Earticle

본 연구는 <필로우맨>의 인물과 서사의 심층적 분석을 통해 작품이 담고 있는 심리적, 철학적 의미를 탐구하고자 했다. 특히 프로이트의 정신분석 이론인 억압, 무의식, 트라우마, 죽음 본능(Thanatos)을 중심으로 라캉(Lacan), 융(Jung)의 심리학적 관점을 결합함으로써 작품의 내면적 구조와 상징 체계를 보다 입체적으로 조명하고, 이를 통해 <필로우맨>의 다층적 의미를 해석하여 문학과 심리학의 교차점에서 새로운 학문적 가치를 창출하고자 했다. 따라서 본 연구의 목적은 <필로우맨> 연출 방향에 대한 이론적 기반을 확장하고, 등장인물의 내적 세계와 서사의 메타 상징적 구조를 심층적으로 분석하는 것이다. 즉, 트라우마와 예술적 창작 간의 내재적 상호작용을 규명하고, 창작의 본질과 인간 심리에 대한 깊이 있는 통찰을 도출하고자 했다. 프로이트, 라캉, 융의 정신분석 핵심 개념을 주요 이론적 틀로 삼아 인물과 서사를 분석하고, ‘반복 강박(Repetition Compulsion)’ 개념을 적용하여 메타 내러티브 구조 및 등장인물들이 겪는 반복적인 무의식적 트라우마를 분석했다. 이에 등장인물의 내적 세계, 심리적 갈등, 무의식적 트라우마 규명을 통해 카투리안(Katurian)을 중심으로 한 인물의 아동기 경험이 성인기의 심리적 구조에 미치는 영향을 살펴보았다. 이어서, 카투리안의 삽입 이야기가 전체 서사 구조와 어떻게 상호작용 하는지 탐구함으로써 작품의 상징성과 메타 내러티브의 역할을 분석하고, 자유주의와 전체주의의 이념적 대립, 사회적 권력 구조, 개인의 심리적 저항 간의 긴장 관계를 고찰했다. 또한, <필로우맨>의 내러티브 구조와 상징적 요소들을 집중적으로 살펴봄으로써 상징적 이미지를 통한 트라우마의 재현과 예술적 승화 과정을 분석했다. 끝으로, 본 연구는 <필로우맨>을 정신분석적 관점에서 재해석하여 창작의 본질, 인간 심리의 심연, 사회 구성원으로서의 책임에 대한 집단적 성찰을 가능하게 하며, 문학과 심리학 간 융합적 연구의 기능을 강화하고자 했다. 궁극적으로 본 연구 및 작품 창작을 통해 인간의 내면적 갈등을 탐구하고, 이를 통해 개인과 사회의 심리적 성장을 촉진하는데 기여하고자 했다.

This study provides an in-depth analysis of The Pillow man, exploring its psychological and philosophical dimensions through character and narrative examination. By integrating Lacan and Jung’s psychological perspectives with Freud’s psychoanalytic theories-particularly repression, the unconscious, trauma, and the death instinct (Thanatos)-this research seeks to illuminate the work’s underlying structure and symbolic framework. The primary objective is to expand the theoretical foundation for directing The pillow man by delving into the meta-symbolic structure of its character and narrative. Specifically, the study investigates the complex interplay between trauma and artistic creation, offering deeper insights into the nature of creativity and human psychology. To achieve this, Freud, Lacan, and Jung’s core psychoanalytic concepts serve as the primary theoretical framework, with Freud’s notion of “Repetition Compulsion” applied to analyze the meta-narrative structure and the characters’ recurring encounters with unconscious trauma. Through an in-depth examination of the characters’ psychological conflicts and unconscious trauma- particularly focusing on Katurian-this study explores how childhood experiences shape adult psychological structures. Additionally, by analyzing the interaction between Katurian’s embedded stories and the overarching narrative, the research investigates the work’s symbolism, the function of meta-narrative, and the tensions between ideological forces such as liberalism and totalitarianism, as well as social power dynamics and individual psycological resistance. Furthermore, by focusing on The Pillowman’s narrative structure and symbolic elements, this study examines how trauma is represented and artistically sublimated through symbolic imagery. Ultimately, it offers a psychoanalytic of human psychology, and societal responsibility. This interdisciplinary approach, bridging literature and psychology, not only enhances the understanding of The Pillow man but also contributes to broader discussions on psychological conflict and the promotion of individual and societal psychological growth.

