Earticle

이 연구에서는 무대공포증이나 수행 불안을 유발하는 배우의 강박 기제를 극복하여 실연 순간 배우의 충동을 활성화하는 방식에 대해 논의했다. 실연 전 배우가 경험하는 강박 불안은 오디션이나 실연을 앞 둔 상황에서 자신의 의지와 무관하게 부정적인 생각을 떠올리게 만들며, 그로 인해 ‘실연의 실패’라는 증 상을 반복하도록 종용한다. 이에 따라서 강박 기제는 조정이 가능한 의식과는 다른 차원인 무의식에서 작동하는 현상이며, 의식은 이질적인 대상으로 경험되는 무의식을 통제하려 하지만 그것은 늘 실패하고, 어떤 식으로든 발현하고 만다. 이와 같은 맥락에서 본 연구는 배우가 지닌 충동에 대한 부정적인 경향을 전환하여 자유로운 충동의 주체로서 배우의 자아를 새로이 편성하는 심리적 교육모형을 수립했으며, 이 를 통해 동시대의 연기교육은 연기 관련 지식의 전달을 넘어서 배우 주체가 자신의 방법론을 스스로 발 명하도록 인도하는 방식이 되어야 한다는 결론에 이르렀는데, 이것은 그 자체로 배우에게 해방적인 효과 를 가져오기 때문이다. 본 방식은 교사와 배우가 1:1로 진행하는 독백 수업에의 적용을 기본 과정으로 하 지만 두 명 이상이 함께 하는 장면 연기의 지도 과정에도 적용될 수 있다. 교육의 첫 단계에서는 교사가 배우의 독백 실연을 지켜본 후 인식되지 않는 배우의 충동과 무의식적 경향을 언어적으로 해석해 준다. 다음 단계에서는 배우가 충동을 자연스럽게 드러내도록 다양한 방법으로 유도한 후 만족감을 선사해서 충동에 대한 인식의 전환을 시도한다. 마지막 단계에서는 교사가 적절한 질문으로 배우가 자신의 결핍 혹은 예측할 수 없는 상황과 직면하게 해서 충동을 활성화한 후 그것을 수용하게 하고, 한 걸음 더 나아 가 배우 스스로 고유한 해결책을 발명토록 인도한다. 더불어 본 연구는 연기론 분야에서 실연 전 배우가 경험하는 강박 기제를 대상으로 배우의 충동을 주체화하는 심리적 교육모형을 탐색하고자 한다. 이를 위 해 본 연구에서는 강박 기제의 요인으로 작용하는 배우와 충동의 관계적 특성에 대해 먼저 알아본 후 연 기교육에 내재하는 역설적 억압에 대해 논의한다.

This study discussed how to overcome the actor's obsessive-compulsive disorder that cause stage fright or performance anxiety and to activate the actor's impulses at the moment of performance. The obsessive anxiety experienced by actors before a performance reminds them of negative thoughts regardless of their will in the face of an audition or a performance, and as a result, they are urged to repeat the symptoms of "failure of a performance.” Accordingly, the compulsion mechanism is a phenomenon that operates in the unconscious, a different dimension from the adjustable consciousness, and consciousness tries to control the unconscious experienced as heterogeneous objects, but it always fails and manifests in some way. In this context, this study established a psychological education model in which the actor's ego was newly organized as a subject of free impulses by changing the negative tendency toward the actor's impulses, This method is applied to monologue classes conducted 1:1 by teachers and actors, but can also be applied to the teaching process of scene acting with two or more people. In the first stage of education, the teacher verbally interprets the actor's impulses and unconscious tendencies after watching the actor's monologue performance. In the final step, the teacher leads the actor to face his or her deficiency or unpredictability with appropriate questions, activate the impulse, and then accept it, and go one step further to invent a unique solution for the actor himself. In addition, this study attempts to explore a psychological education model that subjects the actor's impulse to the obsessive-compulsive mechanism experienced by former actors in the field of acting theory. To this end, this study first examines the relational characteristics of actors and impulses acting as factors of the obsessive-compulsive mechanism and then discusses the paradoxical oppression inherent in acting education.

