Earticle

현대도자예술은표현의영역확장을위해다양한장르간융합과모색을통해변하고있다. 1950년 대 추상표현주의 도예의 출현 이후 회화미술은 기능을 중시하던 전통도예의 탈 형식화에 큰 영향을 끼 쳤다. 특히 도자회화에서 청화와 수묵화는 재료에 따른 표현 방식은 다르나 본질적으로 유사한 점이 있다. 수묵화의 물(水)과 먹(墨)으로 표현된 우연성, 신속성, 예술의 형식미(形式美)와 내용미(內容美)를 중시하는 사의적(寫意的) 사상이 그러하다. 사의는 일반적으로 감각의 형식과 작가의 주관적 해석을 중 시하는 것으로 심미적 개성을 강조하는 20세기 표현주의(Expressionism)회화와 유사점이 있다. 전통적 으로 청화기법은 수묵화기법의 영향을 받아 발전되어 왔으며, 14세기 중국 청화백자가 출현하면서 수 묵화기법이 적용된 사례들을 볼 수 있다. 수묵청화는 수묵화와 청화백자 두 분야에 대한 이해가 필요 하다. 본 연구는 이러한 수묵화기법을 활용한 ‘수묵청화’의 현대적 표현의 기반조성과 확장성을 목 적으로‘청화분수’, ‘청화공필’을 중심으로 고찰하였다. 논문의 도입부에서는 수묵화와 청화표현의 이론적 배경을 서술하였으며, 표현주의 미술과 수묵청화의 사의(寫意,xièyì)를 통해 표현기법의 당위성 및 유사성을 고찰하여 이론적 근거를 규명하고자 하였다. 본론 중심부에서는 대표적인 청화기법의 표 현과정을 소개하고, 본 연구의 논지와 부합되는 사례작가들을 선정하여 각각 어떤 특징을 가졌는지 분 석하였다. 연구 결과를 통해 체계적인 도자회화의 이론과 실기의 데이터를 확보하는 계기를 마련하였 으며 새로운 현대 도자 조형예술로서 기반 확립과 확장성을 기대한다.

Contemporary ceramic art is expanding its expression areas through the fusion of various genres. After the advent of abstract expressionism in ceramic arts in the 1950s, painting art has had a great influence on the pursuit of post-formalism of traditional ceramics that emphasized functionality. Especially, in ceramic painting, Cheonghwa and Sumukhwa use different expression methods depending on the material, but there are essential similarities. Contingency and speed are expressed with Cheonghwa’s cobalt pigments and Sumukhwa’s water and black ink('meok'), respectively, and they both contain the Xièyì(寫意) ideology that emphasizes the beauty of formality(形式美) and content of art(內容美). Xièyì is similar to 20th century Expressionism painting that emphasizes a form of the senses nd the subjective interpretations of the artist. Traditionally, the Cheonghwa technique has been developed under the influence of the Sumukhwa technique, and examples can be seen with the advent of Chinese Cheonghwabaekja (blue and white porcelain) in the 14th century. To understand ‘Sumuk-Cheonghwa’, it is necessary to have a sufficient understanding of the two fields of Sumukhwa and Cheonghwa. This study is to establish the basis of the modern expression of ‘Sumuk-Cheonghwa’ using the Sumukhwa technique and to expand its application to modern ceramics. To do so, it is analyzed by focusing on ‘Cheonghwa Bunsu’ and ‘Cheonghwa Gongpil.’ In the introduction, the theoretical backgrounds of Sumukhwa and Cheonghwa expressions are described, and the rationale and similarity of expression techniques are examined through Expressionism art and Sumuk-Cheonghwa’s Xièyì to clarify the theoretical basis. In the main body, the expression process of representative Cheonghwa techniques is introduced, and artists who are consistent with the thesis of this study are presented to analyze their characteristics. Through this study, it is expected to provide an opportunity to discuss the theory and practice of systematic ceramic painting and to promote the establishment and expansion of new contemporary ceramic art.

