기, 확대된 영상에서도 진실함이 느껴지는 연기에 대한 목마름으로 메소드 연기훈련법에 대한 요구는 더해지고 있다. 이러한 메소드 연기의 대표적 인 주창자들이며 3인방이라 불리우는 리 스트라스버그(Lee Strasberg,1990-1982), 스텔라 애들러(Stella Adler, 1990-1992), 샌포드 마이즈너(Sanford Meisner, 1905-1997)의 방법론이 있다. 본 연구는 그 중에서는 샌포드 마이즈너의 `교감훈련'에 관한 연구이다. 마이즈너는 스타니슬라브스키가 얘기했던 배우훈련 에 있어 교감의 필요성을 확대하여 자신만의 방법론을 구축해나갔는데 대표적인 훈련법이 `반복훈련'이다. 마이즈너는 연기 상대와의 교감과 순간 반응을 통해 보다 더 본질적인 진실의 연기에 도달하는데 주 목하고 있다. 여기에 덧붙여 `순간반응'은 즉흥성 맥락과 맞닿아 있으며, 플레이백씨어터(Playback Theater)와 액션씨어터(ActionTheater)의 공연연기양식에서도 그 중요성이 확인되고 있다. 결국 이러한 연구를 통해 연기의 본질에 다가서려는 기초연기훈련과정으로서의 `주어진 상황'에 대한 인식을 보다 면밀히 고찰하고자 한다.

In the training of acting, training of method acting has been popular as a basic methodology. Especially, as the development of the media has stimulated the video-related industries, the demand for method acting training is becoming more demanding due to thirst for acting more natural and feeling true to the enlarged image. Lee Strasberg (1990-1982)., Stellar Adler (1990-1992)., and Sanford Meisner (1905-1997). are the main advocates of these methods acting. This study is the study of `sympathy training' of Sanford Meisner among them. Meisner has developed his own methodology by expanding the need for sympathizers in the actor training that Stanislawski talked about. Repeat training is a typical training method. Meisner noted that rapport and momentary reaction to the acting partner reached a deeper truthfulness. In addition, the `momentary response' is inextricably linked to the context of improvisation, and its importance has been confirmed in the performances of the playback theater and the action theater (ActionTheater).. Finally, I would like to take a closer look at the perception of 'given situation' as a basic postponement training course to reach the essence of acting through these studies.

본 연구는 뮤지컬 발성 교수법의 흐름과 문제점을 살펴보고, 실제 뮤지컬 가창 교육현장에서 학생들 이 흔히 보여주는 호흡관련 오류 사례들을 검토한 이후 그 해결책을 모색하고자 하였다. 연구방법은 문 헌연구로 이루어졌다. 뮤지컬은 공연시장의 대표적인 콘텐츠로서 큰 비중을 차지한다. 비록 뮤지컬 콘텐츠 자체의 힘은 아 직 미약하지만 양적인 팽창은 괄목할 만한 수준이며, 뮤지컬배우 및 배우지망생들도 폭발적으로 증가하 고 있다. 뮤지컬 시장의 양적 성장에 따른 수요 증가에 대응하기 위해, 여러 대학들은 뮤지컬학과를 신설 하거나 기존 관련학과의 내부전공을 개설했다. 그러나 뮤지컬 교육의 기본이 되는 뮤지컬 발성교수법은 과학적인 방법을 기반으로 체계화되지 못하고 있다. 기존의 뮤지컬 발성 교수법에는 몇 가지 문제점이 있다. 발성과 호흡의 과학적인 이론이 부재한 경우, 과학적 이론을 기본으로 하더라도 실제 적용이 모호한 경우, 기존 발성법 자체의 심각한 오류 등이 그것이다. 이상의 문제점들로 인해, 뮤지컬 콘텐츠의 발전과 뮤지컬 배우의 역량 발전 사이의 불일치가 발생 하게 되며, 이러한 불일치는 뮤지컬 콘텐츠의 질적 향상에도 부정적인 영향을 미치고 있다.

