Earticle

20세기 세계의 연극은 전위예술 운동과 포스트모더니즘의 문화현상과 연관되어 예술과 삶의 관계에 대한 인식의 전환에 따른 다양한 연극실험들로 전개되었다. 21세기에 들어와서도 여전히 연극과 삶의 경계 허물기에 따른 연극실험이 지속되고 있는 가운데, 한편에서는 예술로서의 연극형식보다 연극과 교육, 연극과 치료, 연극과 사회라는 관점에서 보다 인간 삶에 직결되는 연극형식에 대한 실험이 확산되어가고 있다. 대표적으로 아우구스또 보알에 의해 처음 시도된 토론연극과 조너선 폭스에 의해 시도된 플레이백 시어터, 필립 테일러에 의해 시도된 응용연극을 들 수 있다. 토론연극은 배우와 관객이 똑같은 비율로 참가하는 창조적인 연극형태로 관객이 극적 행위 속에 직접 끼어들어 배우를 대신하여 행동하는 연극형식이고, 플레이백 시어터는 사람들이 삶에서 실제로 일어난 일화를 이야기하면 그 이야기를 그 자리에서 극화하는 즉흥 연극의 한 형식이며, 응용연극은 ‘응용된 연극’으로서 생활 속 공간에서 참여자들이 자신이 당면한 문제들에 관한 이슈, 사건, 의문 등을 이해하고 해결책을 함께 고민하는 프로젝트형 연극형식이다. 이러한 새로운 방식의 연극은 공통적으로 연극을 생활 속으로 끌어들이고, 관객 혹은 참여자들이 주축이 되는 방식으로 참여연극이라고 할 수 있다. 참여연극은 극장에서 관객들을 기다리는 수동적인 자세를 떠나 일반인들의 삶의 현장 속으로 직접 들어가서, 그들의 삶의 문제를 함께 연구하고, 그들의 이야기를 극화하여 해결책을 모색하면서 관객들의 삶의 질을 현실적으로나 미적으로 고양시키는 역할을 하는데 목적을 두고 있다. 더불어, 오늘날 우리나라에서 전통적인 연극에 대한 관객들의 관심이 점차적으로 약화되어가는 현실에 직면하여 그 대안으로서 관객들의 관심을 환기시킬 수 있는 새로운 연극에 대하여 고찰함으로써 연극문화의 새로운 길을 모색하는데 그 의미를 둔다.

In connection with the avant-garde art movement and the cultural phenomenon of postmodernism, the plays of the 20th century were developed into various theatrical experiments in the wake of the transformation of perception of art and life. Still in the 21st century, those experiments to break down the boundaries of theatre and life are growing, another theatrical experiments are expanding from the perspective of theatre and education, theatre and therapy, and theatre and society. These experiments are more related to life itself than to theatre as art. To name major ones, there are: Forum Theatre by Augusto Boal, Playback Theatre initiated by Jonathan Fox, and Applied Theater devised by Philip Taylor. Forum Theatre is a creative theater form in which actors and audiences participate at the same rate, in which the audience interrupts directly into the drama and acts on behalf of the actor; Playback Theater is a form of improvisation plays in which people tell stories that actually happen in their lives; and Applied Drama/Theatre is a form of projects in which participants understand and think about issues and solutions to the problems they face in their everyday life. This new style of play is a common way of engaging the play into life and being led by the audience or participants. These plays are called participatory plays, which aim to play a role in enhancing the quality of life of the audience, leaving the passive attitude of waiting for the audience in the theater and entering the scene of ordinary people’s lives, studying their life problems together, dramatizing their stories and seeking solutions.

이 연구는 연극영화학을 전공하면서 교직이수 중에 있는 학생들을 한 학기 동안 지도하면서 그 과정과 결과를 정리한 실행연구이며 모의 수업, 동영상 촬영, 반성적 환류 등을 통한 교직이수자들의 수업능력 향상 및 전문성 함양에 그 목적을 두고 있다. 구체적인 수업 지도는 2019학년도 2학기 ‘연극영화 교과교재연구 및 지도법’이라는 과목을 통해 이뤄졌으며 충북 소재 S대학교 공연영상학과 3학년 학생 중 해당과목을 수강한 11명을 대상으로 하였다. 학생들은 수업계획, 교안작성, 교안발표, 모의수업, 수업동영상 촬영, 자가 점검, 지도교수 피드백, 현직중등교사 컨설팅 등의 과정을 거쳤으며 그 중 반성적 수업 환류의 핵심은 수업 동영상 촬영 및 자가 점검에 있다. 이러한 일련의 과정은 아직 수업 경험이 없어 평가를 받아본 적이 없는 교직이수학생 및 연극영화전공 학생들이 직접 본인이 수업하는 장면을 동영상을 통해 다시 되돌아봄으로써 자연적으로 수업 반성 활동을 하게 되고, 이것이 수업 능력향상으로 이어지는 환류시스템을 이루었음을 의미한다. 이 연구는 각 단계마다의 자료를 수집하고 이를 정리하여 연구결과물로 도출해내는 이 연구 과정 자체가 필자의 한 학기의 수업 반성으로 기능하였다고 할 수 있을 것이다. 이 연구는 전 과정에 걸쳐 대학교육 혁신본부와의 업무 연계에 의해 실행되었다. 모의수업 동영상 촬영 및 편집, CD 제작, 자가 진단표 항목작성, 현직 중등교사 수업 컨설팅 등 본 연구에서 중요하게 다루고 있는 핵심 사안마다 대학교육 혁신본부의 계획과 협조에 힘입은 바가 크다는 점을 밝힌다. 이에 본 연구는 본인의 수업에 대한 반성적 성찰을 통해 교직이수자들의 수업 능력을 향상시키고 이 과정을 체계화하여 차후 학기에도 동일한 목적을 달성할 수 있도록 하고 이를 바탕으로 향후 더욱 발전된 교수방법을 개발하며 그 방법론을 동료 연구자들과 공유하고자 하는 것이 그 목적이라고 할 수 있다.

