Earticle

도예는 일반적으로 고화도 유약을 사용한 청자와 백자 같은 자기질의 실용성과 심미성이 있는 도자기를 중심으로 발전하였다. 그러나 중동에서 시작된 페르시안 도자기인 러스터 유약은 금속성 광택의황금빛 발색 유약으로, 타일이나 도자기 그릇에 표현되었고, 발전하였다. 러스터 도자는 다양한 색상과고급 진 금속성 광택은 고화도 자기가 표현 할 수 없는 부분을 표현 할 수 있으라 생각한다. 본 연구는 러스터 유약을 대표하는 질산은을 활용한 황금색 유약을 체계적으로 연구하고 규명하고자 한다. 아울러 러스터 도자기의 이해를 돕기 위해 러스터의 역사와 작품들에 대하여 분석하고, 질산은의 사용상 유의점도 알아보았다. 유약 조성 내에 포함된 질산은이 냉각 온도와 시간의 변화에 따른변화를 명도, 색상을 수치화하여 측정 분석하였다. 특히 질산은의 함량과 재 가열 시간에 따라 재 소성 만으로도 다양한 발색이 가능하며, 금을 사용하지 않고, 소성법에 따라서 금 발색이 가능함을 연구하였다. 기본 유약에 질산은 1%(LG1), 질산은 2%(LG2), 질산은 3%(LG3), 질산은 4%(LG4)를 함유한 유약을 1050℃까지 산화소성 후, 500℃부터 50℃간격으로 950℃까지 각 온도별로 1시간, 2시간, 3시간 3 회 재 가열 환원 소성하여 120개의 시편을 COLOR METER TES-135A를 이용하여 색을 측정하고 발색을 분석하였다. 본 연구의 발색 변화는 3가지 영역으로 나눌 수 있는데, 첫 번째는 500℃∼550℃구간으로 주로 노란색과 갈색이며, 유조는 투명이며, 명도는 비교적 밝게 나타났으나 질산은 함량에 따라 투명유에서 실투유가 되었다. 두 번째로는 600℃∼750℃의 발색은 황금색에 가까운 발색과 광택을 내는 구간으로써, 이 범위에 해당하는 색상은 노란색에서 회청색이 함유된 갈색의 범위이며, 가장 황금색에 가까운 발색의 시편은 750℃ 1시간 소성 LG1 시편으로 보인다. 유질은 광택이 많은 실투유이다. 세 번째로는 800 ℃∼950℃ 구간으로, 청회색에서 온도대가 올라갈 수록 검은 회색이 되며, 광택이 전혀 없는 유질로변하였다. 800℃색상의 특징은 질산은이 증가한 경우 진주색상이 표면에 나타났고, 명도는 밝아졌으며, 주로 탁한 청색과 탁한 진주색이 나타났다. 900℃∼950℃의 발색은 회색과 회백색이며, 광택이 전혀없는 발색이 나타났다. 본 연구를 통하여, 황금색상은 질산은 1%에 환원반응 1시간 700-750℃구간에서 황금색에 가까운 발색을 하였고, 냉각온도와 반응시간에 따라 다양한 발색을 얻을 수 있음을 알게 되었다. 그리고 이러한연구의 결과가 현대 도예의 표현 확장에 기여하기를 바란다.

Ceramic glazes, centered on oriental high-definition glazes, made and developed pottery with practicality and aesthetics, such as celadon and white porcelain. Along with this, Luster glaze, a Persian pottery that originated in the Middle East, is a golden-colored glaze with a metallic luster, and has been expressed on tiles or ceramic vessels. We will systematically study and identify the golden glaze using silver nitrate, which is still unfamiliar in Korea. In addition, in order to help understand Luster pottery, which is not well known at present, the history and works of Luster were analyzed, and the points to be noted in the use of silver nitrate used in this study were also investigated. In this study, the silver nitrate contained in the glaze composition was measured and analyzed by quantifying the change in brightness and color according to the cooling temperature and time. In particular, it was studied that various colors can be developed only by re-firing depending on the content of silver nitrate and reheating time, and that it is possible to develop a golden color according to the firing method without using gold. After oxidizing the glaze containing 1% silver nitrate (LG1), 2% silver nitrate (LG2), 3% silver nitrate (LG3), and 4% silver nitrate (LG4) in the basic glaze up to 1050℃, 950℃ at 500℃ intervals from 500℃ 1 hour, 2 hours, and 3 hours at each temperature up to ℃, 120 specimens were reheated and reduced three times, and the color was measured using COLOR METER TES-135A, and the color development was analyzed. The color change in this study can be divided into three areas. The first is between 500℃ and 550℃, which is mainly yellow and brown. The oil bath is transparent and the brightness is relatively bright. It became a loss of milk. Second, the color development at 600℃~750℃ is a section that produces color development and gloss close to golden yellow, and the color corresponding to this range ranges from yellow to grayish blue brown. It looks like a LG1 specimen fired for 1 hour at ℃. The oil quality is a devitrifying oil with a lot of gloss. Third, in the range of 800℃ to 950℃ it became black gray as the temperature range increased from bluish gray, and it changed to an oily quality with no luster. As for the characteristics of the color at 800℃, when silver nitrate was increased, pearl color appeared on the surface, brightness became brighter, and mainly cloudy blue and cloudy pearl color appeared. The color development at 900℃ to 950℃. was gray and grayish white, and color development without gloss was observed. Through this study, it was found that the golden color developed close to golden color in the range of 700-750℃ for 1 hour of reduction reaction with 1% silver nitrate, and that various colors could be obtained depending on the cooling temperature and reaction time.

