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한국도자학연구 [The Jouranl of the Korean Society of Ceramic Art]

간행물 정보
  • 자료유형
    학술지
  • 발행기관
    한국도자학회 [Korea Society Of Ceramic Art]
  • ISSN
    1738-8473
  • 간기
    연3회
  • 수록기간
    2005~2018
  • 주제분류
    예술체육 > 기타예술체육
  • 십진분류
    KDC 631.2 DDC 738
Vol.15 No.2 (11건)
No
1

中国传统陶瓷茶壶的造型分析研究

姜星坤, 孙静民

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.7-45

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다호는 각 국가와 민족의 풍습과 문화 전통, 그리고 예술적 진수를 보여주면서 인류의 역사와 함께면면히 이어져 내려왔다. 인류는 자연에서 점토라는 재료를 취하여 오랫동안 축적해온 지혜와 경험으로점토를 불로 가공하고 토기로 구워내서 일상생활 속에 사용해왔다. 고대부터 시작된 다호는 점진적으로발전해 갔고, 이 과정을 통해 실용성과 아름다움을 겸비한 생활 속의 필수품이 되어왔다. 다호는 도자기 문화와 다도 문화에서 중요한 매체이며, 특히 중국에서 다호는 오랜 역사를 거쳐 차문화와 함께 다호의 형태와 장식도 지속적으로 변화되어 왔다. 오늘날에도 차를 마시는 전통은 여전히이어져 오고 있지만 다호에 대한 전통은 사라져 가고 있다. 최근의 다호는 전통의 맥을 이어오면서 현대의 예술 양식을 수용하여 점차 발전하고 있으나 다호의 고유의 문화가치라기보다는 기계와 기술이 발전되어 생산에 치중되어 있는 실정이다. 다호는 차를 마시는 단순한 역할을 떠나 인간의 마음을 정화시켜주고 정서적 안정을 주는 중요한 가치로 작용한다. 그러한 감성적, 심리적 이유로 현대 다호를 선호하는 수요 또한 서서히 증가되고 있다. 본 연구는 중국 도자 다호의 조형에 있어서 형태를 중심으로 한 분석 연구로써, 중국의 전통 다호를대상으로 다호 발전의 역사와 배경에 대한 고찰을 통해 중국의 전통 다호의 조형적 특징을 탐구하고 분석적인 관점으로 접근하고자 한다. 또한 본 연구를 위해 중국의 차 문화 및 도자 관련 문헌을 중심으로 자료를 조사하고, 세부적인 형태분석을 위해 필요에 따라 현장 연구를 통해 시대별 형태를 분석하고 체계화하고자 한다. 문헌연구를 위한 자료는 국내·외 문헌과 고대도자 도록 등의 관련분야의 다양한 선행연구 자료를 조사, 인용하였고, 현장연구는 중국의 전통 다호를 대상으로 한 지역 박물관 등을 통해 자료를 수집하였다. 따라서 중국 도자다호의 시대적 발전과 차 문화에 있어서 다호의 형식과 변천 양식을 조사한 결과 다호는 당대부터 청대에 이르기까지 중국인의 삶과 시대적 배경과 밀접한 관계를 가지고 차 문화의 변천에 따라 서로 연계되어 지속적으로 변화, 발전되어 왔음을 알 수 있었다. 본 연구의 결과로, 중국 현대다호가 전통 다호를 계승하고 향후 다호를 연구하고 개발하는데 기초자료가 되기를 기대해 본다.
A teapot has ceaselessly continued with human history, showing custom, cultural tradition, and artistic essence of each country and ethnic group. Humanity selects materials such as clay from nature, so works clay with fire by using long-accumulated wisdom and experience, and fires earthenware with clay, so uses it in everyday life. The teapot started from primitive times developed continuously, and through this process, this jar became a necessity in life with practicality and beauty. The teapot is an important media in ceramic and tea cultures, and in China, the teapot has a long history, and then form and decoration of the teapot have changed with tea culture. Today, the tradition of drinking tea still continues, but the tradition of the teapot has disappeared. In addition, letting the legacy continue, the teapot has developed by receiving a modern art form, but the real state is biased not towards inherent culture value of the teapot but towards production because machine and technology develop. The teapot not only plays a simple role to drink tea but also acts as important value purifying the human heart and giving emotional stability. In addition, the demand preferring the modern teapot has increased. Therefore, this thesis desires to access the teapot reflecting formative characteristics of the Chinese ceramic teapot in a generic sense by studying formative characteristics of the traditional teapots in China through observation of history and background of development of the teapot targeting the traditional teapots in China. In addition, This study method analyzed and systematized literature study and field research for a study of the ceramic teapot. Materials for the literature study were investigated and collected through advanced research such as domestic and foreign literatures and books. As a result of examining historic and period background of the Chinese ceramic teapot, and role and present condition of the teapot in tea culture, the teapot had developed from Tang to Qing, and has a close relation to Chinese life. In conclusion, the researcher hopes that this will be basic information to study and develop the modern teapot in China succeeds the tradition with this as a momentum.
陶瓷器承载着人类深厚的文化并伴随历史走过了千万年,体现了各个国家民族的民俗风情, 文化传统和艺术精髓.人类选取来自自然的材料—黏土,经过手制用智慧的火种烧成土器,在日 常生活中使用,从原始陶器到渐渐出现的彩陶,这种结合了实用与美的艺术已经成为人们生活 中不可缺少的部分。 茶壶是陶瓷器文化和茶道文化的重要媒介,特别是中国的茶壶在中国几千年的陶瓷文化和茶 文化的不断演进中,茶壶的形态和装饰也在不断的发生变化,它所呈现的特征正代表了所处时 代的文化及经济特征。 茶壶不再是单纯的作为茶器而是能够净化人们的心灵,给人以安定感,因此人们对现代茶壶 的需求也在慢慢增加。本研究以中国陶瓷茶壶的造型中的形态为中心,以中国古代茶壶的形态 为研究对象,深入的探究中国传统陶瓷茶壶的形态特征并加以分析。 再者为了达成本研究笔者查阅了中国茶文化和陶瓷文化的相关资料,并且为了进行细部的对 比研究也进行了现场研究,通过这样的方式对各个时代的茶壶形态进行了系统化的研究。文献 研究方面大量研究了国内外的资料书籍及现行研究,在进行特定作品的现场研究时到访各个地 域的博物馆进行直接的资料收集及观察比较研究。 故此对于中国陶瓷茶壶的时代别的发展和茶文化影响下茶壶形式的转变的研究范围是从唐代 开始到清代。结合各个时代人们生活的时代背景和相对应茶文化的变迁进行连续性的研究。期 待本论文能够成为继承中国传统茶壶的以后中国现代茶壶的研究开发的基础资料。