본 연구에서는 애니메이션에서 사실주의적인 특징을 살펴보고 작품의 그로테스크(Grotesque)한 미학이 더빙 연기로서 어떻게 구현될 수 있는지 논증하는 것에 그 목적이 있다. <기기괴괴 성형수>는 인간의 욕망과 상징적 이미지를 보여준 사실주의적 애니메이션이다. 이 작품은 사실주의 작품에서 일반적으로 추구하는 자연스러움과 그로테스크한 요소를 다양하게 적용하여 상징적 메시지를 전달한다는 특징이 있다. 본 연구에서 주목한 부분은 시각적 공포감이나 불쾌감같이 그로테스크한 미학들이 음성 연기와 연결되면서 작품에 적용되는 양상이다. 연구 방법으로서 롤랑 바르트의 ‘중계 기능’과 ‘정박 기능’ 개념을 통해 의미 전달을 증폭하는 과정을 연구하였고, 이를 바탕으로 작품의 미학적인 부분과 어떠한 연관성이 있는지 논해보았다. <기기괴괴 성형수>는 만화라는 정적인 텍스트가 동화(動畵)로 재탄생되면서 다양한 표현 감각을 보여준 작품이다. 작품에 접목된 시각적 불쾌함이나 기괴함은 단순한 자극적 장치가 아니라 예술적인 가치와 감성적 카타르시스를 제공하고 있으며 상업적인 성공 가능성도 시사한다. 따라서 <기기괴괴 성형수>에 나타난 그로테스크 미학에 관한 연구는 사실주의 더빙 연기의 다양한 가능성을 재고한다는 점에서 의미가 있다. 또한 그로테스크 미학이 적용된 작품 연구, 작품과 더빙의 연계성 연구 등을 재고한다는 가능성이 열려있다. 이러한 유의미함과 함께 본 연구는 실제 애니메이션 더빙 제작 현장에서 사실주의 음성 연기에 그로테스크 미학을 보강할 수 있는 새로운 시사점으로 제기될 수 있을 것이다. 더불어 롤랑 바르트의 ‘중계 기능’이나 ‘정박 기능’ 등의 의미로부터 <기기괴괴 성형수>작품에 내재한 그로테스크함을 미학의 관점에서 보다 깊이 있게 논할 수 있다. 앞서 언급한 바와 같이 본 연구의 목적은 사실주의적 애니메이션 작품을 통해서 그로테스크한 미학의 특징을 살펴보고 더빙 연기가 그것을 어떻게 강화하는지 밝혀보는 데에 있다. 본 연구는 미학의 한 가치로서 그로테스크의 의미를 돌아보고 더빙 연기와 연관된 다양한 가치를 재고한다는 데에 의미가 있다.

This study investigates the realist features of animation and demonstrates how grotesque aesthetics can be embodied through dubbing performance. Focusing on Beauty Water, a realist animation that portrays human desires and symbolic imagery, this research analyzes how the work integrates naturalistic expression with grotesque elements to convey symbolic messages. By examining the visual horror and discomfort that characterize the grotesque aesthetic, the study explores their connection to voice acting and their specific applications within the work. Roland Barthes’s concepts of “relay” and “anchorage” are employed as methodological tools to examine how meaning is amplified, and the relationship between these processes and the artwork’s aesthetic components is further discussed. As a static comic text reborn as an animated medium, Beauty Water exhibits diverse modes of expression, including visual elements that provoke not merely shock but also artistic value, emotional catharsis, and commercial potential. Through an in-depth analysis of these grotesque elements, this study underscores the importance of reevaluating new possibilities for realistic dubbing. Furthermore, it opens avenues for future research on the application of grotesque aesthetics in animation and the correlations between animated works and dubbing, thus offering meaningful insights for both theoretical and practical fields. In addition, the grotesqueness inherent in the work of "Device Monster Plasticizer” can be discussed in more depth from the perspective of aesthetics from the meaning of Roland Barthe's "Reviewing Function” and "Restoration Function”. As mentioned earlier, the purpose of this study is to examine the characteristics of grotesque aesthetics through realist animation works and to reveal how dubbing acting reinforces them. This study is meaningful in looking back on the meaning of grotesque as a value of aesthetics and reconsidering various values related to dubbing acting.