This study figures out the problems of the existing vocal music teaching techniques in musical, and attempts to find out solutions to the breathing related errors common to students in actual vocal training programs, mainly by means of various literature survey. Musicals take up a large share of the performance market. Although the power of the musical content itself is still weak, quantitative expansion is remarkable, and musical actors and actresses are also showing explosive growth. In response to the growing demand for the musical market as a result of quantitative growth, many universities have opened new musical departments or internal majors in existing related departments. However, the basic method of musical vocal teaching is not organized based on scientific methods. There are some problems with traditional musical vocal teaching methods. First, scientific theory of vocalization and respiration is virtually absent. Second, the actual application of the scientific theory, if any, is not clear. Third, there is a serious error in the existing elocution method itself. Due to the above problems, there is a discrepancy between the progress of musical content and the advancement of the ability of musical actors. This discrepancy has a negative effect on the quality of the musical content.

이 연구는 스토리텔링을 접목한 `춤놀이'프로그램 사례를 통해 창조적 표현활동에 있어 스토리텔링이 창조적 표현 확장에 영향을 미칠 수 있는 점을 구체적으로 살펴본 것이다. 연구방법은 관찰법과 문헌자 료를 중심으로 이루어졌다. 2015년 개정 고시된 7차 교육과정은 창의융합형 인재양성을 목적으로 미래사 회가 요구하는 핵심역량으로 제시하였다. 창의성은 기존의 틀을 깨고 새롭고 독창적인 길을 모색하는 확 장된 사고이다. 외부로부터의 자극에 감각하고 느끼는 행위 그리고 상상력이 풍부한 사고를 하는 것이 창조행위이다. 창조적 표현활동을 위해 내적충동과 상상력이 풍부한 사고에 반응하고 외부로부터 수용 한 감각 경험과 느낌을 구체적으로 표현할 수 있는 문화예술활동은 어렸을 때부터 필요하다. 아동에게 무용은 상상력의 사고와 감정의 표현을 몸으로 즉각적으로 표출해낼 수 있는 몸 표현활동이므로, 몸으로 하는 비언어적인 표현활동인 무용은 익숙하지 않은 표현에 있어서는 한계를 느낄 수 있다. 따라서 아동 의 몸 표현활동에 있어 놀이의 방식과 더불어 스토리텔링의 구조를 접목하는 것으로 영역의 확장을 시도 하였다. 스토리텔링은 자신의 생각과 행동을 명확하게 이해하고 구체적으로 표현할 수 있다는 점에서 표 현의 활동을 확장시킬 수 있다고 사료된다. 관찰의 결과는 횟수를 거듭하면서 아동들은 자신만의 독창적 인 창조적 작품을 표현하는 것을 좋아하게 되고, 스토리텔링과 어우러진 자신만의 독창적인 표현을 위해 스스로 노력하고 있다는 것을 발견할 수 있었다.

The seventh curriculum in Korea, which was revised in 2015, is presented as a core competency required by future society for the purpose of cultivating creative talents. Creativity is an extended thought that breaks the existing framework and seeks new and original ways. Creativity is the act of creation that senses and feels the stimulation from the outside and thinks that it is rich in imagination. Cultural and artistic activities that express concrete experiences and feelings that are accepted from the outside in response to an inner impulse and an imaginative thought for creative expression activities are necessary from a young age. Dance to the child through such activities is the expression activities through the body that can instantly express the expression of imagination thinking and emotion in the body. However, dance, which is a non - verbal expression activity in the body, can feel limitations in unfamiliar expressions. Therefore, this researchers attempted to combine the structure of play with the structure of storytelling in the body expressive activity of children. Storytelling is thought to be able to expand the activities of expression because it can clearly understand and express the thoughts and actions. In this paper, we will examine how storytelling can affect creative expression expansion in creative expression activities through dance play ‘Chum-Nori’ program that incorporates storytelling.