This action study is that summarizes the process and results by teaching students who are in the teaching education course while majoring in theatrical cinematography for one semester and it is aimed to improves the teaching ability and professionalism of the teaching education course through reflective circulation. The specific instruction was conducted through the subject of 'Study & Teaching Method of Play & Cinema' in the second semester of 2019, and 11 students who took the subject among the third grade students of the Performing Art Media Department at Semyung University in Jecheon, Chungbuk Province. Students went through the course of class planning, drafting, teaching plan presentation, simulated class, video shooting, self-inspection, supervisor feedback and consulting from current middle school teachers, among which the core of reflective class circulation is video shooting and self-inspection. In this series of courses, students in teaching education course and theater majors who have not been evaluated because they have not yet had class experience, will be able to reflect on the scene of their own lessons through video, which will naturally reflect on the class. This study is that analyzes and summarizes the reflective circulation process of student. In addition, it can be said that the research process itself, which collects data for each stage and organizes it into research results, functioned as a reflection of my class for one semester. And this study was also conducted by a work connection with the Educational Innovation Laboratory of Semyung University throughout the entire process. The core issues that are important in this study, such as taking picture and editing mock class videos, making CDs, writing self-diagnosis, and consulting for current middle school teachers, are largely due to the plan and cooperation of the Education Innovation Laboratory of Semyung University.

이 연구는 단편영화 제작에 있어 비전문 실버배우의 연기에 대한 접근 양상을 이혜원 감독의 영화 <정희>(2019)를 중심으로 연구해보고자 한다. 노인 인구의 증가로 인한 복지 실현과 평생교육의 강화, 노인 인구를 위한 다양한 콘텐츠 들을 개발하고, 하나의 트렌드로서 ‘실버 문화’(박조원, 2010)가 하나의 문화적 양상으로 자리매김 하였고, 이를 통해 다양한 콘텐츠들이 제작되고 있는 것이 현실이다. 특히, 영화에서는 유투브를 비롯한 1인 미디어 콘텐츠의 활용이나 실버 모델 등이 다양한 실버콘텐츠들이 부각되기 이전부터 비전문실버배우 또는 비전문배우를 적극적으로 활용하였다 이에 본 연구에서는 ‘실버 문화’의 중심이 되고 있는 실버 배우, 비전문배우의 활용 사례를 연구하고자 한다. 영화 <정희>는 감독의 실제 이야기를 각색한 것으로 친정엄마의 모습을 보며 느꼈던 감정을 정리한 영화로, 실제 영화감독의 어머니인 오정희(71세, 전업주부)가 출연하여 감독의 자전적 이야기와 경험을 통해 이루어진 에피소드를 중심으로 구성되었다. 이는 소규모 저자본의 단편영화에 있어 사건이나 에피소드의 현실적인 측면을 강조하기 위함과 사실적이고 현실적인 측면을 강조하고 인물을 통해 공감대를 형성하기 위한 감독의 시도라고 할 수 있다. 본 논문에서 비전문배우의 활용 양상과 비전문실버배우가 참여한 영화들에 대한 간략한 선행연구를 중심으로 영화가 가지고 있는 특수성 또는 미학적인 측면, 관객과의 정서 교감 등에 대한 연구를 진행하고자 하고, 이를 영화 <정희>에서의 비전문실버배우의 연기적 접근 양상에 대해 연구해보고자 한다.

The study is focused on examining non-professional silver actors’ approach to performances with regard to production of short films centering on the film JungHee (2019) made by Director Hye-won Lee. With an increase in population of the elderly, welfare programs took roots, life-long education was enhanced and diverse contents for the elderly were developed, which led to creation of a cultural phenomenon known as ‘Silver Culture Trends,’ and it induced production of diversified contents. In particular, even before the use of one-person media contents introduced through YouTube and diverse silver contents featuring silver models were emphasized, non-professional silver actors or non-professional actors were hired a lot. Regarding this, the study aims to delve into the use of silver actors and non-professional silver actors who play a central role in the silver culture. The film “JungHee” is the director’s dramatized real life story about how she felt about her mother. In reality, Oh JungHee (71, homemaker), the director’s mother, starred in the movie composed of episodes featuring the director’s autobiographical story and life experiences. This small-scale, low-budget movie is concentrated on stressing the realistic and practical aspects of incidents or episodes based on a short film, and it is also considered to be a director’s attempt to form a consensus through characters. Against this backdrop, the study deals with a method of dramatic approach and patterns through non-professional silver actors in terms of production of short films.