본 연구는 도예활동을 교육적으로 활용한 국내 연구를 통해 아동·청소년기 도예활동의 특성을 분 석함으로써 아동·청소년에게 미치는 도예활동의 교육적 의미와 가치를 파악하는데 연구의 목적을 두 었다. 또한 장애 아동·청소년과 비장애 아동·청소년 도예활동이 추구하는 교육적 가치를 비교하기 위해 영역을 분류하여 재분석을 시도하였다. 이를 위해 국내의 주요 데이터베이스를 이용하여, ‘도예+ 교육’, ‘점토+교육’ 및 ‘clay+education’ 등의 핵심어와 아동, 청소년, 장애 등의 핵심어를 추가하 여 검색하였다. 논문 게재 시기는 2001년 이후의 논문으로 한정하였고 이를 통해 추출된 54편의 연구 물을 발행연도와 연구대상(장애유무, 발달단계)으로 구분한 후, 연구유형(전공분야, 연구방법론), 프로그 램특성 및 교육적 성과에 대한 경향성을 분석하였다. 분석 결과, 장애 아동·청소년에 비해 비장애 아 동·청소년에 대한 연구가 많은 것으로 나타났고, 연구방법론은 양적 연구가 높게 나타났다, 활용재료 는 점토단일재료 활용이 복합재료 활용보다 높게 나타났다. 도예활동을 통한 교육적 성과는 장애 아 동·청소년과 비장애 아동·청소년 간 다르게 나타났는데, 장애 아동·청소년의 경우, 자아성장과 신 체발달을 주제로 한 연구가 많은 반면, 비장애 아동·청소년은 인지·창의성발달, 미적 감성·표현력향상, 사회성 관련 연구 비율이 높게 나타났다.

The purpose of this study was to understand the educational meaning and value of ceramics activities for children and adolescents. From domestic researches we analyzed the characteristics of ceramics activities in childhood and adolescence educationally. In addition, in order to compare the educational value pursued by children and adolescents with disabilities and those without disabilities, we attempted to reanalyze the prior studies by classifying the domains. For this purpose, we searched key words such as 'ceramic art + education(Kor.)', 'clay + education(Kor.)' and 'clay + education(Eng.)' and added key words such as children, adolescents and disabilities using major domestic databases. The publication period of theses were limited to theses after 2001, and the 54 theses extracted through this were first classified by publication year and research subject (disability presence, developmental stage), and then research type (major field, research methodology), program characteristics (used materials), and program's educational performance were analyzed. As a result of analyzing the research trends, the subjects of the study were more research on children and adolescents without disabilities than those with disabilities. As for the material, clay single material had a higher frequency of utilization than composite material. The performance of the ceramics activities was different between children and adolescents with disabilities and those without disabilities. In the case of children and adolescents with disabilities, many studies focused on self-growth and physical development, whereas for those without disabilities the ratio of researches related to development of cognitive and creative abilities, improvement of aesthetic sensibility and expressive power, and sociality were high.

