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현대 예술에서 ‘수행성(Performativity)’은 단순히 완성된 결과물을 넘어, 창작 과정과 그 과정에서드러나는 신체성, 반복성, 시간성을 아우르는 핵심 미학 개념으로 자리 잡았다. 이러한 수행성의 미학은 특히 1970년대 한국 현대미술의 주요 흐름인 단색화(Dansaekhwa)에서 두드러진다. 단색화는 전통적인 재현의 틀을 벗어나 작가의 신체적 리듬과 재료의 물성을 적극적으로 드러냈으며, 관념보다는 행위와 감각, 그리고 시간의 축적을 통해 깊이 있는 표현을 시도했다. 이와 같은 수행적 특성은 ‘현대도예(Contemporary Ceramics)’에서도 명확히 나타나지만, 단색화와비교했을 때 그 미학적 논의는 상대적으로 부족한 실정이다. 전통적으로 도자 예술이 기능성과 공예적완성도를 중심으로 다루어졌다면, 현대에 이르러서는 점토의 특성과 제작 행위의 흔적 자체가 중요한예술적 가치를 지닌다. 점토를 다루는 반복적인 신체 행위는 단순한 기술적 과정이 아닌, 물질과 교감하는 고유한 수행적 실천으로 확장되며, 그 결과물은 창작의 과정과 시간이 응축된 물질적 기록이 된다. 본 연구는 단색화의 수행성 개념을 이론적 기반으로 삼아, 현대 도자 예술에 내재된 수행성을 심층적으로 비교·분석하는 것을 목적으로 한다. 동시대 도예가 3인의 작업을 고찰함으로써 현대 도자 예술이 단순한 형식 탐구를 넘어 신체와 물질이 공명하는 수행적 예술로 확장되고 있음을 밝히고자 한다. 나아가 본 연구는 도자 예술의 수행성에 대한 새로운 비평적 관점을 제시하고, 현대 도자학의 미학적 지평을 확장하는 데 기여할 것이다.

In contemporary art, ‘Performativity’ has become a pivotal aesthetic concept that extends beyond the final product to encompass the creative process itself, along with the inherent physicality, repetitiveness, and temporality involved. This aesthetic of performativity is particularly evident in Dansaekhwa (Korean monochrome painting), a major movement in Korean contemporary art since the 1970s. By breaking away from traditional representational frameworks, Dansaekhwa actively reveals the artist's physical rhythm and the materiality of the medium, pursuing profound expression through action, sensation, and the accumulation of time rather than through mere concepts. While similar performative characteristics are clearly present in contemporary ceramic art, the aesthetic discourse surrounding them has been relatively insufficient compared to that of Dansaekhwa. Traditionally, ceramic art has been discussed primarily in terms of functionality and craftsmanship. However, in the modern era, the inherent qualities of clay and the traces of the creative act itself have acquired significant artistic value. The repetitive physical action of working with clay is not a mere technical process but a unique performative practice that engages with the material, and its outcome serves as a physical record condensing the process and time of creation. This study aims to deeply compare and analyze the performativity inherent in contemporary ceramic art, using the concept of performativity in Dansaekhwa as a theoretical foundation. By examining the works of three contemporary ceramists, this research seeks to demonstrate that modern ceramic art has expanded beyond mere formal exploration to become a performative art in which body and material resonate. Furthermore, this study will contribute to expanding the aesthetic horizons of contemporary ceramics by offering a new critical perspective on the performativity of ceramic art.