본고(本稿)는 충청남도 예산군 덕산면에 본적을 두고 보부상의 역사성을 전승하고 있는 예덕상무사보부상놀이보존회를 연구하고자 한다. 예덕상무사는 시대적 격변으로 인해 보부상의 기능이 소멸된 상황에서 독특한 판매방식을 보부상놀이로 승화하여 전통성을 계승하고 있다. 특히 고무적으로 예산지역에 보부상유물전시관, 보부상촌이 건립될 정도로 지자체의 적극적 지원과 전승자의 노력으로 무형문화재 등록을 꾀하고 있다. 문제점도 대두되었다. 외형적 성장에 비해 본질인 공연성의 부재는 당면과제로 제시된다. 배우의 실체는 몸이라는 기표를 통해 관객이라는 특수적 관계성을 통해 직접적으로 피력하는 방식이다. 전승자의 노령화는 배우의 신체성을 결여시켜 관객과의 교감을 단절하여 공연성을 악화시킨다. 특히 무대화 성립을 위한 기초적인 대본, 연출, 무대 등에 대한 총체적인 대안이 절실하다. 특히 텍스트는 고증적 자료나 학술적 논구보다는 채록이나 첨삭에 의존하여 명맥을 이어 온 것이 사실이다. 자료의 혼재로 인해 출처가 불투명하고 연희자의 비전문성을 탈피하지 못한 상황에서 공연적 특성인 연행성과 수행성을 도출하기는 쉽지 않다. 전승 내력을 보면 공연 대본으로 전해지는 1부 전승과 여흥, 2부 난전과 타령, 3부 규율과 봉사를 구분하여 연구하였다. 전승과 여흥은 공문제 중심의 의례형식으로 이루어져 공연성과 부합하지 않는다고 판단하여 2, 3부 중심으로 장면을 나열하여 연출적 시각에서 논하였다. 시급한 과제로 전문성이 확보된 극작가, 연출가, 배우의 보완은 선험적 측면에서 선행과제로 남아있다. 농업 지역 특성상 고령화로 인해 전승의 단절과 인재양성을 통한 공연의 계승은 선행목표이다. 심화 과정을 통한 공연의 질적 향상을 높이고 안정적 공연 환경을 조성하여 지역만이 고유성을 계발하여 전통문화를 계승 발전시키고 예덕상무사 보부상놀이의 특징적 공연콘텐츠를 개발하고 천착하고자 한다.

The play of Bobusang yeduck Sangmusa is with the national treasure transfer being discontinued and reduced due to the upheaval of the times, becoming a representative cultural heritage with the attention of the local government and the successors of the war, with the establishment of the "Bobusang Exhibition Hall” and the "BobuSangchon” being built in Yesan. It is true that compared to external growth, it has continued to depend on collection or oral records rather than historical data or academic arguments. It is not easy to secure performance at a time when the mix of data lacks grounds and has failed to break away from the performer's unprofessionality. Based on the history of the Transmission, the first part was identified by separating the first part from the transmission and entertainment part, the second part of unauthorized shop and Taryeong and the third part from the third part of discipline and service. Transmission and Entertainment in the second and third sections, scenes were listed and discussed from a directing perspective, as they were judged to be inconsistent with the performance because of the form of ceremonies centered on public matters. Complementation of playwrights, directors and actors with expertise as an urgent task remains a prior task in terms of prior experience. Due to the characteristics of farming regions, the discontinuation of transmission due to aging and the succession of performances through fostering talent is a prior goal. Only regions should develop their own uniqueness by enhancing the quality of performances through the deepening process and creating a stable performance environment. This paper seeks to develop and adhere to the characteristic performance content of Yeduck Sangmusa BobusangNori.

본 논문은 리차드 셰크너의 작업에 나타난 수행성의 미학적 특징을 고찰한 연구이다. 오늘날 수행적 공연의 형태는 한국연극뿐 아니라 세계 여러 나라 공연예술에서 그 중요성이 더욱 확대되고 있다. 그 배경에는 여전히 프로시니엄 무대가 세계를 장악하고 있을 때 ‘퍼포먼스 그룹’을 창단해 독자적인 길을 걸었던 셰크너의 영향이 적지 않다. 수행성이라는 용어는 1955년 존 오스틴에 의해 처음 알려진 개념이다. 초기에 수행성은 발화행위와 관련되어 ‘행위를 이행하다’는 의미로 쓰였다가 1990년대 연구대상이 언어철학적 관점에서 문화의 수행적 성격으로 시각이 변화하기 시작하면서부터 문화 이론을 통해 새롭게 거듭나게 되었다. 에리카 피셔 리히테는 공연을 하나의 ‘사건’으로 해석하고, 몸의 ‘자기지시성’을 강조하며 수행성을 설명했다. 피셔 리히테에 의하면, 몸이 그 자체로 존재하고 그에 대한 관객의 지각에 의해 연극의 수행성이 작동된다는 것이다. 이렇게 세계적으로 수행성에 대한 이론이 발전하는 가운데 예술 장르간 경계는 점차 모호해졌으며 퍼포먼스 아트가 주목받고 예술 장르가 융·복합적으로 발전하기 시작했다. 연구자는 현대공연예술의 발전에 셰크너의 역할이 컸고 특히 그의 작업 속에 이러한 수행성 미학의 특징들이 나타난다고 보았다. 셰크너는 연극을 일방적인 대사 전달이 아닌 총체적인 경험의 예술로 인식되기를 바랬기 때문이다. 또한, 그의 작업은 전통 연극의 공간을 파괴한 공간의 변화와 관객 참여에 중점을 두었는데, 그는 이를 ‘환경연극’이라고 제시하고 연극에서 관객이 보다 능동적이기를 바랬으며, 견고했던 제 4의 벽을 허물었다. 이를 통해 공연자와 관객이 진정으로 하나가 되면서 자연스럽게 삶과 예술의 경계를 허물고 일상에서 예술적인 요소를 찾는 일상성을 추구했다. 그러므로 본고의 연구자는 이러한 미적 논의의 발전으로써 세크너의 수행성을 다음의 네 가지로 구분하였는데 그 첫째는 탈 장르성, 둘째는 환경연극적 공간성, 셋째는 능동적 관객성 그리고 넷째는 일상성이다. 많은 현대공연예술의 흐름이 있지만, 연구자는 도출된 네 가지의 특징이 셰크너의 공연미학으로 일관되게 보여지는 수행적 미학이라고 보고 이러한 특징들을 고찰하고자 한다.