본 연구는 경기대학교 'CHANGE(체인지) 교수공동체'에서 진행한 생성형 AI 기반 융합교육 교수법 개발 사례를 다루었다. 2024년 2학기 09월~12월, 4개 학과(연기학과, 실용음악학과, 애니메이션학과, 관광개 발경영학과) 교수들이 모여 각 전공별 AI 활용과 융합 교육방안을 논의하였다. 챗GPT와 이미지/사운드 생성 AI 등 최신 기술이 교육 현장에 미치는 긍정적 영향에 주목했다. 본 연구의 결과는 4개 학과의 공통 적인 의견과 차별적인 내용을 구분하여 정리하였다. 실용음악학과와 애니메이션학과는 창작 효율성을 강조한 반면, 연기학과와 관광개발경영학과는 인간적 경험의 중요성을 부각시켰다. 문화예술교육의 미래 교수법의 핵심은 AI를 통한 맞춤형 학습 경험과 융합교육 모델의 도입이며, 지속 가능한 혁신적인 생태를 조성하기 위해서는 학문 간 협력이 필수적이다. 이러한 접근은 학생들의 몰입과 만족도를 높이는 데 기여하고, 교육의 질적 향상을 도모하는 데 중요한 시사점을 제공하였다. AI 활용 융합 교육은 학문 간 균형 발전과 산업적 시너지 창출에 기여할 수 있고, 단기적으로 주요 학과 중심의 AI 도입, 중장기적으로 융합 프로젝트와 윤리·저작권 논의가 필요하다. 본 연구의 한계점은 AI 활용에 대한 교수자와 학생 간 의 이해도 차이로 인한 적용의 어려움이 있으며, 기대효과로는 각 전공의 특성을 살린 교육 모델이 학생 들의 창의성과 실무 능력을 향상시킬 것으로 예상된다. 이에 본 연구의 목적은 생성형 AI를 활용한 창의 적 교수법을 통해 문화예술 융합교육의 효과성을 입증하고, 이를 토대로 각 학과의 특성에 맞춘 교육 모 델을 개발하는 것이다. 연구는 AI 기술의 도입을 통해 교육의 질을 향상시키고, 학생들이 능동적으로 참 여할 수 있는 환경을 조성하는 데 중점을 둔다. 궁극적으로, 본 연구는 교육 현장에서 AI를 효과적으로 활용할 수 있는 방안을 모색하고자 한다.

This study dealt with the development of AI-based convergence education professor at Kyonggi University "CHANGE professor at Kyonggi University. In September 2024, the professor of AI utilization, four departments(acting, practical music and tourism development management and tourism development management and tourism development management and tourism development) by each major. Recently, the latest technology such as Chat-GPT and image/ Sound generation AI, including Chat-GPT and Image/ Sound generation AI. The results of this study was summarized by dividing the common opinions and discrimination with four schools. practical music and animation studies emphasized the import efficiency of human experience, while acting and tourism development management studies have highlighted the importance of human experience. The core of the future professor of cultural arts education and convergence education models through AI, and convergence education models through AI, and sustainable innovative ecosystem is essential to create innovative ecosystem. These approaches were contributed to increase the immersion and satisfaction of education and satisfaction of education.AI utilization education can contribute to develop balanced development and industrial synergy between academic and mid-term innovative synergy between major departments, ethics, and low-term convergence projects. The limit of this study is difficult to apply due to the difference between professors and students and students who live in AI utilization effects of each major is expected to improve the creativity of each major. Therefore, the purpose of this study is to prove the effectiveness of culture and arts convergence education through creative teaching methods using Generative AI, and develop an educational model tailored to the characteristics of each department based on this. Research focuses on improving the quality of education through the introduction of AI technology and creating an environment in which students can actively participate. Ultimately, this study aims to find a way to effectively use AI in the educational field.

본 연구는 리사 펠드먼 배럿의 구성된 감정 이론을 이론적 관점으로 삼아, 스타니슬랍스키 시스템의 정서적 기억을 고찰하였다. 특히 정서를 자극에 대한 반사적 반응으로 전제하는 설명이 정서적 기억을 개인적 사건의 회상이나 정서 환기 기법으로 협소하게 한정해 온 측면에 주목하고, 정서가 과거 경험에 기반한 예측과 구성의 과정으로 생성된다는 현대 뇌과학적 이해를 토대로 정서적 기억의 형성과 작용 방 식을 이론적으로 검토하였다. 연구 방법으로는 문헌 분석을 중심으로 하여, 구성된 감정 이론에서 제시 하는 예측, 정서 개념, 경험의 통합과 재구성이라는 분석 기준을 설정하고 이를 스타니슬랍스키의 관련 논의와 대응시키는 방식으로 논지를 전개하였다. 검토 결과, 구성된 감정 이론의 관점에서 정서 개념은 단일 사건을 지시하는 고정 표상이 아니라 축적된 경험이 특정 맥락에서 결합되고 재조직되며 순간적으 로 구성되는 표상으로 이해될 수 있고, 이는 스타니슬랍스키가 정서적 기억을 단일 사건에 국한되지 않 는 ‘관련된 경험의 합성’으로 파악한 관점과 접점을 이룬다. 또한 정서적 기억은 개별 사건을 정적으로 저장하거나 반복 재현하는 것으로 보기보다는, 경험의 축적에 따라 재구성되고 다양화되는 과정적 자원 으로 이해될 수 있으며, 이는 배우가 정서적 기억을 지속적으로 확장해야 한다는 주장과도 맞닿는다. 나 아가 행동과 정서를 뇌의 예측 과정에서의 상이한 산출로 이해할 경우, 행동을 창작의 매개로 중시하면 서도 정서적 기억을 창조성의 기초로 간주한 스타니슬랍스키의 입장이 이론적으로 양립 가능함을 설명 하는 데 일정 부분 기여할 수 있다. 다만 본 연구는 이론적 논의에 초점을 둔 만큼 구체적 훈련 절차나 실천적 검증을 포함하지 못하였고, 배럿의 틀에 대한 의존으로 인해 다른 정서 이론 및 신경과학적 접근 과의 비교가 제한되었다. 향후 연구에서는 배우 훈련 및 리허설과 같은 실천 맥락을 함께 고려하고, 동시 대 신경과학 및 정서 이론의 다양한 성과를 폭넓게 참조함으로써 정서적 기억의 작동에 대한 논의를 더 욱 정밀하게 다듬을 필요가 있다.

