Earticle

고도로 발달한 현대산업사회는 집단의 평준화된 시스템을 통해 구성원들을 통제한다. 사회적 환경의 변화는 인간의 고유한 본성을 자극해 내면의 혼란을 초래하고 결국에는 심리적 병증을 유발하는 사회병리현상의 원인으로 나타난다. 따라서 자본주의로 인한 계층 간의 갈등과 집단의식으로 점철된 현대인들의 내면의 문제를 살펴봄으 로써 심리적 반응으로 나타나는 신체적 변화를 조형화시켜 도자 형상으로 표현하는데 의미를 둔다. 본 연구는 인간소외를 주제로 한 두 작가의 사례를 중심으로 주변 환경의 영향으로 촉발된 내면의 심 리를 통해 나타난 작가의 표현 방식을 비교 분석함으로써 연구자의 접근방식에 대해 알아본다. 에드워드 호퍼(Edward Hopper, 1882-1967)는 현대문명에서 소외된 고독하고 텅 빈 건물과 마주한 현 대인들의 초상을 그려냈고, 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti, 1901-1966)의 사례에서는 전쟁과 공포 로 인한 인간 내면의 모습을 현실에서 공간으로 확장시킨 형상에 대해 분석한다. 특히, 연구자 작품의 특징을 데포르메(Deformer)기법으로 왜곡된 형상으로 설명하고 연구 작품 <귀 로>, <몸살>, <일탈>등의 순으로 작품의 형성 배경을 설명한다. 개인적인 내면의 갈등으로 인한 심리적 묘사는 작가로 하여금 공허함과 왜곡된 형상의 표현을 통해 이미지 재창출의 단초를 제공했음을 작가 사례에서 알 수 있었다.

A highly developed modern industrial society controls members through the standardized system. The change in social environment is caused by a social pathological phenomenon that stimulates the inherent nature of human beings and eventually causes psychological diseases. Therefore, by examining the inner problems of the modern people, who have been driven by capitalism and collective consciousness, they can formulate physical changes that appear as psychological anti-conformity. The study focuses on how the authors approach the authorʹs expression by comparing the expression of the authors expression to the effect of the environment. Edward Hopper (1882-1967) painted the superficial portrait of modern people confronted with a lonely and empty building in modern, Alberto Giacometti (1901-1966) in the case of the example of the human inner image of the war and fear extends from reality to space. In particular, it describes the characteristics of study as distorted in deformerʹs technique, and background of the formation of the work is described in the order of <The way of life>, <Anguish>, <Deviation> of the study work. It can be seen from the artistʹs case that the psychological portrayal resulting from the personal inner conflict provided the clue to the re-creation of the image through the expression of emptiness and distorted images.

21세기에 들어오면서 세계화의 물결이 세계 전반으로 확산되었고 ‘당대 도예’라는 명사가 기존의 ‘도자기’라는 명칭을 대체하는 결과를 가져오게 되었다. 당대 도예가 당대 예술의 한 갈래로 요약된 다면 당대 예술을 구축하는 구성과 본질을 이해하는 것이 특히 중요해 보인다. 당대 예술은 1960년 이후 발전하여 인문을 강조하고 사회에 일정한 영향을 미치는 작품을 가리킨다. 본문에서는 구조주의 방법을 통해 위에서 서술한 전제를 융합하고 세계화와 당대 도예가 어떤 연관성을 가지는지에 대한 네 가지 구 조를 구축하였으며, 이 네 가지 구조를 응용해 전제 조건에 적합한 당대 도예 작품에 적용하여 분석함 으로써 상술한 구조의 적용가능성을 검증하고 최종적으로 이에 상응하는 실천적인 결론을 도출하고자 한다.

In the 21st century, globalization has already surged every corner of the world. As a result, the word "Contemporary Ceramics" has taken the position of "Ceramics" when describing clay objects. If Contemporary Ceramic can be categorized as one branch of Contemporary art, then it is extremely important to understand the essence of Contemporary Art. Contemporary art refers to works developed after 1960 that emphasize humanities and have a certain impact on society. This paper uses the Structuralism method approach to integrate the above-mentioned prerequisites and constructs four structures to make how globalization relates to Contemporary Ceramics, then applies those four structures to Contemporary Ceramic works which satisfied above prerequisites. Through further analysis, it is confirmed that structures as such are applicable to Contemporary Ceramics. And finally draws corresponding practical conclusions.