This paper is a study on the aesthetics of performativity in Richard Schechner’s work. These days the form of performative performance is becoming more important not only in Korean theater, but also in performing arts in many countries around the world. The term performativity has been studied for a long time, but it has been shown as an experimental aspect in performances produced since the 1960s. Behind the scenes is the influence of Schechner, who founded the “Performance Group” and took his own path when the proscenium arch still dominated the world. The term performativity was first known by John Austin in 1955. Initially, performativity was used to mean ‘to perform’ in relation to the act of pronouncing. Erica Fischer-Lichte interpreted the performance as an ‘event’ and explained its performativity, emphasizing the body’s ‘self-referential’. According to Fischer-Lichte, the body exists in itself and the performativity of the play is driven by the audience's perception of it. That is because Schechner wanted the play to be perceived as an art of total experience, not as a one-sided delivery of lines. His work also focused on changing the space that destroyed the space of traditional plays and on audience participation. He presented it as an ‘environmental theatre’ and hoped the audience would be more active in the play, breaking down the solid fourth wall. Through this, he hoped that performers and audiences would truly unite and naturally break down the boundaries between life and art, and sought to find artistic elements in everyday life. Thus, as an advance in this aesthetic discussion, This paper researcher divided the performance of Schechner into four categories. The first is decategorization, the second is environmental theater space, the third is active audience, and the fourth is dailiness. This paper researcher would like to consider these four characteristics, considering that they are performativity aesthetics that are consistently shown by Schechner's performing aesthetics. Furthermore, this paper researcher wants to help Korean theatre make a leap forward globally by suggesting expansion and development potential in plays through this study.

4차 산업혁명시대에서는 정보기술의 급격한 발전과 관객의 라이프스타일의 변화에 따라 공연예술 시장의 새로운 패러다임의 등장이 예상된다. 본 연구는 공연예술 관객선호도의 변화를 예측하고 이에 기반 한 공연예술 마케팅의 방향을 모색하는 것을 목적으로 하였다. 관객선호도 파악을 통해 공연예술 관객의 욕구를 충족시킬 수 있는 프로그램을 개발하고 공연예술콘텐츠플랫폼의 구축은 관객에 만족도를 향상시키는데 기여할 수 있을 것이다. 본 연구에서는 공연플랫폼에 대한 스마트폰 또는 인터넷 사용자의 관객 선호도 조사를 통해 공연예술콘텐츠의 관객 선호도에 미치는 영향의 정도를 설문조사를 통해서 실증 분석하였다. 설문결과의 회귀분석결과 유의수준 10%에서, ‘스마트폰 또는 인터넷 이용시간은 공연예술콘텐츠플랫폼의 이용에 영향을 미칠 것이다. ‘과거의 공연에 대한 관람의사’, ‘플랫폼에서의 공연예술콘텐츠 이용가격’, ‘공연예술교육정도’, ‘콘텐츠 감상 후 피드백 가능여부’, 그리고 ‘플랫폼에서 문화콘텐츠 지식의 습득가능 여부’ 등은 공연예술콘텐츠플랫폼의 이용에 유의한 영향을 미치는 것으로 분석되어 채택하였다. 4차 산업혁명시대에서는 이러한 관객의 변화를 고려하여 공연예술콘텐츠플랫폼의 기능과 역할을 재정립하고 운영할 때 공연예술콘텐츠플랫폼의 활성화가 가능할 것이라고 판단된다. 이러한 연구결과는 4차 산업혁명시대에서 예술가와 관객, 예술단체, 공연예술콘텐츠플랫폼 모두가 만족할 수 있는 효과적인 마케팅 전략을 개발하는데 기초자료로 활용될 수 있을 것이다. 이에 본 연구에서는 4차 산업혁명시대 인터넷 중심의 생활에 익숙한 스마트폰 사용자를 통해서 공연예술콘텐츠에 대한 새로운 요구의 내용을 선도적으로 파악하고 공연예술 시장의 변화를 예견하고 이에 대응할 수 있는 방안을 제시하고자 한다.

In the 4th Industrial Revolution era, a new paradigm in the performing arts market is expected to emerge due to the rapid development of information technology and the changing lifestyle of the audience. The purpose of this study was to predict the change in audience preference for performing arts, and to seek the direction of performing arts marketing based on this. By grasping the audience preference, we will develop a program that can meet the needs of the performing arts audience. And the construction of a performing arts content platform could contribute to improving the satisfaction of the audience. This study empirically analyzed the degree of influence on the audience preference of the performing arts contents through a survey of the audience preference of the smartphone or Internet users on the performing arts platform. The regression analysis results of the survey results are as follows. At a significance level of 10%, ‘Smartphone or Internet use time will affect the use of the performing arts platform (Hypothesis 1)’ was rejected, ‘Intention to watch past performances’, ‘Performing art content on the platform’, ‘The usage price’, ‘The degree of performing arts education’, ‘Whether feedback is possible after appreciating the content’, and ‘Whether the platform can acquire knowledge of cultural contents’ were analyzed as having a significant effect on the use of the performing arts platform and were adopted. In the era of the 4th Industrial Revolution, it is judged that it will be possible to revitalize and operate the functions and roles of the performing arts content platform in consideration of such changes in the audience. The results of these studies can be used as basic data to develop effective marketing strategies that can be satisfied by artists, audiences, art groups, and performing arts platforms in the 4th Industrial Revolution era.