This study analyzes Konstantin Stanislavski’s emotional memory through Lisa Feldman Barrett’s Theory of Constructed Emotion. While emotional memory has often been understood as a reflexive recall of past experiences, this interpretation is reductive and fails to capture the complexity of Stanislavski’s writings and practices. Stanislavski regarded emotional memory as a complex formed through the accumulation and refinement of similar emotional experiences, viewing it as both an essential resource for the actor’s creative work and a source of emotion. Situated within a predictive and constructive framework grounded in contemporary neuroscience, this study highlights the central role of “concepts”— neural representations of accumulated experience—in shaping emotional life: richer conceptual systems yield greater emotional granularity, whereas conceptual scarcity makes corresponding emotions difficult to perceive or construct. Accordingly, emotional memory should be understood not as a static recollection of discrete autobiographical events but as a dynamic, integrative process in which experiences are continually reorganized and expanded as creative resources for performance. In this light, Barrett’s notion of emotional granularity aligns with Stanislavski’s insistence on continually expanding emotional memory, framing it not merely as a technical device but as a basis for enriched perception, deeper empathy, and more versatile embodiment of diverse roles. While this study aims to contribute to a theoretical understanding of emotional memory that may support actors’ artistic self-refinement and empathetic engagement with characters, its scope remains primarily theoretical, limiting empirical verification in actor training and comparison with other neuroscientific approaches. future research may therefore incorporate broader perspectives to further refine its theoretical foundation.

본 연구는 20세기 초 러시아 연극 아방가르드를 주도한 메이예르홀트의 연극실험을 ‘낯설게 하기’의 관점에서 살펴보고, 그의 연극적 특징과 양상이 어떻게 ‘낯설게 하기’의 미학에 부합하는지를 고찰하는 데 목적이 있다. 메이예르홀트는 자연주의 연극이 전제한 재현적 관습과 감정이입 중심의 관객 수용 방 식을 비판하며, 연극을 현실의 모방이 아닌 철저히 허구적이고 형식화된 예술로 인식하였다. 그에게 관 객은 일루젼에 몰입하는 대상이 아니라, 무대 위에서 제시되는 연극적 사건을 인식하고 해석하는 주체였 다. 이러한 인식 아래, 메이예르홀트의 연극실험은 관객을 수동적으로 만드는 재현 연극으로부터 연극 고유의 연극성을 회복하려는 과정이라 할 수 있다. 우슬로브니(uslovnyi) 연극은 이러한 메이예르홀트 연 극실험의 토대를 이루는 개념으로, 연극을 ‘연극적으로’ 만드는 무대와 연기술을 포함한 양식화된 연극을 의미한다. 구성주의적 무대, 생체역학의 연기술, 그로테스크와 마스크의 연기는 우슬로브니 연극의 실천 적 미학으로서, 관객과 무대 사이의 심리적 거리두기를 형성하고 관객을 연극의 관찰자로 만드는 기능을 수행한다. 메이예르홀트는 이러한 연극적 양식화를 통해 자연주의 관습에 익숙한 관객의 지각 방식을 의 도적으로 낯설게 만들고, 관객이 연극적 의미 생성 과정에 능동적으로 참여하도록 유도한다. ‘낯설게 하 기’가 자동화된 인식을 교란함으로써 수용자의 지각 상태를 회복하고 사물을 새로운 관점에서 인식하게 하는 예술적 장치라면, 메이예르홀트의 연극실험 전반 역시 이러한 미학적 원리가 관통하고 있음을 짐작 할 수 있다. 이는 브레히트가 정립한 ‘생소화 효과’와도 일정 부분 상통하는 지점이다. 연극을 연극적으 로 만들고자 한 메이예르홀트 연극실험의 출발점에는 낯섦의 인식을 통해 관객에게 새로운 의미를 생성 할 수 있다는 확고한 문제의식이 자리하고 있었다. 이에 본 연구는 메이예르홀트의 연극실험을 10월 혁 명 이전의 시기와 혁명 이후의 시기로 구분하고, 자연주의 연극 관습을 타파하고자 한 그의 전략이 시기 별로 어떻게 분화·전개되었는지를 살펴봄으로써, 메이예르홀트 연극에 나타난 ‘낯설게 하기’의 양상과 그 미학적 의미를 규명하고자 한다.