공예분야는 소재에 대한 이해가 중요한 부분이며, 같은 재료라 할지라도 제작자의 성형방법에 따라 다 르게 표현된다. 이러한 방법은 작가의 특성이 되며, 창의적인 생각과 의도로 해석되기에 중요한 부분이다. 기존에 도자분야에서 사용한 물레성형의 대칭적 형태나 캐스팅기법의 예상 가능한 형태보다는 색다른 성형방법에 대한 형태적 호기심이 연구의 배경이 되었다. 특징적인 요소로서 재료의 물성과 함께 우연 적인 손의 움직임에 따라 형태가 완성되는데, 이 과정에서 손의 동작, 강도, 위치를 통해 형태변화를 다 양하게 시도하는 것이 연구의 중심이 된다. 신축성 있는 풍선에 경화성이 특징인 석고를 주입하여 순간적인 손의 움직임으로 형태를 제작하고자 하였다. 이 과정에서 재료의 물성을 연구자가 어떻게 해석하여 다루었는지, 풍선을 활용한 작업의 특징 적 형태가 무엇인지 고찰하는 것이 연구의 목적이다. 이와 함께 풍선에서 변형된 형태를 몰드로 제작하 고 그 몰드로부터 생산된 여러 형태들을 어떤 방식으로 결합하여 재구성하였는지 살펴보고자 한다. 최근에는 도예분야 뿐만 아니라 패션, 가구, 제품 디자인 등에서도 팽창감 있는 풍선 형태들이 많이 활용되고 있다. 분야마다 조금의 차이점은 있지만, 그들이 어떻게 풍선의 특징적 형태를 다루어 활용하 였는지 연구자와의 차이점이 무엇인지 사례를 통하여 고찰해 보고자 한다. 풍선을 활용한 형태제작은 좀 더 확장된 제작방법에 대한 접근이며 다각적인 표현 가능성에 대한 제시이다. 본 연구를 통하여, 도 자 조형분야에 좀 더 유연성 있고 창의적인 표현방식을 모색할 수 있는 계기가 되기를 바란다.

Craft is a crucial part of understanding material that even the same material can be expressed differently depending on the manufacturer’s method of forming. These methods become characteristics of the artist and are important elements to be interpreted as creative thinking and intent. The research stems from the curiosity of forms and its different forming methods alternative to the symmetrical form using wheel throwing or predictable form of plaster throwing that have previously been used in ceramics. Various forms are completed according to the spontaneous movement of the hand along with the material's unique properties. During this process, the research focuses on experimenting the hand movements, strength, and location to see how the factors influence the transformation of the form. The approach is by injecting gypsum, which is known for its hardening quality, into flexible balloons to create shape with the movement of the hands in a moment's action. The purpose of the study is to examine how the researchers interpreted and dealt with the material properties and what are the characteristic forms of the work using balloons. In addition, it is intended to examine how the modified form of the balloon was molded and the various forms produced from the mold were combined and assembled. Recently, many inflatable balloon shapes have been used in fashion, furniture, and product design as well as in ceramics. Although there are some differences in each field, I would like to explore how different designers utilize the distinct forms of balloons and compare their uses with those of researchers. Form production using balloons is an approach to a more expanded method of production and a suggestion of multiple possibilities of expression. Through this research, more flexible and creative ways of expression in the field of formative ceramics will hopefully be explored.