본 연구는 노다 히데키의 <A Night at the Kabuki>와 <Fakespeare>를 중심으로 셰익스피어 각색과 패러디 작업을 분석하며, 그의 연극적 전략과 창작 기법을 탐구한다. 노다 히데키는 단순한 원작의 재현을 넘어서, 일본의 역사와 현대 사회를 셰익스피어의 고전 텍스트와 결합하고, 이를 패러디와 각색을 통해 재구성함으로써 새로운 연극적 언어를 창출한다. 본 연구는 린다 허천(Hutcheon, Linda)의 패러디 이론과 각색 이론을 바탕으로, 그의 작품에서 드러나는 상호텍스트성(Intertextuality)과 초맥락화(trans-contextualization)의 기법을 분석하고, 이를 통해 연극적 의미가 어떻게 확장되는지를 고찰한다. 이를 위해 본 연구는 첫째, 기존 일본 연극에서 셰익스피어의 수용 방식을 검토하고, 노다 히데키의 접근이 타 연출과 어떻게 차별화되는지를 분석한다. 둘째, <A Night at the Kabuki>에서 시간의 비선형적 구조, 일본 역사적 맥락과 서구적 서사의 교차, 대중문화 요소와 전통 예술의 접점을 통해 형성되는 초맥락화를 논의한다. 셋째, <Fakespeare>에서 셰익스피어 4대 비극의 해체, 현대 일본의 일본항공 123편 추락 사고와의 결합, 허구와 현실의 경계를 흐리는 패러디적 장치가 진짜와 가짜의 의미를 전복하는 방식을 탐구한다. 본 연구는 이러한 분석을 통해, 노다 히데키의 연극이 일본 전통과 서구 고전을 단순히 접목하는 것이 아니라, 이를 해체하고 재구성하는 창조적 실천을 통해 현대 연극에서 패러디와 각색이 가지는 사회적·철학적 의의를 확장하는 데 기여함을 밝힌다. 더불어 본 연구는 노다 히데키의 작품이 단순히 일본 전통 미학과 셰익스피어 서사를 결합하는 데 그치지 않고, 현대 일본 사회와 개인이 과거를 인식하고 이를 통해 자신의 정체성과 문화를 스스로 인식하고 재구성하는 방식을 조명하고자 한다. 이를 통해 노다 히데키의 작업이 일본연극뿐 아니라 현대 연극의 패러디와 각색의 가능성을 확장하는 중요한 사례임을 논증하고자 한다.