갑발 번조는 중국의 황실도자기와 한국의 고려시대 청자와 조선시대 왕실 백자 제작에 사용되었던번조 방법이다. 기물의 형태에 걸맞게 제작되어 기물을 넣어 나뭇재가 앉는 것을 방지하고, 센 불길이기물에 직접 닿지 않게 하면서 환원 번조를 효과적으로 수행하는 역할을 한다. 현대의 갑발 번조 활용도는 미비하며 내화갑 내 탄화번조, 진사유약 갑발 번조, 장작가마 번조과정 활용 등 일부 특정한 목적에 실행되고 있는 실정이다. 본 연구는 갑발 번조의 활용성에 대한 재조명으로 중국의 비색자기를제작하는 기법에 관심을 두고, 실험과 결과를 통해 비색자기 제작기법의 효과를 밝혀 번조기법의 확장성을 제시하고자 한다. 중국 월주요의 비색자기 제조기법은 갑발을 유약으로 밀봉하여 번조하는 기법이다. 유약이 용융된 시점으로부터 갑발 안이 밀폐상태를 이루고 번조가 끝난 후 냉각환원 작용으로인해 태토와 유약의 금속산화물이 완전히 환원 될 수 있는 환경과 조건이 성립되었다고 본다. 그러한전제를 조건으로 한 실험으로, 유약으로 밀봉된 갑발의 번조결과가 실제로 태토와 유약이 어떻게 반응하는지에 대해 알아보고 밝히기로 하였다. 실험 방법으로 소형 갑발을 제작하고 철분 함량에 따른 두가지 백자태토와 청자태토로 시편을 제작하였다. 합 입구에 유약을 발라 번조 후 용융 밀봉되어 진공상태가 되도록 하는 갑발, 요철이 있는 갑발, 일반 갑발, 갑발 미사용에서 번조된 각 시편 결과물 차이를 알아보았다. 번조 분위기에 따른 가스가마 탄화번조, 전기가마 환원번조에 따른 결과물을 비교 하였을 때, 유약 밀봉 갑발 안에서 태토와 유약이 완전 환원상태의 결과물이 나왔음을 확인할 수 있었다. 그 결과에서 가 명확히 구별되었으며, 특히 주목 할 점은 전기가마 환원번조에서 환원상태가 명확하게 구별되는 결과물이 도출된 것이다. 이는 전기가마 환원번조에서 부족했던 환원 상태를 보완 할 수 있는 방법이 되면서도, 동시에 한 가마의 번조과정을 통해 각기 다른 환원상태의 도자를 제작 할 수 있는 방법이 제시 된 것이다. 본 연구는 완전환원으로 차별화된 분위기를 연출할 수 있는 방식을 밝혀 번조기법에 대한 확장성과 도자의 질적 향상의 방법을 제시한다.

A saggar firing is a manufacturing method used to produce China's imperial porcelain, Korea's Goryeo Dynasty celadon, and Joseon Dynasty royal white porcelain. It is manufactured to match the shape of the object, preventing wood ash from settling when the object is placed, and effectively performing reduction burns while preventing strong flames from directly contacting the object. The utilization of modern Gapbal burning is minimal, and it is only used for certain specific purposes, such as carbonization in fireproof sag, cinnabar glaze Gapbal burning, and use of the fire kiln burning process. This study focuses on China's colorimetric porcelain production technique by reexamining the usefulness of Gapbal making, and aims to present the expandability of the making technique by revealing the effectiveness of colorimetric porcelain production technique through experiments and results. The Chinese Yuejuyo colorimetric porcelain manufacturing technique involves sealing the shell with glaze and then making it. From the time the glaze is melted, the inside of the glaze is sealed, and after the firing is finished, the cooling reduction effect creates an environment and conditions in which the metal oxides of the clay and glaze can be completely reduced. As an experiment based on such a premise, it was decided to investigate and reveal how the clay and glaze actually react in the results of firing a glaze-sealed box. As an experimental method, a small box was manufactured, and specimens were produced with two types of white porcelain clay and celadon clay depending on the iron content. We investigated the differences in the results of each specimen produced by applying glaze to the entrance of the joint and melting and sealing it to create a vacuum state. When comparing the results of gas kiln carbonization firing and electric kiln reduction firing depending on the firing atmosphere, it was confirmed that the result was that the clay and glaze were in a completely reduced state within the glaze seal box. As a result, the difference in brightness and saturation of the glaze color and soil of the specimens within each cluster and the unused specimen was clearly distinguished. What is particularly noteworthy is that the reduction state was clearly distinguished from the electric kiln reduction process. This is a method that can compensate for the reduction state that was lacking in electric kiln reduction firing, and at the same time, it presents a method of producing ceramics in different reduction states through the firing process of one kiln. This study reveals a way to create a differentiated atmosphere through complete reduction and suggests ways to expand the pottery technique and improve the quality of ceramics.

인류 사회의 발전사를 돌이켜보면 기록은 항상 다양한 예술 형식 속에 존재해 왔다. 글과 그림과 같은 전통적인 기록 형식을 통해 이전의 사회생활, 인문 사상, 철학과 종교 등을 살펴볼 수 있다. 과학기술의 발전과 함께 기록의 형식 범주도 계속 확장되고 있으며 새로운 기록 방식이 등장하면서 새로운예술 형식에 영향을 주고 있다고 할 수 있다. 본 연구는 기록성 관점에서 현대 도예의 새로운 표현 형식과 정신적 커널을 발굴하며 기록의 개념및 기록의 형식별 장단점을 정리한다. 또한 문자를 바탕으로 한 기록과 매체 융합을 바탕으로 한 기록및 교감을 바탕으로 한 기록이 현대 예술에서 나타난 다양한 표현 방식을 정리하고 도예가 류젠화(劉 建華), 겅쉐(耿雪), 우관호의 작품을 통해 도예 창작에서 기록의 중요성을 설명한다.

Reviewing the development history of human society, recording has always existed in various kinds of artistic forms. Through traditional forms of recording such as writing and painting, past social life, humanistic ideas, philosophy and religion and so on are shown to us. With the development of technology, the scope of recording forms is also constantly expanding, and the emergence of new recording forms will give birth to new artistic forms. This study attempts to explore new forms of expression and spiritual core in contemporary ceramic art from the perspective of recording. It organized the concept of recording and the advantages and disadvantages of different recording forms, summarized the diverse ways in which records based on text, media integration, and communication are used in contemporary art, and demonstrated the significance of recording in ceramic creation through the works of three ceramic artists, Liu Jianhua, Geng Xue, and Kwan Ho Woo.

본 논문은 물레성형기법을 보다 효율적으로 교육하기 위해 성형의 원리를 힘과 저항의 크기로 설명한다. 물레성형은 제작자가 회전하는 태토에 힘을 가해 변형을 일으키는 과정이라고 할 수 있다. 일정한 강도를 가진 태토는 회전하는 과정에 힘을 가지게 된다. 이같이 회전하는 태토를 원하는 형태로 성형하기 위해 제작자는 태토 보다 큰 힘과 저항을 가지고 있어야 한다. 이때 필요한 제작자의 힘과 저항의 크기는 태토의 힘과 저항을 낮추면 커지게 되는 상대적인 것으로 이해되어야 한다. 힘과 저항의크기는 태토의 강도, 물레의 속도, 가압의 면적, 제작자의 힘과 연관하여 설명할 수 있다. 이 같은 이해가 바탕이 되면 절대적인 힘이 부족한 교육생에게도 효율적인 물레성형 교육이 가능하다.

This paper explains the principles of wheel throwing in terms of force and resistance to teach the technique more effectively. Wheel throwing is a process where the maker applies force to the rotating clay to shape it into the desired form. To do so, the potter needs to exert a greater force and resistance than the clay. The necessary level of force and resistance from the maker is relative to the strength and resistance of the clay, the speed of the wheel, the surface area of compression, and the maker's strength. With this understanding, even students with less physical strength can be taught wheel throwing efficiently.