길주요(吉州窯)는 중국 송원(宋元서기 900 -1368)시기 강남(江南)지역의 유명한 민간 가마이다. 가마 터가 현재 중국 강서(江西)성 길안(吉安)시의 영화(永和)진에 위치하고 있으며 , 길안은 당송(唐宋)시기 에는 길주(吉州)라 불려 길주요(吉州窑)라는 이름으로 되었다. 길주요는 당대(唐代) 말기부터 작품을 생 산하기 시작했고, 남송(南宋)시기에 절정에 이르렀으며, 원말명초(元末明初)에 이르러 점차 쇠락기에 접 어들었다. 이 가마터에서 약 500년에 달하는 기간 동안 수많은 작품이 제작되었다. 길주요는 송대 민간 가마터로서, 여기에서 제작된 제품의 종류는 다양하고, 지역적 특징과 민족의 예술적 색채가 매우 짙었다. 게다가 목엽천목(木葉天目), 전지첩화(剪紙貼花), 유하회화(釉下繪畫) 등 독 특한 장식 기법으로 세상에 이름을 알렸고, 자연스러우면서도 산뜻하고 밝은 미감을 선보였다. 그리고 여기서 제작된 제품은 국내외에 널리 판매되었고, 적지 않은 국가에 소장되었으며, 심지어 일본에서는 국보로 지정된 것도 있다. 길주요는 생산에 여러 장점을 흡수하였고, 과감한 혁신을 이루었으며, 유하 회화 기법을 탐구하여 송원시기 청화자(青花瓷)의 발전에 직접적인 영향을 미쳤다. 또한, 길주요는 중 국 고대 도자기 장식 기법에 대한 탐구와 발전에 많은 영향과 공헌을 하였다. 본문은 길주요 다완의 형태와 장식기법에 대한 길주요 찻 사발의 역사적 발전 맥락을 설명하고, 그 발전의 역사적 배경과 원인을 연구하였다. 도자회화 기법, 중국 도자문화에 대한 미적 감각에 대한 영 향도 분석하였다. 그리고 길주요 찻 사발의 형태와 장식의 변천 및 발전 과정을 탐구하여, 이러한 변 화의 추세가 당시의 민속문화, 공예의 발전, 대중의 심미 변화와 필연적으로 연관되어 있음을 논증하였고, 변화와 필연적으로 연관되어 있음을 논증하였다. 이러한 길주요의 독특한 장식기법을 연구하는 것은 온구지신(温故知新) 법고창신(法古創新)의 정신을 이어 받는 매우 중요한 가치라고 사료된다.

Jizhou ware is one of famous folk wares in the south of the lower reaches of the Yangtze river in Song and Yuan dynasties. The ware address is located on Jiangxi Ji’an city, Yonghe town, and Ji’an was called Jizhou in Tang dynasty, hence the origin of the ware produced here is called Jizhou ware by following generations. Jizhou ware started to produce works since the later period of Tang dynasty and ascended the peak in South Song dynasty. In Yuan dynasty, it was gradually waning. Throughout the around 500 years, there are numerous works are produced in Jizhou. As the folk ware address in Song dynasty, there are various categories of products in Jizhou ware, and regional characteristics and national artistic atmosphere are highly dense. Jizhou ware is famous for ubiquitous decorative skills like wood, leaves, paper-cut stickers and glaze painting, bringing people natural, fresh and gorgeous sense of beauty. Meanwhile, the products made in Jizhou are widely sold to foreign countries and collected by many nations. Among of it, most are cherished as national fortune in Japan. Jizhou ware’s production absorbed many advantages, went bold in innovation and explored glaze painting skills, affected development of blue and white porcelain for generations after Song dynasty and Yuan dynasty. In addition, Jizhou ware’s exploration and development on Chinese porcelain decorative skills in ancient times also made profound influence and contribution. After sorting out cultural relics and unearthed cultural relics collected in the museum, the paper summarized origin and development of Jizhou ware workshop, figure, fire and glaze of Jizhou ware of teacup and bowl, and decorative techniques. Moreover, it discussed transition and development course of figure and decoration of Jizhou teacup and bowl, demonstrated that this trend of change is inevitably in relation to then folk culture, growth of crafts and aesthetic changes of public. It hopes to provide reference for expanding study on production of modern teacup and bowl through these observations.

문양은 언어나 문자와 마찬가지로 그 민족이 살아온 환경에 따라 고유한 형태를 지니며 나름대로 독 특한 성격을 나타내고 있다. 우리 고미술 중에서 특히 고 신라 시대의 토우와 신라 토기에 나타나는 문양은 그 시대의 독특한 신앙과 생활양식에서 우러난 자연스럽고 소박한 표현미, 추상미 그리고 자유 롭고도 일부러 꾸미려 하지 않은 조형성과 익살스러운 해학도 볼 수 있다. 본 연구에서는 문양의 의미와 함께 신라 토우와 토기의 문양 생성배경으로서의 문양의 기원과 상징 에 대해 알아본다. 그리고 고 신라 시대에 특별히 나타나는 조형 활동으로서의 신라 토우와 함께 표현 된 문양과 신라 토기에 새겨진 갖가지 문양의 특성을 형태와 상징에 따라 분류를 하였다. 그 문양에는 사물과 이미지를 개념화시켜 기호화한 기하학적 문양이 많았다. 문양은 크게 원점문, 거치문, 파상문, 집선문, 격자문, 선각화문으로 구분했다. 이 문양들에는 문양 자체가 가지는 상징성이 내재해 있고 이 들이 시문 되어 있는 토기와 항아리 어깨 위의 다양한 토우들의 성격과 같이하며 더욱 강조해 주는 역 할을 하고 있다. 각 문양이 적용된 토기, 토우와 함께 그 형태적 특성과 상징성을 규명하고 그림으로 문양을 직접 그려주고 표현하며 특징적 요소들을 정리하였다. 선사시대 암각화에서부터 그 기원을 찾 아 볼 수 있는 이 문양들은 다산과 풍요, 생의 영속성을 비는 민간신앙과 주술적 신앙이 깃들어 있고 신라 시대 토우와 토기의 문양으로 계승 발전되어 오늘날에도 사용되고 있음을 알 수 있다.