인간의 활동이 기후 위기와 생태계 교란을 일으키며 지구 시스템을 근본적으로 재편하고 있는 지금, 우리는 ‘인류세’라는 새로운 지질학적 시대를 살아가고 있다. 본 연구는 이러한 시대적 배경 속에서 동시대 도자 예술이 니콜라 부리오가 제시한 ‘새로운 숭고’의 미학을 어떻게 구현하고 또 확장해 나가는지 탐구하고자 한다. 칸트나 버크가 정립한 전통적 숭고는 거대한 자연 앞에서 인간이 느끼는 공포와 경외감을 통해 역설적으로 인간 정신의 위대함을 확인하는 경험이 었다. 반면, ‘새로운 숭고’ 는 기후 위기나 기술적 복잡계처럼 인간의 활동이 만들어낸 예측 불가능한 현상 속에서 발생하는 미학적 경험을 아우른다. 본 연구는 도자 예술이 공예의 범주를 넘어, 인류세의 복잡한 문제에 대한 깊이 있는 미학적 응답을 제시하는 중요한 문화 실천임을 논증하고자 한다. 이를 위해, 본고는 도자 예술의 고유한 특성이 동시대적 감각과 만나는 지점을 세 가지 핵심 관점에서 심층적으로 분석한다. 첫째, ‘물질성’의 관점에서, 재료의 근원과 지질학적 시간을 탐색하고 흙과 불의 상호작용을 통해 인간과 비인간 행위자의 ‘얽힘’을 드러내는 실천들을 벤테 쇼트가르드의 사례를 중심으로 분석한다. 둘째, ‘예측 불가능성’의 측면에서, 인간이 만든 기술 시스템이 초래한 예상치 못한 상호작용이 동시대적 불안감을 어떻게 구현하는지 멜라 쇼의 작업을 통해 고찰한다. 셋째, ‘관계의 재구성’이라는 주제를 중심으로, 조나단 킵의 작품분석을 통해 기술이 매개하는 새로운 연결이 단순한 생태주의를 넘어 어떻게 탈 인간중심주의적 관점으로 나아가는지를 탐구한다. 이러한 집중적인 사례 연구를 통해, 본 연구는 ‘새로운 숭고’ 담론을 도자 예술 영역으로 확장하고 그 이론적 지평을 넓히는 데 기여하고자 한다.

This study investigates how contemporary ceramic art embodies and expands the aesthetics of the ‘New Sublime’ against the backdrop of the Anthropocene, a geological epoch where human activities, such as the climate crisis and ecological disruption, are fundamentally reshaping global systems. Distinct from the traditional sublime, established by thinkers such as Kant and Burke, which focused on the experience of affirming the greatness of the human spirit through awe and terror before overwhelming natural phenomena, the ‘New Sublime,’ as proposed by Nicolas Bourriaud, addresses the aesthetic experience arising from unpredictable phenomena such as the climate crisis and technological complex systems, all resulting from human activity. This study argues that contemporary ceramic art functions as a crucial cultural practice that offers a profound aesthetic response to the complex issues of our era, moving beyond its role as a mere craft to re-evaluate its contemporary significance and potential. To this end, this paper analyzes how the unique characteristics of ceramic art engage with contemporary sensibilities through three core perspectives. First, from the perspective of ‘materiality,’ it conducts a close analysis of Bente Skøttgaard's work to explore how practices of investigating material origins and the interaction of clay and fire reveal the ‘entanglement’ of human and non-human agencies. Second, in terms of ‘unpredictability,’ it examines through the work of Mella Shaw how the destructive feedback caused by human-made technological systems embodies contemporary anxiety. Third, focusing on the theme of ‘reconfiguration of relationships,’ it investigates through an analysis of Jonathan Keep how new connections mediated by technology differentiate themselves from simple ecologism, moving beyond anthropocentrism. Through these focused case studies, this research aims to contribute to expanding the discourse of the ‘New Sublime’ into the field of ceramic art and broadening its theoretical horizons.

본 연구는 성인기 발달장애인들을 대상으로 도예 활동 수업을 설계하고 시행하며 그들에게 즐겁게 자기표현 및 예술 활동을 하게 하고, 과정작 및 결과물들이 그들의 자조능력 및 작업능력 향상과 어떻게 연계되는지를 탐색하고자 하였다. 연구 방법은 참여관찰법이며 연구 대상은 서울특별시 소재의 한 주간활동서비스센터를 이용하는 성인기 발달장애인 중 비교적 활동 참여도가 높은 4인이다. 연구 참여자의 연령은 29~42세, 성별은 남성과 여성 각각 2인이다. 장애의 정도는 현행법상 모두 ‘장애의 정도가 심한 장애인’이며 이는 기존 법상 1~3급(1급 2인, 3급 2인)에 해당한다. 총 33회기로 구성된 수업 설계 및 실행 시 발달장애인에게 적합하다고 여겨지는 도예기법을 선정하여 적용하였다. 수업 시행 초기부터 후기까지 사진 및 영상 자료를 바탕으로 연구 참여자들의 태도 및 행동 변화, 작업 결과물의 변화를 관찰, 분석하였다. 연구 결과 도예활동 수업이 성인기 발달장애인의 자조능력과 작업능력, 그리고 그것을 가능하게 하는 내적 동기 활성화에 긍정적 영향을 미침을 확인할 수 있었다.