8,400원

2

점토활동을 통한 요양병원 노인환자의 삶의 경험에 대한 현상학적 연구

김상호, 배영실

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.47-70

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본 연구는 점토활동을 통한 요양병원 노인환자의 삶에 대한 현상학적 연구이며, 점토활동이 그들의 삶의 성찰도고 및 소통의 매개체로서의 활용 방안에 대한 효과 검증이다. 또한 도자 예술의 본질적인 행위와 영역을 넘어 타 영역으로의 점근과 확장의 일환으로 병행되었다. 본 연구는 2015년 4월 1일부터 5월 15일까지 주별 2회, 120분간 10회차에 따라 이루어졌다. 본 연구의 자료는 colaizzi의 현상학적 방법에 의해 분석되었으며 연구 결과, 요양병원 노인환자의 삶의 경험은 회기별 주제에 따라 12개의 주제의미와 5개의 주제모음으로 도출되었다. 본 자료를 분석한 결과에서 5가지 주제모음으로 특별한 날에 대한 회상, 가족에 대한 그리움, 자신에 대한 성찰, 마지막 여정에 대한 체념과 순응, 자식에 대한 무한한 자기희생으로 드러났다. 이러한 연구 결과는 요양병원에 입원한 노인환자의 삶에 대한 깊은 이해를 제공할 뿐 아니라 점토활동 과정을 통해 노인환자들이 어떻게 살아왔는지, 무엇을 원했는지에 대한 이들의 삶의 경험을 반영하는 과정으로 보였다. 따라서 점토활동은 노인환자들이 자신의 내면을 표현할 수 있도록 이들의 경험을 긍정적 방향으로 증진시키도록 돕기 때문에 점토활동을 다양하게 적용하여 노인환자들의 삶의 과정에 유용한 도구로서 활용될 수 있기를 바라는 바이다.
The aim of this study was to reveal and understand the experiences of elderly patients’ life during clay artwork in a long-term care hospital. Using focus groups, they were scheduled with 10, 120-minute evaluation sessions, twice per week. Data was collected from April 1 to May 15, 2015. Collected data were analyzed on the basis of Colaizzi’s phenomenological methodology. The results revealed 12 meaning of themes and 5 core principals as follows: reminiscence of the special day, the missing on family, reflections on myself, resignation and adaptation of the last journey, external self-sacrifice for their children. These findings provided a deep understanding of the life experiences of elderly patients in the long term center. the participants reflected on how they lived and what they wanted during manipulating clay art work. The finding should be useful as foundational data for elderly patients to promote self-expression and clay art needs to be encourage by public or social programs as a platform for elderly patients to invigorate imagination.