Like languages and letters, the patterns have their own unique forms depending on the environment in which the people lived, and show their own unique characteristics. Among our ancient art, the patterns especially on the earthenware and Silla earthenware of the ancient Silla period show the natural and simple expression, abstract beauty, free and unintended formability and humorous humor from the unique beliefs and lifestyles of the period. In this study, along with the meaning of the pattern, the origin and symbol of the pattern as the background of the creation of Silla clay figurines and pottery patterns are examined. In addition, the characteristics of the patterns expressed along with Silla figurines as a formative activity that appeared especially in the ancient Silla period and various patterns carved in Silla pottery were classified according to their shapes and symbols. There were many geometric patterns that were symbolized by conceptualizing objects and images. The patterns are largely divided into the circle point pattern, the gable pattern, the wave pattern, the concentration pattern, the lattice pattern, and an incised Figurine pattern. These patterns contain the symbolism of the patterns themselves, and they play a role in emphasizing the characteristics of the various clay figurines of the clay or pottery on which they are enshrined. Along with the clay figurine and pottery to which each pattern was applied, the morphological characteristics and symbolism were identified, the patterns were expressed in pictures, and the characteristic elements were organized. This pattern, which can be found from prehistoric petroglyphs, contains folk beliefs and shamanistic beliefs wishing for fertility, abundance, and permanence of life, and is well developed as a pattern of clay figurine and pottery in the Silla period, and is still used today.

본 연구는 도자 디자인에 대한 감성 디자인 이론의 영향과 의의를 연구하고 분석하는데 목적을 두고 있다. 본 연구자는 미국 심리학자 도널드 노먼(Donald Arthur Norman)이 제기한 감성 디자인의 세 단계를 근거로 사람들의 일상생활과 밀접한 실용도자를 연구 대상으로 선정하였다. 감성 디자인에 대한 이론적 분석과 우수한 사례에 대한 탐구를 통하여 도자와 감성 디자인 이론을 결 합하는 구체적인 방식을 모색하는 것은 세라믹 디자인 분야에 있어서 새로운 시도이다. 본 논문은 도자 디자인에 대한 감성 디자인 이론의 중요성을 탐구하였으며, 감정, 도자의 감정표현 과 감성 디자인 등의 개념 및 이론을 해석하였다. 이를 통해 감성 디자인과 심미, 조형, 기능성 등의 관계를 논술하고 노먼 교수의 감성 디자인 세 단계에 대해 심도 깊은 연구를 전개하였다. 마지막으로 우수한 디자인 사례의 비교 분석을 통해 도자 감성 디자인의 기본 표현 유형을 귀납하고, 이론적 시각 에서 도자 감성 디자인을 탐구하였다는 것에서 그 의의가 있다.

The purpose of this study is to study and analyze the influence and significance of emotional design theory on ceramic design. Based on the three stages of emotional design proposed by Donald Norman, an American psychologist, this paper selects practical ceramics closely related to People's Daily life as the research object. Through the theoretical analysis of emotional design and the discussion of excellent cases, I hope to explore the specific way of the combination of ceramic and emotional design theory, which is a new attempt in the field of ceramic design. This paper discusses the theory of emotional design for the importance of the ceramic design, through the emotional expression of emotion, ceramics and emotional design concept and theoretical analysis, this paper expounds the emotional and aesthetic design, the relationship between the humanization, personalization and fashion, and the professor Norman's emotional design on different layers of in-depth study. Finally, through the comparative analysis of a series of classic design cases, the basic expression types of ceramic emotional design are summarized, and the general method of ceramic emotional design is discussed from the theoretical point of view, which is meaningful from this point of view.