The purpose of this study was to examine the theatrical experiments of Meyerhold, who led the Avant-garde, a genre of early 20th-century Russian theatre, from the perspective of 'Defamiliarization', and to analyze how the characteristics and aspects of his theatre aligned with the aesthetics of 'Estrangement'. He criticized the mode of audience reception in naturalistic theatre, which was based on representational conventions and empathy, and perceived theatre as a thoroughly fictional and formalized art, not as an imitation of reality. Considering this perception, his theatrical experiments may be seen as a process of departure from representational theatre, which renders the audience passive, and restoration of the inherent theatricality of theatre. Uslovnyi theatre, the foundational concept of Meyerhold's theatrical experiments, refers to a stylized form—comprising staging and acting techniques—that makes theatre ‘theatrical’. Constructivist staging, the acting technique of Biomechanics, and the acting style of the grotesque and the mask—the practical aesthetics of Uslovnyi theatre—create a psychological distance between the audience and the stage and transform the audience into an observer of the theatre. Meyerhold, through this theatrical stylization, intentionally defamiliarizes the perception of the audience— who are accustomed to naturalistic conventions—and leads them to actively participate in the process of generating theatrical meaning. This aspect is consistent with, in part, the ‘Estrangement effect’, a concept established by Bertolt Brecht. Meyerhold’s firm critical awareness, based on the belief that the perception of ‘Defamiliarization’ generates new meanings for the audience, provided the essential point of departure for his theatrical experiments to restore inherent theatricality. This study, accordingly, categorized Meyerhold’s theatrical experiments into pre- and post-revolutionary periods and examined how his strategies for dismantling naturalistic conventions evolved; in doing so, it sought to elucidate the specific manifestations and aesthetic significance of ‘Defamiliarization’ within his theatre.

본 연구는 이주배경 청소년을 대상으로 지역 기반에서 운영된 단기 집중형 뮤지컬 교육 프로그램의 사례를 분석하여, 해당 프로그램이 어떠한 사회적·교육적 맥락과 필요 속에서 기획·운영되었으며, 교 육 및 공연 제작 과정에서 어떠한 특징이 나타났는지를 살펴보는 데 목적이 있다. 본 연구의 분석 대상 은 화성시 외국인복지센터를 주관으로 지역 예술단체와 협력하여 운영된 단기 집중형 뮤지컬 교육 프로 그램에 참여한 이주배경 청소년 15명으로, 프로그램은 2025년 07월부터 12월까지 약 6개월간 총 26회차 로 진행되었다. 연구 방법으로는 프로그램 기획 문서와 운영 보고서 분석, 참여 관찰, 참여 청소년을 대 상으로 한 사전·사후 설문조사, 강사 및 운영진을 대상으로 한 설문조사를 병행하는 사례 연구 방법을 적용하였다. 연구 결과, 본 뮤지컬 교육 프로그램은 이주배경 청소년의 무대에 대한 자신감과 자기표현 능력, 또래 간 소통 및 협력 경험을 증진시키는 데 긍정적인 영향을 미친 것으로 나타났으며, 공연 제작 과정에서의 역할 분담과 협업 경험은 참여자들에게 공동의 목표를 향한 책임감과 성취감을 형성하는 데 기여한 것으로 분석되었다. 또한, 강사 및 운영진 설문 결과를 통해 본 프로그램이 참여 청소년의 정서적 안정과 참여 태도 측면에서 의미 있는 교육적 성과를 보였음이 확인되었다. 다만 본 연구는 단일 지역에 서 제한된 참여 인원을 대상으로 한 사례 연구라는 한계를 지니며, 향후 보다 다양한 지역과 대상 확장 을 통한 후속 연구가 필요하다. 그럼에도 불구하고 본 연구는 이주배경 청소년을 대상으로 한 지역 기반 단기 집중형 뮤지컬 교육의 실행 과정을 구체적으로 제시하고, 문화예술교육의 실천적 가능성을 논의하 였다는 점에서 의의를 지닌다.

The purpose of this study is to analyze a case of a short-term, intensive, community-based musical education program for youths from multicultural backgrounds, focusing on the social and educational contexts in which the program was planned and implemented, as well as the characteristics observed throughout the educational and performance production processes. The program was jointly organized by the Hwaseong Foreign Residents Welfare Center and local arts organizations and involved 15 youths from multicultural backgrounds. It was conducted over approximately six months, from July to December 2025, comprising a total of 26 sessions. This study adopted a case study methodology, drawing on multiple data sources including program documents, participant observation, pre- and post-program surveys of participating youths, and surveys of instructors and program administrators. The findings indicate that the musical education program positively influenced participants’ stage confidence, self-expression, and experiences of communication and collaboration with peers. In particular, role-sharing and cooperative experiences during the performance production process contributed to fostering a sense of responsibility and achievement toward shared goals. In addition, instructors and administrators reported meaningful educational outcomes in terms of participants’ emotional stability and engagement attitudes. Although this study is limited by its focus on a single region and a relatively small number of participants, it provides a detailed account of the implementation process of a community-based, short-term intensive musical education program. The findings highlight the practical potential of musical education as a form of cultural arts education for youths from multicultural backgrounds.