6,100원

3

분청사기 문양에 나타난 회화적 표현 연구 - 계룡산 철화분청사기의 물고기문양(魚文)을 중심으로 -

박현주

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.71-91

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분청사기는 고려 후기에서 조선 전기에 걸쳐 제작된 자기의 일종으로 세종 연간(1419~1450) 을 전후해 절정을 이루다가 15세기 후반부터 쇠퇴하기 시작했다. 그러나 이 시기에 분청사기의 한 종류로써 백토분장 후 철분이 함유된 안료로 문양을 그리는 철화분청은 계룡산 지역을중심으로 성행했다. 분청사기 철화기법은 충남 공주군 반포면 학봉리 계룡산 기슭에서 주로 제작되었기 때문에‘계룡산 분청사기’라고 하며, 15세기 후반부터 16세기에 걸쳐서 많이 제작되었다. 철화기법은 산화된 철분이 포함된 철사안료를 주로 사용하는데 이 안료는 물에 닿으면 빨리 퍼지기때문에 아주 빠른 필치로 그려야하므로 백토 위에 그림을 자유롭게 그려 표현할 수 있었다. 특히 계룡산 학봉리 철화분청사기는 간소하고 강렬한 몇 개의 선으로 물고기를 비롯해 연꽃, 모란 등 다양한 문양을 표현했다. 본 연구에서는 분청사기의 여러 문양 중 계룡산 분청사기의 물고기 문양과 비슷한 시기의그려진 어해도(魚蟹圖)를 비교 연구함으로서 물고기 문양을 통해 나타난 계룡산 철화분청사기이어지는본인의 연구에서 도자기를 회화적 관점으로 확장하는 도자작품 창출에 활용하고자 한다.
The buncheong ceramics of Korea developed toward the end of the Goryeo dynasty. It continued into the early part of the Joseon Dynasty, reaching its pinnacle around the reign of King Sejong (1419~1450). Buncheong ceramics is a type of high-fired stoneware which developed from the celadon toward the end of the Goryeo dynasty, however its existence was short-lived and it reached its end around the latter part of the 15th century. Buncheong ceramics is known for its many surface decoration methods, particularly with the application of white liquified clay known as ‘slip’. The clay body for making buncheong is high in iron content and therefore it produces a grayish-brown color when fired in a reduction firing. Once the white slip is applied, the surface is decorated in many different ways. This study looks in particular at the brown and white surface decoration method using iron oxide which was historically centered around the Gyeryongsan Mountain area of Korea. The buncheong ceramics focusing on surface decoration technique using iron oxide, was mainly produced around Gyeryongsan Mountain – to be more precise Gongju-gun Banpo-myeon Hakbong-ri of Chungnam Province which is around Gyeryongsan Mountain. As a result it was also known as ‘Gyeryongsan Mountain buncheong ware’. This was produced in abundance around the end of the 15th century and into the 16th century. The technique applied for this particular buncheong type was using oxidized iron as the main material for surface decoration. However iron spreads easily on clay surfaces therefore precision was difficult to maintain. Brush strokes required to be swift and exact on top of a surface already applied with white slip. Density of iron oxide mixed with water, was therefore important in order to maintain precision and accuracy. The advantage of the material was that it gave a certain amount of freedom to create painting-like effects on clay surfaces. The distinct feature of Gyeryongsan Mountain Hakbong-ri iron oxide buncheong was the simplified and strong linear qualities found in motifs such as fish, lotus flower and peony. This study focuses on fish motifs applied onto Gyeryongsan Mountain buncheong ceramics. These motifs are compared to fish paintings of the period known as ‘Urhaedo(魚蟹圖)’ in Korean. The objective is to research on the distinct characteristics of the method in which fish motifs were drawn on buncheong ceramics of this particular region. In the second part of the study, the aethetics in terms of understanding the tendency of the period depicted in paintings is examined simultaneously as observing the way in which motifs are painted on buncheong ceramics. In the third part, the scholarly nature of Joseon paintings is examined in order to understand the techniques applied in paintings of the time. The period toward the end of the Joseon dynasty is also taken into consideration for research investigation. In the fourth part of the study, the diverse method in which the iron oxide patterns were applied is examined. Here the focus is mainly on the fish motif. In the final fifth part, the symbolic aspects of the fish motif as a sign of good omen and opulence is observed. Many of Korea’s ceramics over centuries have applied the fish motif. The study focuses on the development of buncheong around the Gyeryongsan Mountain region, simultaneously as concentrating on the fish motif depicted in buncheong ceramics. The historical background on the significance of the fish motif is researched both in ceramics and in paintings. In order to conduct this study, I have interviewed the necessary specialists additionally as looking at researched materials on the subject. I sincerely hope that this research will attract much attention and I hope that many more will expand the field for further research work on the same subject.

5,700원

4

크라크 도자기 문양 연구

서보양, 김원석, 노혜신

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.93-107

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크라크 도자기는 명나라의 대표적인 수출 도자기 중 가장 많은 비중을 차지하고 있는 대표적인도자기이다. 17세기부터 제작된 크라크 도자기는 초기에는 중국 전통 문양으로 제작되어지다가 수출의 양이 늘어나면서 점진적으로 유럽의 주문 제작으로 이어져 형태와 문양이 변화하게 되었다. 이러한 동서양의 도자기 교류에 따른 제작 변화는 서양의 문화적 양상의 변화에 지대한 역할을 하였으며 도자기 역사상 매우 중요한 의미를 가진다. 그러나 크라크 도자기에 대한 연구는 다양한 학술적 연구와 자료에도 불구하고 대체적으로역사와 고고학의 범주에 머물러 있는 기초자료로만 활용되고 있다. 따라서 본 연구에서는 크라크 도자기 문양이 시대적 요구에 따라 전통적 문양에서 동서양복합적 문양으로 변화해가는 소재, 형식, 기능의 변화를 연구함으로써 동양과 서양의 문화교류 및 상호 통합의 의미를 연구하고자 하였다.
The Kraak Porcelain is the representative export pottery of the Myung Dynasty that takes up the largest share. The Kraak Porcelain was made fro the 17th century. In the beginning, it was made with Chinese traditional designs. European production of the pottery was gradually increased, and that affected the change of shape and pattern. This production changed in eastern and western ceramics has played an important role in the pottery culture and that was significant in the history of pottery. However, the study of Kraak Porcelain generally uses only basic data that remain in the category of history and archaeology despite a variety of academic studies and materials. Therefore, in this study, we studied and analyzed the changing materials, forms, and functions of the traditional patterns to Eastern and Western cultures according to the needs of the time.