This study analyzes Hideki Noda’s adaptation and parody of Shakespeare’s works, focusing on A Night at the Kabuki and Fakespeare, while exploring his theatrical strategies and creative techniques. Noda does not merely reproduce Shakespeare’s originals; rather, he merges Japan’s historical and contemporary contexts with Shakespearean texts, reconstructing them through adaptation and parody to generate a new theatrical language. This study employs Linda Hutcheon’s theories of parody and adaptation to examine the intertextuality and trans-contextualization in Noda’s works, analyzing how these techniques expand the theatrical meaning of his productions. To achieve this, the study first reviews how Shakespeare has been received in Japanese theater and examines how Noda’s approach differs from other directors. Second, it discusses how A Night at the Kabuki employs trans-contextualization by integrating a nonlinear temporal structure, the intersection of Japanese historical contexts with Western narratives, and the fusion of popular culture with traditional performing arts. Third, it explores how Fakespeare deconstructs Shakespeare’s four great tragedies, intertwines them with the Japan Airlines Flight 123 disaster, and employs parodic devices that blur the boundaries between fiction and reality, ultimately subverting the meaning of authenticity and imitation. Through this analysis, the study demonstrates that Noda’s works do not simply juxtapose Japanese traditions with Western classics but actively deconstruct and reconfigure them through a creative process. This research contributes to the understanding of how parody and adaptation function as socially and philosophically significant artistic tools in contemporary theater. In addition, this study aims to illuminate how Hideki Noda's work does not just combine traditional Japanese aesthetics with Shakespeare's narrative, but also modern Japanese society and individuals recognize the past and self-recognize and reconstruct their identity and culture through it. Through this, I would like to argue that Hideki Noda's work is an important example of expanding the possibility of parody and adaptation of not only Japanese theater but also contemporary theater.

라이선스 뮤지컬은 전 세계적으로 검증된 콘텐츠를 기반으로 하며, 다양한 연령대와 관객층을 겨냥한 콘텐츠 개발을 통해 국내 공연 시장의 지속 가능한 성장을 도모하고 있다. 또한, 국내 뮤지컬 산업에 있어서도 이제는 없어서는 안 되는 매우 중요한 콘텐츠로 자리 잡고 있다. 본 연구에서는 이러한 라이선스 뮤지컬 중 대표적인 작품인 <숲속으로>의 축약된 버전 <숲속으로 JR>의 국내 제작 사례를 중심으로, 라이선스 뮤지컬의 체계적 제작 시스템과 그 영향력을 분석하고 국내 창작 뮤지컬에의 시사점을 다음과 제시하였다. 첫째, 라이선스 뮤지컬의 체계적 제작 시스템과 안정된 매뉴얼 과정은 창작 뮤지컬의 제작에도 적용 가능하며, 창작자들이 안정성과 시장성을 확보하는 데 이바지할 수 있다. 둘째, 검증된 콘텐츠를 기반으로 한 라이선스 뮤지컬은 창작 뮤지컬이 상업적 흥행성뿐만 아니라 예술적 가치를 동시에 추구할 수 있는 방향성을 제시한다. 셋째, 청소년 관객과 배우를 주요 타깃으로 설정한 주니어 버전 작품은 창작 뮤지컬에서도 새로운 관객층을 개척하고, 공연의 접근성을 높이는 데 도움이 될 수 있다. 넷째, 대극장에서만 이뤄지는 라이선스 뮤지컬의 소극장 환경을 활용한 소규모 제작 방식은 대규모 제작비 부담 없이 다양한 창작 뮤지컬을 시도할 수 있는 가능성을 열어준다. 마지막으로, 라이선스 뮤지컬을 통한 공연 저작권 관리와 예술 인력의 확장은 창작 뮤지컬의 지속 가능한 발전을 위한 중요한 요소로 작용할 수 있다. 본 연구는 <숲속으로 JR> 제작 사례를 통해 라이선스 뮤지컬 공연 제작 시스템의 긍정적 영향을 확인하였다. 그러나 특정 작품 중심의 연구가 진행되었기에 라이선스 뮤지컬 전반의 보편적 특성을 일반화하는 데 한계가 있음을 밝힌다. 그럼에도 불구하고 본 사례에서 도출된 긍정적 요소가 국내 창작 뮤지컬 산업에 적용된다면, 국내외 뮤지컬 시장의 지속 가능한 성장과 경쟁력 강화에 기여할 것으로 사료된다.