이 연구는 조명이 배우의 분장에 미치는 영향을 알아보고, 조명이 영향을 미치는 무대, 분장기법, 조 명각도, 무대환경 등 다양한 상황에서 고려해야 하는 요소들을 알아보고, 그에 대한 심도 있는 탐색을 통 대 조명의 중요성을 제시하고자 한다. 조명은 무대의 모든 요소에 영향을 미치고 배우의 분장과도 밀접한 관련이 있다. 또한, 무대 연극에서 분장기법과 시각의 표현에 있어서 중요한 역할을 한다. 조명은 특성에 따라 형태와 배역을 사실적으로 보여주기도 하고, 극의 분위기에 따라 전혀 다른 느낌을 주기도 한다. 조명은 무대장면의 분위기, 장소, 시간 등을 표현할 수도 있으며, 배우의 인격과 환경의 특성을 나타낼 수도 있다. 또한 잘 구성된 조명 설 계는 분장을 돋보이게 하지만 그 반대의 것은 분장과 배우, 분위기 등을 망치게도 한다. 그 외에도 광원 이나 조명의 형태의 따라서도 분장의 재료선택 및 시술하는 방법이 달라진다. 따라서 분장 전문가는 분 장 전에 조명의 종류와 위치, 조명의 강도와 방향 등을 항상 염두에 두고, 무대와 배우를 고려한 분장을 하여야 하며, 배우의 의상색의 변화와 자연 광선에서 표현되는 색의 특징, 그 색에 맞는 분장 색상의 선 택과 배우의 내용표현을 고려한 분장이 이루어져야 한다. 따라서 본 연구는 조명형태에 따라 다르게 이루어져야 하는 분장 방법과 분장이 행해지는 각 분야 별로 조명의 중요성과 그 역할을 탐색하는 것에 의미를 둔다.

Lighting affects everything on the stage. So it is closely related with make-up. Also, We can realize that lighting plays an important role in the make-up style and expression of vision. It must be altered according to the character of each program, show model and pattern factually, and adjust the atmosphere. Sometimes, it shows us scene atmosphere, places, and time. And it grants the character of subjects and environment. A well-structured lighting design highlights make-up, while the reverse also spoils make-up and make-up color. There are also many differences in the way in which the materials are selected and treated in the form of light sources or lighting, depending on the type of coating, materials selection. Therefore, before applying make-up, the type and location of lighting, the strength and direction of lighting should always be considered by the make-up expert, changes in the color of the garment and the characteristics of the colors expressed in natural light should be studied, the selection of the make-up colors suitable for that color, and the procedure methods. We need to study about lighting type for the development of beauty expression and visual expression. This study sets limits on the effects of such lighting on make-up, In particular, the ministry wanted to look into the importance and role of lighting in different fields where make-up ways and make-up performed, depending on lighting types.

이 연구는 태권도무대공연이 갖고 있는 브랜드자산이 브랜드태도, 관람몰입, 추천의도에 미치는 영향 을 규명하여 공연문화콘텐츠로서 태권도공연의 마케팅 전략 수립을 위한 기초자료를 제공하는데 그 목 적이 있다. 연구대상으로는 2017년 5월~6월에 남산골한옥마을 태권도공연을 관람한 해외관광객을 대상 으로 편의표본추출법을 이용하여 종 261부를 결과 분석에 사용하였다. 본 연구의 자료처리방법은 SPSS 23.0을 이용하여 빈도분석, 탐색적 요인분석, 신뢰도분석, 상관관계분석, 다중회귀분석을 실시하였으며, 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 태권도의 브랜드자산 중 브랜드인지도, 브랜드이미지, 지각된 품질 중 브랜드인지도, 브랜드이미 지 순으로 브랜드태도에 유의한 영향을 미쳤다. 둘째, 브랜드자산 중 지각된 품질, 브랜드이미지 순으로 관람몰입에 유의한 영향을 미쳤다. 셋째, 브랜드자산 중 브랜드이미지, 브랜드인지도, 지각된 품질 순으로 추천의도에 유의한 영향을 미쳤다. 넷째, 브랜드태도와 관람몰입은 추천의도에 유의한 영향을 미쳤다. 한국관광산업의 활성화와 맞물려 한국을 대표하는 무예스포츠가 스포츠경기 측면, 스포츠교육적인 측면을 뛰어넘어 무대공연예술로서 공연예술 콘텐츠산업 영역이 더욱 확장시키고 있음을 알 수 있다. 이러 한 맥락에서 보다 한국적이고 다양한 볼거리를 제공하기 위해서는 지역관광활성화를 위한 산관학(지역 민간기업체-지역자치단체-지역 대학 태권도학과)의 계층적 지원ㆍ관리로 고용안정과 공연활동의 전문성을 보장하는 국립ㆍ도립ㆍ시립 태권도무술예술단을 운영을 함께 운영한다면, 지역내수 및 지역관광수익창출로 연쇄적인 시너지효과가 발생할 수 있을 것이다.