4,800원

5

도태칠기 이해와 현대적 활용연구

신라연

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.109-130

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기원전부터 존재했지만 후대로 전해지지 못하고 명맥이 끊긴 까닭에 도태칠기에 관한 학계와 대중의 관심은 미미할 수밖에 없었다. 더욱이 도태칠기는 전문가 집단의 부재로 인해 연구와 교육, 계승의 맥이 끊어진 상태였다. 연구 측면에서는 칠공예 범주의 하나쯤으로만 인식되어 왔고, 역사적·문헌적 연구 자료는 거의 발굴되지 못하였다. 도태칠기와 관련된 유적 또한발굴된 것이 소수이고, 그마저도 단편적인 것들이 주를 이루어 역사적 발달 과정을 온전히 이해하기에는 역부족이었다. 학계 상황이 이렇다 보니 대중에게 도태칠기는 그 존재에 대한 인식이 희박하며 용어조차 생소한 것이 되었다. 그렇게 죽은 역사가 되어 영영 사라질 것 같았던 도태칠기는 오늘날 도예가들을 중심으로재조명되기 시작하면서 생명력을 되찾기 시작하였다. 도예가들이 도태칠기에 주목하게 된 데는 현대 예술 사조의 영향이 크다. 제2차 세계대전은 사회적 불안과 심리적 상처를 남겼고, 이 가운데 정신적 자유를 추구하고자 하는 분위기를 촉발하였다. 이러한 흐름은 무엇보다도예술계에서 가장 두드러지게 나타났다. 특히 현대 도예는 1950년대 미국에서 시작되었는데 기존의 도자 개념을 거부하는 완전히 새로운 시도들이 일어났다.1) 한국에서는 실험적이고 개성을 중시하는 도전들이 1970년대에 도예에서 이루어지면서 현대 도예의 포문을 열었다. 기존의도예 기법을 뛰어넘을 새로운 기법을 고안하는 과정에서 예술에 사용되는 재료들이 통합되는 현상이 나타나게 되었는데 현대적 재료와 전통적 재료의 통합이 그 단적인 예이다. 이러한 흐름 속에서 도기와 칠이라는 두 가지 전통적 재료를 현대적으로 새롭게 재해석하여 다양한 대상에 접목하려는 시도가 도태칠기의 현대적 변용으로 나타나게 된 것이다. 현대의 도태칠기는전통적인 도태칠기와는 그 궤를 달리한다. 전통적인 도태칠기에서 도기의 존재감은 칠의 존재감에 완전히 가려졌다. 이는 전통적인 도태칠기가 칠이라는 역할에 치중되어 밑바탕이 되는원재료는 크게 부각되지 않았기 때문이다. 반면 현대의 도태칠기에서는 도기와 칠의 상하관계가 파괴된다. 현대 도예는 포스트모더니즘의 영향으로 상대주의, 다원성과 같은 시대정신을반영하는데, 이는 여러 가지 재료에 대한 재해석을 불러일으킬 뿐만 아니라 수평적인 관점에서의 융합을 촉진한다. 동양적인 관점으로 재해석하면 ‘공생, 공존, 공감’과도 같은 개념이라고 볼 수 있다.2) 따라서 현대 도예에 입각한 도태칠기는 칠과 도기(흙)라는 재료가 상하관계가 아닌 평등한 관계로 융합을 시도하여 조화를 이루게 된다. 이러한 측면에서 도태칠기의현대적 변용에 대한 기대가 매우 크다. 이는 전통을 살리는 일이면서 동시에 현대도예를 발전시키는 일 그 자체이기 때문이다. 이에 본 연구를 통해 도태칠기의 현대적 변용이란 단순히과거의 모습을 현대에 그대로 재현하는 것이 아니라 현대적으로 재해석하고, 이를 위해 예술가들은 도태칠기에 대한 전문성을 더욱 고양할 필요가 있으며 대중을 대상으로 지속적인 홍보가 이루어져야 한다. 도태칠기는 절멸의 위기를 경험한 한국 고유의 문화이다. 현대에 와서다시금 재조명되는 만큼 예술가를 중심으로 대중들의 이해를 돕는다면 도태칠기 문화 발전과소비를 촉진하는 데 유용할 것이다.
Though having been present since Before Christ, the interest on pottery lacquer ware from both the academic world and the public has been very insignificant, as its culture failed to be imparted to the future generations. Due to the absence of any professional group, the research, education and succession of pottery lacquer ware have especially put into a halt. In the research point of view, pottery lacquer ware has been conceived as no more than merely a field of lacquer crafts, and there is almost no historical and/or literary research data to have been excavated. The remains in relation with pottery lacquer ware is also in small numbers, and even those amount to nothing more than fragmentary ones, resulting in the difficulty to fully understand the process of historical development. Such lack of information in the academic world has led to the public almost unknown to the presence of pottery lacquer ware itself; even the term has become something somewhat unfamiliar. The culture of pottery lacquer ware that once seemed to be disappearing forever into the “dead” history, has currently been gaining a new life, as a new light has been cast on the area, with the potters as the front runners. The influence of Modern Art History played an enormous role in making the potters place their focus on pottery lacquer ware. Historically, World War Ⅱ has left the people with social insecurity as well as psychological wound, thus triggering the atmosphere of pursuing the mental freedom. This flow was shown most prominently in the art world. Among all the trials, modern pottery especially started itself in the 1950s of the United States, during which entirely new attempts were made to reject the existent concepts of pottery of the time.3) As of Korea, experimental and personality-oriented challenges were held in the 1970s, opening the door to modern pottery. In the course of devising new techniques to excel the existing pottery techniques, there became a phenomenon where the art materials were integrated; the integration of modern and traditional materials can be suggested as a simple example. In this flow, the attempt to reinterpret the two traditional materials of pottery and lacquer in a modern way and to apply them to diverse objects has become a modern transformation of pottery lacquer ware. Modern pottery lacquer ware differs from the traditional pottery lacquer ware in its way. In the traditional pottery lacquer ware, the presence of pottery itself was entirely covered by the presence of lacquer. This was because the traditional pottery lacquer ware was emphasized more on the role of “lacquer”, not giving enough focus on the material. On the other hand, in the modern pottery lacquer ware, there exists no particular top-down relationship between pottery and paint. Modern pottery reflects the spirit of post-modernism, such as relativism and pluralism, which not only causes reinterpretation of various materials but also promotes convergence in a horizontal perspective. To reinterpret this in an oriental point of view, this can also be seen as the concept of “Symbiosis, Coexistence, or Sympathy”.4) As such, the pottery lacquer ware based on the modern style of pottery achieves its harmony, as materials of lacquer and pottery(earth) attempts convergence, not in a top-bottom relationship, but in an equal one. As such, this study suggests the necessary contents for the development and continuation of modern transformation of pottery lacquer ware. This study suggests that the modern transformation of pottery lacquer ware is not merely to reproduce the past in modern times, but to reinterpret it in a modern way and open up new horizons of Korean pottery. To this end, artists would need to further enhance their expertise in pottery lacquer ware, and the public must be promoted on an ongoing basis. Pottery lacquer ware is a unique culture of Korea that has experienced a crisis of extinction. As it has been coming back to modern times, it would be useful to promote the development and consumption of the pottery lacquer ware culture, if it could function to help the understanding of the public, with the artists on the very center of the cause.