인간을 축소하고 환상화한 것으로부터 출발한 인형은 많은 예술가들에 의해 작품화되기 시작하면서 완구에서 예술작품으로 인식이 바뀌었다. 그 중에서 조형적 물체(人形)로 조작되는 드라마의 형식을 가진 인형극은 움직임만으로도 극적 소통을 이루며 인간을 초월 하는듯한 환상적 분위기를 가진다. 하지만 이런 장점에도 불구하고 인형극에 대한 낮은 인식과 인간배우의 한계를 훌쩍 넘어서 있는 인형배우가 그 이상으로 확장되지 못하고 아동인형극으로의 한계에서 벗어나지 못하고 있다. 또한 관련 자료의 부족으로 인해 새로운 실험과 전문적인 연구도 미흡한 실정이다(이재령, 2019). 이러한 열악한 환경을 벗어나기 위하여 인형극의 특성은 부각시키되 아동 위주의 관객을 좀 더 확장하여 성인에 이르기까지 참여할 수 있는 콘텐츠로 발전시킬 필요성이 있다. 따라서 인형극을 바라보는 시각을 바꾸고 열악한 인형극의 현실을 극복하기 위해 지금까지와는 다른 차원의 접근 방식이 필요하다. 본 논문에서는 새로운 차원의 접근 방식으로 기존의 인형극 공연을 놀이를 동반한 체험 콘텐츠 모델을 제안하고자 한다. 인형 조작을 위해 손이나 도구를 직접 이용하는 방식이 아닌 원격제어장치를 통해 제어하는 이 방식은 디지털 기술이 발달한 현 시대의 흐름과도 일치하며 천이나 헝겊 등을 이용하여 만든 전통적인 인형과는 달리 로봇, 완구, 드론 등을 활용 할 수도 있다. 또한 인형을 비롯한 이런 공연 재료들을 관객들과 직접 제작하여 극에 참여할 수도 있다. 더불어 인형극의 개념과 유래에 대한 선행 연구를 통하여 인형극에 대해 이해하고 인형극의 종류를 나누는 기준에 대한 근거를 바탕으로 디지털인형극의 장르를 정의하며 인형극의 구성요소에 대한 관련 연구를 바탕으로 디지털 인형극의 구성요소를 정의하고자 한다. 따라서 본 연구에서는 새롭게 제시하는 디지털인형극이 기존 인형극과 마찬가지로 공연의 절차와 방법이 올바른 가에 대한 증명을 선행연구와 실험결과를 통해 증명하고자 한다.

The doll, which started from the miniaturization and fantasy of humans, began to be made by many artists, and the perception changed from toys to art. Among them, the puppet show, which has a form of drama manipulated with a figurative object, achieves dramatic communication with movement alone, and has a fantastic atmosphere that transcends humans. However, despite these merits, the puppet actors, who have a low awareness of puppet theater and the limits of human actors, cannot be expanded beyond that and cannot escape from the limits of children's puppet theater. In addition, due to the lack of related data, new experiments and professional studies are also insufficient. In addition, due to the lack of related data, new experiments and professional studies are also insufficient. In order to escape this harsh environment, the characteristics of the puppet show should be emphasized, but there is a need to further expand the audience focused on children and develop them into contents that can participate from adults to adults. Therefore, a different dimension of approach is needed to change the way we view puppetry and overcome the reality of poor puppet theater. In this paper, we propose an existing puppet show as an experiential content model accompanied by play with a new dimension of approach. This method of controlling a doll through a remote control device, rather than using a hand or a tool directly for the manipulation of the doll, is consistent with the current trend of digital technology development. Alternatively, robots, toys, and drones can be used. This model is defined as a digital puppet show in this paper, and it is intended to lay the foundation for the development of puppet show performance and a new genre of cultural art by presenting a method of performing the digital puppet show.

본 연구에서는 지역축제 중에서도 예술축제인 <통통 통영골목예술제>의 사례를 연구하였다. 지역재생과 지역축제는 동전의 양면과 같이 하나의 목적을 향해서 같이 진행되는 경우가 많다. 통영에서는 이미 도시재생 사업이 진행되고 있지만 통영이 갖고 있는 예술역량을 본격적으로 활용하여 예술콘텐츠를 개발하는 축제를 한다면 이는 통영이 다시 활기를 차는데 큰 역할을 할 것이다. 한국에는 수많은 지역축제가 있는데 과연 지역의 철학과 정체성을 확보하고 지역민들에게 성찰을 하게 하는 축제는 얼마나 있을까 생각해 볼 일이다. 이런 내용을 할 수 있게 하는 예술콘텐츠의 개발이 절실하다. 지역축제는 그 지역의 도시재생과 연결되어 있다. 즉 도시재생을 위해서 축제가 역할을 하고 지역축제를 위해서 그 지역의 도시재생이 역할을 해야 그 도시의 발전이 지속가능하게 된다. 도시재생이란 죽어가거나 늙어가는 도시를 다시 살리는 것을 말한다. 이는 경제적·사회적·물리적·환경적인 것에 그치지 않고 이 모든 요소를 통섭하여 지역에 생기를 창발 시키고 영혼이 살아있는 문화예술적이고 생태적인 것이어야 한다. 즉 예술적 감수성과 예술이 함께 하지 않는 도시재생은 집을 현대화하는 주거환경의 개선 차원에서 끝날 수 있다. 지역재생을 위해서 예술로 예술이 녹아든 지역축제에서 예술콘텐츠를 개발할 필요가 절실하다. 예향인 통영의 도시재생을 위해서 예술은 대단히 중요하다. 이러한 맥락에서 본 연구에서는 사례연구를 통해서 <통통 통영골목예술제>에서 예술콘텐츠 개발을 어떤 내용으로 어떻게 했는지를 연구하였다. 또한 그 예술콘텐츠의 기능과 의미를 연구하여 지역축제에서 예술콘텐츠 개발에 하나의 유용한 사례를 남기고자 한다.