본 연구는 재가열 소성에 의한, 금속성 광택 유약의 발색에 관한 연구이다. 유약의 조성은 고정하고 소성 후 재가열 온도와 소성시간에 따라서 발색의 변화를 연구하였다. 기본 유약에 질산은(LG1), 질산은 과 탄산동(LG2), 질산은과 코발트(LG3), 탄산동(LG4)을 함유한 유약을 1050℃까지 산화소성 후, 500℃부 터 50℃간격으로 950℃까지 각 온도별로 1시간, 2시간, 3시간 3회 재가열 환원 소성하여 120개의 시편을 COLOR METER TES-135A를 이용하여 색을 측정하고 발색을 분석 하였다. 질산은(LG1)는 650-700℃ 1시간 환원소성에서 황금색에 가까운 발색을 보였다. 그리고 750℃에서 80 0℃에서는 진주색과 보라색이 혼합된 발색을 보였고 850℃-900℃에서는 연한 갈색에서 짙은 갈색 및 밤 색을 띠었다. 소성시간이 증가하거나 재가열 소성온도가 높아짐에 따라 채도와 명도가 낮아졌으며, 진주 색에 무지개 빛 광택이 나타났다. 질산은과 탄산동(LG2)는 500℃부터 녹색을 띠기 시작하였으며, 550℃에서는 투명한 황금빛유질에 어두 운 녹색을 띠었다. 600-650℃에서 황금빛 유질과 녹색이 가장 양호하게 발색되었으나, 재가열이 2-3시간 지남에 따라 불투명한 pearl 색상으로 변하였고, 700-750℃에서 푸른색의 유탁 한 유조에 표면에 무지개 빛이 나타났으며, 800-850℃는 어두고 탁한 유조에 표면에 핑크색을 띠었다. 900-950℃에서는 명도와 채도가 떨어져, 탁하고 어두운 pearl 색상을 띠었다. 질산은과 코발트(LG3)는 산화코발트1%와 질산은2%가 함유된 유약으로 500-550℃에서는 어두운 코발 트 발색을 하였고, 650℃에서 코발트와 질산은의 황금색이 가장 양호한 발색을 보였으나, 재가열시간이 2시간이 지남에 따라 유조가 불투명한 pearl 발색으로 변하였고, 750-850℃에서 불투명한 pearl 발색에 의하여 코발트의 발색이 나타나지 못하였다. 탄산동(LG4)은 유약 조성에 질산은이 배합되어 있지 않고 탄산동이 2%로 함유된 유약으로, 탄산동 (CUCO3)의 발색은 500℃, 2시간, 3시간 재가열한 시편에서 부분적으로 녹색이 감지되었다. 550℃에서 1 시간 재가열한 시편은 올리브 그린의 발색을 띠기 시작하였으며, 2시간과 3시간 재가열한 시편에서는 녹색 바탕에 금속동과 같은 붉은 색상을 띠었다. 750-800℃에서 금속동의 발색이 가장 양호하게 나타났 다. 850-950℃에서는 명도가 매우 어두운 회색 바탕에 붉은 갈색 불투명한 녹색을 띠었다. 이상과 같은 실험으로 산화소성 후 냉각과정에서의 온도별 환원 재가열 소성만으로도 다양한 발색이 가능함을 알 수 있었다.

This study is a study on the color development of metallic luster glaze by reheat firing. The composition of the glaze was fixed and the change in color development was studied according to the reheating temperature and firing time after firing. Glazes containing silver nitrate (LG1), silver nitrate and copper carbonate (LG2), silver nitrate and cobalt (LG3), and copper carbonate (LG4) in the basic glaze are oxidized and calcined to 1050℃, then from 500℃ to 50℃ at intervals of 950℃ By reheating and firing three times in total for 1 hour, 2 hours, and 3 hours for each temperature, 120 specimens were measured for color using the Color Meter Tes 135A, and color development was analyzed. LG1 showed a golden color development at 650-700℃ for 1 hour in reduced firing. And at 750℃ to 800℃, pearl and purple colors were mixed, and at 850℃ to 900℃, it was light brown to dark brown and brown. As the firing time increased or the reheating firing temperature increased, a pearlescent luster appeared. LG2 started to appear green at 500℃, and at 550℃, it was dark green with a transparent golden color. Golden oil and green color developed best at 600-650℃, but changed to an opaque pearl color after 2-3 hours of reheating, and rainbow light on the surface of a fuzzy colored oily tank at 700-750℃ It appeared, and 800-850℃ showed a pink color on the surface in a dark turbid tank. At 900-950℃, the brightness and color saturation fell, giving it a cloudy, dark pearl color. LG3 is a glaze containing 1% of cobalt oxide and 2% of silver nitrate. It has a dark cobalt color at 500-550℃, and the golden color of cobalt and silver nitrate at 650℃ showed the best color, but the reheating time was over 2 hours. Accordingly, the tank turned into an opaque pearl color, and the color of the cobalt was not observed due to the opaque pearl color at 750-850℃. LG4 is a glaze that contains 2% of copper carbonate without silver nitrate in the glaze composition, and the color of CUCO3 was partially detected in green specimens reheated for 2 or 3 hours at 500℃. Specimens reheated for 1 hour at 550℃ began to show the color of olive green, and specimens reheated for 2 hours and 3 hours began to show red color of metallic copper on a green background. The color development of metallic copper was the best at 750-800℃. At 850-950℃, the brightness was very dark gray with a reddish-brown opaque green color. Through the above experiments, it was found that various colorings are possible only by reducing reheating firing by temperature in the cooling process after oxidation firing.