본 연구는 생성형 인공지능(Generative AI) 기술의 급격한 발전으로 인한 영상 제작 패러다임의 변화에 주목하여, 미래 영상 산업 인재 양성을 위한 ‘AI 기반 영상 제작 교육 직무 역량 모델’을 재구조화하고 구체적 인 평가지표를 개발하는 것을 목적으로 했다. 최근 생성형 AI의 등장은 영상 제작의 기술적 장벽을 낮추는 동시에, 창작자에게 단순 숙련도를 넘어선 고차원적인 조율 역량을 요구하고 있다. 이에 본 연구는 기존의 영상 교육 체계를 분석하여 공통 역량, 직무 역량, 창의 역량의 세 가지 차원에서 모델을 재설계하였다. 첫째, 직무 역량 측면에서는 개별 숏(shot) 생성 단계를 넘어 영상 문법에 기초한 시각적 연속성(Continuity) 확보와 멀티모달 도구의 통합적 제어 능력을 핵심 지표로 설정하였다. 둘째, 창의 역량 측면에서는 AI 산출물 의 우연성을 비판적으로 수용하고 자신의 예술적 의도에 맞게 재구성하는 ‘큐레이션 적 창의성’과 TMSI(탐 색·제작·공유·상호작용) 모형에 기반한 협업 역량을 강조하였다. 셋째, 개발된 모델의 타당성을 검증하기 위해 실제 대학 교육 현장의 영상 제작 사례에 적용하고 전문가 조사를 통해 평가지표를 정교화하였다. 연구 결과, AI 기반 영상 교육은 결과물 중심 평가에서 벗어나 프롬프트 설계 로그(Prompt Log)와 성찰 저널(Reflection Journal)을 활용한 ‘과정 중심 평가’가 이루어질 때 학습자의 실질적인 직무 역량 향상을 확인할 수 있었다. 특히 AI 기술의 한계를 인간의 연출력으로 보완하는 지점에서 산업적 효용성이 극대화됨을 입증하였다. 하지만 AI 기술의 빠른 발전에 따른 평가지표의 유효성에 대한 문제는 여전히 연구의 한계로 남는다. 본 연구에서 제안한 역량 모델과 루브릭은 급변하는 AI 미디어 환경에 대응하는 대학 영상 교육의 표준 가이드라인으로 활용될 수 있을 것이며, 향후 AI 윤리와 저작권 인식을 포함한 적응형(adaptive) 교육 체계 구축의 기초 자료를 제공한다는 점에서 학술적, 실무적 의의를 지닌다.

This study aimed to restructure the 'AI-based video production education competency model' and to develop specific evaluation indicators for nurturing future talents in the video industry, focusing on the paradigm shift in video production that was caused by the rapid advancement of Generative AI technology. First, in terms of job competency, the core indicators were established as the ability to ensure visual continuity based on cinematography grammar—moving beyond individual shot generation—and the integrated control of multimodal tools. Second, regarding creative competency, the study emphasized ‘curatorial creativity,’ the ability to critically accept the randomness of AI outputs and reconstruct them according to artistic intent, and collaborative competency based on the TMSI (Thinking, Making, Sharing, Interaction) model. Third, to verify the model’s validity, it was applied to video production cases in university settings, and evaluation indicators were refined through expert surveys. The results indicate that AI-based video education is most effective in improving practical job competencies when transitioning from outcome-oriented evaluation to ‘process-oriented evaluation’ using prompt design logs and reflection journals. In particular, the study demonstrated that industrial utility is maximized when human directing skills compensate for the limitations of AI technology. The competency model and rubrics proposed in this study can serve as standard guidelines for university video education in the rapidly changing AI media environment. Furthermore, this research holds academic and practical significance by providing foundational data for establishing adaptive educational systems that include AI ethics and copyright awareness.