In this study, an example of an art festival was studied among local festivals. It is imperative to develop art content that can secure the philosophy and identity of local festivals and allow locals to reflect on them. Local festivals are linked with urban regeneration in the region. In other words, in order for festivals to play a big role for urban regeneration and for local festivals to play a sustainable role in the region, the context of urban regeneration in the region must be shared. Urban regeneration refers to reviving a dying or aging city. This should not only be economic, social, physical, and environmental, but also be cultural, artistic, and ecological, where all of these elements are brought to life in the region and the soul is alive. The festival is very important for urban regeneration in Tongyeong. In this context, we would like to present a case of developing art contents at local festivals by studying the development of art contents at Tongyoung Alley Arts Festival in Tongtong. In this study, we would like to explore what art contents were developed and performed at the Tongtong Tongyeong Alley Arts Festival and study the function and meaning of the art contents to leave a useful example for the development of art contents at local festivals. Based on the results of the study, it is suggested that both natural environment and art resources should be used as the driving force for the revival of Tongyeong's urban regeneration. Based on this research, we hope that the importance of the development of art contents will be recognized in the local art festival. It is also hoped that this case will serve as a reference in developing art content.

본 연구는 정서장애를 가진 아동과 자폐 스펙트럼 장애아동을 대상으로 한 미술치료 두 가지 사례를 통하여 놀이가 병행된 미술 활동의 긍정적인 효과를 살펴보고자 한다. 첫 번째 사례는 정서적인 억압을 보이는 아동이 놀이를 통해 치료사와의 관계가 발전하는 모습, 아동의 창의성이 놀이와 미술 활동을 통해 점점 발전해나가는 모습을 보여주고 있다. 두 번째 사례는 자폐스펙트럼장애 아동을 대상으로 한 미술치료로서 역시 놀이를 통해 다양한 미술 활동을 병행하면서 재료를 탐구하는 즐거움과 미술작업 과정에서의 성취감을 알아간다. 또한 치료사와의 관계 맺기를 통해 타인과의 관계를 인식해나가는 과정을 가지면서 행동발달이 조금씩 개선되어 나가는 모습을 보여준다. 이처럼 아동의 발달단계에 맞추어 알맞게 제공되는 미술 활동과 놀이는 아동들이 내적 욕구를 표출할 수 있는 기회를 통해 감정을 전달할 수 있는 능력이 생기도록 돕고 이를 통해 긴장이나 갈등을 승화시키게 할 수 있다. 이러한 미술치료 과정은 치료사와의 의미 있는 상호작용이 동반됨으로써 가능한 것이다. 정서장애를 가진 아동이나 발달장애를 가진 아동 모두 즐겨할 수 있는 미술 활동은 더 나아가 그들의 잠재력을 개발하고 창의성을 발휘할 수 있다는 교육적 측면도 가진다. 이 두 가지의 아동 미술치료 사례를 통하여 미술 활동과 놀이의 역할이 가지는 의미를 살펴보고자 하였다. 이 사례가 보여주는 것처럼 치료사가 제공하는 안전한 환경, 다양한 재료 탐색 및 표현 방법을 활용한 미술 활동 그리고 즐거움이 동반된 놀이가 적절하게 적용되었을 때 치료의 효과는 높아질 수 있다. 본고는 아동 미술치료 사례를 통해 미술 활동과 놀이의 적절한 활용 그리고 그 과정에서의 치료사/내담자 관계 변화를 살펴보고자 한다. 따라서 이 연구는 아동 미술치료에서의 미술 활동과 놀이의 의미를 재고하고 더 나아가 미술치료에서 미술 활동의 역할과 가치, 미술의 치유적 속성을 강조하고자 한다.

This study examines the positive effects of playful art activities through two cases of art therapy for children with emotional disabilities and children with autistic spectrum disabilities. The first case shows that a child with emotional repression is developing his relationship with a therapist through play as well as the child’s creativity progresses gradually through play and art activities. The second case is art therapy for children with autism spectrum disorder, which also learns the joy of exploring materials and the sense of accomplishment in the process of art work by combining various art activities through play. It also shows that behavioral development is gradually improving as the process of recognizing relationships with others through establishing relationships with therapists. As such, art activities and play, which are properly provided for the development of children, can help children develop the ability to convey emotions through opportunities to express their inner desires, thereby sublimating tension or conflict. This art therapy process is possible by bringing about meaningful interactions with therapists. Art activities that can be enjoyed by both children with emotional and developmental disabilities also have an educational aspect that they can further develop their potential and display their creativity. The purpose of this study was to examine the meaning of the role of art activity and play through two cases of children's art therapy. As these two examples show, the effect of treatment can be increased when the safe environment provided by the therapist, art activities using various material exploration and expression methods, and play accompanied by pleasure are properly applied. This can be fully utilized not only in art therapy for children but also in art therapy for adults and the elderly, and it should be treated as an important part for the diversification of art therapy.