본 연구는 17-18세기 로코코시대의 시대적 배경과 양식을 이해하고 현대 도자 작품에서 나타나는 문 양과 장식성을 고찰하는데 목적이 있다. 17-18세기 권력이나 지위를 과시하던 남성중심의 엄중하고 장 중한 장식요소가 아닌 살롱문화가 등장한 로코코시대에는 화려하고, 낭만적이며, 안락한 분위기를 추구 하여 여성성이 부각된 예술이 발달하였다. 본 연구에서는 현대 도자 작품 중 로코코시대 문양을 재해석 하여 표현된 작품을 연구하였다. 사례 작가로는 한정은, 카츠요 아오키, 제프 쿤스, 토비 지글러의 작품 으로 로코코를 모티브로 재해석한 작품들을 조사하여 분석하였다. 이를 배경으로 본 연구는 로코코시대 문양이 현대 도자 작품에서 다양하게 재해석되어 작품에 활용됨을 알 수 있었다. 이에 본 연구는 로코 코시대 다양한 문양을 통해서 현대 도예의 장식성과 조화성을 넓히는 가능성이 있다는 점에서 의미가 있다.

The purpose of this study is to understand the background and style of the 17th-18th century Rococo period and to examine the patterns and decorative features that appear in modern ceramic works. From 1715 to 1770-80 in the era of Rococo, where salon culture emerged, rather than male-centered decorative elements that boasted power or status, the art that emphasized femininity was developed by pursuing a colorful, romantic, and comfortable atmosphere. In this study, we studied the works of modern ceramics expressed by reinterpreting the patterns of the Rococo period. Case authors examined and analyzed works reinterpreted by Rococo motifs by works by Han Jung-eun, Katsuyo Aoki, Jeff Koons and Toby Ziegler. The study based on this background showed that the Rococo period patterns were reinterpreted in various ways in modern ceramic works and used in their works. Therefore, this study is meaningful in that it is possible to expand the decorative and harmonious nature of modern pottery through various patterns of the Rococo era.

지금의 한국 현대도예가 형성되기까지 짧은 기간 동안 많은 변화와 성과가 있었다. 우리나라 현대도예의 시작을 1950년대 중반 이후부터 1960년대로 간주할 때, 국전 공예부의 창설과 함 께 대학에서 정식으로 활발하게 이뤄진 도예교육을 본격적인 출발이라 할 수 있다. 1958년에는 미국 CIA의 지원으로 한국공예시범소 1)가 설립되었고 이 시범소는 서울대와 홍익대 학생들의 실습장소로 활 용되며 이전까지 일본의 영향을 받던 우리나라 도자문화가 미국도예의 영향을 받게 되는 결정적인 계기 가 되었다. 이때 홍익대에 재학하던 김석환 선생도 한국공예시범소의 스탠리 피스틱(Stanley Fistic)의 교 육을 받았으며 이처럼 대학교육과 해외유학을 통해 교육을 받은 작가들이 한국 현대도예를 태동하고 형 성해 가는 우리나라 현대도예의 1세대로 자리매김하게 된다. 본 연구에서 다루고 있는 김석환 선생은 현대도예의 1세대로서 평생을 도예교육을 통해 많은 제자를 배출하였고, 왕성한 작품활동과 도예작품으로 많은 업적을 남겼다. 1950년대 후반부터 시작된 선생의 도 예는 도자부문에서는 처음으로 국전에서 입선을 하고 이어서 후학을 교육하는 와중에도 활발한 개인전 을 갖게된다. 선생의 작업은 초기에 추상적이고 현대적인 문양을 전통적인 요소와 응용하여 표현하였고 이후 물레를 이용한 대형화된 작품경향을 보인다. 가장 한국적이고 전통적이며 흙의 물성이 자연스럽게 표현된 옹기에도 관심이 많아 많은 수집은 물론이거니와 작품의 곳곳에 표현되어 있는 것을 볼 수 있다. 옹기를 모티브로 한 거대한 작업은 무유소성과 소금유 등 전통적인 요소와 기법을 승화시켜 현대적 감각으로 디자인된 작품이라 할 수 있다. 이러한 작품들은 선생이 생전에 사비를 들여서 수리산 자락에 마련한 ‘돌석도예박물관’에 소장되어 있다. 박물관 역시 선생의 생애의 작업들이 집약된 귀중한 유작 이라 할 수 있다.