5,800원

6

도자기의 표면 질감을 고려한 3D 프린터의 재료 선정 및 복원재료로서의 적합성에 관한 연구

신연홍, 황현성

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.131-144

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기존의 도자기의 복원방법은 수작업에 의존한 방식으로 처리자의 개인능력에 따라 처리기간과 복원 결과물이 차이를 나타낸다. 또한 복원재료로 많이 사용되는 합성수지는 물성과 접착력이 우수하고 경화 후 수축이 적으며 각종 충전제를 첨가할 수 있는 장점은 있지만, 작업성이 떨어져 보존처리 과정에서 유물 표면이 오염될 수 있고 빛과 온도 등 주변 환경에 의해황변현상이 발생하는 문제가 있다. 이에 본 연구에서는 기존의 처리방식과 복원재료의 한계를극복하기 위해 3D 프린팅 기술을 활용한 새로운 방법으로 익산 미륵사지 분청사기 인화 국화문 대접과 부여 송국리 무문토기완을 복원하였으며 도자기의 표면질감과 유사한 프린터재료를 선정 후 복원재료로서 적합성을 연구하였다. 그 결과, 3D 프린팅을 활용한 유물복원은 수작업 처리방식에 비해 처리기간을 단축할 수 있었으며 모델링 데이터의 수정을 통해 복원 완성도를 높일 수 있었다. 또한 복원재료로 사용한 아크릴 화합물(VeroWhite Plus RGD 835)과 석고(Z151 power, 3D Systems 社, U.S.A)는 도자기의 표면질감과 매우 유사하여 이질감을 나타내지 않았고 작업성이 편리하여 처리과정에서 발생할 수 있는 2차 손상을 최소화할 수 있었다. 다만, 채색과정에서 석고는 표면재질이 거칠어 물감이 쉽게 흡수된 반면, 아크릴 화합물은 재질이 매끄러운 특성으로 인해 표면 마찰력이 떨어져 물감이 쉽게 정착되지 못함을 확인하였으며 다양한 채색방법을 적용한 결과 분사방법을 이용해 반복채색 하는 것이 가장 효과적이라는 것을 알게 되었다.
The restoration method of pottery is based on Conservator-restorers and depending on the individual ability the processing period and the restoration result are different. In addition, synthetic resin, which is widely used as a restoration material, has excellent physical properties and adhesion, has fewer contractions after hardening and has the advantage of adding various filling agents, but there is a problem that the surface of the artifacts may be polluted during the conservation process due to lack of workability and yellowing phenomenon occurs due to the surrounding environment such as ultraviolet rays and humidity. In this study, in order to overcome the limitations of existing treatment methods and restoration materials, a Punchung dish from Iksan Mireuksa-ji and Unglazed earthenware from Buyeo Songguk-ri were in restored, After selecting printer materials similar to the surface texture of pottery, studied the suitability as restoration materials. As a result, restoration of artifacts using 3D printing was able to shorten the processing period, compared to the manual processing method, and the restoration completeness was improved by modifying the modeling data. Also, acrylic compounds (Vero White Plus RGD 835) and gypsum (Z151 power, 3D systems, U.S.A.) used as restoration materials were also being very similar to the surface of pottery Convenient workability was easier to minimize the secondary damage that could occur during the processing process. But during the coloring process, the gypsum is rough in the surface material and the paint was easily absorbed into the material, while the acrylic compound was found to have a smooth material and the surface frictional force was reduced and the paint was not easily attached to the material and the result of applying various coloring methods used, a spray repeat coloring found it most effective.