본 연구는 무용 작품｢생생불식(生生不息)｣의 창작 과정을 실기 기반 연구 방법(Practice Based Research)을 통해 고찰하고, 예술감독의 실천적 개입이 무트댄스의 창작 메소드에 어떠한 변화와 확장을 가져왔는지 분석하였다. 기존 국내 무용 연구가 안무가 개인의 창작 경험과 결과물 중심으로 논의되어 온 것과 달리, 본 연구는 창작의 전 과정에서 예술감독이 수행한 구조설계, 조율, 선택의 실천을 연구 대상으로 삼았다. 이를 위해 리서치 단계부터 리허설구조, 무대 구성, 출연 방식, 공간 활용, 오브제의 운용에 이르기까지 창작 전 과정을 실천의 장으로 설정하였다. 이를 통해 예술감독의 수행적 역할과 개입 방식이 작품 구조 안에서 어떻게 작용하는지 구체적으로 드러내고자 하였다. 연구 결과, 예술감독의 실천은 작품을 완성하는 최종 결정자의 역할에 한정되지 않고, 창작이 발생하는 조건과 구조를 조직하고 의미를 생성하는 과정으로 작동함을 확인하였다. 특히, 개념을 고정된 주제로 제시하기보다 즉흥, 이미지 연상, 집단 토론 등 다양한 실천을 통해 의미가 생성되도록 구조화한 점에서 예술감독의 개입은 통제가 아님 의미화의 실천으로 작동하였다. 또한, 무트댄스의 호흡메소드는 해체가 아닌 확장의 방식으로 적용되어, 개인의 움직임을 넘어 집단 창작 시스템으로 확장될 수 있음을 보여주었다. 더 나아가 ‘생생불식’의 개념을 무대 공간, 신체, 오브제의 상호작용을 통해 주제가 아닌 공연 전반을 관통하는 구성 원리로 구현되었다. 다만 해당 개념이 다른 작품이나 단체에도 작동하는지는 검증이 필요하고, 창작 과정의 시간적 소요와 결정 과정의 지연이라는 한계를 동반하였다. 이는 향후에 예술감독 중심의 리서치 기반 창작 메소드가 지속적으로 보완해야 하는 과제로 남는다. 본 연구는 예술감독의 실천을 창작 조건으로 설계하고 의미를 생성하는 과정적 실천으로 개념화함으로써, 동시대 무용창작 메소드의 작동 원리를 분석할 수 있는 이론적 틀을 제시한다는 점에서 의의를 지닌다.

This study examines the creative process of the dance work Saengsaeng Bulsik (生生不息) through Practice-Based Research (PBR), focusing on how the artistic director’s practical interventions transformed and expanded the creative methodology of Moot Dance. Unlike existing Korean dance studies that emphasize individual choreographers’ experiences and final outcomes, this research foregrounds the artistic director’s practices of structural design, mediation, and decision-making throughout the creative process. All stages of creation—including research, rehearsal structure, stage composition, modes of performance, spatial use, and object operation—are treated as fields of practice. The findings demonstrate that the artistic director’s role extends beyond that of a final decision-maker to organizing the conditions and structures through which creation and meaning emerge. Rather than presenting concepts as fixed themes, meaning was generated through improvisation, image association, and collective discussion, positioning intervention as a practice of meaning-making rather than control. Furthermore, Moot Dance’s breath-based methodology was expanded from individual movement into a collective creative system. The concept of Saengsaeng Bulsik functioned not as a theme but as an organizing principle permeating the entire performance through interactions among space, bodies, and objects. While limitations such as extended time investment and delayed decision-making were identified, this study proposes a theoretical framework for understanding contemporary dance creation by conceptualizing artistic direction as a process-based practice of designing creative conditions and generating meaning.

본 연구는 글로벌 K-콘텐츠 시장의 성장과 디지털 미디어 플랫폼의 다변화라는 산업 환경 변화 속에서, 예비 창업자의 엔터테인먼트 창업의지가 어떠한 경로를 통해 형성되는지를 실증적으로 규명하는 데 목적이 있다. 이를 위해 2025년 09월부터 2025년 11월까지 국내 대학생 전 학년 114명을 집단으로 설문 조사를 실시하였으며, SPSS 25.0과 PROCESS Macro를 이용하여 기술통계, 상관분석, 회귀분석 및 매개효 과(Baron & Kenny 절차 및 부트스트래핑)를 확인하였다. 분석 결과, 창업역량은 엔터테인먼트 창업의지 에 유의적 영향을 미치는 핵심 선행요인으로 확인되었다. 또한 사회적 자본, 창업가 자기효능감은 창업 역량과 엔터테인먼트 창업의지 간 관계를 각각 부분 매개하였으며, 부트스트래핑(5,000회) 결과에서도 두 간접효과의 신뢰구간에 0이 포함되지 않아 매개효과가 통계적으로 유의함이 재확인되었다. 이러한 결과 는 대학생의 엔터테인먼트 창업의지가 단일 요인에 의해 형성되기보다, 창업역량을 기반으로 관계적 자 원(사회적 자본)과 심리적 자원(자기효능감)이 결합하여 의지로 전환되는 다중 경로적 구조를 가진다는 점을 시사한다. 이에 본 고는 엔터테인먼트 산업의 특수성을 반영한 실무형 창업교육 고도화, 업계 멘토 링, 네트워크 기반의 사회적 자본 형성 지원, 단계별 성취경험 설계 등을 통한 자기효능감 강화 개입의 필요성을 제언한다. 끝으로 본 연구의 한계와 향후 연구 방향은 다음과 같다. 첫째, 114명의 한정된 표본 으로 인해 연구 결과를 일반화하는 데 제약이 있으므로 향후 표본의 다변화가 요구된다. 둘째, 자기보고식 설문에 따른 주관적 편향 가능성이 존재하므로 객관적 평가지표나 질적 연구를 병행한 보완이 필요하다. 셋째, 횡단적 연구로서 시계열적 변화나 실제 창업 행동으로의 전이 과정을 충분히 포착하지 못했다는 한계가 있으며, 이는 향후 종단적 연구를 통해 규명될 필요가 있다.