There have been many changes and achievements in the short period of time until the formation of modern Korean ceramic art. Considering the beginning of modern ceramic art in Korea from the mid-1950s to the 1960s, the establishment of the Ministry of Crafts and Crafts in Korea and the formal and active pottery education at the university can be said to be a full-fledged departure. In 1958, the Korean Craft Demonstration Center was established with the support of the US CIA, and this demonstration site was used as a training place for students at Seoul National University and Hongik University. Became. At this time, Seok-Hwan Kim, a student at Hongik University, was Mrs. Seok-Hwan Kim, who is covered in this study, is the first generation of modern ceramic art and has produced a lot of disciples through his pottery education throughout his life, and has made many achievements with his vigorous work activities and ceramic works. The potter's pottery, which began in the late 1950s, was the first in the ceramics division to win a national exhibition, and then, during the education of post-secondary education, he had an active solo exhibition. The teacher's work expresses abstract and modern patterns with traditional elements in the early stages, and then shows the trend of large-scale work using a wheel.also trained by Stanley Fistic of the Korean Craft Demonstration Center. To establish itself as. It is the most Korean, traditional, and interested in Onggi, which naturally expresses the physical properties of the soil. The huge work with the motif of Onggi is a work designed with a modern sense by sublimating traditional elements and techniques such as oil-free and salt oil. These works are stored in the 'Dol Seok Ceramics Museum', which the teacher spent at the expense of his life and prepared at the foot of Surisan. The museum can also be said to be a valuable work in which the works of the teacher's life are concentrated.

강서성(江西) 경덕진(景德鎮, 징더젼), 호남성(湖南) 예릉(醴陵, 리링)과 함께 중국 남방 3대 도자기 도 시 중 하나로 불리는 덕화요(德化窯)는 중국 고대 도자기 산업을 이끌었다. 특히 명대(明代)에는 덕화의 수준 높은 자기 제작기술, 지리적 위치, 문화, 공예 등의 요인들을 바탕으로 독특한 특색을 지닌 덕화 자기를 생산할 수 있는 기반을 마련하였다. 중국의 불교예술 연구 및 도자사의 연구에 있어서 빠지지 않고 등장하는 명대 덕화요의 백자 인물조형은 중국 도자기 역사에서 매우 중요한 위치를 차지하고 있 다. 덕화요는 유리한 지리적 위치 및 풍부한 도자기 자원을 바탕으로 크게 번영하였으며, 중국 고대 해상 실크로드의 기점이 되었던 천주항(泉州港)을 중심으로 무역시장이 확대되면서 도자기 수공업의 발전을 이끌고 문화교류와 융합을 촉진시켰다. 또한 인구 이동에 따른 기술의 발전으로 자기제작을 위한 기술 적 기반이 마련되어 덕화백자는 뛰어난 백색도와 우아함을 갖게 되었다. 명대(明代)의 봉건사회를 배경으로 종교 및 신앙과 관련된 다양한 상품들이 출현하였으며, 덕화요 인 물조형 또한 신앙과 문화를 주요 종류로 한다. 불교 및 도교 인물 형상은 다양한 재료로 제작되었고, 특 히 덕화요 자기에 표현된 종교 인물형상은 종교예술과 도자예술이라는 독특한 예술적 매력을 가지게 되 었다. 더불어 해상 실크로드에 따른 해외 무역의 번영으로 덕화요에서 서양의 종교인물 및 서양인들의 형상을 제작함에 따라 덕화요 인물조형의 종류는 매우 다양해졌다. 덕화요 인물조형의 제작을 위해 정교한 제작기법과 수준 높은 소성 기술이 요구된다. 시대의 변화에 따라 오늘날에는 석고틀을 사용하여 제작하고 있으나 전통적인 성형 기법도 여전히 사용하고 있다. 덕화요 인물조형은 지리적 위치, 선진 공예기술, 독특한 도자 원료, 문화적 우수성 외에도 도자기 제 조업에 종사하는 예술가들의 노력을 바탕으로 발전하였다. 허자오종(何朝宗,하조종)은 당시 가장 영향력 있는 예술가로서 덕화요 인물조형의 발전에 크게 기여한 인물이며, 그의 독특한 예술작품 및 예술적 업 적은 후세 사람들에게 귀중한 정신적 자산이 되고 있다.