This study designed and implemented ceramics classes for adults with developmental disabilities with the aim of enabling joyful self-expression and arts engagement, and of exploring how the process and resulting works are linked to improvements in self-help competence and occupational competence. The research method was participant observation. Participants were four adults who showed relatively high engagement among users of a day activity service center in Seoul; they were 29?42 years old, with two men and two women. Under current law, all were classified as “people with severe disabilities,” corresponding to the former disability grades 1?3 (two at grade 1 and two at grade 3). In designing and delivering the classes, ceramic techniques considered suitable for adults with developmental disabilities were selected and applied. From the initial to the later stages of instruction, photo and video data were used to observe and analyze changes in participants’ attitudes and behaviors as well as in their work-in-process and finished pieces. The results indicate that the ceramics classes positively affected adults with developmental disabilities by improving self-help competence and occupational competence and by activating the intrinsic motivation that underpins these improvements.

본 연구는 도자공예에서 인공지능과 기계 기술이 적용된 다양한 사례를 정리·분석하였다. 구체적으로, 이미지 생성 기술을 활용한 도자 문양 디자인, 알고리즘 및 3D 프린팅을 통한 조형 혁신, 머신러닝 기반의 유약 조성 최적화 등이 이에 해당한다. 이러한 사례를 분석·정리한 결과, 인공지능 기술의 적용은 초기 도자 디자인 단계에서 다양한 창작 스타일 선택지를 제공할 수 있음이 확인되었다. 또한, 지능형 알고리즘의 활용은 도면 설계의 효율성을 높이고 예술적 표현의 다양성을 확장시켰으며, 기계 기술의 적용은 도자 작품에 특유의 공예적 표현 언어를 부여하여 문양과 조형의 예술성을 한층 강화하였다. 더불어, 디지털 기반의 머신러닝 알고리즘은 도자 작품 소성 후의 색채와 형태를 예측함으로써 창작자에게 보다 편리한 제작 조건을 제공하고, 실패율을 감소시키며, 도자공예의 창작 방법과 미학적 표현에 새로운 가능성을 부여하여 도자공예의 혁신과 발전을 촉진하였다. 아울러, 본 연구는 인공지능이 향후 도자 분야에서 발전할 수 있는 방향을 전망하며, 단순한 보조 도구를 넘어 창작 체계를재구성하는 시스템적 전환 가능성을 제시하였다. 또한, 디지털 문화와 소비 환경 속에서 도자공예가 창출할 수 있는 다양한 응용 장면을 설명하고, 인공지능과 기계 기술의 적용이 작품 스타일의 동질화를 초래할 수 있는 잠재적 위험성을 보다 구체적으로 지적하였다. 나아가 수공 제작과 기계 활용 간의 균형을 모색할 필요성을 제시하였다. 본 연구는 인공지능 기술과 도자공예의 융합이 지닌 발전 잠재력을 밝혀내고, 이러한 융합과 활용이 도자공예의 지속 가능한 발전 가능성을 넓힐 수 있음을 논증하였다.

This study organizes and analyzes a variety of cases in which artificial intelligence (AI) and mechanical technologies have been applied to ceramic art. Specifically, these include ceramic pattern design utilizing image generation technology, morphological innovations achieved through algorithms and 3D printing, and glaze formulation optimization based on machine learning. Through the analysis and compilation of such cases, it was confirmed that the application of AI technologies can offer diverse stylistic options during the initial ceramic design stage. Furthermore, the use of intelligent algorithms has enhanced the efficiency of blueprint design and expanded the diversity of artistic expression, while the application of mechanical technologies has endowed ceramic works with a distinctive craft-oriented expressive language, thereby enhancing the artistic quality of both patterns and forms. In addition, digital machine learning algorithms can predict the color and shape of ceramic works after firing, providing creators with more convenient production conditions, reducing failure rates, and injecting new possibilities into the creative methods and aesthetic expressions of ceramic art, thereby promoting innovation and development in the field. Moreover, this study explores potential future directions for AI in the ceramic sector, proposing its possible evolution from a simple auxiliary tool into a systemic force capable of restructuring the creative framework. It also illustrates the various application scenarios that ceramic art can generate within the context of digital culture and consumer environments, while more concretely identifying the potential risk of stylistic homogenization that may arise from the application of AI and mechanical technologies. Furthermore, it recommends the pursuit of a balance between manual production and the use of machines. This study demonstrates the developmental potential of integrating AI technologies into ceramic art, and argues that such integration and application can expand the possibilities for the sustainable development of ceramic craftsmanship.