The purpose of this study is to provide basic data for the establishment of marketing strategies for taekwondo stage performances as performance cultural content by investigating the effect of the brand equity of taekwondo stage performances on brand attitudes, immersion in watching, and recommendation intentions. The subjects of this study were foreign tourists selected using convenience sampling method from among those foreign tourists who watched taekwondo performances in Namsangol Hanok Village from May to June 2017 and a total of 261 copies of questionnaire sheets were used for analysis. First, out of the brand equity of taekwondo including brand awareness, brand image, and perceived quality, brand awareness had the most significant effect on brand attitudes followed by brand image. Second, out of the brand equity, perceived quality had the most significant effect on immersion in watching followed by brand image among brand equity showed significant influences on viewing commitment. Third, out of the brand equity, brand image had the most significant effect on recommendation intentions followed by brand awareness and perceived quality in order of precedence. Fourth, brand attitudes and immersion in watching had significant effects on recommendation intention. It can be seen that in line with the activation of the Korean tourism industry, the martial art sports, which is representative of Korea, surpassed the sports aspect and the educational aspect to further expand the area of the performance arts content industry as a stage performance art. In this context, to provide more Korean style and diverse tourist attractions, if national, provincial, and municipal taekwondo martial art companies that will ensure employment stabilization and the professionalism of performance activities are operated altogether with hierarchical support/management by industry-government-academia (local private enterprises-local governments-taekwondo departments of regional universities) for activation of regional tourism, consecutive synergy effects might occur with the creation of regional domestic demand and regional tourism revenues.

본 연구는 본 연구자의 무용작품 <닿을 수 없는>의 구상, 안무, 연습 및 공연의 전 과정에서 안무가이 자 무용수인 본 연구자의 소마(soma) 체험을 연구한 것으로, 토마스 하나(Thomas hHanna, 1928~1990)는 자신이 창안한 몸학(somatics)에서 소마에 대해 다음과 같이 논하고 있다. 소마는 육신을 강조한 신체 (body)와 구별해서 지성, 감성 그리고 영성이 통합되어 있는 전인적이고 통합적인 ‘몸’을 말한다. 본 논문의 연구 방법은 실기기반연구법(Practice Based Research)을 중심으로 하면서 문헌연구도 병행 하였다. 우선 토마스 하나의 몸학(somatics)을 중심으로 소마(soma), 소마의 체험양식, 소마의 의식과 각 성의 개념은 문헌연구법을 통해서 정리하였다. 소마체험을 중심으로 본 연구자의 무용작품 <닿을 수 없는>을 연구한 결과는 다음과 같다. 첫째, 몸학 (somatics)을 통해 몸의 새로운 접근법을 연구함으로써 내 자신의 소마뿐만이 아니라 생명체인 소마에 대 해서 깊이 있고 폭넓게 인지할 수 있게 되었다. 그럼으로써 몸의 겉모습에 치중하고 몸을 육신(body)으로 바라보는 시각에서 벗어나 몸을 주체적이고 총체적인 존재로 인식하게 되었다. 둘째, 안무하는 과정에서 소마에 집중하고 상상을 통해 움직임을 탐구함으로써 내 자신만의 창의적인 움직임을 찾아 낼 수 있었다. 셋째, 몸을 움직이기 위한 준비 단계와 작품을 연습하는 과정에서 불필요한 긴장을 완화시킴으로써 자연스럽고 부드러운 움직임이 가능해졌다.

This study presents the somatic experience that the researcher, who is a choreographer and dancer, had in the process of planning, choreographing, practicing, and performing his own dance work called <Cannot reach>. The purpose of the study is to describe and discover the significance of the self-consciousness and awareness of the body raised by concentrating on the soma during the developmental stage and performance of the work. Thomas Hanna(1928-1990) discusses Soma in his somatics. Soma refers to a holistic and integrated ‘body’ in which intelligence, emotion, and spirituality are integrated, distinguishing it from the body that emphasizes the body. The main method used for the study was Practice Based Research and the study also incorporates a literature review. It also analyzes every stage of the dance work <Cannot reach> through a practice based research, and all the somatic data and choreography notes, gathered through the bodily experience at the stages, were used as primary sources. The study delineates the following results from investigating the work <Cannot reach> with a somatic experience. First, by devising a new approach for the body through Somatics, it was possible to achieve a more profound understanding about the soma. Second, in the process of choreographing the dance, it was possible to construct unique movements by concentrating on the soma and using imagination. Third, in warming up the body before practice, the somatic learning mitigated unnecessary nervousness and produced more natural and smoother movements. It is desired that the study will help a dancer to recognize in more profound ways that one’s body is the principal source of a dancer’s art and life.