도자기 문화가 활성화되기 위해서는 초등교육부터 도예교육이 체계적으로 이루어져야 한다. 이에 본연구는 2015 개정 교육과정 초등미술교과서 3-4학년 6종 출판사 도예영역의 참고작품의 개수와 형태, 내용 등을 분석하였다. 연구 결과 첫째, 2015 개정 초등미술교과서 3-4학년 도예 참고 작품은 2009 초등미술교과서에 비해 현저하게 줄어들었다. 둘째, 2015 개정 4학년 초등미술교과서 도예영역은 6종 출판사 모두 지난 교과서에 비해 참고작품이 줄어들었으며, 2곳은 작품이 소개되지 않았다. 셋째, 도예작품은 대부분 점토로 작품이 제작되지만, 조소영역으로 분류하는 출판사도 있었다. 도예에서 사용하는 점토는 청자토, 백자토, 옹기토, 조합토 등으로 분류하고, 가소성과 미세한 질감 등의 특징을 활용하는 것이 바람직하다. 넷째, 물레와 점토 반죽에 대한 제작방법이 미미했다. 다섯째, 도예작품 제작을위한 점토의 양과 질감에 대한 정보 제공이 부족했다. 초등도예교육의 활성화를 위한 제언으로 첫째, 학생의 발달단계를 고려한 도예작품 제작방법을 제시해야 한다. 둘째, 3-4학년 수준별 도예작품을 소개하고 동서양 도자기를 비교해야 한다. 셋째, 점토의미세한 질감과 가소성의 가치를 증명해야 한다. 넷째, 물레나 반죽과 같은 도자기의 특수성을 제시해야 한다. 다섯째, 미술교육과정에서 도예영역의 비중을 확대해야 한다. 초등학교부터 도예를 접할 수있는 기회가 확대되어야 도자기 문화의 미래를 선도할 수 있을 것이다.

In order for ceramic culture to be revitalized, ceramic art education should be systematically carried out from elementary education. Accordingly, this study analyzed the number, form, and content of reference works in the 2015 revised curriculum elementary art textbook grades 3-4 and 6 publishers' ceramic art areas. As a result of the study, first, the number of ceramic art reference works in grades 3-4 of the 2015 revised elementary art textbook was significantly reduced compared to the 2009 elementary art textbook. Second, in the ceramic art section of the 2015 revised fourth-grade elementary art textbook, all six publishers have fewer reference works compared to the previous textbooks, and two have no works introduced. Third, most ceramic works are made of clay, but there were some publishers who classified them as sculptures. It is desirable to classify the clay used in ceramics into blue clay, white clay, ongi clay, and combination clay, and to utilize characteristics such as plasticity and fine texture. Fourth, the manufacturing methods for spinning wheels and clay dough were minimal. Fifth, there was a lack of information on the amount and texture of clay for the production of ceramic works. As a suggestion for the revitalization of elementary ceramic arts education, first, a method of making ceramic works should be presented in consideration of the student's developmental stage. Second, it is necessary to introduce ceramic works for each level of 3rd and 4th grades, and compare Eastern and Western ceramics. Third, the value of the fine texture and plasticity of clay must be proven. Fourth, the particularities of ceramics, such as spinning or dough, should be presented. Fifth, the proportion of ceramic art in the art curriculum should be expanded. Opportunities to experience ceramic art from elementary school should be expanded to lead the future of ceramic culture.

이 논문은 쿠쿨리 벨라르데의 도예 작품 중에서 작가가 추구하는 탈식민화를 잘 보여주는 세 가지연작을 분석한다. 벨라르데는 페루의 쿠스코에서 출생하여 현재는 미국 필라델피아에서 작업하고 있으며, 2013년 경기세계도자비엔날레 대상을 수상한 경력을 지닌 작가다. 그는 라틴아메리카 출신 여성작가로서 자신의 문화적 정체성에 기반한 작업을 선보인다. 초기 작업인 <우리, 식민화된 사람들> 시리즈는 식민시대에 원주민 조상들이 당했던 고통에 대한 분노의 감정을 표현했다. <플런더미 베이비> 시리즈는 프리콜럼비안 도자기를 차용하고, 과장된 표정을 짓는 작가의 얼굴을 새겨넣은 도발적인 작품들로 구성되어있다. 이 시리즈는 과거를 깨어나게 하기 위해 역사에 개입해서 고고학적 유물처럼 여겨지는 프리콜럼비안 도자를 현재로 소환한다. <코르푸스> 시리즈는 쿠스코의 성체 축제 행렬에 등장하는 15개의 성상을 재창조한 작품이다. 수백 년간 이어진 축제는 서구에서 유입된 천주교가 토착 문화와 혼성교배 된 신크레티즘의 양상을 보여주는데, 작가는 서구의 도상 아래 감춰져 있던 토착의 신적존재들을 해방하여 시각화했다. 벨라르데의 현대 도예 작품들은 과거에 대한 비판을 넘어 현재의 인식을 변화시키는 탈식민화를 도모하고 있다.

This thesis analyzes three series of Kukuli Velarde's ceramic artworks that clearly demonstrate the decolonization. Velarde was born in Cusco, Peru, and currently works in Philadelphia, USA. She has won the grand prize at the Gyeonggi International Ceramic Biennale of South Korea in 2013. Her artworks based on the artist's cultural identity of the female artist from Latin America. In her early work We, the Colonized Ones series presents the anger at the agony of indigenous ancestors in colonial era. Plunderme Baby series appropriates Pre-Columbian ceramics and makes provocative work engraving the face of herself with exaggerated expressions. The series summons Pre-Columbian ceramics considered archaeological relics to the present, which intervenes the history to awaken the past. Corpus series recreates the 15 icons appeared at the Corpus Christi Festival in Cusco which has continued for hundreds years and shows aspects of Syncretism between Catholicism and indigenous culture. She visualizes it liberating the indigenous “entities” hidden under the Western icons. Velarde's contemporary ceramic artworks aim to be decolonized to change the perceptions of the present beyond criticism of the past.