This study aims to empirically investigate the formation pathways of entertainment entrepreneurial intentions among prospective founders amidst industrial shifts, such as the growth of the global K-content market and the diversification of digital media platforms. Data were analyzed using SPSS 25.0 and the PROCESS Macro to perform descriptive statistics, correlation analysis, regression analysis, and mediation analysis (Baron & Kenny procedure and bootstrapping). The statistical significance of these indirect effects was reconfirmed through bootstrapping (5,000 resamples), as the confidence intervals did not include zero. These findings suggest that university students’ entertainment entrepreneurial intention is not shaped by a single factor; rather, it possesses a multi-path structure where relational resources (social capital) and psychological resources (self-efficacy) integrate with entrepreneurial competence to be transformed into intention. Based on these results, this study suggests the necessity of advancing practical entrepreneurship education that reflects the specificities of the entertainment industry, providing industry mentoring, supporting network-based social capital formation, and implementing interventions to strengthen self-efficacy through step-by-step achievement experiences. Lastly, the limitations and future research directions are as follows: First, the limited sample size of 114 poses constraints on generalizability, necessitating a more diverse sample in future studies. Second, to mitigate potential subjective bias from self-report surveys, future research should incorporate objective evaluation indicators or qualitative methods. Third, as a cross-sectional study, it lacks the ability to capture time-series changes or the transition into actual entrepreneurial behavior; thus, longitudinal research is required to further clarify these processes.

본 연구는 문화예술콘텐츠가 도시 공간에서 문화적 의미와 관람 경험을 어떻게 조직하는지를 분석하기 위해, 컬처코드 관점을 기반으로 한 개념 정립과 분석 프레임을 제안하는 데 목적을 둔다. 최근 미디 어아트를 활용한 문화예술콘텐츠 프로젝트가 확산되면서 도시 공간은 단순한 배경이 아닌 문화적 경험 이 생성되는 무대로 기능하고 있으나, 기존 연구들은 주로 공간 조성의 성과, 콘텐츠의 완성도, 정책적 효과 분석에 초점을 맞추는 경향을 보여 왔다. 이로 인해 관람자의 경험이 어떠한 구조를 통해 형성되고 조직되는지에 대한 분석은 상대적으로 부족하였다. 이에 본 연구는 문화적 의미가 사회적으로 공유되고 해석되는 체계로서의 컬처코드 개념에 주목하고, 이를 문화예술콘텐츠 분석의 핵심 관점으로 도입하였다. 컬처코드는 도시 공간에서 역사적 기억, 장소성, 감각적 미디어 연출, 관람자의 행위가 결합되어 경 험을 구성하는 방식을 구조적으로 해석할 수 있는 개념적 틀을 제공한다. 본 연구는 이를 역사·기억 코드, 장소·공간 코드, 감각·미디어 코드, 참여·행위 코드의 네 가지 범주로 정리하고, 문화예술콘텐츠 분석 프레임으로 체계화하였다. 이러한 분석 프레임을 바탕으로 2025 국가유산 미디어아트 군산 사례를 분석한 결과, 군산 사례는 도시의 국가유산과 미디어아트, 관람자의 이동과 선택이 결합되어 문화적 경 험을 형성하는 구조를 보여준다. 특히 관람자의 참여와 행위는 공연예술 분야에서 논의되어 온 장소특정 형 공연과 이머시브 공연의 참여 구조를 도시 차원으로 확장한 양상을 띠며, 문화예술콘텐츠가 도시 전체를 하나의 경험적 무대로 조직할 수 있음을 시사한다. 본 연구는 컬처코드 기반 분석 프레임을 통해 문화예술콘텐츠를 결과 중심이 아닌 경험 구조 중심으로 해석할 수 있는 관점을 제시한다는 점에서 학술적·실천적 의의를 지닌다.