4,600원

7

古蹟調査委員會의 계룡산록 도요지군 발굴이력과 조사의 본질

엄승희

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.145-164

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본 연구는 조선조 철화분청사기의 최대 집산지였던 계룡산록 일대 도요지군의 발굴상황에대한 전모를 밝히기 위해, 최초 조사에 착수한 조선총독부 산하 古蹟調査委員會와 조선총독부박물관의 조사내역을 분석하고 그 결과를 토대로 이 조사가 지니고 있는 본질적 의미를 분석하는데 목적을 두었다. 계룡산록 도요지군은 조선조 중부지역 분청사기의 맥락을 결정짓는 주요한 곳이다. 그러나이 도요지군은 이미 일제강점기를 전후하여 일본인 관료들이 주축이 되어 일대 주요 가마터를 상당부분 훼손시켰다. 1차 발굴이 진행되던 1927년의 조사는 고적조사위원회의 발족과 더불어 총독부박물관의 노모리 켄(野守健)을 중심으로 한 조사원들에 의해 12기의 요지를 발견하면서 시작되었다. 당시는 도굴이 심화된 데다 발굴조사에 미숙했던 일본인 연구진에 의해가마층위가 대부분 교란되었다. 가마층위의 교란은 실제 발굴품의 수습과정과 밀접한 관련이있었다. 즉 계룡산록 도요지군의 조사 본질이 새로운 가마터 발굴 성과를 위한 목적에 있었다기보다, 일제강점 당시 일본인들이 선호하던 분청사기의 무작위적 수습에 주목적이 있었기 때문에 가마터는 심각하게 파괴될 수밖에 없었다. 이에 따라 현재까지도 당시의 수습유물에 대한 명확한 근거와 특징을 정리하는데 많은 한계가 있다. 따라서 일제강점기에 시행된 계룡산록 도요지군 발굴은 한국 문화재의 보호, 보존차원에서시작되었지만, 그 본질은 문화정책의 일환으로 해석된다. 본 연구를 통해 계룡산록 도요지군의 발굴성과는 그 자체가 일제 강점이라는 시기적 상황이 크게 반영된 것이라고 보았으며, 역사적 교훈을 일깨워주는 대표적인 가마터로 인식했다.
This study aims to give the whole picture of the excavations of the ceramic kiln sites at the foot of Gyeryongsan that was the biggest gathering and distribution hub for Chulhwa-Buncheong ceramics in the period of Chosun dynasty by analyzing the report from the Historic Remains Investigation Committee affiliated to the Japanese Government General of Korea and the Museum of Japanese Government General of Korea which made the first investigation, and by examining the intrinsic meaning of the investigation report, based on the analyzed result. The Gyeryongsan kiln sites played the decisive role in determining the future of the Buncheong ceramics in the central part of Korea in the period of Chosun dynasty. However, the major sites were considerably damaged by Japanese officials before and during the period of Japanese occupation. The investigation of 1927 when the first excavation was being advanced began when Nomori Ken and other research staff at the Museum of Japanese Government General of Korea discovered 12 kiln sites after the Historic Remains Investigation Committee had been set up. However, most of the layers of the sites was disturbed by increased grave robbery at that time and the unskilled Japanese investigators. The disturbed layers was closely related to the process of collecting artifacts. Their main purpose was to indiscriminately collect Buncheong ceramics that Japanese people liked rather than to achieve the proper result of the unprecedented excavations, which inevitably led to the destruction of the kiln sites. For this reason, there are still severe limitations on clarifying the proofs and characteristics about the retrieved artifacts. These excavations in the period of Japanese occupation began on the pretext of preserving Korean cultural assets, but it can be construed as a part of Japan's cultural policy. In this study, the result from the excavations of Gyeryongsan kiln sites is viewed as one that largely reflected the situation under the Japanese occupation, and the kiln sites are considered as a classic example of a kiln site from which we could learn lessons of history.

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파라메트릭 디자인을 적용한 도자 크랙 패턴 연구

원유선, 김아리, 정진원

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.165-178

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도자공예에서 크랙은 미적인 측면에서 다양한 응용 가능성이 있는 표현 수단 중 하나이다. 그러나 개념적 측면에서 이를 디자인적으로 제어하는 시도는 이루어지지 않고 있다. 본 논문에서는 파라메트릭 프로세스를 대입하여 도자 크랙 패턴을 시각화 하는 시도를 하였다. 이를통해 타 분야의 기술과 융합하여 새로운 도자 표현의 가능성을 제시하는데 목적이 있다. 디지털 디자인 프로세스는 점차 발전하고 있으며, 기술의 진보는 디자인 행위를 효율적으로만들었다. 특히 파라메트릭 디자인은 매개변수를 활용하여 디자인 하는 방식으로 비정형의 형태를 빠르고 쉽게 형성하며 많은 분야에서 사용되고 있다. 이는 도자공예서도 영향을 발휘 할충분한 요소를 내포하고 있으며 이를 위해서는 디자인 프로세스와 도자 재료적 측면의 이해가 필요하다. 형태 생성에 매개변수를 대입하는 프로세스의 이해를 기반으로 흙의 물성에 이를 응용하는방법을 모색했다. 흙의 물성중 하나인 크랙은 수분의 차이로 인해 비정형으로 갈라지는 균열을 의미한다. 크랙을 활용한 기존의 도자표현기법은 우연에 기반 하여 크랙 형성의 통제가 불가능 하였다. 이러한 크랙 형성의 한계를 파라메트릭 디자인을 적용하여 디자인적으로 제어하는 방법을 모색하고자 했다. 크랙이 형성되는 조건 중 컨트롤이 가능한 변수를 찾기 위한 실험을 진행하였고 흙의 팽창높이가 변수로 적합하다는 결론을 내렸다. 이 결과를 바탕으로 그래스 호퍼라는 디지털 프로그램을 활용하여 크랙의 가상패턴 디자인을 위한 알고리즘을 제작하였다. 기존에 컨트롤하기 어려운 크랙을 패턴화하여 점진적으로 배열하였고, 디자인된 패턴을 실제 적용해 보기 위해크랙이 강조될 수 있는 조명 타일을 제작하였다. 본 연구를 통해 산업적 측면에서 부정적인 의미로 도출되는 크랙을 예술적으로 활용함으로써 새로운 가치를 제시하였다. 또한 비정형적이고 우연적으로 표현되던 도자기법을 타 분야의기술로서 컨트롤함으로써 새로운 표현으로 확장 가능성을 발견하였다.
In ceramics, crack is available in many applications. However, there is no attempt to study and control the crack in concept design. This is about research on ceramic crack patterns using parametric design. The study aims to show possibility of new ceramics expression through technology convergence in different fields. The digital design process is gradually progressing, and technological advance has made design behavior more efficient. In particular, parametric design, which means to design things using parameters forms irregular shapes quickly and easily and is used in many fields. This contains potential power to influence on the ceramics art. For that to happen, an understanding of design process and ceramic materials is required. Based on the understanding of the process assigning parameters to morphogenesis, we sought a method to apply it to the physical properties of the material, soil. Crack, one of the physical properties of soil, is made irregularly due to the difference of moisture. The existing ceramic expression technique using cracks is based on chance so impossible to control crack formation. We wanted to find out how to the cracks by applying the parametric design. Experiments to find the controllable variables among the crack formation conditions were conducted and it was concluded that the expansion height of the soil is suitable as a parameter. Based on these results, we have developed an algorithm for virtual pattern design of cracks using a digital program called Grasshopper. Cracks which are difficult to control gradually arranged, and we have made a lighting tile that can highlight the cracks in order to actually apply the designed patterns. Through this research, we have presented new value of cracks which is viewed in negative way in industry. In addition, we discovered the potential to expand into a new expression by controlling the free-formed and accidental ceramics method, as technology of other fields.