청화백자는 중국에서 유래한 것으로 동아시아는 중국 문화의 영향을 많이 받았다. 도자기 기술은 한 국과 일본에 차례로 도입된다. 또 한 그 지역의 문화를 녹여 나라마다 각 민족적인 특색을 가진 도자 기를 형성하였다. 꽃문양은 전통 장식문양일 뿐만 아니라, ‘희망', ‘길상', ‘행복' 등 의미로 담고 있어 17~18세기 청화백자에 널리 사용되었다. 본 연구는 17~18세기 중⦁한⦁일 청화백자의 꽃문양 비교 연구를 통해 나타난 각 나라만의 청화백 자의 회화적 표현을 소개하고자 한다. 이를 위해 2장에서는 중⦁한⦁일 청화백자의 시대적 배경이나 청화백자 문양의 시대별 분류를 고찰하고 분석하였다. 3장에서는 17~18세기 중⦁한⦁일 청화백자의 꽃 문양의 유형, 형태, 상징성 및 3개국의 장식기법과 청화백자 안료(顔料)의 종류를 비교 분석하였다. 본 연구는 이 같은 전통 꽃문양의 분류나 변천 과정을 충분히 이해하고자 하며 앞으로 본인 작품을 창작할 때 활용하고자 한다.

The white and blue porcelain originated in China and East Asia was greatly influenced by Chinese culture. Ceramic manufacturing techniques would be introduced to Korea and Japan in turn. The local culture was also incorporated into the ceramics, resulting in ceramics with national characteristics. The floral motifs are not only traditional decorative motifs, but also contain meanings such as 'hope', 'good luck', 'happiness'. there before widely used in white and blue porcelain, especially in the 17th to 18th century. This study is a comparative study of floral motifs on Chinese, Korea, and Japanese white and blue porcelain form the 17th to 18th centuries, with the hope of introducing the unique expression of white and blue porcelain painting in each country through floral motifs. For this purpose, the period background or the classification of each of celadon white porcelain patterns in China, Japan, and Korea is examined and analyzed in Chapter 2. Chapter 3 compared and analyzed the types, shapes, symbols, and decorative techniques of the three countries and the types of white and blue porcelain pigments in the 17th and 18th centuries. The purpose of this study is to fully understand the process of classification and change of this traditional floral pattern, and to utilize it in the future when creating my own works.

중앙아시아와 중국을 잇는 실크로드의 요충지이며 다양한 모습을 지닌 오아시스 도시 돈황에 4세기 부터 900여 년 동안 약 600여 개의 동굴이 형성되었으며 거의 모든 동굴에 불교와 당시의 생활상을 반 영한 벽화가 그려져 있다. 그 수많은 벽화를 구성하고 있는 요소 중에서도 비천의 이미지는 가장 독창 적이라 할 수 있는데, 본 연구는 그 비천의 이미지를 도자 장식재료인 고온의 색채 유약을 이용하여 재탄생시키려는데 그 목적이 있다. 연구범위는 돈황의 벽화 중에서도 북량시기를 시작으로 점차 쇠퇴 하기 시작한 당나라 말까지의 비천 이미지로 한정했으며 연구방법은 문헌과 현장조사를 시작으로 비천 의 특징을 먼저 파악한 후 고온색채유약을 활용하여 점토판에 비천의 이미지를 연출하였다. 돈황의 생 성배경과 역사를 고찰하기 위해 돈황 벽화의 시기를 북량과 북위, 서위와 북주 그리고 수나라와 당나 라로 크게 나누었고 각 시기마다 벽화에 그려진 비천의 이미지를 자세와 위치 그리고 색채 등으로 나 눠 그 구조를 분석하였다. 또한 비천 이미지를 정신미, 조형미 그리고 색채미로 분류하여 시작품을 제 작하기 전에 먼저 비천 이미지에 담겨 있는 미적 요소를 파악하고자 하였고 도자로 표현하기 위한 가 능성을 알아보기 위해 심미성 파악, 색채의 응용 그리고 제작기법 스타일 분석을 선행하였다. 시작품 제작을 위해 회화 기술과 색채에 대한 기법이 모두 절정기에 이르렀던 당나라 시대의 비천 이미지를 표본으로 삼았다. 그 비천의 이미지를 벽화의 느낌이 나도록 제작한 점토판 위에, 색유약을 붓으로 바르는 방법을 통해 오래된 역사의 흔적이 자연스럽게 배어 나오는 벽화의 느낌으로 재현하고자 하였다. 금속산화물을 사용해 제작된 색유약은 가마내에서의 요변현상과 함께 돈황 벽화의 느낌을 충분히 전달 해주었다. 이상의 연구를 통해 비천의 이미지를 현대의 미적 감성과 예술적 분석으로 재해석, 재탄생 시키고자 하였고 고대의 신비롭고 아름다운 이미지를 도자 표현 기법의 소재로 삼아 현대 도예의 표현 영역을 확장하고자 하였다.