Dehua kilns played an important role in the whole ancient Chinese ceramic industry. They were once known as the three great porcelain capitals in southern China, together with Jingdezhen in Jiangxi and Lilin in Hunan, especially in the Ming Dynasty Dehua County's porcelain production reached an unprecedented peak, geographical, cultural and technological factors such as Dehua County white porcelain to a new unique historical height. The carrier of this characteristic image is the ceramic character shape. The character shape of the Dehua Kiln in the Ming Dynasty of China has a pivotal position in the history of Chinese ceramics, whether it is the study of Chinese Buddhist art or the study of the development of Chinese ceramics, the character shape of the white porcelain of the Dehua kiln in the Ming Dynasty of China can never be bypassed. The prosperity of the Dehua Kiln is inseparable from its superior geographical position and its abundant and unique ceramic firing resources. As the starting point of the ancient Chinese sea route of Silk Road, Port of Quanzhou, it has provided a vast trade market for the development and prosperity of Dehua Kiln, thus promoting the development of ceramic handicraft industry and the exchange and integration of Cultures, providing technical support for the development of Dehua Kiln through the technological improvement caused by population migration Unique ceramic materials make Dehua County white porcelain as white and beautiful as snow. The selection of the subject matter of the character shape of the Dehua Kiln in the Ming Dynasty showed People's belief and culture under the feudal society background at that time. The prosperity of religious belief was bound to have a large number of related derivatives Buddhist and Taoist characters with the same image of different materials and materials are also emerged Dehua Kiln fully utilizes the unique ceramic material to display the religious figure image theme in the religious art and the ceramic art has the unique artistic charm. The prosperity of overseas trade brought by the sea route of Silk Road made the Western religious figures and street figures of Dehua kiln a new product, adding to the category of Dehua Kiln figures. Dehua kiln character molding techniques, steps clear and rigorous, is conducive to the character molding firing rate and efficiency improvement. Due to the progress of the times, molding material changed into plaster, but traditional molding techniques are still used nowadays. The prosperity of Dehua Kiln's character shape is not only the superior geographical position, advanced porcelain-making technology, unique ceramic material and sufficient culture, but also the artists who are engaged in porcelain industry. As the most influential artist at that time, He Chaozong contributed his own strength to the prosperity of the character shape of Dehua Kiln, d.eveloped Dehua Kiln with his unique artistic achievements, left a large number of valuable ceramic art works as people's valuable spiritual wealth.