이싱 자사호의 두드림 성형기법은 중국 특유의 다구 성형 방법이다. 이러한 기법은 예로부터 전해져왔던 이싱의 대형기 제작 방법이 현지의 특수 점토와 결합하여 형성되었다. 해당 성형기법의 가장 큰특징은 바로 회전판에서 점토를 나무 수레로 두들기는 방식으로 주전자 몸통를 제작한다는 것이다. 본문은 이싱 자사호 두드림 성형기법이 역사적으로 형성된 과정을 체계적으로 정리하였고, 두드림 성형기법에 사용되는 도구의 종류와 구체적인 제작과정을 중점적으로 소개하였다. 게다가 이싱의 자사토를분석하였다. 이싱 자사토의 단일한 점토 특성은 두드림 성형기법이 형성되는 데 중요한 요인으로 작용하였는데, 별다른 점토 배합 방법이 없이도 채굴한 일부 광물을 정제한 후 곧바로 주전자를 제작하는데 사용할 수 있다는 것을 분석하였다. 자사호의 두드림 성형기법을 체계적으로 이해할 수 있도록 자사호 두드림 성형 공예의 구체적인 제작 방법과 도구 사용법을 제시하였다.

The Yixing Zisha teapot hand-beating forming technique is a unique method of tea ware formation in China. This technique is a combination of the existing pottery-making skills in Yixing and the local special clay, which contributes to its unique characteristics. Its most distinctive feature is the use of wooden mallets to form the teapot's body on a potter's wheel. This paper systematically reviewed the historical process of the formation of the Yixing Zisha teapot hand-beating technique. The paper focused on its tool classification and the specific production process. Additionally, it analysed the clay used in Yixing Zisha. The single clay characteristics of Yixing Zisha were one of the important reasons that promote the formation of this technique. It referred to the fact that the mined clay can be directly used for teapot making after refining, without the need for a clay formula. This feature was not present in other famous pottery production areas in China. During the period when the clay formula of ancient Chinese ceramics was not well developed, it was conducive to the development of this technique. Through the introduction of the tools and specific production methods of the Zisha teapot hand-beating technique, readers can gain a systematic understanding of it.

오늘날 세계 각국은 관광산업과 국가적인 행사를 접목시킴으로써 상호 간에 문화적 교류를 활발히하고 있다. 관광산업은 경제발전에 기여 하는 바가 크므로 각 국가나 지자체에서는 많은 관광객을 유치하려고 노력하고 있다. 따라서 방문객들에게 구매력을 자극할만한 고유한 관광문화상품 개발의 필요성이 요구되고 있다. 본 연구는 강릉 지역 문화의 고유성뿐만 아니라 상업적 가치를 반영한 관광문화상품을 개발하는데 목적을 두고 있다. 문화상품은 고유한 지역적, 철학적, 문화적 가치와 경제적 실현가능성을 결합한 모든 공예품을 포함하며 관광상품은 효과적인 대중매체의 하나로서 지역 이미지를 창출하고 전달하는데 중요한 역할을 한다. 따라서 본 연구에서는 문화상품의 개념과 그 특성, 범주, 사례등을 알아보고, 강릉의 지역적 문화적 특성을 이해하며, 선호도를 분석하기 위해 설문 조사를 하였으며, 그 조사를 기반으로 디자인 방향을 모색하였다. 그 결과 초충도 시리즈, 경포 시리즈의 관광문화상품으로 시제품을 제작하였다. 이 상품들을 통해 지역 문화의 가치와 상징성, 기능성, 창의성을 구현하는 도자 관광문화상품 개발의 한 방향을 제시하고자 한다.

Today, countries around the world are actively engaged in cultural exchanges with each other by combining the tourism industry and national events. Since the tourism industry contributes greatly to economic development, each country or local government is trying to attract a lot of tourists. Therefore, there is a need to develop unique tourism cultural products that can stimulate purchasing power for visitors. The purpose of this study is to develop tourism cultural products that reflect not only the uniqueness of the Gangneung local culture but also commercial values. Cultural products include all crafts that combine unique regional, philosophical, cultural values and economic feasibility, and tourism products play an important role in creating and delivering a local image as one of the effective mass media. Therefore, in this study, the concept, characteristics, categories, and examples of cultural products, understood the regional and cultural characteristics of Gangneung, and conducted a questionnaire survey to analyze preferences, and sought design directions based on the survey. As a result, a prototype was produced with tourism cultural products of the Chochungdo series and Gyeongpo series. Through these products, we would like to present a direction for the development of ceramic tourism cultural products that realize the value, symbolism, functionality, and creativity of local culture.

산동성(山东省)의 용산（龍山）흑도와 윈난성(云南省)의 니시(尼西) 흑도는 중국 흑도의 가장 중요한두 갈래라고 할 수 있다. 두 흑도의 지역과 문화, 종교 등이 달라서 장식기법의 계승과 발전에도 차이가 있다. 각화(刻花)는 용산(龍山) 흑도가 흔히 사용하는 장식기법으로 중국의 전통적인 넝쿨문양(纏枝 花卉)과 권초(卷草) 등의 무늬를 위주로 한다. 니시(尼西) 흑도의 장식은 소수민족의 특색이 강하고 획화(划花)와 퇴소(堆塑), 상감(象嵌) 등이 주요 장식기법이다. 연구를 위해 두 흑도의 원산지와 박물관에 방문해서 현지 조사를 통해 관련 문헌을 찾아보고 정리하였다. 본 연구는 용산 흑도와 니시 흑도의 장식기법에 대해 비교하고 연구하는 데에 있다. 용산 흑도와 니시 흑도는 중국 흑도의 두 가지 중요한 분야이다. 이 흑도는 공통된 장식기법이 있는데 마광(磨光) 기법, 획화(劃花) 기법, 퇴소(堆塑) 기법이 있다. 또한, 두 흑도는 장식기법에서의 차이점도 보인다. 용산 흑도는 표면이 매끄럽고 윤기가 흐르고 무늬를 새긴 선이 매끄럽고 정교하다. 반면에 니시흑도는 표면에 광택이 있고 뚜렷한 기복이 있으며 무늬의 선이 거칠다. 두 흑도는 각각 특유의 장식기법이 있다. 용산 흑도는 각화 기법과 융합 기법, 니시 흑도는 상감(鑲嵌) 기법이 특유의 장식기법이다. 용산 흑도와 니시 흑도의 장식기법에 대한 연구를 통해 용산 흑도는 정교하고 우아하며 니시 흑도는고졸하고 거치며 소박하다는 특징을 알 수 있다. 두 흑도의 장식기법은 각자의 독특한 민족성을 보여주었다. 본 연구는 흑도의 장식기법을 연구하고 분석함으로써 흑도에 관심이 있는 작가들에게 양질의참고 자료가 될 수 있기를 바란다. 또한, 흑도 장식 공예의 계승과 발전에 도움이 되기를 기대한다