This study aims to propose a conceptual framework and an analytical model based on the perspective of cultural codes in order to examine how cultural arts content organizes cultural meaning and audience experience within urban space. As cultural arts content projects utilizing media art have recently expanded, urban space has begun to function not merely as a background but as a stage where cultural experiences are produced. However, previous studies have tended to focus primarily on spatial outcomes, content completeness, or policy effectiveness, resulting in a relative lack of analysis on how audience experience is formed and structured. To address this limitation, this study adopts the concept of cultural codes as systems through which cultural meanings are socially shared and interpreted, and introduces it as a central analytical perspective for the study of cultural arts content. Cultural codes provide a conceptual framework for structurally interpreting how historical memory, placeness, sensory media expression, and audience behavior converge to construct experience within urban space. Accordingly, this study systematizes four categories of cultural codes—historical–memory, place–spatial, sensory–media, and participatory–behavioral codes—and develops them into an analytical framework for cultural arts content. Based on this framework, the study analyzes the case of the 2025 National Heritage Media Art Gunsan project. The findings demonstrate that cultural experience in the Gunsan case is formed through the interaction of national heritage, media art, and audience movement and choice. In particular, audience participation and behavior extend the participatory structures discussed in site-specific and immersive performances within the performing arts field to an urban scale, suggesting that cultural arts content can organize the entire city as a unified experiential stage. This study contributes both academically and practically by offering a cultural code–based perspective that enables cultural arts content to be interpreted not in terms of outcomes, but through the structure of experience generation.

본 연구는 2022년을 정점으로 드라마 제작 편수가 감소 국면에 진입한 2021~2024년을 한국 드라마 산업의 구조적 전환·위축 국면으로 설정하고, 이 시기에 제작된 TV 오리지널 미니시리즈의 장르 구성과 장르 집중 구조의 변화 양상을 분석하였다. 특히 각색 미니시리즈와의 비교를 통해, 동일한 산업 환경 속 에서 제작 유형에 따라 장르 전략이 어떠한 방식으로 형성·조정되었는지를 구조적으로 살펴보려고 하 였다. 분석 대상은 지상파, 케이블, 종합편성채널, 국내외 OTT 플랫폼에서 제작·방영된 TV 미니시리즈 총 386편으로 오리지널 미니시리즈 244편과 각색 미니시리즈 142편을 포함한다. 본 연구는 52개의 세부 장르 분류 체계를 적용하여 중분류 장르 기준의 제작 비율을 산출하고, 허핀달–허시먼 지수(Herfindahl– Hirschman Index, HHI)를 활용해 장르 집중도의 변화 양상을 계량적으로 분석하였다. 분석 결과, TV 오리 지널 미니시리즈는 2021~2023년까지 비교적 분산된 장르 구조를 유지하다가, 제작 편수 감소와 산업 불 확실성이 본격화된 2024년에 이르러 장르 집중도가 뚜렷하게 상승하는 양상을 보였다. 반면 각색 미니시 리즈는 연도별로 장르 집중도의 변동 폭이 크게 나타나며, 제작 환경 악화 국면에서 단기간에 검증된 장 르로 제작이 집중되는 경향을 보였다. 이는 동일한 산업 위축 환경 속에서도 오리지널 미니시리즈와 각 색 미니시리즈가 장르 전략을 통해 불확실성과 제작 리스크를 관리하는 방식, 즉 시간적 대응 논리가 상 이하게 작동하고 있음을 보여준다. 본 연구는 장르 집중을 단순한 획일화로 해석하는 관점을 넘어, 산업 위축기 속에서 제작 유형별 조건과 제약에 따라 장르 전략이 서로 다른 경로로 형성될 수 있음을 실증적 으로 제시한다. 이를 통해 드라마 장르를 미학적 분류가 아닌 산업적 전략 변수로 재위치시키고, 한국 드 라마 산업의 구조적 변화와 장르 전략 간의 관계를 이해하기 위한 분석적 틀을 제공한다.

This study examines changes in genre composition and genre concentration in TV original miniseries produced between 2021 and 2024, a period marking a structural transition and contraction in the Korean drama industry following the production peak in 2022. By comparing original and adapted miniseries, the study investigates how genre strategies were differently formed and adjusted according to production type under shared industrial conditions. The dataset consists of 386 TV miniseries aired on terrestrial broadcasters, comprehensive programming channels, cable channels, and domestic and global OTT platforms, including 244 original miniseries and 142 adapted miniseries. Applying a genre classification system of 52 detailed genres grounded in actual production practices, this study analyzes genre proportions at the mid-level category and examines changes in genre concentration using the Herfindahl–Hirschman Index (HHI). The analysis reveals that TV original miniseries maintained a relatively dispersed genre structure from 2021 to 2023, followed by a marked increase in genre concentration in 2024, when production volume declined and uncertainty intensified. In contrast, adapted miniseries exhibited greater year-to-year volatility in genre concentration, with production converging more rapidly on commercially validated genres during periods of heightened market risk. These patterns suggest that, even within the same contractionary environment, original and adapted miniseries adopted distinct genre strategies to manage uncertainty and production risk, reflecting different temporal logics of strategic response. By moving beyond interpretations of genre concentration as mere homogenization, this study demonstrates that genre strategies during periods of industrial contraction can follow differentiated pathways shaped by production type–specific conditions and constraints. In doing so, it repositions genre not only as a narrative category but also as a strategic industrial variable, offering an analytical framework for understanding how the Korean drama industry recalibrates production risk under structural pressure.