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마틴 스미스(Martin Smith) 작품의 미니멀리즘적 표현과 조형성 연구

이반디

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.179-192

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본 연구는 영국의 미니멀리즘 도예가 마틴 스미스(Martin Smith)의 작품에 드러난 미니멀리즘적 표현에 관한 고찰이다. 마틴 스미스의 작품은 라쿠(Raku)소성에 의한 작품에서 출발하여레드웨어(Red Ware)에 의한 작품들까지 미니멀리즘적이며 건축적 형상을 유지하고 있다. 또한용기(vessel)의 형태에서 크게 벗어나지 않는 도자의 공예적 주체성을 지켜왔다. 이에 본 연구에서는 현대 미술의 미니멀리즘 양식에서 볼 수 있는 간결성, 반복성, 건축성을 바탕으로 마틴 스미스의 작품에서 나타나는 도자 미니멀리즘의 조형언어에 대해 분석하고자 한다. 도자의 미니멀리즘은 순수미술의 미니멀리즘 양식과는 다소 차이를 보이고 있다. 도자의 주된 재료가 점토와 유약이라는 제한적인 부분이 순수미술의 양식을 차용하기에는 재료적 한계가 있고, 미니멀리즘의 본질인‘사물로의 환원’을 도자로써 표현하기에 무리가 따른다. 미술품을 특정한‘사물’로 규정하고 산업용 재료를 그대로 제시하였던 순수미술의 미니멀리즘에비해‘도자’는 이미 점토와 유약의 소성결과이기 때문에 미니멀리즘을 구성하는 근본적 형식에 위배된다. 이에 도자의 미니멀리즘은 순수미술의 미니멀리즘 특성 중 일부분만을 차용하여 나타내고 있음을 알 수 있다. 이러한 도자 미니멀리즘의 특성을 바탕으로 제작된 마틴 스미스의 작품은 크게 세 단계로분류할 수 있다. 초기의 작품에서는 라쿠소성의 과정에서 나타나는 검은 그을음과 유약의 대비를 통해 그리드(Grid) 문양을 표현하며 미니멀리즘의 객관적 추상성을 보여주었고, 이후 레드웨어(Red Ware)를 사용한 작품들에서는 건축물의 형상을 모티브 하여 직선적이고 건축적 구조를 통해표현한 용기작품, 그리고 금속 재료와의 병치를 통해 레드웨어와 금속박(箔)의 색상대비를 나타내는 작품들로 구분할 수 있다. 이러한 마틴 스미스의 실험적인 조형언어가 도자의 전통적 형식에서는 벗어나지만 결국 도자 미니멀리즘으로 구체화 되어 현대도예의 확장된 개념과 표현을 나타내었다.
This study is an examination of minimalist expressions in British minimalist Ceramic Artist Martin Smith's works. Martin Smith's works maintain minimalist and architectural forms, starting with those by Raku burning to works by Red Ware. In addition, they have kept the craft identity of ceramics, keeping the form of a vessel. Thus, this study would analyze the minimalism of ceramics appearing in Martin Smith's works based on simplicity, repetitiveness and architectural quality that can be seen in the minimalist style of modern art. The minimalism of ceramics shows some difference from the minimalist style of fine arts. There is a limitation that the traditional materials of ceramics are clay and glaze, which is a material limitation to show the style of fine arts as it is. In addition, it is difficult to express the essence of minimalism, ‘reduction to things’ with ceramics. This is because, as compared to the minimalism of ceramics that presented industrial materials as they were, ‘ceramics’ are already the outcome of the plasticity of clay and glaze. Thus, it is noted that the minimalism of ceramics borrows just a part of the minimalist style of fine arts. Martin Smith’s works produced based on the characteristics of the minimalism of ceramics, can be classified broadly into three stages. His earlier works showed the objective abstraction of minimalism, expressing the grid pattern through the contrast between soot and glaze shown in the characteristics of Raku. His later works that used Red Ware with the shape of a building as a motif can be divided into vessel works of expression through the linear and architectural structure and the works that show the contrast of color between Red Ware and Metal Foil through the juxtaposition with metal materials. This Martin Smith's experimental formative language deviated from the traditional form of ceramics, but finally, it was concretized as the minimalism of ceramics and showed the expanded concept and expression of contemporary ceramic art.