About 600 caves have been formed in Dunhuang, an oasis city that connects Central Asia and China, and almost all caves have murals reflecting Buddhism and life at the time. Among the elements that make up the numerous murals, the most unique image is Apsaras. The purpose of this study is to recreate the image of Apsaras using high-temperature colored glaze, a ceramic decorative material. Among the murals of Dunhuang, the scope of the study was limited to the image of Apsaras until the end of the Tang Dynasty, which began to decline gradually, starting with literature and field surveys, and then using high-temperature colored glaze to create the image of Apsaras on clay plates. In order to examine the background and history of Dunhuang's creation, the period of Dunhuang murals was largely divided into Bukryang, Bukwi, Bukju, Sui and Tang Dynasty, and each period, the image of Apsaras painted on the murals was divided into posture, location, and color to analyze its structure. In addition, before producing the prototype by classifying the Apsaras image into emotion, beauty of formation and color, it first tried to grasp the aesthetic elements contained in the Apsaras image, and to find out the possibility of expressing it with ceramics. For the production of the starting product, the image of Apsaras from the Tang Dynasty, when both painting and color techniques reached their peak, was sampled. We tried to reproduce the image of Apsaras Stream on a clay plate with the feeling of a mural that naturally permeates traces of old history through methods such as applying it with a brush. The color glaze made using metal oxide fully conveyed the feeling of historical mural along with the changing glaze during the firing in the kiln. Through the above research, the image of Apsaras was reinterpreted and recreated through modern aesthetic sensibility and artistic analysis, and the expression area of modern ceramic was expanded by using ancient mysterious and beautiful images as the subject of ceramic expression techniques.