Licensed musicals are based on globally verified content, and are seeking sustainable growth in the domestic performance market through content development targeting various age groups and audiences. In addition, they are now established as essential content in the domestic musical industry. This study analyzed the systematic production system of licensed musicals and their influence by focusing on the domestic production case of <Into the Forest JR>, an abbreviated version of <Into the Forest>, a representative work among these licensed musicals, and suggested the following implications for domestic creative musicals. First, the systematic production system and stable manual process of licensed musicals can be applied to the production of creative musicals, and can contribute to creators securing stability and marketability. Second, licensed musicals based on verified content suggest a direction in which creative musicals can pursue not only commercial success but also artistic value. Third, junior versions of works targeting youth audiences and actors can help open up new audiences and increase the accessibility of performances in creative musicals. Fourth, the small-scale production method of licensed musicals that are performed only in large theaters, utilizing the small-theater environment, opens up the possibility of attempting various creative musicals without the burden of large-scale production costs. Lastly, the management of performance copyrights and the expansion of artistic personnel through licensed musicals can act as important factors for the sustainable development of creative musicals. This study confirmed the positive effects of the licensed musical performance production system through the production case of <JR Into the Forest>. However, since the study was conducted focusing on a specific work, it is limited in generalizing the universal characteristics of licensed musicals in general. Nevertheless, if the positive factors derived from this case are applied to the domestic creative musical industry, it is believed that it will contribute to the sustainable growth and strengthening of competitiveness in the domestic and international musical markets.

본 논문은 무용 작품「Query」을 안무하는데 있어서 무용과 AI기술의 협업을 통해 어떻게 표현되었는지를 연구하였다. 안무의 구성 단계에서 설정된 ‘상생’의 주제를 생성형 AI와 협업을 통해 이뤄진 창작과 공연 과정을 바탕으로 연구하였다. 무용과 AI의 협업을 통해 새로운 창작 과정을 탐구하며, 전통적인 무용의 경계를 허물고 기술과 예술이 융합된 새로운 예술적 경험을 제시하고자 하였다 이에 본 연구는 다음과 같은 결과를 도출해 내었다. 첫째, 본 안무자는 작품 내용구성에서 생성된 AI 이미지를 인격화시켜 작품의 주제를 여러 관점으로 제시하였다. 둘째, 본 작품의 내용적 구성으로 만들어진 생성형 AI의 텍스트와 이미지는 새로운 차원의 시각적 확장성을 통해 환경의 진보를 가지고 왔다. 셋째, 무용 작품에서 무용수의 움직임과 생성형 AI 기술의 도입을 통한 내용적 구성은 새로운 형태의 예술적 경험을 제공하였다. 넷째, 무대 공간의 창의적 활용 방법을 통한 무대 디자인과 AI 기술을 결합하여 가상공간과 현실 공간의 경계를 허물어 무대 경계의 해체를 가지고 왔다. 본 연구는 상생의 철학적 의미와 AI와의 협업을 통한 새로운 무용창작의 가능성을 탐구한 하나의 사례로서, 이후의 예술 창작 과정에서 다양한 기술적, 철학적 확장을 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다. 다만 AI의 가상 기술과 무용 예술의 현실 사이에는 괴리가 존재하며, 이를 직접 작품에 적용하고 실행하는 데는 현실적인 한계를 지닌다. 이 연구가 무용창작 현장에서 무용 예술이 단순한 움직임을 넘어서 예술과 기술의 협업이라는 새로운 예술 방법론을 확장시켜 나가는데 기여하길 바라며 본 연구는 무용과 기술의 협업이 어떻게 이뤄져야 하는지 방향성에 생각하고 다양한 표현 방법을 통해 작품으로 어떻게 구현되어야 하는지를 연구하고자 한다. 무용 작품에서 하나의 도구가 아닌 인간과 기술 사이의 소통과 상호작용으로 하나가 되어 작품으로 어떻게 나타났는지의 과정을 연구함으로써 하나의 사례가 될 것으로 생각한다.