급변하는 디지털 전환기와 인공지능 기술의 확산은 문화예술 지식생태계의 구조적 전환을 요구하고 있다. 특히 『문화한국 2035』에서 제시한 “디지털 심화를 넘어 AI 시대”라는 국가적 비전은, 예술·인문학 분야에서의 기술 융합과 창의역량 확장을 핵심 전략으로 강조하고 있으며, 도자분야 역시 이에 부응하는 새로운 학술적 전환이 필요하다. 본 연구는 도자학의 분산된 지식구조를 인공지능 기반의 네트워크로 재편하기 위한 학문적인 프레임을 제시하고자 한다. 이를 위해 메타데이터 중심의 정보 구조화, 지식 그래프를 활용한 추천 알고리즘, 블록체인의 무결성 확보, 사용자 맞춤형 인터페이스 설계 등기술 기반 아키텍처를 제안하였다. 아울러 창작자, 연구자, 공방 기반 등 사례를 통해 실질적인 적용과 정책 연계 가능성을 함께 검토하였다. 본 연구는 AI 인공지능 시대에 부합하는 새로운 도자학술 생태계의 재정립을 목표로 한 이론적·기술적 모델을 제안한다.

The rapid advancement of digital technologies and the growing integration of artificial intelligence are reshaping the knowledge ecosystems across arts and culture. In particular, the national vision outlined in Cultural Korea 2035?“an AI era beyond digital deepening”?emphasizes the importance of technological convergence and creative capacity in the humanities and arts. Ceramic studies, too, must respond to these shifts through a reimagining of its academic infrastructure. This study proposes a theoretical framework for restructuring the fragmented knowledge system of ceramics into a cohesive, AI-powered academic network. To this end, it explores a technology-driven architecture encompassing metadata-centered information design, recommendation systems using knowledge graphs, blockchain-enabled data integrity, and personalized user interfaces. Through a series of scenario-based simulations involving creators, researchers, and local workshops, the study also assesses the platform’s practical utility and policy integration potential. Ultimately, this research aims to establish a new academic model that respects the artistic tradition and autonomy of ceramics while embracing the demands and opportunities of the AI era.

현대 도자장신구는 전통적인 재료와 표현 방식에서 벗어나, 유리, 금속, 혼합 소재 등 다양한 분야와의 융합을 통해 조형성과 기능성의 확장을 시도하고 있다. 이러한 흐름 속에서 도자장신구는 단순한 장식품을 넘어 예술성과 실용성을 갖춘 표현 매체로 자리매김하고 있으며, 재료와 기법에 대한 실험도 활발히 이루어지고 있다. 본 연구는 천연 보석인 커런덤(Corundum) 계열(루비, 사파이어 등)을 도자장신구에 적용하고, 고온소성 환경에서도 안정적으로 장식 요소를 부착할 수 있는 비접착 결합방식을 개발·적용한 사례를 바탕으로 새로운 도자 장식기법의 가능성을 제시하고자 한다. 이 방식은 연구자가 출원 중인 특허 기반기술로, 기존 접착 방식이 지닌 내구성과 시각적 완성도의 한계를 보완하려는 시도이다. 이를 통해 도자장신구에 적합한 결합 구조의 조형적·기술적 가능성을 분석하고, 도자 장식기법으로 정립하는 데 목적이 있다. 본 연구를 통해 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 커런덤 보석은 높은 경도(Mohs 9)와 녹는점(약 2050℃)을 지녀 도자기 소성 온도(약 1250℃)에96 한국도자학연구 Vol.22 No2. 최소미서도 구조적 안정성을 유지하여, 도자장신구 제작에 적합한 재료임을 확인하였다. 둘째, 유약을 활용한 비접착 방식으로 커런덤 보석을 도자 표면에 안정적으로 고정할 수 있었으며, 이는 기존 본드 접착 구조의 내구성과 심미성을 개선할 수 있는 대안임을 입증하였다. 셋째, 본 기법은 커런덤 고유의 광학적 효과와 색채를 유지하였고, 소성 후에도 보석 감별서를 통해품질 등급의 저하가 없음을 확인하였다. 넷째, 해당 방식은 도자장신구를 넘어 소형 조형물 및 생활도자 영역에도 적용 가능성이 높아, 향후도자 장식기법의 확장적 활용을 기대할 수 있다.

Contemporary ceramic jewelry has evolved beyond traditional materials and methods, actively incorporating glass, metal, and hybrid media to explore new dimensions of form and function. In this context, ceramic jewelry has established itself as a medium that encompasses both artistic value and practical utility, with increasing experimentation in materials and techniques. This study explores the potential of incorporating natural corundum gemstones (such as rubies and sapphires) into ceramic jewelry by developing and applying a non-adhesive bonding method that remains stable under high-temperature firing. Based on the researcher’s patented technology currently under application, this method seeks to overcome the structural and aesthetic limitations of traditional adhesive-based bonding techniques. The study aims to analyze the technical and sculptural potential of this bonding method and to position it as a viable decorative technique in ceramic design. The results are as follows: First, corundum gemstones, with their high hardness (Mohs 9) and melting point (approx. 2050℃), maintain structural integrity even during ceramic firing at 1250℃, making them suitable for application. Second, the non-adhesive bonding using glaze enabled stable attachment of gemstones to the ceramic surface, proving to be a durable and aesthetically superior alternative. Third, the gemstones retained their optical brilliance and color, with post-firing gemological assessments confirming no downgrade in quality. Lastly, this technique offers strong potential for broader applications beyond jewelry, including small sculptural works and functional ceramic art.