현대 도자 조형예술의 다양한 표현 방식이나 대상은 타 예술 장르와의 관계 맺기, 사회, 문화적 이 슈 등을 흡수하며 표현의 외연을 확장해왔다. 도자 조형은 주요한 재료인 점토의 가소성을 바탕으로 갈라짐, 변형, 수축 등의 물리적 특징뿐만 아니라 손과 도구를 사용하는 행위까지 확장하며 타 재료, 영역과 구별되는 독창적이고 특징적인 과정도 포함하고 있다. 본 논문의 서론 부분은 ‘촉각 감각’이 회화나 조각 등의 분야에 적용된 사례를 먼저 알아보고, 그 배경과 목적이 되는 이론적 배경을 알아본 다. 그리고 물성, 기능과 비(非)기능, 기법 등을 포함한 다양한 표현 방식의 차이가 나는 도자 조형의 표현과정에 적용되는 촉각 감각의 특징을 비교하며 효용과 가치를 확인해 보고자 한다. 최근 몇 년간의 팬데믹 상황에 따라 비대면 접촉을 선호하며 사회, 문화적 수요와 흐름이 변환되는 과도기가 되었다. 역설적으로 이러한 변화를 겪으며 대면접촉의 결핍과 부재로 인한 사회, 문화적 문 제도 증가하고 있다. 신체 지각의 감각 가운데 가장 원초적이며 생명 유지에 필수적인 감각이라고 할 수 있는 ‘촉각 감각’이 평면, 시각, 입체 조형 전반에 표현 요소의 확장 가능성으로 더욱 주목받고 있다. 물성의 질감, 표현과정에서 촉각 요소를 중요하고 유효한 표현 수단으로 여겨왔던 도자 조형에 서 적극적으로 촉각 감각을 표현 요소에 적용하면 공간감, 생명력뿐만 아니라 소통과 감각 전달의 심 화까지 확장될 수 있다. 현대 도자 조형예술 표현의 대상과 범위는 상당 부분 개념화되는 과정을 통해 변화되어왔다. 그 과 정에서 시각 감각의 실현과 전달이 중요한 비중을 차지하게 되었다. 타 분야보다 직접적 촉각 감각을 사용하던 도자예술 분야에서 개념화, 시각화되는 과정에서 촉각 감각의 가치는 점점 더 소홀해졌다. 물체의 무게, 질량, 거리, 질감뿐만 아니라 움직임이나 안정감, 따뜻함 또는 시원함 등과 같은 물체의 특성을 입체적으로 이해하도록 상상력을 자극하는 역할을 하는 촉각 감각이 적극적인 표현 수단이 되 어야 한다. 이를 통해 회화나 조각물과 구별되는 표현을 모색할 수 있고, 촉각적 자극을 이용한 경험 과 상상력을 끌어들여서 미적 즐거움을 증가시킬 수 있다. 촉각 감각을 이용해 강렬한 시각적 긴장, 활력과 같은 비가시적 감각을 더해 공간에 생동감을 얻을 수 있다.

As the studio craft movement, which puts individual expression as an important value, has been positively accepted in university craft education, the expression method and scope of ceramic formative art have continued to expand, accepting relationships with other art genres and social issues. The attitude to reflect the unique materiality of clay affects not only the production of functional things but also the production process of ceramic sculptures, which are metaphorical things for expression and communication purposes. Among the various attempts to expand and seek the area of ceramic expression, this study aims to pay attention to 'tactile sense' and 'tactile imagination' as a way to more three-dimensional delivery and effective application of ceramic expression. Since the Renaissance, tactile sensations in paintings and sculptures have been tried in various ways as a means of extending the limits of the plane into three dimensions or stimulating the imagination of the viewer. The addition of 'tactile' to objects represented by visual senses such as color, shape, and shape can deepen the depth, reality, vitality, and memory of space in the relationship between objects and spaces, amplify communication power, and activate visual tension and vitality. In ceramic sculptures that use individual expressions as a purpose and value, when 'Tactile Sensory' is added as a color or shape element, it extends to senses such as movement, stability, warmth, or coolness as well as weight, quality, and texture. This process can emphasize the Intention of the work and at the same time evoke an expanded imagination to understand the visual characteristics in three dimensions.

Based on the studies on the artistic language and artistic appearance in the creation of Chinese contemporary ceramic art, it can be seen that the aesthetic concepts of creation in the Song Dynasty have a deep impact on the creation of Chinese contemporary ceramic art.In this paper, the thought of "aesthetics" of creation" is first put forward on the basis of aesthetic style of the creation theory in the song dynasty, the expression form, cultural implication and emotional connotation of Chinese contemporary ceramic art creation are analyzed, sorted and summarized. The results show that Chinese contemporary ceramic art creation not only absorbs the advanced foreign ideas, but also is influenced by the zen concept of traditional creation aesthetics in the song dynasty, showing the pursuit of plain and natural, simple aesthetic concept and aesthetic ideal.