이 연구는 인간의 몸을 중심으로 수행적 양상은 물론 설치 예술로서의 형태로까지 변화시킨 사샤 발츠의 작품 세계에 대한 연구이다. 사샤 발츠에게 인간의 몸은 인간성이며, 인격이고, 몸 그 자체로서의 아름다움이 바로 그녀가 표현하고자 하는 전체였다. 이런 사샤 발츠가 퍼포먼스와 설치미술로 표현하고자 했던 것이 무엇이었는지를 살펴보고자 한다. 관객의 입장에서 사샤 발츠가 나타내고자 했던 몸의 주관적인 의미와 형태를 현상학적으로 분석하려 노력했다. 사샤는 몸에 집중하여 만든 <육체> 등의 작품을 거쳐 <인스톨레이션, 오브제, 퍼포먼스>라는 설치미술 전시를 통해 몸에 대한 관심을 설치미술로까지 승화시키고자 하였다. 사샤 발츠가 비추고자 하는 공간은, 무대 위였고, 노출된 전시장이었으며, 몸이 비춰지는 공간은 사샤 발츠에게 있어 하나의 유토피아였다. 사샤 발츠는 20년 간 스스로가 공연했던 비현실적인 무대를 유토피아적 공간으로 인식하고, 이를 유토피아의 현실적 공간인 헤테로토피아로 삼아 댄스 인스톨레이션 및 다양한 미디어 인스톨레이션을 선보였다. 자신의 작품의 주제를 몸 자체에서부터 삼았지만, 그것은 기호로서의 몸도 아니고, 감각하는 몸도 아니며, 몸 자체가 주제가 되기를 원했다. 그리고 그 무대 위에서의 몸이라는 의미를 여러 가지 방법으로 탐색하고 표현하기 위해 애써왔다. 사샤 발츠가 자신의 작품에서 표현한 다양한 형태의 몸은 사샤 발츠가 누구보다도 몸에 대한 집착과 표현을 아끼지 않았음을 나타내주는 것이며, 이것이 결국 사샤 발츠가 육체 그리고 인간을 가장 소중히 여기는 방증이 될 수 있다. 본고에서는 사샤 발츠가 몸을 하나의 수행적 표현의 대상일 뿐 아니라 설치물로서 여긴다는 사실에 주목하고자 한다. 그 작업의 의미는 무엇이며, 가치는 무엇인지, 그의 설치 작업 속에서의 몸 표현을 통해 살펴보고자 한다.

This study is a study of Sasha Waltz's world of work, which has transformed not only the performance aspects of the human body but also the form of installation art. For Sasha Waltz, the human body is humanity, personality, and beauty as the body itself was the whole she wanted to express. Let's take a look at what Sasha Waltz was trying to express with performance and installation art. From the perspective of the audience, Sasha Waltz tried to phenomenologically analyze the subjective meaning and form of the body he wanted to represent. Sasha tried to sublimate the interest in the body to the installation art through the installation art exhibitions such as <Installation, Objet, and Performance> through works such as <The Body> created by focusing on the body. The space that Sasha Waltz wanted to illuminate was on stage, was an exposed exhibition hall, and the space where the body was illuminated was a utopia for Sasha Waltz. Sasha Waltz recognized the unrealistic stage he had performed for 20 years as a utopian space, and made it a heterotopia, a utopian realistic space, and presented dance installations and various media installations. Although the subject of his work was taken from the body itself, it was not a body as a sign, a body not feeling, and the body itself wanted to be the subject. And I have tried to explore and express the meaning of the body on the stage in various ways. The various forms of body that Sasha Waltz expresses in his work indicate that Sasha Waltz was more obsessed with the body than anyone else, and this can eventually be the proof that Sasha Waltz values the most physically and humanly.

본 연구는 예술인의 심리상담에서 나타난 심리적 특성을 이해하고 그 과정에서 어떤 심리적 경험을 하였는지에 대해 살펴봄으로써 심리적 지원을 위한 방안에 대해 모색하고자 진행되었다. 이를 위해 9명의 예술인들을 연구 참여자로 선정하여 심층면담을 진행하였다. 수집된 자료는 Stake(1995)의 질적 사례연구 방법으로 분석하였으며, 그 결과, 43개의 의미단위, 이를 포함하는 상위 개념인 16개의 하위범주와 최상위 개념인 5개의 주제가 도출되었다. 5개 주제내용으로는 ‘심리상담의 동기, 상담의 기회와 기대, 예술인들의 특성, 심리 상담을 통한 긍정적 경험, 상담에 대한 한계와 아쉬움’으로 나타났다. 본 연구를 통해 예술인들의 심리 상담에 대한 동기와 기대에 대해 살펴보았으며, 예술인을 상담하기에 앞서 그들의 직업 및 심리적 특성에 대한 이해를 하는 것이 필요함을 알 수 있었다. 한편, 이들은 상담을 통해서 긍정적인 경험을 하였다고 보고하였으나 언어 상담의 한계와 상담 시간 및 회기에 대한 아쉬움 등을 이야기하였다. 본 연구를 통해 심리상담 장면에서 발생하는 예술인 내담자들의 심리적 경험을 살펴보았다는 점에서 그 의의가 있다. 이를 통하여 비예술인과는 다른 예술인들의 특성에 적합한 심리상담 프로그램 개발이 필요함을 확인하였다. 본 연구가 예술인들의 심리적 안정을 도모하여 창조적인 역량을 충분히 발휘할 수 있도록 심리상담 서비스의 지원 체계를 마련하고, 심리상담 프로그램 개발을 위한 기초 자료를 제공할 수 있을 것으로 기대한다. 심리상담을 받아본 경험이 있는 예술인들을 면담함으로써 예술인들의 심리적 특성을 이해하고, 심리상담 과정에서 어떠한 경험을 하는지를 탐색하여, 이들의 건강한 심리적 지원을 위한 방안을 모색하고자 하며, 가능하다면 심리상담의 효과를 증대하기 위해 예술인들에게 특화된 근거기반 심리상담 프로그램을 만드는 기초자료로 활용되기를 기대한다.