본 연구는 양극성 장애의 정서와 현대 한국 사회의 병리적 현상 간의 유사성을 탐구하며, 이를 조형 언어로 표현하는 방안을 제시한다. 연구자는 사회 유기체가 규범과 가치의 해체 상태에 빠졌을 때 나타나는 무기력, 폭력성, 고립 등의 현상에서 개인의 신경전달물질 불균형으로 인한 감정적 불안정성과 비슷한 모습을 보았다. 이러한 인식을 바탕으로 생물 유기체와 사회 유기체의 유사성을 비교하고, 아노미 이론을 적용하여 한국 사회의 병리적 현상과 양극성 장애의 증상을 연결지어 분석한다. 또한, 연구자가 작품에 형상화한 산토끼의 상징성을 분석하고, 이를 병리적 감정과 사회적 혼란의 은유적 장치로 활용한다. 그리고 위의 내용을 바탕으로 진행된 연구자의 작업을 통해 감정과 사회 구조 간의 복잡한 관계를 형상화하고, 개인의 내면적 경험과 사회 구조의 유사성을 살펴본다. 더불어 예술이 감정의 구조와 사회적 조건을 해석하고 재구성하는 도구로서 역할을 할 수 있기를 기대한다.

This study explores the similarities between the emotions of bipolar disorder and the pathological phenomena of contemporary Korean society, and proposes a method of expressing these through sculptural language. The researcher observed that phenomena such as helplessness, violence, and isolation emerging when the social organism falls into a state of disintegration of norms and values resemble the emotional instability caused by neurotransmitter imbalances in individuals. Based on this observation, the study compares the similarities between biological organisms and social organisms, and applies anomie theory to analyze the relationship between pathological phenomena in Korean society and the symptoms of bipolar disorder. In addition, the study analyzes the symbolism of the hare embodied in the researcher’s works and utilizes it as a metaphorical device for pathological emotions and social chaos. Through artworks developed from these considerations, the study visualizes the complex relationship between emotions and social structures, examining the similarities between individual inner experiences and social structures. Furthermore, it expects that art can serve as a tool to interpret and reconstruct the structure of emotions and social conditions.

본 연구는 형태적 긴장감의 조형 원리와 특성을 기반으로 도자 조형에 불안정한 요소를 도입함으로써, 기존의 안정적이고 대칭적인 형태에 머물러 있던 도자 제품 디자인의 조형적 한계를 극복하고, 현대 소비자의 미적 다양성과 감성적 요구에 대응하는 방안을 모색하였다. 먼저 형태적 긴장감의 원리와 시각적·조형적 특징, 디자인 사례를 고찰하였다. 형태적 긴장감의 개념과 조형적 특성을 정리하고, 이를 응용하여 머그컵 형태의 도자 시제품을 개발하였다. 긴장감의 조형 요소 중 형태 변형과 구조적 긴장을 중심으로 시제품을 디자인하였으며, 이를 통해 사용자가 형태의 변화를 직관적으로 인지하고 흥미를 느낄 수 있도록 의도하였다. 본 연구의 형태적 긴장감이 도자 제품 디자인의 새로운 조형적 표현 방식으로 기능할 수 있기를 기대하며, 사용자의 요구를 반영한 디자인 다양성 확대의 필요성을 제안하고자 한다.

This study aimed to overcome the formal limitations of ceramic product design, which have traditionally remained within stable and symmetrical forms, by introducing elements of instability based on the formative principles and characteristics of morphological tension. The research sought to explore design approaches that respond to the aesthetic diversity and emotional needs of contemporary consumers. First, the principles, visual and formative characteristics, and design cases of morphological tension were examined. The concept and formative attributes of morphological tension were organized, and these were applied to develop prototype ceramic mugs. Among the formative elements of tension, particular emphasis was placed on form deformation and structural tension in the design of the prototypes, with the intention of enabling users to intuitively perceive changes in form and to engage their interest. It is anticipated that the application of morphological tension proposed in this study could serve as a novel expressive method in ceramic product design, and it suggests the potential for expanding design diversity through further consideration of user requirements.