通过对中国当代陶艺创作中的艺术语言和艺术面貌的研究，我们已经能够看到宋代造物美学观念对于中国 当代陶艺创作的渗入。本文首次提出“造物美学20)”的思想，以宋代造物美学风格这一理论为切入点展开论 述，对中国当代陶艺创作表现形式、文化意蕴、情感内涵三个方面进行分析、归纳和概括。结果表明中国当 代陶艺创作在吸收国外先进理念的同时，也受到了宋代传统造物美学中的禅道21)观念的影响，表达了追求平 淡自然、简约质朴的审美观念和审美理想。

채도(彩陶)는 중국 고대 공예미술의 훌륭한 작품으로 장식 문양의 기하학적 구조와 표현기법이 뛰어 나 현대 장식예술 분야의 연구자들의 이목을 집중시켰다. 정통적인 기하학적 문양은 역사적으로 중국 문양이 도자장식에 시문된 된 최초의 장식 문양이며, 가장 널리 활용되고 많이 사용되었던 기하학적 문양이다. 이에 따라 본고는 논문 및 문헌을 바탕으로 중국의 앙소문화 채도의 문양이 신석기시대부터 형성되고 발전한 변천의 과정을 분석하는 데에 중점을 두었다. 많은 중국의 문헌에서는 신석기시대 장 식 문양의 원형과 변천 과정에 대해 다각도의 연구가 있었지만,1) 본고는 오직 소주(蘇州)대학교 교수 장붕천(張朋川)의 『중국채도도보(中國彩陶圖譜)』의 내용을 바탕으로 삼아, 신석기시대 채도의 기하학적 문양의 변천 과정을 체계적으로 정리하였고, 신석기시대의 장식예술을 이해하기 위해 구상적인 문양이 추상적인 기하학적 문양으로 변화하는 과정을 고찰하였다. 중국은 유구한 역사와 문화를 지닌 국가이자 민족이다. 전통문양에서 옛사람들의 사물에 대한 인식 과 형상화해내는 관점, 이를 통한 소통은 후세 사람들에게 흥미로운 문화유산을 어떻게 이해하고 활용 할 것인가에 대한 과제가 되었으며 이를 심도 있게 연구 분석하는 것은 큰 의의가 있다. 기하학적 문 양은 전통도자와 현대도자의 표면장식에도 중요한 표현 요소로 활용되고 있으며, 이러한 기하학적 문 양의 특성과 변화과정에 대한 연구는 현대 작품 제작에도 크게 활용될것으로 기대한다. 본고에서는 앙소문화의 반파(半坡) 유형 채도어문(彩陶魚紋)의 기하학적 문양과 묘저구(廟底溝) 유형 채도조문(彩陶鳥紋)의 기하학적 문양이 변천한 과정을 중심으로 연구하였으며, 현대도예에 적극적으로 활용될 수 있도록 기하학적 문양이 앙소문화 채도에 사용되었던 다양한 형식과 표현기법을 분석하였다.

Ancient painted pottery is an excellent creation in ancient Chinese arts and crafts. The geometric composition and expression techniques of its decorative patterns are prominent, which has attracted wide attention of researchers in the field of modern decorative art. Traditional geometric pattern is the earliest decorative pattern entering the decoration field in the history of Chinese pattern, and it is also the most widely used and the most active geometric pattern in the history of Chinese decoration. This paper analyzes and explains the evolution of the traditional Chinese geometric patterns in the Neolithic Age. Chinese literature for the Neolithic decorative pattern of matrix and the evolution process has a lot of discussion, this paper only with professor Zhang Pengchuan of Suzhou university of the Chinese colored pottery atlas as the basis, systematically organize the Neolithic era of colored pottery geometric pattern evolution process, examine the concrete pattern evolution into abstract geometric pattern process, in order to understand the Neolithic decorative art. China is a country and nation with a long history and culture. The design ideas, experience and skills of the ancients provided rich learning resources for future generations, which required us to deeply explore, sort out and learn. Geometry pattern plays an important role in traditional culture, and the inheritance and innovation of geometric pattern is a topic worth our research and discussion. This paper focuses on the evolution of geometric pattern of painted pottery fish pattern in Yangshao Culture Banshan type and the geometric pattern of bird pattern in Yangshao Culture Miaodigou type, and analyzes the application of geometric pattern on painted pottery in Yangshao Culture, so as to actively use it in modern ceramic art.