This study was conducted to understand the psychological characteristics of artist counselees, to examine psychological experiences they had in the process, and to explore enhanced methods of providing psychological support. To that end, nine artists were selected as research participants and were conducted in-depth interviews. The collected data were analyzed by the qualitative case study method of Stake (1995), with 43 semantic units, 16 subcategories, and five top-level concepts (the motivation for psychological counseling, the opportunity of and expectation from counseling, the characteristics of artists, positive experiences through counseling, and the limitations and regret of counseling). Through this study, we looked at the artists' motives for and expectations from psychological counseling, and confirmed the need to have an understanding of their profession and psychological characteristics before consulting them. In addition, they reported positive experiences throughout the counseling and also talked about the limitations of language counseling, time of counseling, and disappointment from the session. In this study, it is meaningful that the artist counselees’ psychological experiences in psychological counseling have been examined. In addition, we confirmed the need to develop psychological counseling programs suitable for the characteristics of artists. It is expected that this research will be able to prepare a support system for psychological counseling services specialized for artists so that they can fully demonstrate their creative capabilities. Also, this study could provide basic data for the development of counseling programs.

이 연구는 배우를 양성하는 연기분야에서 어떻게 융·복합을 이루어 나갈 수 있을 것인가를 알아보는데 있다. 연구방법은 문헌 탐색을 통한 질적 연구로 이루어졌다. 다양한 문헌을 검토한 결과로 다음과 같은 결론을 얻었다. 연기교육은 학습자와 교육자가 일체화되어 작품에서 요구하는 배역을 완성하기 위한 과정의 결과물이다. 연기교육시스템을 구축하는 것은 영화, 음악, 미술, 무대, 디지털 등 세계 예술문화를 이끌어가는 토대를 만드는 융합예술이다. 더욱이 최근에 커다란 흐름으로 대두되고 있는 유투버를 양성하는 것이다. 이는 곧 경제활동과도 직결된다는 것을 의미하므로 연기가 바탕이 되는 예술은 그 장르를 불문하고 경제성장의 토대로 이어진다는 점에 주목해야 한다. 연기분야에서 융·복합이란 연기 영역의 범주에 포함되는 영역의 통합이 아닌 작품을 만드는 모든 분야를 통합한다는 의미를 가져야 한다는 것이다. 즉, 배우가 조명에 대한 기술적 지식을 습득해야 하고, 촬영 또한 배우의 표정연기를 이해할 수 있어야 한다. 새로운 작품을 만들기 위한 기초 작업에서부터 감독과 작가의 선택과 결정이 아닌 지역과 문화에 관련된 전문가들과 모두 협업하는 형태로 이루어질 필요가 있다. 연기교육에서 융·복합의 의미는 배우지망생들을 가르칠 때 요구되는 기본적인 자질(끼), 목소리, 외모, 신체 등 모든 요소들을 복합적으로 분해하고, 자신이 가진 특성을 최대한 발휘할 수 있도록 가르치는 것을 의미한다. 이러한 요소들에 대한 기본적 자질을 습득시켜, 배우에게 주어진 배역에 필요로 하는 연기력을 극대화할 수 있도록 신체적 요소와 정신적 요소를 융합하는 과정이 연기교육에서 융·복합의 의미이다. 훌륭한 배우는 기초가 바탕이 되어야 하듯이 학문적 기초를 튼튼히 하는 것이 훌륭한 배우를 양성하는 토대로 볼 수 있기 때문이다. 따라서, 본 연구는 문화예술 영역의 모든 구성원들에게 융·복합의 의미를 명확히 인식시켜 변화의 초석을 마련하고자 하는데 그 목적이 있다.

The study looked at how convergence can be achieved in the field of acting that trains actors. The research method was made up of qualitative research through the exploration of literature. The following conclusions were obtained as a result of reviewing various literature. Acting education is the result of the process of integrating learners and educators to complete the roles required by the work. Building an acting education system is a convergence art that creates the foundation for leading global art culture, including film, music, art, stage and digital etc. Moreover, it is to train YouTubers that have recently emerged as a big trend. This means that it is directly related to economic activities, so it should be noted that art based on acting leads to economic growth regardless of its genre. In the field of acting, convergence and convergence should mean the integration of all areas of making a work, not the integration of areas within the category of acting. In other words, the actor must acquire technical knowledge of lighting, and the filming should also be able to understand the actor's facial expressions. From basic work to making new works, it needs to be done in collaboration with experts related to both the region and culture, not the choice and decision of directors and writers. In acting education, the meaning of convergence and integration means to break down all elements of basic talent, voice, appearance, and body required when teaching aspiring students, and to teach them to show their characteristics to the fullest. The process of merging physical and mental elements into acting education to maximize the acting skills required for a given role by acquiring the basic qualities of these factors is the meaning of convergence and integration in acting education.