Longshan Black pottery in Shandong Province and Nixi Black pottery in Yunnan Province are the two most important branches of Chinese black pottery. Due to the different factors such as region, culture and religion, they are also very different in the inheritance and development of decorative techniques. Carving is a common decorative technique used in Longshan black pottery, and its contents are mainly the patterns of traditional Chinese flowers and rolled grass.The decoration of Nishi black pottery has a strong minority characteristics, the main decoration techniques are scratching, kneading, Mosaic and so on. The author visited the origin of the two kinds of black pottery and the museum on the spot, and consulted and sorted out the relevant literature. This paper mainly makes a comparative study on the decoration techniques of Longshan black pottery and Nisi Black pottery. Longshan Black pottery and Nisi Black pottery are two important branches of Chinese black pottery. These two kinds of black pottery have the same decorative techniques, such as polishing techniques, scratching techniques, stacking techniques and so on. There are also differences in the common techniques of the two kinds of black pottery. The surface of Longshan black pottery works is smooth and glossy, and the lines of carving patterns are smooth and exquisite. The surface of the works of Nishi black pottery is shiny and has an obvious sense of undulation, and the pattern lines are rough. These two kinds of black pottery also have their own unique decorative techniques, such as Longshan black pottery carving techniques and fusion techniques, Nisi black pottery Mosaic techniques. By comparing and studying the decorative techniques of the two, it is concluded that the overall artistic style of Longshan black pottery is exquisite and elegant, while that of Nisi Black pottery is primitive, rough and simple. The decorative techniques of the two kinds of black pottery reflect their unique national characteristics. This paper makes an integrated analysis of the decorative techniques of black pottery, hoping to provide better reference materials for writers who are interested in black pottery, and also hope to help the inheritance and development of black pottery decorative techniques.

종교문화는 특정 역사적 발전의 산물이며 모든 시기에 어느 정도 영향을 미쳤다. 도교 문양은 송나라와 원나라에서 처음 등장하여 청나라 초기까지 이어졌기 때문에 도자기 장식문양의 역사에서 대체할수 없는 위지를 차지했다. 본 연구는 도교 사상이 가정(嘉靖) 시기와 만력(萬曆) 시기인 두 시기의 청화백자 조형 발전에 주요한 영향을 미쳤으며, 두 시기의 장식문양이 그 어느 때 보다 상징주의에 중점을두었다는 것을 확인했다. 두 시기 모두 황제의 미학과 취향에 의해 형성되었지만, 차이점은 가정(嘉靖) 의 장식 문양은 불로장생에 대한 집착을 표현한 것이고, 만력(萬曆)은 강산영고와 장수 등에 대한 열망을 장식문양으로 표현한 것이다. 또한, 구성 측면에서도 둘 사이에는 분명한 차이가 있다. 만력(萬曆) 시기에는 가정(嘉靖)보다 문양이 더 간결하고 심플하면서도 복잡한 반면, 가정(嘉靖) 시기에는 아무리다양해도 구성이 더 겹겹이 쌓여 있으면 대부분 문양은 도자기에 꽉 차고 반복적이다. 조형 측면에서, 두 황제 모두 도교에 집착했고 호로병 같은 유형에 대한 인기가 높았다. 그러나 당시의 사회 정치적맥락으로 인해 만력(萬曆) 시기에는 양식이 더욱 풍부하고 다양했으며 외국적 요소가 가미된 일부 도자기가 등장하게 되었다.

Religious culture is a product of specific periods in historical development and had a certain degree of influence on various dynasties. Taoist patterns, as ceramic decorative patterns, first appeared during the Song and Yuan dynasties and continued until the early Qing dynasty. Through the study, it is confirmed that Taoist ideology is one of the main factors influencing the development of the forms of white and blue porcelain during these two periods. Additionally, the decorative patterns of these two periods emphasize the symbolism more than any previous period. Although both periods were influenced by the aesthetic preferences of emperors, the Jiajing period expressed Emperor Jiajing’s obsession and fervor for seeking immortality and enlightenment, while the Wanli period expressed the emperor’s desire for a prosperous and long-lasting reign through the patterns. Furthermore, there are more compact and vary in complexity, while the Jiajing period’s compositions are more layered and most patterns are full and repetitive. In terms of form, due to the emperors fascination with Taoism, both periods featured popular gourd-shaped vessels, but the Wanli period, influenced by the social and political background of the time, had more diverse and even incorporated foreign elements into the porcelain.

In 1948, when aesthetic nihilism was prevalent after the defeat in the WWII, young ceramic artists in Kyoto who had received training at the College of Fine Arts formed a group called Shodeisha (走泥社) for avant-garde ceramic art activities aimed at expression rather than usage was formed. Skeptical about the functions and traditional techniques that were considered to be the unique characteristics of ceramics at the time and under the influence of European abstract sculpture and painting in a transitional situation, they gradually moved away from the pursuit of practicality and experimented the possibility of ceramic art as an object ceramic sculpture. In the hierarchy of Western art, crafts, there was no place for crafts whose purpose and value of existence were to be used. Under the influence of Brancusi, Henry Moore, Miro, and Klee, who were representative artists of abstract sculpture and modernist painting that appeared in the early 20th century, and beyond the phase of imitation, being inspired by Isamu Noguchi from the mid-1950s onwards, they began to reveal their identity by incorporating their unique values into material properties and production process. The purpose of this study was to summarize and review the meaning of the works and characteristics of Kawakami Rikizo (川上力三), a modern Japanese ceramic artist who has been a member of Shodeisha since 1964 and is a representative pro-Korean ceramicist who has continued to actively engage in work exchange activities based on Kyoto and modern ceramics exchange activities between Korea and Japan led by him. The US-biased phenomenon in university education since the 1970s has also been the same in the field of modern ceramics, which had been established in the curriculum since the 1980s under the influence of American abstract expressionist ceramics. Because the history of ceramics was short in the United States, it was easy to make new attempts to view function and tradition as both a limit and a means of individual expression. The denial of tradition and usage led to, unlike the situation in the United States, confusion in Korea and Japan. Since a solo exhibition at Myeongdong Gallery in Korea in 1974, Kawakami Rikizo's avant-garde ceramic sculptures were introduced alternately to Korea and Japan, paving the way for exchanges between Korea and Japan in modern ceramics. His creative activities, which have lasted for more than 60 years, are the result of his flexible and unique perspective considering the physical properties of clay as an objectified object and his flexible attitude to actively embrace crossing boundaries. The facts that he, who is active mainly in Kyoto, is in contact with long-standing conventions and traditions centered on function, objectifying the properties and abstract concepts of clay and substantiating them into results with independent entities, that he has continuously deepened his will to become self-reliant as a formative figure in ceramic art, and that he pursues objects as a new perspective on function explain his work and creative process.