This study examines how the collaboration between dance and AI technology was expressed in the choreography of the dance piece ｢Query｣. The research is based on the creative and performance process achieved through collaboration with generative AI, focusing on the theme of "coexistence” set in the choreography development stage. By exploring a new creative process through the collaboration of dance and AI, this study aims to break the boundaries of traditional dance and present a new artistic experience that integrates technology and art. The findings of this study are as follows. First, the choreographer personified AI-generated images in the composition of the work, presenting the theme from multiple perspectives. Second, the AI-generated texts and images based on the work’s narrative structure contributed to the advancement of the creative environment by offering a new dimension of visual expansion. Third, the integration of dancers’ movements and generative AI technology in the composition of the dance piece provided a novel artistic experience. Fourth, the creative use of stage space, combined with AI technology in stage design, blurred the boundaries between virtual and real spaces, leading to the dissolution of conventional stage boundaries. This research serves as a case study exploring the philosophical concept of coexistence and the potential for new dance creation through collaboration with AI. It can be used as foundational material for further technological and philosophical expansion in future artistic creation processes. However, there remains a gap between AI's virtual technology and the reality of dance art, posing practical limitations when directly applying and implementing such collaborations in actual performances. It is hoped that this study contributes to the expansion of dance creation beyond mere movement, fostering a new artistic methodology that embraces the collaboration between art and technology. In addition, this study intends to think about the direction of how dance and technology collaboration should be carried out and study how it should be implemented as a work through various expression methods. I think it will be an example by studying the process of becoming one through communication and interaction between humans and technology rather than a tool in a dance work.

현대 사회는 예술을 통한 개인의 표현과 지역사회의 문화적 정체성을 강화하는 데 주목하고 있다. 이에 따라 지역 시민들이 예술을 매개로 창의적이고 공동체적 활동을 할 수 있는 기반 마련이 필요하다. 지역 대학 평생교육은 이를 실현할 수 있는 효과적인 장으로, 본 연구는 지역 대학의 시민 작가 교육의 가능성을 주제로 논의했다. 시민 작가 교육을 지역 대학 평생교육의 한 축으로 삼아 그 필요성과 가능성을 탐색하고, 교육 모델 및 운영내용 그리고 교육 후 다양한 교육생들의 평가를 통해 지역과 대학 그리고 시민사회가 예술적으로 성장하고 있는 과정을 두 개의 사례를 통해 살펴보았다. 지역의 중요 예술 인프라로써 대학을 활용하고 시민과 학생을 하나로 묶어 세대공감과 지역 공동체를 예술적으로 확립해가는 모습을 통해, 지역 대학의 가치를 증명해 내고 지역사회의 중요 예술 교육기관으로서 그 인프라를 활용하는 모습을 구체적으로 분석한 연구다. 구체적으로 그 프로그램의 내용과 모델 그리고 최종 산출품의 전시를 통한 참여 인원들의 작가적 평가를 주로 다루었다. 결과적으로 지역과 대학은 한 몸이라는 의식을 형성할 수 있었으며 시민 작가들의 육성을 통해 지역 작가군의 실질적 확대, 학생과 지역민의 유대감 조성 그리고 지역 문화콘텐츠 창작을 통한 지역 스토리텔링과 콘텐츠 아카이빙 등을 주요 성과로 제시하고 있다. 한마디로 지역 대학의 시민 작가 육성 프로그램은 개인이 아닌 지역사회 모두와 대학의 협력적 관계를 강화하고, 시민의 예술적 역량 증진과 사회적, 문화적, 지역적 역할을 확대하는 데 크게 기여하고 있다고 평가된다. 향후 다른 지역들의 사례들까지로 범위를 넓혀 연구의 세밀함을 더할 필요가 요구된다.