19세기 말 급격한 산업화로 인한 물질의 풍요로움에 비해 값싸고 품질이 저하된 대량 생산품의 물결 속에 인간의 삶의 질은 낮아지고 문화는 저급하게 변화되었다. 이러한 흐름에 위기감을 느낀 많은 예술 가들이 새로운 예술 즉 아르누보(Art Nouveau)를 통하여 이러한 위기를 벗어나려고 노력했다. 아르누보 는 회화나 조각 같은 한 분야에 영향을 준 양식이 아니다. 특별한 예술품에 머무르는 것이 아닌 일상의 거의 모든 물품을 포함한 삶 자체를 예술적으로 바꾸려 했던 운동이다. 이에 순수미술 보다 낮은 것으 로 취급되던 공예가 모든 예술의 통합이라는 목표 아래 아르누보에서 큰 지위를 얻으며 총체적 예술로 인정받게 되었다. 가구, 도자기, 유리 같은 일상 공예품들이 예술적 관점에서 제작될 수 있는 길을 열어 주었으며 현대 디자인에 있어 하나의 배경으로 자리 잡게 되었다. 또한 예술과 신기술인 기계의 협력을 인정하고 다양한 재료적 특성을 살리려 노력한 점과 건축 방식, 그리고 모든 예술의 종합이라는 이념은 후대의 바우하우스에 영향을 주게 된다. 아르누보는 동시다발적으로 유럽과 미국에서 유행하였는데 지역마다 부르는 명칭과 다른 특징을 가지 고 있다. 아르누보 시대의 도자공예는 금속 공예나 유리 공예처럼 눈에 띄는 발전을 이루지는 못했지만 기본적으로 자연을 모티브로 유기적이고 자유로운 형태적 특징이 있고, 과학과 기술의 발전으로 소재와 유약 부분에 있어 큰 진전을 이루었다. 프랑스 파리의 아르누보 도자기는 자연을 직접적이기 보다는 유려하며 미묘하게 표현했는데 이는 미 국 아르누보 도자공예 작가들에게 많은 영향을 끼친다. 프랑스 낭시에서는 자연을 매우 사실적으로 표 현한 낭시의 몇몇 작가들이 1차 세계대전 후에 아르누보의 영향에 의한 아르데코 작품을 제작하기도 했다. 네덜란드는 에그쉘 포셀린이라는 소지를 개발하여 아름답고 독창적인 아르누보 도자기를 제작했다. 급변하는 4차 산업혁명을 살아가는 현재는 아르누보가 시작된 19세기 말의 복잡한 사회상을 떠오르게 한다. 이에 예술가들은 다시 한 번 기계와 거대 자본 속에서 예술에 대한 새로운 정의를 내려야 할 것 이다. 즉 정보화 시대 이후를 견인 할 새로운 아르누보(new art)가 기대되는 시점이다.

In the end of the 19th century, the quality of human life was lowered and the culture was changed in a low level in the wave of mass products that were cheaper and poor quality compared to the richness of materials due to rapid industrialization. Many artists who felt crisis in this trend tried to escape this crisis through new art(Art Nouveau). Art Nouveau is not a form that influenced a field such as painting or sculpture. It is a movement to try to change the life itself, including almost everything in everyday life, rather than staying in a special artwork. Therefore, under the goal of integrating all arts, crafts that were regarded as lower than fine art gained great status in Art Nouveau and became recognized as a total art. Daily crafts such as furniture, ceramics, and glass have opened the way for an artistic point of view and have become a background in contemporary design. Also, the idea of recognizing the cooperation of machines, which are art and new technology, and trying to revive various material properties, the architectural style, and the synthesis of all arts influenced Bauhaus. Art Nouveau was popular in Europe and the United States at the same time, but it has different names and distinctive characteristics from region to region. Ceramic crafts of the Art Nouveau era did not make remarkable progress like metal crafts or glass crafts, but basically have organic and free morphological characteristics with nature motifs, and have made great progress in materials and glazes due to the development of science and technology. Art Nouveau ceramic in Paris, France, is more elegant and subtly expressed than direct, which has a great impact on American art Nouveau ceramic artists. The potters of Nancy, France, they expressed nature very realistically and produced art deco ceramic under the influence of Art Nouveau after World War I. The Netherlands developed an egg shell porcelain to create beautiful and original Art Nouveau ceramic. The present, which lives in the rapidly changing fourth industrial revolution, reminds me of the complex social image of the late 19th century when Art Nouveau began. Thus, artists will once again have to define a new definition of art in machines and huge capital. In other words, it is time to expect a new art to lead the post-informatization era.