청대는 중국 역사적으로 도자기 발전의 절정기였다. 이 시기의 도자기는 청나라의 문화 연구에 중요한 역사적 증거 자료를 제공하고 있다. 수복 문화는 중국의 지속적인 발전을 위한 전통적 문화이며, 도자기에 나타난 수복 문양은 수복 문화 연구의 중요한 표본으로 볼 수 있다. 청나라의 다양한 역사적시기에 오복봉수, 박쥐 문양, 그리고 인물 문양의 세 가지 범주에 관한 비교 연구를 포함하여 수복 문양의 특징을 연구함과 동시에 그 차이의 역사적 원인을 분석하기도 하였다. 초기 수복 문양은 여전히명나라의 특징을 계승하고 문양의 완정성이 강하며 전체 배치가 촘촘한 특징이 있었다. 중기의 경우, 수복 문양은 초기의 문양을 기초로 세부적 묘사 및 공간적 구조 측면에서 혁신을 진행하였다. 그리고후기의 수복 문양은 초기와 중기의 특징을 흡수하지만, 그 혁신과 품질은 이전 시기보다 현저히 떨어진 것으로 나타났다. 이 수복 문양의 차별화를 초래하는 주요 원인은 정치적 안정과 생산성의 발전이었다. 그래서 도자기를 탑재체로 한 수복 문양은 청나라의 정치·사회 생태가 흥기에서 번성, 그리고쇠락으로 치닫는 과정을 잘 반영한다고 할 수 있다.

Chinese ceramics at Qing Dynasty reached the peak of the development of ancient ceramics, which can provide important historical evidence for the study of Qing culture. The happiness and longevity culture is a traditional culture that continues to develop in China, and the study of the happiness and longevity patterns on ceramics is an important sample to study the happiness and longevity culture. This paper makes a comparative study of the lucky and longevity patterns in different historical periods of the Qing Dynasty, through analyzing five bats holding longevity, other bats patterns and human figures patterns. Then the historical reasons for their differences were studied. The early happiness and longevity patterns still inherited the characteristics of the Ming Dynasty. The integrity of the pattern is significant. The layout and coincidence not only had the symmetrical beauty of five bats holding longevity, but also had the messy beauty of matching the figure pattern and bat pattern. On the basis of the early stage, the middle stage of the happiness and longevity patterns were innovated, and its innovation was mainly reflected in the details and spatial structure. The happiness and longevity patterns of the late period learned the characteristics of the early and middle periods, but the innovation and quality of the patterns had obviously declined compared with the previous periods. Political stability and productivity development were the main reasons for the difference in the patterns of happiness and longevity. Therefore, it can be said that the happiness and longevity patterns with ceramics as a payload reflects the process of the Qing Dynasty's political and social ecology from emerging bloom to prosperity til the decline.

Gyeongdeokjin Yeonglong porcelain has a history of more than 500 years in ancient China. Place rice grain-sized pieces regularly on top pottery. When the glaze is filled and fired, the glaze dissolves at a high temperature and flows down, blocking the hole, changing the permeable part into a translucent glassy film. These light green translucent membranes reflect and pass through light. It creates a visual effect of beautiful light and unique shadows on the surface of the object, which is called‘Yeonglongan(玲瓏眼)’or‘Mitong(米 Tong)’. This research investigates three main aspects. First, it explores the origins and historical development of ancient Yeongnong Ceramics. Second, it comprehensively analyzes the production process, decoration techniques, and the composition of Yeongnong glaze to understand the characteristics of each production stage, material selection, and technique application. Third, it examines the cultural value of Yeongnong Ceramics and how contemporary ceramic artists utilize and develop them, using examples of their work. Therefore, the study of the origins, historical evolution, and production techniques of Gyeongdeokjin Yeongnong Ceramics demonstrates the development of modern production processes. This represents a fusion of traditional aesthetics with modern technology, creating a balanced value and beauty between tradition and modernity. Additionally, through the reinterpretation of artists, using shadows, light, and the transformation of inlaid forms, the study explores new possibilities, showing that these ceramics transcend their traditional artistic status to maintain their value and meaning in modern society and culture. This contributes to the sustainable development of cultural heritage, the fusion of technology and culture, and the creation of new values and aesthetics, paving the way for unique expressions between tradition and modernity and enhancing the development and value of contemporary ceramic techniques.

예술계, 공예계, 산업 디자인계에서는 서양에서 동양으로 또는 동양에서 서양으로 아이디어가 전이되면서 국제화가 이루어진다. 예술가, 디자이너들의 이력과 예술 단체의 기풍(ethos)을 파악하는 것은이들의 정체성을 한층 더 명확하게 정의하는 중요한 방법이다. 본 논문에서는 테오도르 보글러의 작품과 생애를 바우하우스 도자공방의 역사와 연관 지어 살펴보고 설명한다. 또한 2차 대전 발발 전 현대디자인 이론 창시와 바우하우스 내에 도자공방 설립은 물론 디자인사에 족적을 남긴 보글러의 독일 바이마르 바우하우스에 대한 사상과 철학에 대해서도 살펴보고 설명한다. 바우하우스 도자, 즉 바이마르의 도예는 독일 바이마르 공화국 시대의 창의와 혁신 정신의 표본으로써 도예와 디자인사에서 비중 있게 다루어지고 있다. 모더니즘 미학과 기능적 디자인이 건축, 디자인, 미술, 교육 등 다양한 분야에 미친 영향에 관심 있는 현대 도예가와 디자이너에게 바우하우스 도자는 영감의 원천이다. 사물은 아름다워야 하고 디자인도 훌륭해야 하지만 가격이 합리적이어야 한다는 바우하우스의 철학은 ‘혁신적, 심미적, 자유 사고, 혼돈, 정직, 변혁적, 화이트 컬러, 급진적 디자인, 빠름, 독일식 모던’으로 대표할 수있다. 이러한 평가는 바우하우스를 둘러싸고 오랫동안 회자 되어왔다. 바우하우스는 20세기 초 독일에서 등장한 혁신적 예술 학교이자 디자인 운동이었다. 테오도르 보글러(1897-1968)는 20세기 초중반 도예와 디자인계에서 상당히 영향력 있는 인물이었다. 본 논문에서는 보글러의 삶과 작품, 도예에 미친 그의 지속적 영향에 대해 개괄한다. 도예에 있어서 보글러가 기여한 가장 주목할 만한 공로 중 하나는도예가의 역할을 재정립했다는 점이다. 그는 도예를 산업 디자인의 한 형태로 보았고, 도예가 심미적즐거움과 실용성을 모두 갖출 수 있다고 믿었다. 서양과 동양의 문화전파, 교류에 관한 연구를 넘어서그의 조형과 기능에 대한 혁신적 접근 방식은 아름다움과 기능을 추구하는 동시에 합리적인 가격의 도자기를 만들어 냄으로써 도자기에 대한 접근성을 높였고 도자기의 저변을 확대하기 위한 모델을 제시했다는데 그 의미가 있다.