Contemporary society is paying attention to individual expression through art and strengthening the cultural identity of the community. Accordingly, it is necessary to lay a foundation for citizens to engage in creative and community activities through art. Lifelong education at local universities is an effective place to realize this, and this study discusses the possibility of education for citizen artists. This thesis used citizen artist education as one of the pillars of lifelong education at local universities to explore the necessity and possibility, and examined the process of artistic growth of the region, universities, and civil society through the evaluation of various trainees after education through two example cases. Through the use of universities as important art infrastructure in the region and the artistic establishment of generational empathy and local communities by uniting citizens and students, it demonstrates the value of local universities and examines the use of the infrastructure as important art education institutions in the community. As a result, local universities and universities can form a sense of one body, and through the development of citizen artists, the practical expansion of the local artist group, the creation of a bond between students and local residents, and local storytelling and content archiving through the creation of local cultural contents are presented as major achievements. In short, it is concluded that the citizen artists development program of local universities greatly contributes to strengthening the cooperative relationship between both local communities and universities, not individuals, and expanding the artistic capacity of citizens and expanding social, cultural, and regional roles.

본 논문은 E 대학교 융복합 교양강좌 “여성의 몸과 창조적 움직임”을 수강한 대학생이 고유수용감각(Proprioception)을 체험하는 과정을 연구하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해서 본 강좌의 수강생 중 여성 대학생 5명을 연구대상으로 하였다. 연구방법으로 문헌연구와 연구 대상자의 체험자료를 분석하는 것을 병행하여 사용하였다. 본 연구에서 연구 대상자가 자신의 몸을 재인식하고, 몸의 감각을 회복하며, 몸의 주체성을 형성하는 과정을 살펴보았다. 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 연구 대상자는 고유감각을 회복하는 과정에서 자신의 몸에 대한 자각과 신뢰가 형성되는 것을 확인할 수 있었다. 둘째, 연구 대상자는 고유감각으로 움직임을 탐구하며 자신의 몸에 대한 깊은 이해가 생기게 되었다. 셋째, 연구 대상자는 사회적 시선과 통제에 벗어나 자신의 몸을 긍정하는 태도로 변화하였다. 본 연구는 여성 대학생을 대상으로 진행되어 다양한 연령대나 성별에 따른 고유감각 회복과 몸의 주체성 형성과정의 차이를 포착하는 데 한계가 있다. 후속 연구로 보다 다양한 연령대와 성별을 포함하여, 고유감각의 회복이 몸의 주체성 형성에 미치는 영향을 연구할 필요가 있다. 본 연구를 통해 소외된 몸의 감각을 회복하고, 몸의 주체성을 형성하는 방식을 제공하는 하나의 사례가 되기를 바란다. 더불어 E 대학교 융복합 교양강좌 “여성의 몸과 창조적 움직임”을 수강한 대학생이 몸적학습을 통해 고유수용감각(Proprioception)을 회복하는 과정을 분석하고, 이를 통해 몸의 주체성 형성되는 과정을 살펴보는 것에 목적이 있다. 그리하여 본 연구를 통해 몸의 감각을 회복하는 과정이 몸적 주체성 형성과 어떻게 연결되는지를 탐구하고자 한다.

The purpose of this paper is to study the process of female college students who took the E University Interdisciplinary Course “Women's Body and Creative Movement” experiencing proprioception. To this end, five female college students among the students of “Women's Body and Creative Movement” class were studied. As this research method, literature review and Practice Based Research were used in parallel. The results of the study are as follows. First, it was confirmed that the participants developed self-awareness and trust in their bodies during the process of proprioceptive recovery. Second, the subject of the study explored movement with his own sense and developed a deep understanding of their bodies. Third, the subject of the study changed to an attitude that affirms their bodies, escaping from social gaze and control. This study was conducted on female college students, which limits its ability to capture differences in the process of proprioceptive recovery and the formation of embodied subjectivity across different age groups and genders. Future research should include a more diverse range of age groups and genders to further examine the impact of proprioceptive recovery on the formation of embodied subjectivity. It is hoped that this study will be an example of providing a way to restore the senses of the alienated soma and form embodied subjectivity. The purpose of this study is to analyze the process of university students who took the E University convergence liberal arts course "Women’s Body and Creative Movement” recovering their own sense of acceptance through physical learning, and to examine the process of forming the body's subjectivity through this study. Therefore, through this study, we intend to explore how the process of restoring the body's senses is connected to the formation of physical subjectivity.