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10

기하학적 구조의 도자 연구

이지연, 정진원

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.193-205

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본 연구는 도판을 기초하여 기하학적 구조를 응용 조사하였으며, 도판 제작에 재료적 접근을통해 구조 표현의 시각적 다양성을 연구하였다. 이는 제작 방식과 기하학 구조의 표현 확장가능성 및 응용 가치를 추구하였다. 기하학적 구조는 시각적으로 군집된 형태를 띠고 있지만 도판의 제작과 결합으로 시간적, 공간적 이동을 상징하며 변화를 통한 즉흥성을 지니고 있다. 변화는 형, 비례, 색, 두께 등으로나타날 수 있으며, 이는 기하학의 시각적 변화에 조화와 균형 혹은 상충과 대비적 요소를 통해 다양한 형상 추출이 가능하다. 이러한 기하학의 다양한 시각 언어를 통해 미학적 예술표현의 기초가 되고 있다. 또한 도판의 반복적인 결합을 통해 만들어지는 새로운 형태의 조형적특성은 조형제작 과정을 명확하게 지니고 있다. 이때 기하학적 구조 표현에서 도판 제작에 형태적 변화뿐만 아니라 재료적 변화를 통해 다변적 접근을 모색하였다. 도판의 제작 방식과 결합 방식의 변화를 통한 과정은 기하학적 형태 구현에도 시각적 변화를 가할 수 있다. 이는 일반적으로 제작되는 도판으로 결합되어 만들어지는 과정에 흡수성 재료의 접근으로 결과물 표현에 영향을 주었다. 따라서 도판의 근본적인 제작 방식의 변화와 이를 통한 기하학적 구조표현의 확장은 다채로운 응용으로 차별화된 이미지를 도출할 수 있다.
This study examines the visual aesthetics of purity and wholeness in geometric structures based on using ceramic plates and investigates a distinctive approach to materials in order to represent a variety of expressions. This develops the possibilities of applying special techniques and creating diverse forms of expression. The accumulated forms in geometric structures represent the movements of space and time due to the act of stacking each ceramic plates. And the method of accumulating carries/involves the spontaneity of defining shapes. Different forms of structure can be elaborated by changing the elements of art with harmony and contrast: proportion, form, color, thickness, etc. These fundamental features on the visual language are essential to aesthetic expressions. The technique of repetitive accumulations shows the original characteristic in the process of making different forms and shapes. Not only changing shapes but also choosing other materials to make the ceramic plates is an effective way to bring differences. Making the ceramic plates with absorbent materials creates unique textures. This paper has investigated that modifying the technique of producing the ceramic plates and expanding the possibilities of the aesthetic expressions in geometric structures provide exceptional images in art.

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형(形)의 중첩에 관한 도예 사례 연구

장완, 이상용

한국도자학회 한국도자학연구 Vol.15 No.2 2018.08 pp.207-219

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본 연구는 중첩의 개념과 조형적 특성을 이해하고 현대 도예 작품 속에 나타나는 형의 중첩을 고찰하는 것을 목적으로 한다. 독일의 예술심리학자인 루돌프 아른하임은 중첩이 형태 간의 관계를 더욱 긴밀하게 만들며 조형적으로는 다양한 변화를 이끌어내는 방법이 된다고 하였다. 중첩으로 형성된 형태 간의 긴밀한 결합은 구조적인 효과를 내며 일정한 반복 속에서 연속성을 부여하고 리듬감을 형성하며 부동의 화면에서 시간적 요소를 개입시킨다. 이는 관람자로 하여금 공간적 깊이감을 느끼도록 하여 시각적으로 공간의 유동성을 형성하며 무한함을 느끼도록 유도한다. 본 연구에서는 현대 도예 작품 중 형의중첩이 나타나는 사례를 형태의 기본적 분류에 따라 나누어 사례 연구하였다. 선형요소의 중첩을 이용한 누알라 도노반과 로렌 나우만, 면형요소의 중첩을 이용한 루돌프 스타펠과 모리야마 칸지로, 공간요소의 중첩을 이용한 매튜 챔버스와 카메이 요이치로의 작품 사례를 분석하고, 중첩이 시각언어로써 어떤 특징을 갖는지 비교·분석하였다. 이를 통해 본 연구는 형의 중첩이 현대 도예에서 공간성, 통합성, 반속성, 연속성 등을 동반하는 시각언어로써 역할을 수행하고 있음을 알 수 있었다. 이에 본 연구는 형의중첩을 통해 현대 도예의 조형성을 확장하는 가능성을 확인할 수 있다는 점에서 의미가 있다.
The purpose of this study is understanding the concept of overlapping and examining the characteristics of overlapping forms in contemporary ceramics. Rudolf Arnheim, a german art psychologist, stated that an overlap makes the relations between objects stronger and creates various formative alterations. An intimate union of overlapped forms leads to structural effects; the constant repetition creates continuity and rhythm, which provides time elements to the fixed scene. From this pattern, the viewers perceive not only the spatial features such as depth and movement, but also the infinity of the world. In this study, various cases of overlapping in contemporary ceramics were sorted into three basic categories in order to examine the features of overlapping as a visual language. First, the works of Nuala O'Donovan and Lauren Nauman are composed of overlaps of linear features. Second, Rudolf Staffel and Moriyama Kanjiro applied planar elements to their art. Finally, Matthew Chambers and Kamei Yoichiro implemented spatial elements. From this result, it is confirmed that the overlapping of forms performs the role as a visual language with extensity, integration, repeatability, continuity and so on in contemporary ceramic art. Thus, this study is meaningful that it identifies the possibility of expanding the formativeness of contemporary ceramic art through the overlapping of forms.

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