In the world of arts, crafts, and industry designers. There is a transfer of ideas from the West to the East. or east to west causing internationalization Understanding the history of art designers and the ethos of art institutions is an important way to more clearly articulate identities. This thesis will study and explain the works and autobiography of Theodor Bogler in relation to the history of the Bauhaus’s pottery workshop, and the artist's ideas and the philosophy of the Bauhaus in Weimar Germany and who is involved in the history of design, as well as the foundations of ceramics in the Bauhaus Institute and the creation of the theory of modern design before the outbreak of World War II. Overall, Bauhaus pottery, the Ceramic of Weimar represents an important chapter in the history of ceramic art and design, showcasing the creative and innovative spirit of the Weimar Republic era in Germany. It remains a source of inspiration for contemporary ceramic artists and designers interested in modernist aesthetics and functional design impact on various fields, including architecture, design, art, and education.The Bauhaus philosophy that objects should be beautiful, well designed but affordable. “Innovative, Holistic, Aesthetic, Free-thinking, Chaotic, Honest, Revolutionary, White color, Radical design, Fast and German modern” it is Bauhaus. This is what many people have said about the Bauhaus. The Bauhaus was a revolutionary art school and design movement that emerged in Germany during the early 20th century. Theodor Bogler (1897-1968) was a seminal figure in the world of ceramic art and design during the early to mid-20th century. This abstract offers an overview of his life, work, and enduring impact on the field of ceramics. One of Bogler's most notable contributions to ceramic art was his role in redefining the role of the potter. He saw pottery as a form of industrial design and believed that ceramics could be both aesthetically pleasing and utilitarian. His innovative approach to form and function led to the creation of ceramics that were not only beautiful but also functional and affordable, making them accessible to a wider audience. Studying the cultural transfer from the West and the East will make design more international.

당삼채는 중국 당대(唐代)에 유행했던 납이 함유된 저온 유약도자기이다. 유약색은 노란색, 녹색, 흰색, 갈색, 남색, 검은색 등으로 발색이 되는데 그중 노란색, 녹색, 흰색이 많이 사용되었다. 이것을 ‘당삼채’라고 부르게 되었다. 당대 도자기 문화의 대표로써 조형이 풍부하고, 생동감이 넘치고, 색채가 화려하며, 당대 생활양상과 시대성을 반영하는 특징을 갖고 있다. 당삼채마용의 수량이 비교적 적은 편이고 다른 조형물에 비해 희소성이 있으며 연구의 가치가 높다. 중국, 한국, 일본 등의 국가에서당삼채에 대한 연구는 전반적인 제작 기술 중심이고 말용의 장식에 대한 체계적인 연구는 부족한 편이다. 본 논문은 장식적인 각도에서 당삼채 말용에 대해 논하였다. 제1장 서론은 말용의 연구 배경과 목적 범위와 방법을 소개하였다. 조사를 통해 얻은 자료를 바탕으로 체계적인 분석과 연구를 진행했다. 제2장에서는 당삼채 역사 배경 및 국내외 연구 현황을 소개하였다. 당삼채만의 풍부한 문화적 가치와심미에 대해 서술하였다. 당삼채는 이미 1,300년의 역사를 지니고 있으며 귀중한 역사적 자산으로써천년의 세월이 흐른 후에도 생명력을 유지하고 있다. 제3장에서는 마용의 전체적인 조형 장식, 조형은생동감이 있어서 생활 정취가 가득 차고 장식 예술 수법이 특색이 있었다. 마용의 부분적인 조각 장식, 삼채 마를 외형적으로 생생하게 조각하면서 예술적인 과장된 기법을 적절히 사용하여 말의 내적 정신도 남김없이 잘 드러냈다. 마용의 색채 장식, 색상은 화려하고 풍부하며 보조 색조로 메인 색조를 돋보이게 했다. 마용의 무늬 장식 네 가지 방면으로 당삼채 마용에 대해 분석하였다. 장인들은 삼채마를외형적으로 매우 생생하게 만들면서 예술적으로 상상력을 발휘해 과장된 수법을 적절히 구사하여 말의 내적 정신까지 유감없이 구현했다. 시유(施釉)의 방법은 다양하고 색채 미학이 돋보인다. 장식은 꽃과식물, 동물, 기학 무늬를 위주로 하고 신화와 종교 특색으로 보완했다. 마용은 형태, 색상, 기운의 아름다움을 독특한 예술 특성으로 형성하였다. 결론 부분은 당삼채 마용의 장식적 특징에 대해 분석하고비교했다. 당삼채 마용은 비율이 조화롭고 조형이 아름다우며 체형이 커서 말의 역동적인 미감과 도공(陶工)의 뛰어난 예술적 수준이 높고 완벽한 조화를 충분히 보여주었다. 이것은 당삼채 마용의 장식 예술이 현대 도자기 미감과 도자기 예술 창작에 중요한 연구 가치를 가지고 있음을 확인할 수 있을 것이다.

Tang Sancai is a type of lead containing low-temperature glazed porcelain popular in the Tang Dynasty of China. Glaze colors include yellow, green, white, brown, blue, black, etc. Among them, yellow, green, and white are more commonly used. This is known as the "Tang Sancai". As a representative of contemporary ceramic culture, it has the characteristics of rich and vivid shapes, brilliant colors, reflecting the face of contemporary life and modernity. The number of Tang Sancai horse dragons is relatively small, and compared to other shaped objects, they are scarce and have high research value. The research on Tang Sancai in countries such as China, South Korea, and Japan is centered around the overall production technology, and there is still a relatively lack of systematic research on dragon decoration.This paper discusses the final use of Tang Sancai from the perspective of decoration. The first chapter introduces the research background, purpose, scope, and methods of Ma Long. Based on the survey data, a systematic analysis and research were conducted. The second chapter introduces the historical background and research status of Tang Sancai at home and abroad. It narrates the unique rich cultural value and aesthetics of Tang Sancai. Tang Sancai has a history of 1300 years, and as a precious historical asset, it still maintains its vitality after thousands of years have passed. Chapter 3: The overall design and decoration of Marlon is vivid and full of life charm, with unique decorative art techniques. Part of the fragment decoration of the magic dragon, While vividly carving the three colored horse in appearance, appropriate artistic exaggeration techniques were used to fully showcase the horse's inner spirit. The color decoration of Malone features gorgeous and rich colors, complemented by tonal accents that highlight the main tone. An analysis was conducted on Tang's three colored horse dragons from four aspects of horse dragon decoration. Craftsmen not only bring the appearance of the tricolor horse to life, but also use their imagination in art and exaggeration appropriately, fully reflecting the inner spirit of the horse. Shi Yu's methods are diverse and his color aesthetics stand out. The decoration mainly features flowers, plants, animals, and artistic patterns, supplemented by mythological and religious features. Malone has formed a unique artistic characteristic by combining the beauty of form, color, and atmosphere. The conclusion section analyzes and compares the decorative characteristics of Tang Sancai Magic Dragon. The Tang three colored horse dragon has a harmonious proportion, beautiful shape, and huge body shape, fully showcasing the dynamic beauty of the horse and the superb artistic level of the potter, with perfect coordination. This can confirm that the decorative art of Tang Sancai Malong has important research value for modern ceramic aesthetics and ceramic art creation.

도예는 지난 수 세기 동안 인간 생활과 밀접한 관계를 맺고 인류의 역사와 함께 시작되었다. 도예는다른 분야와의 교류뿐 아니라 변화하는 시대 상황에서 과거의 표현 방법에서 벗어나 새로운 방향을 모색하게 되었다. 또한 흙에 대한 고정관념도 바뀌면서 현대도예는 좀 더 다양한 표현의 자유로움을 보여주고 있다. 이러한 변화로 인해 도예가들은 재료에 대한 고민과 더불어 다양한 기법을 활용하여 여러 가지 새로운 표현양식들을 자유롭게 구현하고 있다. 본 연구는 스테인드글라스를 적용한 도자장식기법 개발 연구로서 이론적 배경을 정립하고 두 기법의 유사점을 바탕으로 기법 간의 접목을 통해 도자 장식표현의 영역을 확대하는 것을 목적으로 한다. 기존의 참고문헌과 자료를 통해 스테인드글라스의 역사 및 기법과 도자장식의 개념 및 구분, 투각기법에 대해 살펴보고 두 기법을 접목하게 된 이유를 발상 연구를 통해 설명하고자 한다. 이를 바탕으로스테인드글라스기법의 하나인 동테이프기법(Copper Foiling)과 전통 도자장식 기법인 투각기법(Openwork)을 접목한 것을 본 논문에서는 C&O기법이라고 명명하고자 한다. 이를 통해 개발 및 제작과정을 분석하여 도구와 재료에 대한 자료를 구축하고, 동시에 본 연구자가 습득한 기술이 사용된 작품 분석을 통해 결과를 제시함으로써 도자장식표현의 한 가지 기법으로 정립하고자 한다. 본 연구를 통해 다음과 같은 결론을 도출해 내었다. 첫째, 스테인드글라스 동테이프기법과 도자의 투각기법이 각각 창(窓)을 형성하기 위한 기법이라는유사점을 확인하였다. 둘째, 스테인드글라스의 동테이프기법을 도자의 투각부위에 적용 가능하다는 것을 확인하였다. 셋째, 투각부위에 스테인드글라스를 접목하면 실제 창(窓)을 형상화하고 빛의 투과를 통해 도자에서는 표현할 수 없었던 색채의 효과를 볼 수 있었다. 넷째, 연구자의 작업에 활용된 C&O기법을 토대로 다양한 형태에 적용 가능하다는 것을 확인하였다. 이를 바탕으로 연구자의 작업 방향과 도자장식을 위한 한 가지 표현기법으로 정립하고자 한다.

Ceramic has been closely related to human life over the past centuries and began with the history of mankind. In addition to exchanges with other fields, pottery has sought a new direction away from the past expression methods in the rapidly changing times. In addition, as stereotypes about soil have changed, modern ceramics show more diverse and unique freedom of expression. Due to these changes, potters are freely implementing various new expressions using various techniques along with concerns about materials. This study aims to establish a theoretical background and expand the area of ceramic decorative expression through grafting between the techniques based on the similarities of the two techniques as a study on the development of ceramic decorative techniques applying stained glass. Through existing references and materials, we would like to examine the history and techniques of stained glass, the concept and distinction of ceramic decoration, and the transposition technique, and explain the reason for combining the two techniques through idea research. Based on this, the combination of Copper Foiling, one of the stained glass techniques, and Openwork, a traditional ceramic decoration technique, is called the C&O technique in this paper. Through this, we intend to analyze the development and production process to establish data on tools and materials, and at the same time to present results through work analysis using the technology acquired by this researcher as a technique for ceramic decoration expression. Through this study, the following conclusions were drawn. First, the similarities between the stained glass copper tape technique and the ceramic openwork technique were identified as techniques for forming a window respectively. Second, it was confirmed that the copper tape technique of stained glass was applicable to the permeable part of the ceramic. Third, when stained glasses were applied to the penetration area, the actual window could be shaped and the effect of color that could not be expressed in ceramics could be seen through light transmission. Fourth, it was confirmed that it can be applied to various forms based on the C&O technique used in the researcher's work. Based on this, it is intended to be established as an expression technique for the researcher's work direction and ceramic decoration.

현대 정보화 사회는 글로벌 세상을 만들었고, 개인 간의 정보교류는 세상을 다변화시켰다. 최근현대 도예에서도 재료와 물성을 이용한 다양한 도예작품이 만들어지고 있는 것 또한 같은 맥락일 것이다. 이에 따라 본 연구에서도 흙의 물성을 이용한 균열 효과를 장식표현으로 연구하는데 있다. 균열효과는 태토가 건조되면서 생기는 자연적인 현상이다. 이러한 태토의 본성인 갈라지는 현상을 도자장식으로 자유롭게 표현하고, 제어할 수 있는 기법연구가 목적이다. 본 연구에서는 점토의 갈라지는 현상을 인위적으로 조절할 수 있는 방법을 연구하기 위해 규산소다, 카오린, 와목, 기타재료를 균열재로선택하여 실험하였다. 연구에서 균열의 차이를 분석하였으며, 균열 기법이 현대 도예에서 적용된 것을연구 대상으로 삼아 균열 원리를 미술이론에 적용시켜 심미적 함의에 접근시켰다. 그 균열문의 아름다움을 미술적 이론 미메시스와 프렉탈에 적용하였다.

As social development has demanded a new flow of art, art has been developed by merging with genres and combining with materials. Ceramics also became interested in physical properties in traditional decorations, and the softness and cracking phenomenon, the nature of clay, are expressed as decorations. In particular, this pattern is called cracking technique in ceramic art, and the purpose of this study is to artificially control the cracking phenomenon of clay and to aesthetically identify its beauty. In this study, materials that can cause cracking in spinning wheel molding were found, differences in cracking were identified, and aesthetic implications were inferred by applying the cracking principle to aesthetics, taking the cracking technique applied to modern ceramics as the subject of research.